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Prats Nogueras Blanchard presentaremos un stand (9C06) con obras de:

 

Mercedes Azpilicueta, Juliana Cerqueira Leite, Victoria Civera, Luis Gordillo, Lola Lasurt, Ana Mendieta, Muntadas, Ester Partegàs, Perejaume, Wilfredo Prieto, José María Sicilia, Nancy Spero, Antoni Tàpies, Ignacio Uriarte y Juan Uslé.

 

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También tendremos un Solo Project de Josep Ponsatí (Banyoles, 1974) en un stand compartido con la galería Bombon (9A01).

 

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6-10 marzo | IFEMA Madrid 

Estamos felices de anunciar que Galeria Joan Prats y NoguerasBlanchard nos unimos para ser más fuertes, más relevantes y abrir nuevos horizontes. En 2024 empezaremos a operar como una misma galería: Prats Nogueras Blanchard.

 

Programaremos en dos espacios de exposición, uno en Barcelona y otro en Madrid.

 

Nuestra primera presentación como galería Prats Nogueras Blanchard tendrá lugar en ARCOmadrid. Y nuestra primera exposición, inaugurando la sede en Barcelona, será en abril con una muestra individual de Muntadas.

 

La nueva galería Prats Nogueras Blanchard es una alianza que encarna un compromiso colectivo para avanzar en el discurso del arte contemporáneo, abrazando nuestro pasado y afrontando los desafíos del futuro.

 

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Ens fa molta il·lusió anunciar que la Galeria Joan Prats i NoguerasBlanchard ens unim per a ser més fortes, més rellevants i arribar a nous horitzons. El 2024 començarem a operar com una mateixa galeria: Prats Nogueras Blanchard.

 

Programarem en dos espais d’exposició, un a Barcelona i altre a Madrid.

 

La nostra primera presentació com a galeria Prats Nogueras Blanchard tindrà lloc a ARCOmadrid. I la nostra primera exposició, inaugurant la seu a Barcelona, serà a l’abril amb una mostra individual de Muntadas.

 

La nova galeria Prats Nogueras Blanchard és una aliança que encarna un compromís col·lectiu per avançar en el discurs de l’art contemporani, abraçant el nostre passat i afrontant els desafiaments del futur.

 

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We are thrilled to announce that Galeria Joan Prats and NoguerasBlanchard are joining forces in a spirit of collaboration to become stronger and open new horizons. In 2024 we will start operating as one gallery: Prats Nogueras Blanchard.

 

We will programme in two exhibition spaces, one in Barcelona and another in Madrid.

 

Prats Nogueras Blanchard will see the light for the first time at ARCOmadrid. Our first exhibition, inaugurating the Barcelona headquarters, will be in April with a solo show of Muntadas.

 

Prats Nogueras Blanchard is a joint venture that embodies a collective commitment to advance the discourse of contemporary art, by embracing our past and facing future challenges.

 

📸 Gregori Civera

 

Museu d’Art de Cerdanyola, Cerdanyola del Vallès

19.01 – 10.03.2024

Inauguració i presentació, divendres 19 de gener, a les 19 h

Presentació a càrrec d’Alexandra Laudo, comissària de l’exposició

 

En l’origen de la història de la humanitat hi són les mans. Unes mans que es distancien del terra i que s’alliberen de la necessitat biomecànica d’avançar tocant el sòl, de sostenir un pes propi, fins aleshores repartit entre quatre extremitats.

En l’origen de la història de l’art europeu també hi són les mans. Moltes mans humanes, probablement de dones, siluetades a la paret d’una cova cantàbrica, una de les quals, amb 37.300 anys d’antiguitat, constitueix una de les pintures rupestres més antigues d’Europa.

L’exposició «Història de les mans» revisa alguns aspectes destacats de la història cultural de les mans i de la nostra relació tàctil amb el món, a partir d’un diàleg entre obres d’art contemporani d’artistes actuals i una selecció de peces del romànic, el gòtic, el Renaixement, el barroc i l’art modern procedents de la col·lecció del Museu Nacional d’Art de Catalunya. Les obres reunides ens conviden a pensar sobre les formes de comunicació, producció, relació i coneixement que al llarg dels temps s’han articulat a través de les mans i del contacte. L’exposició també dedica atenció a la progressiva evolució, en temps recents, cap a una cultura digital en què la manualitat conviu amb formes de relació fonamentades en el contacte dactilar i en la mediació de dispositius i pantalles tàctils, les quals mitiguen i transformen la nostra relació física amb els objectes, les persones i altres elements del nostre entorn.

Paradoxalment, «Història de les mans» revisa la funció de les mans i el valor del tacte en la cultura occidental, però ho fa a través de manifestacions que no podem tocar: obres d’art que ens està permès veure des d’una certa distància i que en alguns casos també podem escoltar, però que no podem conèixer ni sentir a través del tacte. Tot i que les mans estan, doblement, en l’origen de la creació artística —com a tema de representació i, alhora, com a element que executa aquesta manifestació—, l’art és quasi per antonomàsia el reialme de la imatge i la visió. D’acord amb aquesta lògica i amb la seva funció de preservar el patrimoni cultural (és a dir, tot el que en certa manera ens defineix com a humanitat i ens pertany a tots), els museus d’art i, en general, totes les institucions museístiques han esdevingut llocs on es prioritza la vista per damunt de qualsevol altre sentit, s’imposa la distància respecte als objectes observats i se’n prohibeix el tacte.

Tocar, a més d’aportar-nos informació sobre la textura, el pes, la temperatura i la consistència del que toquem, ens proporciona la intensitat i la intimitat d’una trobada física, i ens ofereix fins i tot la possibilitat d’establir una mena de contacte diferit amb tots aquells qui, abans que nosaltres, han tocat prèviament el que nosaltres toquem ara, eludint il·lusòriament la irreversibilitat de la mort, del temps i l’espai. Al llarg de la nostra existència, constantment palpem pells, objectes i superfícies que han estat tocats ja abans, molts dels quals probablement seguiran sent tocats per altres mans, tant familiars com desconegudes. Des d’aquesta perspectiva, podem pensar en les mans i en el tacte com quelcom que, a través de les pells acariciades, a través de les superfícies que s’han tocat i palpat, uneix la humanitat al llarg dels temps i en la distància dels espais.

El tacte és una forma de reciprocitat, ja que tocar equival sempre a ser tocat. Aquesta és potser l’essència profunda del que significa ser un cos sensible en l’espai, de transitar-hi tocant les pells d’altres cossos i les superfícies dels objectes i dels llocs. Tocar és deixar una part de nosaltres en la superfície del món i dels altres, i també és, alhora, canviar, mutar, ésser transformat en aquest contacte ens que altera la individualitat i ens permet ser, momentàniament, una singularitat plural.

Alexandra Laudo [Heroínas de la Cultura]

 

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Centro de Iniciativas Culturales (CICUS), Universidad de Sevilla

Exposición: 01/12/2023 – 25/01/2024

Inauguración: viernes 1 de diciembre, 20 h (precedida de una conversación entre Juan Uslé y Mira Bernabeu a las 19 h)

 

 

De Luz y Sangre es el proyecto expositivo que el artista Juan Uslé (Santander, 1954) presenta para esta ocasión. Pintor devoto de la abstracción (entendida como un empeño personal de reducir las cosas a su mínima esencia o noción), la pintura y la fotografía vuelven a ser sus instrumentos fundamentales. El eje vertebrador de esta muestra está constituido por pinturas de gran y pequeño formato y fotografías; bien integradas en contundentes polípticos que actualizan el concepto de retablo, bien dispuestas en un diálogo tan silencioso como elocuente.

 

Para la realización de este proyecto, Uslé estuvo recorriendo durante pretéritas semanas estivales diferentes museos, iglesias, monasterios y ciudades tomando miles de fotografías (más de cuatro mil quinientas). El Museo del Prado, la Colección Thyssen, la Academia de Bellas Artes de San Fernando, Granada, Sevilla y Murcia… Fragmentos fotográficos de cuadros, retablos, murales de distintas etapas históricas que culminaron en el Barroco. Obras de autores consagrados, otros menos conocidos y hasta algunos injustamente olvidados.

 

El binomio, la dualidad, la dialéctica ya presente en el título, se despliega en diferentes ámbitos a lo largo, ancho y alto no sólo del espacio arquitectónico (zona pública, compuesta, luminosa/espacio privado, único, oscuro). Pintura como materia, como abstracción, como expresión individual. Fotografía como registro de luz, como figuración, como comunicación social.

 

Luz origen de la vida, conocimiento, iluminación ambiental y mística. Sangre continuidad de la vida, pasión, sacrificio y martirio. Los excesos del Barroco han sido el fértil caldo de cultivo sobre el que se han articulado todas y cada una de las partes de esta exposición. Siglo de Oro de innegables brillos y oscuras vergüenzas, de opulencias y decadencias, de reformas y contrarreformas, de luz y sangre.

 

Juan Bautista Peiro

 

 

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Fundació Palau, Caldes d’Estrac

11/11/2023 – 11/02/2024

 

Presentem l’exposició “Ràfols Casamada. El passeig del poeta”, comissariada per Bernat Puigdollers, coincidint amb la celebració l’any 2023 del centenari del naixement de l’artista.

 

Albert Ràfols Casamada (Barcelona, 1923-2009) és conegut, essencialment, per la seva obra plàstica. Tanmateix, la seva àmplia trajectòria artística, de ressò internacional, ha eclipsat bona part de la seva figura polièdrica. El Ràfols pintor amaga el Ràfols pedagog −el fundador i director d’Elisava i Eina− però també el Ràfols poeta.

 

Pintura i escriptura es desenvolupen en la vida de Ràfols de manera simultània. L’una participa de l’altra. L’any 1937, a l’edat de catorze anys i en plena guerra civil, un joveníssim Ràfols Casamada escriu els seus primers poemes i pinta els primers quadres. Des d’aleshores, l’esperit sensible de l’artista procurarà atrapar instants en la pintura i la paraula. Totes dues disciplines entren sovint en una estranya simbiosi: el món poètic de Ràfols és eminentment plàstic. És una poesia que es pot veure, tastar, olorar, i palpar. Com la seva obra pictòrica, respon a una mirada sensible del món on es barregen present i passat, futur i nostàlgia. La paraula, en un gran exercici de síntesi, esdevé un intensificador de la vida, testimoni d’experiències, evocadora de mons.

Un dels seus primers llibres poètics publicats fou “Notes nocturnes”, aparegut el 1974, una fusió entre lletra i pintura en forma de poema visual. No serà fins l’any 1976 que, esperonat per Llibres del Mall i amb el recolzament del seu amic editor Josep M. Castellet, apareixerà publicat el volum “Signe d’Aire”, recull de bona part de la seva obra literària escrita fins aleshores. Després vingueren un bon nombre de llibres més: “Territori de temps” (1979), “Paranys i Raons per atrapar instants” (1981), “El color de les pedres” (1989), “Cinc notes angleses” (1990), “Hoste del dia” (1994) o “Policromia o la Galeria dels miralls” (1999). I a tots aquests títols cal afegir-hi encara nombroses edicions limitades autoeditades per l’artista o bé edicions de bibliòfil de tirada curta.

 

Malgrat tot, la seva obra literària resta encara en l’oblit i clama per ser recuperada. Amb aquest objectiu, l’exposició vol endinsar-se en el món poètic de Ràfols, desentrellar-ne els seus orígens i fer-lo accessible al gran públic, establir ponts entre la seva obra i la d’altres companys de generació que l’ajudaren, com són Palau i Fabre, Joan Perucho, Castellet, Joan Teixidor, Salvador Espriu, Maria Aurèlia Capmany… Posar, en definitiva, la seva obra literària al lloc que li correspon.

 

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Caixaforum, Madrid

30.11.2023 – 31.03.2024

 

El germen de la exposición es una selección de obras de paisajes de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, cuya visión sobre el paisaje queda ampliada con préstamos procedentes de artistas y colecciones de distintas instituciones.

 

En la cultura europea, el paisaje empezó a valorarse como un género pictórico a partir del siglo XVII y alcanzó su máxima expresión en el siglo XIX, desde el Romanticismo hasta el Impresionismo. Actualmente, el paisaje natural ha vuelto a la palestra debido a las posibilidades de fabulación que permite la tecnología digital, así como por la inquietud que genera el deterioro de la naturaleza y la amenaza medioambiental del cambio climático. Si en un principio el paisaje permitió soñar con la idea de paraíso y dio forma a lugares desconocidos o remotos, hoy cobra de nuevo relevancia en el arte con la hibridación de imágenes y la posibilidad de crear nuevas ficciones.

 

El título, “Horizonte y límite”, quiere enfatizar la manera cómo percibimos el territorio. Ante la inmensidad del mundo, el ser humano solo puede aprenderlo encuadrando la mirada y representando lo que, en definitiva, es una ilusión. La muestra está dividida en secciones temáticas que abordan la ficción del paisaje, la percepción y la vivencia del paisaje, así como el impacto humano en la naturaleza.

 

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Lola Lasurt

Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre

TEA Tenerife Espacio de las Artes

17/11/2023 – 10/03/2024

Inauguración, viernes 17/11/2023, a las 19:00 horas

 

TEA inaugura ¿Cuánto dura un eco?, exposición que forma parte de la Sección Oficial de la XVII edición de la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre. La muestra se articula en torno a una generación de artistas que durante la segunda mitad de la década de los sesenta y en los setenta fotografiaron un movimiento de mujeres y un feminismo que irrumpió en la esfera pública. Son imágenes que cristalizan un mundo que no contemplaba la subjetividad de la mujer, en relación con las cuales se busca generar un sistema de correspondencias con otras artistas que se enunciaron desde una pluralidad de feminismos. 

Curaduría: Violeta Janeiro Alfageme

 

Artistas: Irene de Andrés / Pilar Aymerich / Colectivo de Cine de Clase (Helena Lumbreras y Mariano Lisa) / Costa Badía / Cecilia Bartolomé Pina/ Marcelo Brodsky / Cabello/ Carceller / Cooperativa de Cinema Alternatiu / Colita/ Teresa Correa / Maribel Domènech / Miriam Durango / Marisa González/ Martha Graham / Juan Hidalgo / Lola Lasurt / Jana Leo / Manuel López/ Helena Lumbreras / Paz Muro / Itziar Okariz / Ana Teresa Ortega / Paloma Polo/ Diego del Pozo Barriuso / Maruja Roca / Florencia Rojas / Mireia Sentís / Gerda Taro/ Anna Turbau / URA/UNZ (Lourdes Durán/ Paloma Unzeta) / Darío Villalba/ María Zárraga / Aimée Zito Lema

 

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Ca l’Arenas. Museu de Mataró

11/11/2023 – 07/01/2024

 

Exposició itinerant, comissariada per Alexandra Laudo, que revisa la història cultural de les mans i la nostra relació tàctil amb el món. A Mataró, la mostra compta amb una ampliació al M|A|C (Mataró Art Contemporani), amb peces de la col·lecció del Museu de Mataró.

 

Produïda per l’Oficina de Difusió Artística de la Diputació de Barcelona, «Història de les mans» planteja un diàleg entre obres d’artistes contemporanis i obres de la col·lecció del Museu Nacional d’Art de Catalunya. Alexandra Laudo, que té una llarga experiència en la pràctica curatorial independent, ha articulat el diàleg en nou àmbits temàtics i proposa una selecció de vint-i-cinc obres dels artistes Antoni Abad, Isabel Banal, Isabel Barios, Damià Campeny, Colita, Mirari Echávarri, Raquel Friera, Camille Henrot, Fermín Jiménez Landa, Claudi Lorenzale, Mestre de Cinctorres, Joan Morey, Antoni Muntadas, Levi Orta, Pasqual Ortoneda i María Sánchez, així com obres anònimes dels segles XIII, XV, XVI i XVIII i monedes del segle XX.

 

Per enriquir aquest diàleg, i com una mena de spin-off, a Mataró s’amplia la mostra al M|A|C Presó amb el títol «Les mans, els pits, els dits» on es presenten obres de la col·lecció del Museu de Mataró: dues pintures anònimes dels segles XVII i XIX i una sèrie de fotografies del brasiler J. R. Duran que es relacionen amb obres de les artistes contemporànies Verónica Aguilera, Diana Tamane i Eva Marín.

 

Amb la voluntat d’oferir recursos als visitants per contextualitzar i aprofundir en les temàtiques i els plantejaments de l’exposició, «Història de les mans» ofereix un servei educatiu, activitats complementàries, un espai de documentació i un catàleg. L’exposició també disposa de diferents serveis d’accessibilitat: textos en braille, amb caràcters grans i de lectura fàcil, interpretació en llengua de signes i serveis educatius adaptats.

 

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Museo Nacional del Prado, Madrid
07/11/2023 – 03/03/2024

 

Hasta el 3 de marzo de 2024, el Museo del Prado y la Fundación AXA emprenden un viaje que atraviesa la superficie brindando la contemplación de una fascinante realidad: la cara oculta de las obras de arte, su reverso.

 

El espacio de la exposición, comisariada por el artista Miguel Ángel Blanco, propone un recorrido abierto que da la máxima libertad a la relación espacial con las obras, sin jerarquías ni ordenación cronológica, dando entrada a artistas contemporáneos.

 

Esta exposición, estructurada en capítulos que tratan diferentes aspectos relacionados con las traseras, acogerá autores que por vez primera se exponen en el Prado como Van Gogh (1853-1890), René Magritte (1898-1967), Lucio Fontana (1899-1968), Pablo Palazuelo (1915-2007) , Antoni Tàpies (1923-2012), Sophie Calle (1953), Vik Muniz (1961), Michelangelo Pistoletto (1933) y José María Sicilia (1954) o Wolfgang Beurer (f. 1480-1504), Louis-Léopold Boilly (1761-1845), Carl Gustav Carus (1789–1869), Vilhelm Hammershøi (1864–1916), Martin van Meytens (1695-1770), Wallerant Vaillant (1623-1677), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) y Max Liebermann (1847-1935).

 

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Cabello/Carceller

DA2, Salamanca

10.11.2023 – 25.02.2024

 

El trigésimo tercer ciclo expositivo de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias del cine y vídeo en España, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Natalia Piñuel Martín y Enrique Piñuel Martín) para el DA2 – Domus Artium 2002, en su undécima temporada, está dedicado al colectivo artístico Cabello/Carceller.

 

Cabello/Carceller parten de la instalación, la performance, el vídeo, la escritura y el dibujo para cuestionar los modos hegemónicos de representación en las prácticas visuales y ofrecer alternativas críticas. La construcción social de la identidad y las políticas sexuales y de género atraviesan toda su trayectoria. Trabajan conjuntamente desde el año 1992 profundizando en la soledad con la que convive quien disiente de las mayorías, la necesidad de mantener una postura crítica en la defensa del derecho a las libertades de elección y de transformar el limitado régimen de afectividades en el que nos movemos. Para ello han conseguido construir una red colaborativa, incorporando voces minorizadas y heterodoxas en las prácticas artísticas, a través de las cuales generan recorridos multidisciplinares orbitando en torno a una narrativa queer, que asume otros cuerpos y otras posibles terminologías. La idea de relato y narración, el lenguaje, el pensamiento y la arquitectura se ponen al servicio de la denuncia social.

 

Esta será la primera vez que expongan de forma individual obra en Salamanca. Para esta ocasión se han centrado en su práctica e investigación a lo largo de casi 20 años sobre las disidencias de género y la temática trans vinculadas a la representación audiovisual y el relato de ficción.

 

Este Visiones Contemporáneas dedicado a Cabello/Carceller se completará con una clase magistral, que el colectivo impartirá el día de la inauguración de su exposición en el espacio de La Cocina del DA2.

 

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En les formes contemporànies d’exposar l’art és habitual que es presentin de manera conjunta les obres, com a producte de l’activitat artística, i els documents, o materials que les acompanyen, les contextualitzen i en potencien el significat. A mitjans del segle xx va començar a obrir-se un complex espai artístic en què se superposaven la recerca, la creació i el registre, la coexistència dels quals ha generat friccions constants que influeixen tant en la producció de l’art com en l’esfera institucional. Els documents han anat adquirint gradualment una posició cada vegada més visible, alhora que la línia que distingeix l’obra d’art de la documentació s’ha anat difuminant, en un procés que la multiplicació dels girs artístics i l’aparició de nous mitjans i formats no han fet sinó accelerar.

 

Aquesta situació planteja nombroses preguntes. Des d’una perspectiva econòmica, quines són les causes i les conseqüències de l’augment del valor de canvi dels documents? A la recerca comissarial i historiogràfica, quin valor informatiu s’atorga a les obres, i quin als documents? ¿Les institucions duen a terme la museïtzació adequada, o bé se satura el visitant com més va amb més dades i elements paral·lels a l’obra artística? A les col·leccions i els reculls, el valor d’ús dels documents i la seva accessibilitat al públic investigador estan encara garantits? Finalment, a la pràctica artística, quina és la responsabilitat de l’autor en relació amb les diferents metodologies de recerca i acumulació de dades que es fan servir avui dia?

 

Les Jornades d’estudi «Després de l’arxiu: obra i document» proposen obrir un debat sobre què són i què representen actualment tant les obres com els documents. Les jornades tenen dues vessants: la Facultat de Geografia i Història de la Universitat de Barcelona acollirà un seminari als matins, i a les tardes tindran lloc a La Virreina Centre de la Imatge unes taules de treball obertes al públic, en un format híbrid amb ponents presencials i online. Totes dues activitats parteixen del marc dels debats sobre l’art i l’arxiu, cada cop més habituals des de mitjans del segle xx, però prenen un altre sentit i un punt de vista específic. Sobre la base dels enfocaments d’una sèrie de professionals que fan diferents rols en el camp de l’art, el diàleg se centrarà en l’anàlisi dels trets que distingeixen entre l’obra i el document, els dos principals elements significants en la creació artística.

 

Entitats organitzadores: La Virreina Centre de la Imatge, Global Art Archive (GAA) de la Universitat de Barcelona (UB) i ARXIU/AM.

 

 

La Virreina Centre de la Imatge (Espai 4)

Dilluns 23 d’octubre a les 19 h

 

CONFERÈNCIA
Claire Bishop – Information Overload
Dinamitzen: Antoni Muntadas i Valentín Roma

 

Claire Bishop és historiadora de l’art i crítica, i des del 2008 treballa al programa de doctorat d’Història de l’Art del CUNY Graduate Center (Nova York). Entre els llibres que ha escrit hi ha Artificial Hells: Participatory Art and the Politics of Spectatorship (2012), que va guanyar dos premis, Radical Museology, or, What’s Contemporary in Museums of Contemporary Art? (2013) i un llibre de conversa amb l’artista cubana Tania Bruguera (2020). És redactora col·laboradora d’Artforum i els seus escrits s’han traduït a vint idiomes. Té dos llibres en preparació: Merce Cunningham’s Events: Key Concepts i Disordered Attention: How We Look at Art and Performance Today.

 

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) treballa en la seva obra temes socials, polítics i de comunicació, així com la relació entre l’espai públic i privat dins d’un marc social, i investiga els canals d’informació i la forma en què són utilitzats per censurar informació o promulgar idees. Realitza projectes en diferents mitjans com fotografia, vídeo, publicacions, internet i instal·lacions multimèdia. Des de l’any 1995 Muntadas ha agrupat un seguit de treballs i projectes sota la denominació On Translation. Són obres de contingut, dimensions i materials molt diversos, i totes giren a l’entorn d’una experiència personal de l’autor, al llarg de més de quaranta anys d’activitat com a artista en nombrosos països. En reunir les obres sota aquest epígraf, Muntadas les ubica a l’interior d’un cos d’experiències i preocupacions concretes sobre la comunicació, la cultura del nostre temps i el paper de l’artista i de l’art en la societat contemporània.

 

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la ocupación

Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid

Salas 3, 4 y 5

 

Del 7 de octubre de 2023 al 10 de marzo de 2024

 

 

 

En la línea de reivindicación de artistas de la Asociación Colección Arte Contemporáneo se inscribe el proyecto “La ocupación. Carta blanca a Cabello/Carceller”, una exposición que tiene en la ambivalencia de su formato su principal singularidad. Se encuentra el proyecto a medio camino ente la muestra retrospectiva y el trabajo específico, pues reúne un buen número de piezas realizadas por Cabello/Carceller desde los años noventa y un nutrido conjunto de trabajos seleccionados por ellas mismas a través del que trenzan una suerte de genealogía. Ésta se fragua a través del afecto, que opera en contra de afinidades normativas, y tiene su armazón conceptual y narrativo en sus cuidadas referencias a la tradición y en sus certeras prospecciones de futuro. El elenco de artistas es amplio: nace de figuras históricas como Maruja Mallo o Remedios Varo, ambas pertenecientes a la Asociación Colección Arte Contemporáneo, para llegar a jóvenes posiciones de nuestro tiempo a través de creadoras esenciales de los años sesenta y setenta, como Esther Ferrer, Elena Asins, Eulàlia Grau o Angels Ribé, y la exposición contará con fondos procedentes de las prinicipales instituciones del país como el Museo Nacional del Prado, MNCARS, MACBA, Artium, Guggenheim y Fundación Banco Santander.

 

 

OCUPANTES: Alejandría Cinque – Alicia Kopf – Álvaro Perdices – Àngels Ribé – Azucena Vieites – Cabello/Carceller – Carlos Alcolea – Claudia Pagés – Cristina Garrido – Diego del Pozo – Dora García – El Palomar – Elena Asins – Esther Ferrer – Eulàlia Grau – Eva Fàbregas – Francesc Ruiz – Isabel Marcos – Itziar Okariz – Juan Carreño de Miranda – Juan Hidalgo – Leonor Serrano – Lucía C. Pino – Mari Chordà – María Tinaut – Maruja Mallo – Patricia Gadea – Paula García-Masedo – Paz Muro – Pepe Espaliú – Perla Zúñiga – Remedios Varo – Sandra Gamarra – Sonia Delaunay – Tórtola Valencia – Victorina Durán

Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria

06.10.2023 – 20.01.2024

 

El Centro de Arte La Regenta presenta La naturaleza de las cosas, primera exposición individual en Canarias de Chema Madoz, fotógrafo español galardonado con numerosos premios, entre ellos el Nacional de Fotografía.

Este proyecto expositivo comisariado por Oliva María Rubio, reúne una amplia selección de medio centenar de fotografías en blanco y negro, en las que Madoz crea metáforas poéticas a partir de objetos cotidianos.

La comisaria presenta la exposición a través del siguiente texto:

“Ajeno a las clasificaciones habituales, Chema Madoz subvierte las reglas de la naturaleza, dejando vagar su imaginación. Despliega su fantasía y funde los reinos animal, vegetal y mineral, dando lugar a un reino propio en el que transforma hojas, ramas, nubes, maderas, plantas, flores, piedras… ofreciendo las combinaciones más inesperadas.

Unas veces lo hace cambiando la función de los elementos de la naturaleza, otras haciendo asociaciones insólitas o jugando con la semejanza.

Chema Madoz se complace en trastocar la realidad, porque a pesar de su apariencia sólida e inalterable, una mínima variación puede hacernos conscientes de la fragilidad de aquello que nos rodea. A lo largo de los años, esas variaciones introducidas en los objetos —un campo fértil e inagotable para el artista— nos han hecho ver otras realidades, han expandido nuestro conocimiento e incluso nos han hecho esbozar una sonrisa al identificar o intuir sus mecanismos, porque, como él mismo señala, «toda manipulación está a la vista del espectador». De ahí que sus imágenes nos resulten extrañas en un primer momento, pero familiares y fácilmente identificables en cuanto detenemos nuestra mirada en ellas y reconocemos sus juegos, sus guiños, sus combinaciones, sus alteraciones.

Pero a lo largo de su carrera, Chema Madoz no solo ha trabajado con el objeto. Una mirada atenta nos hace descubrir la gran importancia que cobra la naturaleza en su trabajo y la cantidad de obras que le ha inspirado. Ahora bien, el artista opera con los elementos de la naturaleza de la misma manera en que lo hace con los objetos, buscando asociaciones, parentescos y encuentros fortuitos, realizando pequeños desplazamientos, combinaciones, yuxtaposiciones, metamorfoseándolos.

Chema Madoz trabaja con los elementos de la naturaleza, al igual que lo hace con los objetos, de todas las maneras posibles y a veces la sorpresa proviene simplemente del cambio de función de los objetos (un dedal convertido en una maceta). Como un mago que realiza milagros, Chema Madoz abre nuestra mente a un conocimiento más hondo de las cosas y de la realidad que nos circunda, haciéndola más compleja, expandiéndola y profundizando en ella.”

 

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Sala Alcalá 31, Madrid

27.09.2023 – 10.03.2024

 

La Sala Alcalá 31 presenta “dime quién eres Yo”, una exposición que reúne una extensa selección de obras de Luis Gordillo de los últimos veinte años y analiza en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este último periodo. Dos décadas en la que Gordillo ha puesto la pintura en el centro, con especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre esta y la fotografía, el collage y el dibujo, un territorio muy característico del artista en el que la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen la obra.

 

Un campo, el de la pintura, que en este siglo XXI, se ha liberado de las autodefiniciones estrechas y piensa la imagen como algo acuático, como cosas que se van y se pierden, a semejanza del agua se va entre las manos. En ese sentido, las obras de esta exposición se entienden como contenedores cuya función es dar una forma externa a lo que fluye, a lo que se acaba. Aunque todo en su pintura última está a punto de empezar.

 

Esta exposición enlaza con la muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó en 2007, año en el que el artista fue galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas. Por ello, “dime quién eres Yo” comienza con la pieza que cerraba aquella muestra para adentrarnos después en el corpus artístico que ha ido configurando desde entonces. Con el pulso agitado y activo que transmite la energía de un artista que a los 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones, la Sala Alcalá 31 organiza la mayor retrospectiva de su obra en Madrid desde entonces.

 

En las últimas dos décadas, su modo de pintar sigue siendo el mismo: el artista siempre está en la pintura pero no siempre está pintando. Luis Gordillo ha tenido cierta aversión a situarse dentro de un cauce único, no sólo en relación a una cuestión teórica o de concepto, sino más bien a una cuestión de carácter, de manera de ser y, sobre todo, de manera de sentir. De esa reflexión constante nace la experimentación, palabra clave de este proyecto. El objetivo es implicar al visitante, mostrarle las tensiones y energías que desprende el trabajo del artista desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros y temas recurrentes de su carrera y, por otra, una observación detenida de las convulsiones, exploraciones y derivas de su proceso creativo. Aunque, por encima de todo, esta exposición lo que propone es una celebración de una capacidad creativa única, la de un artista que a sus 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones.

 

Comisariada por Bea Espejo

 

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Espai B, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Palma de Mallorca

22.09.2023 – 10.03.2024

 

En aquesta exposició ens submergim en una relació/diàleg a dues bandes entre Carles Congost i Jeremy Deller, dos artistes que no es coneixen personalment i els treballs dels quals tenen molt en comú. Entre altres característiques, ambdós parlen de política des de i a través de la història de la música de ball i de la cultura de club. Així doncs, es planteja l’exhibició de dues obres clau en les seves carreres: Abans de la casa / Un biopic inestable a través del sonido Sabadell, una mena de documental abstracte amb aportacions de personatges com Àngel Casas i Eduard Escoffet, entre d’altres, i Everybody in the Place: An Incomplete History of Britain 1984-1992 [Tota la gent. Una història incompleta de la Gran Bretanya 1984-1992], una master class impartida per l’artista en una classe d’un institut britànic, amb moltes imatges d’arxiu de la BBC.

 

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Espai Poblenou, Passatge Saladrigas 5-9

Inauguración sábado, 16 de septiembre 2023, 21h

 

Estrany-de la Mota Art Advisors, Ptge. de Mercader, 18

Inauguración miércoles 13 de septiembre 2023, 19h

 

Exposiciones de 13 de septiembre del 2023 al 7 de octubre del 2023

 

¡La Blueproject Foundation cumple 10 años! Y para celebrarlo, presenta una nueva exposición colectiva titulada ‘Entre dos azules. Conmovidos.’ que se podrá ver del 13 de septiembre del 2023 al 07 de octubre del 2023 en dos espacios de Barcelona -Estrany-de la Mota Art Advisors y Espai Poblenou- dentro del marco del Barcelona Gallery Weekend.

 

Una muestra en la que los discursos y las formas se articulan desde lo íntimo, lo personal; esa ‘sensibilidad inteligente’ de la que hablaba Lispector-. Un diálogo colectivo que parte de la riqueza formal que ofrecen las reflexiones actuales sobre la hermenéutica de lo sensible. Una exposición en la que lo autobiográfico, las emociones y la subjetividad imaginan nuevas expresiones teóricas y materiales.

 

Una propuesta doble. O dual. En la que cada artista presenta una obra diferente en cada uno de los dos espacios expositivos, funcionando éstos de manera independiente y conectada a la vez. Una cuestión de distancia, de surcar el ‘entre’, ese intervalo imposible que nos aleja y nos conecta a las cosas, a los seres, a nosotras mismas. Ese punto ambiguo que llamamos horizonte y que reúne, por ejemplo, el azul ideal del cielo y el otro, infinito, del mar.

 

Artistas: Laía Argüelles, Nora Aurrekoetxea, Bestué &Vives, Cabello/Carceller, Julie C. Fortier, TR Ericsson, Alicia Kopf, Sofía Montenegro, Belén Rodríguez, Sinéad Spelman, Javier Pividal, María Tinaut, Alba Yruela.

 

Comisariado: Renato Della Poeta – Aurélien Le Genissel

 

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Muxart, Espai d’Art i Creació Contemporanis, Martorell

Inauguració 08.09, 19h

08.09 – 29.10.23

 

 

«Història de les mans» planteja un diàleg entre obres d’artistes contemporanis i obres de la col·lecció del MNAC. La comissària, Alexandra Laudo, articula el diàleg en nou àmbits temàtics —Les mans, l’autoritat, el poder; Les mans, la lectoescriptura, la història; Les mans, el control, la determinació; Les mans, el treball, les cures; Les mans, els diners, el valor; Les mans, els pits, el martiri; Les mans, la medicina, el cos malalt; Les mans, el desig, el pecat i Les mans, els inicis, els finals— i proposa una selecció de vint-i-cinc obres dels artistes Antoni Abad, Isabel Banal, Isabel Barios, Damià Campeny, Colita, Mirari Echávarri, Raquel Friera, Camille Henrot, Fermín Jiménez Landa, Claudi Lorenzale, Mestre de Cinctorres, Joan Morey, Antoni Muntadas, Levi Orta, Pasqual Ortoneda i María Sánchez, així com també obres anònimes dels segles XIII, XV, XVI i XVIII
i monedes del segle XX.

 

 

 

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El Born Centre de Cultura i Memòria, Barcelona

9/9 – 1/10/2023

Inauguració 8 de setembre, 17h

 

Aquest any El Born Centre de Cultura i Memòria commemora l’11 de setembre amb dues instal·lacions artístiques al conjunt arqueològic que reinterpreten dues derrotes que dialoguen en els temps i que representen alhora dues lluites: la derrota de la democràcia a Xile a causa del cop d’estat de l’11 de setembre de 1973 i la darrera defensa de Barcelona l’11 de setembre de 1714.

 

El cop d’estat va posar fi a la democràcia emparada per la Constitució xilena del 1925 i a la “via xilena al socialisme”. Va comportar persecucions, violència d’Estat i la inversió dels valors democràtics i republicans que fins aleshores havien sostingut la convivència dels xilens i la seva relació amb la justícia, la policia, les forces armades, les universitats, els municipis i el govern.

 

La instal·lació Dos minutos y medio para el mediodía del 11 de septiembre de 1973, de l’artista Fernando Prats, rememora el 50è aniversari d’aquells fets evocant els elements visuals i sonors que encapsulen la tragèdia: el bombardeig de la Casa de la Moneda de Santiago de Xile i la seva retransmissió radiofònica. La Casa de la Moneda en flames i el fum gris que va envoltar el palau després del bombardeig són els elements que pren l’artista com a metàfora en la seva instal·lació, que consisteix en nou pintures fumades ubicades al jaciment i la reproducció de la locució de Radio Balmaceda del periodista Ignacio González Camus, que relata els instants del cop. A més, a la balconada, el visitant pot veure fotografies històriques dels moments clau de l’atac, una sèrie de dibuixos i un seguit d’arxius que documenten el context polític xilè i les terribles conseqüències que va tenir el cop d’estat.

 

Instal·lació a cura de Ricardo Brodsky.

 

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locura social

LOCURA SOCIAL, Musical contra un fusilamiento. Cabello/Carceller

 

Condeduque Madrid, Teatro

 

15 y 16 de septiembre, 20h.

 

 

 

“La locura social, consiste, en que el señalado como loco, está cuerdo, y que la sociedad en que vive no lo comprende y por lo mismo lo juzga mal.” (Agustina González López)

 

Dentro de la serie propuesta desde Condeduque y de la mano de ELAMOR, en la que artistas visuales se acercan a las artes escénicas, y después de En función de 1,2,3 de Isidoro Valcárcel Medina y El bicho de Dora García, se estrena en la presente temporada este encargo realizado a Cabello/Carceller. Locura social se presenta como un musical “degenerado”, en el sentido de distanciarse del género del musical al que traiciona, pero también del género binario al que traspasa.

 

En agosto de 1936, al comienzo de la Guerra Civil, fue fusilada en Granada Agustina González López, popularmente conocida como La Zapatera. Su cuerpo asesinado desapareció en Víznar junto a muchas otras personas represaliadas entre las que se encontraba también Federico García Lorca, amigo suyo de juventud. La zona se convirtió en una gran fosa común clandestina con la que se pretendió ocultar el pánico que tenían los sublevados a quienes no se ajustaban al tipo de sociedad castradora que finalmente consiguieron imponer. No hubo juicio previo, sí expolio de sus bienes y la casi desaparición de su trabajo y de su figura; enterrada también en el silencio. Pero la incapacidad de Agustina para encajar venía de lejos, causaba extrañeza su costumbre de pasear bajo una capa de húsar por la ciudad, de ir sola a los cafés… Incapaz de asumir el rol de género asignado al nacer, incapaz de resignarse a las desigualdades económicas que la rodeaban, incapaz de vivir en la pasividad, fue calificada como “perturbada”, perseguida y ridiculizada durante toda su vida en la ciudad que la vio nacer.

 

 

info y entradas

gravity

Schering Stiftung, Berlin

September 14 – November 26, 2023

 

 

In her solo exhibition, artist Annika Kahrs presents a new video work interpreting – in collaboration with the composer Louis d’Heudières and musicians from Los Angeles – the acoustic signal that helped make gravitational waves audible for the first time. Dr. Keith Thorne, physicist at the US-based LIGO (Laser Interferometer Gravitational-Wave Observatory), serves as scientific consultant for Kahrs’ artistic-musical exploration of gravitational waves. In 2015, LIGO was the first to translate gravitational waves – waves in the tissue of space-time that are created, among other things, by colliding black holes and that “travel” at the speed of light – into acoustic signals.

 

Kahrs uses the acoustic recordings of astrophysics to raise fundamental questions about how they stimulate our imagination and provide insight into events that are difficult to imagine. Kahrs sensitizes the film’s viewers to the fact that it is precisely such “unusual” sounds that always also challenge our understanding of hearing, sound, and not least music. In the words of scientist Keith Thorne, LIGO could indeed be seen as the quietest concert hall on Earth, detecting an extraterrestrial sound that is filtered out of a wealth of terrestrial background noise with maximum precision.

 

In her films, installations, and performances, Annika Kahrs deals with sounds in the broadest sense of the word. She is interested in sounds with special properties, including sounds in the infrasonic range, but also in sounds that, thanks to their physical properties, express a phenomenon such as the gravitational waves described above. Kahrs approaches these acoustic phenomena via the medium of music: her work opens an entryway into inaudible and hardly imaginable (sound) worlds, while also referring to both the possibilities and limitations of the audible.

 

The video work presented in the exhibition was created as part of her 2021 Villa Aurora Fellowship in Los Angeles and is made possible with support from MOIN Filmförderung Hamburg Schleswig Holstein and the Schering Stiftung.

 

 

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Ciccillo Matarazzo Pavilion, Ibirapuera Park, São Paulo

06.09 – 10.12.2023

 

Fundação Bienal de São Paulo announces the full list of 120 participants of the 35th Bienal de São Paulo – choreographies of the impossible, curated by Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes, and Manuel Borja-Villel, and the exhibit and spatial design, developed by the architects of Vão.

 

The announcement of the full list of participants consolidates the curatorial collective’s intensive research on the urgencies of today’s world and unveils the different formats, movements and understandings of the title choreographies of the impossible. With 120 names confirmed, the complete list echoes the voices of diasporas and native peoples, broadening local and international dialogue.

 

According to the curators: “The participants in this Bienal challenge the impossible in its most varied and incalculable forms. They live in impossible contexts, develop strategies of circumvention, cross limits, and escape from the impossibilities of the world in which they live. They deal with total violence, the impossibility of life in full freedom, inequalities, and their artistic expressions are transformed by the very impossibilities of our time. This Bienal embraces the impossible, the choreographies of the impossible, as a politics of movement and political movements interwoven into artistic expressions. It is an invitation to move among artists who transcend the idea of a progressive, linear, western time. Impossibility is the guiding thread and the main criterion that guides the selection of these participants.”

 

 

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11 de septiembre de 1973 fernando-prats

14 Julio, 2023 – 30 Septiembre, 2023

MAC Parque Forestal, Santiago de Chile

 

Inauguración 13 de julio, 18h

 

 

La obra de Fernando Prats está determinada por su relación con la naturaleza y el territorio, enraizada en los vínculos que establece con Chile. A lo largo de su trayectoria ha acuñado el término “geologicidad pictórica”, que comprende la pintura como un agente movilizador, una superficie activa que funciona a través de capas que se abren a nuevos desplazamientos. De estos desplazamientos surge la utilización del humo, elemento primordial en su trabajo, pues permite capturar las huellas y pulsaciones de la pintura. 

 

El humo es un signo que anuncia un acontecimiento, y ha sido utilizado históricamente por las culturas en el mundo, evocando la memoria, lo ritual, lo insurrecto y las catástrofes. La historia de Chile está plagada de hechos que a través del humo permiten generar un relato político-simbólico, desde las culturas originarias hasta la reciente revuelta y para su exposición en MAC Parque Forestal, el artista plantea al museo como un soporte en sí mismo para la obra en términos arquitectónicos, políticos, geográficos y geológicos.

 

 

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que vienen las suecas

Dissabte 8 de juliol, 19.30h, a l’Antiga Farinera, Corçà: projecció comentada amb Muntadas.

 

L’Antiga Farinera. Ctra. C66, 304, 17121 Corçà, La Bisbal d’Empordà, Girona.

 

 

“En una recent visita i residència a Palma, a l’arxiu de Casa Planas, vaig trobar un material produït en els anys 50 i 60, una dedicació a la fotografia i la creació de postals d’aquest període a Palma de Mallorca summament interessant.

 

Veient aquests materials gràfics, evidentment van aparèixer imatges que em van fer recordar una situació que forma part del que jo he viscut. Es tracta de l’arribada a Espanya del turisme, especialment el turisme de masses. Aquests i aquestes turistes, que sobretot provenien ‘del nord’, buscaven el sol. Perseguien els diferents estereotips fomentats per la cultura oficial franquista: ‘lo español’… i el seu eslògan ‘Spain is different’”

 

 

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Annika Kahrs

Kunsthalle Wilhelmshaven

08.07 – 10.09.2023

 

Fluttering birds that appear harmlessly cute before they attack … Who doesn’t remember Alfred Hitchcock’s masterpiece The Birds? The film, which is still impressive today, shows the ambivalent fascination that feathered creatures exude – they are familiar yet mysterious, tame yet wild, beautiful but eerie. Whether in film, music, literature, painting, graphic art or photography, birds play an arguably greater role in the arts than any other animal. Their ability to fly evokes admiration and longing. By easily overcoming long distances, they escape human observation and lead mysterious double lives on different continents. Birds’ acoustic potential – from singing to speech imitation – is also impressive.

 

The exhibition CHIRPING. ART FROM A BIRD’S-EYE VIEW is dedicated to a range of encounters between birds and humans. It shows artistic perspectives from painting, graphics, sculpture, photography, video, music and performance in works that go far beyond a naturalistic depiction of the creatures. The exhibition deals with the human dream of flying, communication between humans and animals, the threat posed to birds by humankind, birdsong, hybrid beings and extinct species.

 

Marina Abramović | Ida Applebroog | Peter Bartoš | Anna Clyne & Yo-Yo Ma | Mark Dion | Gino de Dominicis | Valie Export | Matthias Garff | Annika Kahrs | Olga Karlíková | Eva Koťátková | Jochen Lempert | Diana Lelonek | Via Lewandowsky | Ana Mendieta | Karel Miler | Jan Mlčoch | Wolfgang Müller | Yoko Ono | Jan Ságl | Yehudit Sasportas | Julia Steiner

 

Curators: Pavlína Morganová | Petra Stegmann
In co-operation with Institute for Avian Research “Vogelwarte Helgoland”

 

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MUSAC, León

17/06/2023 – 07/01/2024

 

En el desarrollo de una exposición se dedica un enorme esfuerzo a determinar la ubicación de cada obra de arte en el espacio. ¿Qué sucede si partimos de un sistema codificado en el que el emplazamiento es determinado por unas reglas universales? ¿Cómo afectaría a las obras de arte? Durante el siglo XVIII esta cuestión fue resuelta en la Royal Academy (Londres) mediante el desarrollo del concepto de la línea, una traza imaginaria que estructura como se cuelgan los cuadros siguiendo una lógica de jerarquía vinculada a los géneros de la pintura.

 

Esta muestra de la colección MUSAC parte de este punto de reflexión para desarrollar una investigación más amplia en torno a los sistemas de montaje y cómo podemos abordar desde el estado actual este análisis. Esta lectura contemporánea del sistema del siglo XVIII se complica aún más al introducir reproducciones de esculturas de la Antigüedad Clásica procedentes del Museo Nacional de Escultura y entrar en diálogo con obras del siglo XX y XXI. En esta exhibición la arquitectura de Mansilla y Tuñón fuerza a adoptar estrategias del justificado de los procesadores de texto, produciendo distorsiones en este sistema de expositivo y estimulando la reacción exotérmica que da título a la muestra, como si se tratase de un gran generador.

 

Artistas: Eugenio Ampudia, Artists” Poster Committee of Art Workers Coalition [Coosje van Bruggen, Frazer Dougherty, Mary Frank, Jon Hendricks, Max Kozloff, Claes Oldenburg, Irving Petlin], Dan Attoe, Txomin Badiola, Antonio Ballester Moreno, Gabriele Basilico, Natividad Bermejo, Bleda y Rosa, Alán Carrasco, Gregory Crewdson, Philip-Lorca DiCorcia, Rineke Dijkstra, Marcel Dzama, Roland Fischer, Till Freiwald, Philipp Fröhlich, Alberto García-Alix, Anthony Goicolea, Piero Golia, Candida Höfer, Zhang Huan, Isaac Julien, Immo Klink, Ellen Kooi, Leonilson, Lisipo, Jen Liu, Marcos López, Cristina Lucas, Lovett/Codagnone, Josephine Meckseper, Julie Mehretu, Yasumasa Morimura, Zwelethu Mthethwa, Muntean/Rosenblum, Shirin Neshat, Tatiana Parcero, Concha Pérez, Policleto, Praxíteles, Gonzalo Puch, Caio Reisewitz, Thomas Ruff, Ixone Sádaba, Yinka Shonibare, Sam Taylor-Wood, Delhy Tejero, Belén Uriel, Xavier Veilhan, Nicola Verlato, Akram Zaatari.

Comisariado: Álvaro Rodríguez Fominaya

 

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Museu de Arte Moderna de São Paulo

15.06 – 13.08.2023

 

No dia 15 de junho, às 19h, acontece a abertura da exposição “Elementar: fazer junto”, no Museu de Arte Moderna de São Paulo. A coletiva propõe reflexões acerca do que é essencial para se estabelecer uma relação com o outro. A mostra tem curadoria de Valquíria Prates, curadora convidada; Mirela Estelles, coordenadora do educativo do museu, e Cauê Alves, curador-chefe do MAM, e traz ao público a intersecção entre os acervos artístico e educativo do museu.

 

São apresentadas nesta exposição mais de 70 obras modernas e contemporâneas do acervo do MAM e também registros de experiências poéticas realizadas pelo educativo. A exposição convida o público a pensar nas barreiras a serem rompidas para se realizar coisas em comunhão, sejam elas sociais, culturais, políticas ou geográficas, dentre outras, em um exercício para se refletir questões como a alteridade e a liberdade.

 

A coletiva, que fica em cartaz até 13 de agosto, conta com obras de Anna Bella Geiger, Artur Lescher, Caio Reisewitz, Claudia Andujar, Chelpa Ferro – coletivo fundado pelos artistas Luiz Zerbini, Barrão e Sergio Mekler -, coletivo OPAVIVARÁ, Dora Longo Bahia, Edouard Fraipont & Cildo Meireles, Fausto Chermont, Frans Krajcberg, Franz Weissmann, German Lorca, Jac Leirner, Jarbas Lopes, José Leonilson, Julia Amaral, Laura Vinci, Leda Catunda, Lia Menna Barreto, Luiz Braga, Mabe Bethônico, Marcia Xavier, Marcius Galan, Marcos Piffer, Marcelo Cidade, Marcelo Nitsche, Marcelo Moscheta, Marcelo Zocchio, Maureen Bisilliat, Motta & Lima, Nelson Leirner, Paulo Bruscky, Pedro Motta, Pedro David, Regina Silveira, Rodrigo Andrade, Rodrigo Bueno, Rodrigo Braga, Rodrigo Matheus, Sandra Cinto, Sara Ramo, Shirley Paes Leme, Tarsila do Amaral, Tatiana Blass, Tadeu Jungle, Thomas Farkas e Vulcânica Pokaropa.

 

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Museu de l’Art de la Pell, Vic

03.06 – 27.08.2023

 

Al Programa d’Arts Visuals de la Diputació de Barcelona, més enllà de donar suport a les polítiques locals d’art contemporani de la nostra demarcació, i al Museu Nacional d’Art de Catalunya, més enllà de col·leccionar, estudiar conservar i exhibir els seus fons, tenim per missió connectar la ciutadania amb l’art per facilitar l’accés i la generació d’idees, la creativitat, l’educació i el coneixement. Amb «Història de les mans» volem compartir aquests objectius amb els ajuntaments que participen en la itinerància i els visitants de l’exposició. «Història de les mans» planteja un diàleg entre obres d’artistes contemporanis i obres de la col·lecció del MNAC. La comissària, Alexandra Laudo, articula el diàleg en nou àmbits temàtics —Les mans, l’autoritat, el poder; Les mans, la lectoescriptura, la història; Les mans, el control, la determinació; Les mans, el treball, les cures; Les mans, els diners, el valor; Les mans, els pits, el martiri; Les mans, la medicina, el cos malalt; Les mans, el desig, el pecat i Les mans, els inicis, els finals— i proposa una selecció de vint-i-cinc obres dels artistes Antoni Abad, Isabel Banal, Isabel Barios, Damià Campeny, Colita, Mirari Echávarri, Raquel Friera, Camille Henrot, Fermín Jiménez Landa, Claudi Lorenzale, Mestre de Cinctorres, Joan Morey, Antoni Muntadas, Levi Orta, Pasqual Ortoneda i María Sánchez, així com també obres anònimes dels segles XIII, XV, XVI i XVIII i monedes del segle XX.

 

L’exposició s’inaugurarà el 3 de juny, a les 12h, amb la participació de la seva comissària Alexandra Laudo.

 

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Colecciones del museo CA2M y de la Fundación Arco

Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles

31/05/2023 – 07/01/2024

 

La atención a la diversidad de los cuerpos y los deseos ha sido un rasgo marcado de la programación del Museo Centro de Arte Dos de Mayo desde sus comienzos hace ya quince años. Las posibilidades de la performance de los cuerpos y las coreografías sociales inéditas a las que sus comunidades dan lugar es un rasgo fundamental de la institución. El tiempo ha hecho que esa fiesta de las diferencias y celebración de lo menor haya ido, poco a poco, permeando en sus colecciones.

 

Es importante comprender que esto no es simplemente un sesgo temático, sino un aspecto consustancial al cometido de esta institución. El régimen del arte contemporáneo nació a mediados de los años 60 al tiempo que se producía un cambio de paradigma en la forma de entender las políticas de género con la segunda oleada de feminismos y el movimiento de liberación LGTBI, con las revueltas de clase de Mayo del 68 y sus ecos internacionales, con la culminación de la independencia de los países que habían estado bajo el poder de los imperios europeos, con el consiguiente intercambio de poblaciones que supusieron el inicio de la multiculturalidad que caracteriza al presente inmediato. No es solo que el arte contemporáneo haya trabajado por dar representación y visibilidad a las diferencias de los cuerpos, sino que los procesos de cambio social en los últimos 70 años forman parte central de la transformación estética del mundo que constituye su programa.

 

Esta exposición es una muestra de la diversidad de género, en las colecciones Museo CA2M y Fundación ARCO, desde las poéticas de visibilidad LGTBI a las recientes estéticas trans. Archipiélagos de lentejuelas ocupa el espacio más público del museo, su planta baja, para constituir una celebración de la diferencia, la misma que cada año a comienzos de julio se celebra en la fiesta más grande de la capital de España: el Orgullo LGTBI+.

 

Figuras pioneras fundamentales como George Tony Stoll o Andrés Senra, se suman a voces nuevas no binarias como Inês Zenha o Lucía C. Pino, y a la radicalidad transgénero de Manuel Solano. Como en el resto de nuestras colecciones, la presencia latina es importante también en este proyecto, con las argentinas Osías Yanov y La Chola Poblete, la brasileña Tadáskía o el colombiano Juan Pablo Echeverri. El título viene precisamente de un texto del teórico queer argentino de la generación de la crisis del sida, Néstor Perlongher: “Archipiélagos de lentejuelas, tocados de plumas iridiscentes (en cada vertebración de la cadera trepidante, las galas de cien flamencos que flotan en el aire tornado un polvo rosa), constelaciones de purpurinas haciendo del rostro una máscara más, toda una mampostería kitsch, de una impostada delicadeza, de una estridencia artificiosa se derrumba bajo el impacto (digámoslo) de la muerte”.

 

Juan Pablo Echeverri -que había participado en exposiciones fundamentales en la corta historia del Museo CA2M como Pop Politics- falleció prematuramente en 2022 y a él está dedicada esta muestra.

 

ARTISTAS PARTICIPANTES

Juan Pablo Echeverri
La Chola Poblete
Lucía C. Pino
Andrés Senra
Manuel Solano
George Tony Stoll
Tadáskía
Osías Yanov
Inês Zenha

 

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Agata como Brad Pitt, 2008

Centro Botín, Santander

20/5 – 15/10/2023

 

Enredos: Eva Fàbregas propone una relación intuitiva y visceral entre las esculturas y dibujos de Eva y una selección de obras de la colección de arte de la Fundación Botín. Los vínculos entre las obras crean un diálogo complejo, a menudo inesperado, en torno al deseo, lo corporal y lo lúdico, pero también lo amorfo, lo atrevido y lo perturbador. Este entrelazado de obras se ha concebido como un organismo vivo, a gran escala, que se adueña del espacio arquitectónico.

 

Esta exposición es el primer capítulo del nuevo programa expositivo Enredos cuyo objetivo es apoyar a los artistas que han disfrutado de una Beca de Arte de la Fundación Botín y vincularles de nuevo con la colección, el edificio y los públicos.

 

En esta ocasión, Eva ha seleccionado obras de artistas que, como ella, fueron becarios de la Fundación: Leonor Antunes, Nora Aurrekoetxea, David Bestué, Cabello/Carceller, Asier Mendizabal y Sara Ramo, así como del artista mexicano Gabriel Orozco.

 

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Galeria Joan Prats, Barcelona

19.05.2023 11-20h, 20.05.2023 11-19h

 

Els col·leccionistes Marisa Cortell i José Ángel Sanz Esquide portaran a la Galeria Joan Prats quatre obres recentment afegides a la seva col·lecció. Les peces d’Esther Ferrer, Gilda Mantilla & Raimond Chaves, Jorge Satorre i Perejaume, conviuran durant dos dies amb l’exposició de Tadáskía, “rara ocellet”.

The Collector is Present és una nova cita en les galeries de Barcelona Gallery Weekend, una agenda especial fruit de la col·laboració entre col·leccionistes i galeristes.

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Los coleccionistas Marisa Cortell y José Ángel Sanz Esquide traerán a la Galeria Joan Prats cuatro obras recientemente añadidas a su colección. Las piezas de Esther Ferrer, Gilda Mantilla & Raimond Chaves, Jorge Satorre y Perejaume, convivirán durante dos días con la exposición de Tadáskía, “rara ocellet”.

The Collector is Present es la nueva cita en las galerías de Barcelona Gallery Weekend, que durante un fin de semana ofrecerán una agenda especial fruto de la colaboración entre coleccionistas y galeristas.

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The collectors José Ángel Sanz Esquide and Marisa Cortell will bring to Galeria Joan Prats four works recently added to their collection. The pieces by Esther Ferrer, Gilda Mantilla & Raimond Chaves, Jorge Satorre and Perejaume, will coexist for two days with the exhibition of Tadáskía, “rara ocellet”.

The Collector is Present is a new appointment in the galleries of Barcelona Gallery Weekend, which during a weekend will offer a special agenda as a result of the collaboration between collectors and gallery owners.

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La Casa Encendida, Madrid

19/05/2023 – 07/01/2024

 

La Casa Encendida presenta la exposición Picasso: Sin Título, un proyecto de La Casa Encendida y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA), comisariado por Eva Franch i Gilabert, dentro del marco de la Celebración Picasso 1973-2023, la conmemoración de los cincuenta años de la muerte de Pablo Picasso.

 

Como dice Bernard Ruiz-Picasso “Picasso casi nunca puso nombre a sus obras; sus amigos, agentes y comisarios lo hicieron por él”. Partiendo de esta premisa, las cincuenta obras presentadas en la exposición, con un título y una descripción nueva propuesta por cada uno de los artistas invitados, se transforma, interroga y resignifica a través de historias paralelas que nos ofrecen una perspectiva radicalmente contemporánea sobre el trabajo de Picasso. Los nuevos títulos y cartelas, algunos producidos a través de procesos especulativos y otros a través de interpretaciones poéticas o políticas, construyen colectivamente un retrato compuesto de nuestras percepciones actuales y del legado y la influencia de Picasso.

 

A diferencia de las primeras cinco décadas, la obra tardía de Pablo Picasso no ofrece lecturas políticas o formales inmediatas. Condenada académicamente por críticos occidentales – quizás por cuestiones más ideológicas que estéticas- y celebrada por artistas en busca de nuevas libertades, la obra del último Picasso está abierta a múltiples interpretaciones. Siendo la más próxima a nosotros y sin embargo la más desconocida, esta etapa es sometida en esta exposición a un proceso de diálogo con artistas contemporáneos que han sido invitados a renombrar sus obras como forma de reivindicar este periodo para situarlo en un espacio presente y también futuro.

 

Como diría el filósofo Jacques Derrida, renombrar es un acto de amor. Renombrar es también un acto político. La exposición Picasso: Sin Título, nos invita a ver -que también es pensar- la obra de Picasso más allá de títulos conocidos y lecturas representacionales. El proyecto nos invita a jugar con Picasso abriendo espacios a cuestiones latentes en su trabajo y presentes en nuestra mirada como ideas sobre raza, clase, género, identidad, antropocentrismo o empoderamiento.

 

La exposición invita al visitante a desarrollar una actitud activa, a interrogar aspectos de nuestra percepción de la obra de Picasso y, al mismo tiempo, de nosotros mismos, de nuestros valores y de nuestra contemporaneidad.

 

Los 50 artistas invitados que participan en la exposición son: Adrián Villar Rojas, Agnieszka Kurant, Ahmet Öğüt, Albert Serra, Alejandro Cesarco, Antoni Muntadas, Asunción Molinos Gordo, Black Quantum Futurism, Cabello/Carceller, Camille Henrot, Christine Sun Kim, Christopher Kulendran Thomas, DIS, El Conde de Torrefiel, Emilie Baltz, Erwin Wurm, Esther Ferrer, Frida Orupabo, Holly Herndon, Isabel Coixet, Iván Argote, Janaina Tschäpe, Jill Magid, Joy Harjo, Johanna Hedva, Jumana Manna, Klára Hosnedlová, Leonor Serrano-Rivas, Lydia Ourahmane, Maria Hassabi, Mercedes Azpilicueta, Niño de Elche, OMSK Social Club, ORLAN, Pauline Curnier Jardin, Pedro Neves Marques, Pol Taburet, Revital Cohen & Tuur Van Balen, Roméo Mivekannin, Ryan Gander, Sara Ramo, Simon Denny, Simon Fujiwara, Sissel Tolaas, Tala Madani, Taryn Simon, The Otolith Group, Trevor Paglen, Tuan Andrew Nguyen y Tyra Tingleff.

 

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EINA Sentmenat, Barcelona

09.05 – 09.06.2023

 

L’exposició Ensenyar és aprendre és un homenatge a Albert Ràfols Casamada i a Maria Girona, dos dels pintors catalans més destacats de la seva generació, humanistes i pedagogs i fundadors d’EINA.

 

Aquesta mostra commemora el centenari del naixement dels dos artistes, i és una iniciativa que forma part del conjunt d’activitats organitzades per la Fundació EINA, la Fundació Bassat i la Fundació Vila Casas.

 

L’exposició se centra en la seva aportació pedagògica des de la direcció i el patronat de la Fundació d’EINA entre els anys 1967 i 2009. Es posa èmfasi en les matèries que van impartir en els estudis de Disseny, així com a través dels estudis d’Art.

 

La mostra aplega les obres procedents del fons d’art de la Fundació EINA, així com una extensa mostra de material de l’Arxiu d’EINA que sintetitza les performances, exposicions, iniciatives pedagògiques mitjançant fotografies, documents manuscrits, cartells i audiovisuals.

 

En paral·lel a l’exposició es realitzaran un conjunt d’activitats:

Dissabte 20 de maig
11h – Visita guiada a l’exposició amb Josep Aregall
11.30h – Visita guiada al fons d’art amb Rubén Alcaraz
12h – ‘El meu jardí a la mà’: demostració d’art floral en homenatge a Maria Girona i Albert Ràfols a càrrec d’Alfons Tost i Roser Bofill

 

Dissabte 27 de maig
11h – Visita guiada a l’exposició amb Xavier Olivé
11.30h – Visita guiada al fons d’art amb Miquel Molins
12h – Classe de dibuix al natural en homenatge a Francesc Artigau, professor de dibuix d’EINA, coordinada per Mar Saiz i lliurament del premi Amic d’EINA a Francesc Artigau, a càrrec de Miquel Molins

 

Dissabte 3 de juny
10.30h – Mostra de documents originals del fons d’arxiu amb Rubén Alcaraz
11h – Visita guiada a l’exposició amb Xavier Olivé i Josep Aregall
11.30h – Visita guiada al fons d’art amb Victoria Combalía
12.30h – Visita guiada al fons d’art amb Jordi Colomer
13h – Mostra de documents originals del fons d’arxiu amb Rubén Alcaraz

 

Inscripcions a les activitats

 

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Antoni Muntadas

Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon

05.05 – 18.09.2023

 

In the year that marks the 40th anniversary of the Calouste Gulbenkian Foundation’s Modern Art Centre (Centro de Arte Moderna – CAM), Histórias de uma Coleção [Histories of a Collection] is an opportunity to revisit some of the most significant works from the CAM Collection, acquired by the Gulbenkian Foundation since the late 1950s, and to get to know its lesser-known or previously unseen works.

 

The Calouste Gulbenkian Foundation acquired its first works of modern art in the late 1950s, with the intention of including them in temporary travelling exhibitions organised by the institution. It also purchased works from its grant holders, in the context of the support for artists set up immediately after its creation, in 1956. The Modern Art Centre Collection thus began to take shape, now boasting around twelve thousand works.

 

During the 1960s, the first groups of works purchased for the Collection included works by key figures in the national and international art scene, such as Amadeo de Souza Cardoso, José de Almada Negreiros and Maria Helena Vieira da Silva. The British artworks were mostly acquired between 1960 and 1965, featuring major players such as David Hockney and Bridget Riley.

 

The desire to build a space to house this burgeoning collection of modern art, which now included a significant number of national and international artists, was made official in 1979. The Modern Art Centre opened on 20 July 1983 with an innovative programme making up for the lack of a museum in Portugal dedicated to the promotion of 20th-century art.

 

The Collection grew exponentially from then on, leading to the purchase of works by a diverse range of artists in a plethora of media and supports. Built up over more than 60 years, the CAM Collection is the result of various encounters, intimacies, rifts, aesthetic relationships and contrasting artistic languages.

 

With an innovative presentation, Histórias de uma Coleção aims to bring together a wide spectrum of works covering different eras, geographies and artistic dynamics, underpinned by new narratives and interpretations. Key moments that explore the constitution of the CAM Collection will be highlighted, accompanied by a catalogue, with essays by the exhibition curators, among others, as well as a parallel programme to the exhibition that will seek to open space for reflection on what the CAM Collection represents and on models of collecting, allowing the public to comes closer to the works in the Collection and the stories they have to tell.

 

Curators
Ana Vasconcelos
Leonor Nazaré
Patrícia Rosas
Rita Fabiana

 

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Després de la boira, primeres flors

Exposició col·lectiva amb obra de Muntadas

Del 26.04.2023 al 07.01.2024 a Casa Vicens.

Comissariada per Menene Gras

 

 

Casa Àsia i Casa Vicens presenten el projecte expositiu Després de la boira, primeres flors. Orient i els orientalismes, del modernisme a la modernitat. Aquesta exposició reuneix obra de 24 artistes espanyols, llatinoamericans i asiàtics contemporanis que aporten la creació personal en la interpretació de la representació floral.

 

L’exposició es podrà visitar des del 26 d’abril fins al 7 de gener del 2024 a la Casa Vicens, la primera casa d’Antoni Gaudí, on des de la seva concepció estableix un diàleg constant amb el jardí que l’envolta, i on destaca el programa ornamental de temàtica natural a tots els seus espais.

 

Es tracta d’una exposició única que congrega per primera vegada a Barcelona 24 artistes contemporanis que comparteixen un nexe comú, la temàtica floral, encara que cadascun elabora el seu propi discurs creatiu utilitzant diferents formats i suports, com són el dibuix, la pintura , la fotografia, el vídeo i la instal·lació. Aquest projecte expositiu posa en relació l’orientalisme del modernisme i la mundialització de l’art a dia d’avui.

 

 

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VICTORIA CIVERA

Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid

 

22.04 – 17.09.2023

 

Inauguración 22 de abril a las 12h

 

 

“El tiempo es circular en el silencio” es una exposición de gran escala dedicada a la obra de Victoria Civera (Puerto de Sagunto, Valencia, 1955), una de las artistas españolas más relevantes de las últimas décadas. 

 

Bien conocida por su pintura de carácter figurativo, la artista valenciana, afincada entre Cantabria y Nueva York, ha venido no obstante desplegando una obra abierta y heterogénea que trasciende cualquier clasificación, pues en su obra conviven la pintura, la escultura, la fotografía, el vídeo y la instalación. 

 

El título de la muestra, tomado de una expresión de la propia Civera, apela a la circularidad como opuesto de la linealidad, de la que siempre ha huido y de la que ha hecho su principal seña de identidad. La exposición ocupará las salas 3, 4, 5 y 8 de la segunda planta del museo y en ella se verán obras de todas las épocas procedentes de colecciones institucionales y privadas de toda España que harán especial hincapié en los años noventa, fundamentales para conocer el trabajo de la creadora valenciana y su inscripción en las prácticas artísticas en nuestro país.

 

La muestra contará además con un importante conjunto de obras sobre papel, menos conocidas, y muy relevantes en el proceso creativo de la artista.

 

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Playing to the Birds

Maison Diez Company, San Miguel Chapultepec, Ciudad de México

18/04 – 13/05/2023

 

Brooms, mattresses, sheets and birds, una exposición colectiva con obras de Emilio Gómez Ruíz, Arturo Hernández Alcázar, Annika Kahrs, Chantal Peñalosa y Martin Soto Climent.

 

Organizado por Andrea Bustillos y Polina Stroganova como parte del programa satélite del Festival TONO (CDMX 2023). Con el apoyo de Maison Diez Company.

 

Pensemos en lo poético del polvo; un colchón que se ha vuelto instrumento; los sonidos intentando ser imágenes; pájaros escuchando música y una danza en medio de la tormenta. Imaginemos una exposición íntima que se enfoca en el potencial de lo efímero y conjuga a cinco artistas cuyo trabajo se conecta a través de la sensibilidad de lo performativo: la complejidad de una simple acción, lo escultural del movimiento, la evocación de lo imaginario.

 

— Andrea Bustillos y Polina Stroganova

 

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Sesc Sorocaba, Brazil

20.04 – 17.09.2023

 

Sob as cinzas, brasa (Under the Ashes, Embers)—the choice of title for the 37º Panorama da Arte Brasileira (37th Panorama of Brazilian Art) involves multiple layers. There is a heat that burns and endures even though something has been consumed by the fire and turned to ashes; the embers bear the possibility—or the hope—of revived fire.

 

The Panorama of Brazilian Art was conceived in 1969 by the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM) and went on to become one of the most relevant shows in Brazil’s art circuit. In its 37th edition, held between July 2022 and January 2023, the show’s embers were ablaze at a peculiar moment in Brazilian history—during an electoral cycle disputed by widely different political projects, while the country was still reeling from the impacts of the Covid-19 pandemic. Other layers of that period include the country’s reconception based on memories brought to light by the bicentennial of the proclamation of its independence (1822) and by the centennial of the Modern Art Week (1922).

 

In 2023, the exhibition is being rekindled through a partnership between Sesc São Paulo and MAM. Traveling to São Paulo state’s countryside, the Panorama is gaining a new run between April and September at Sesc Sorocaba. The curatorship is shared by the art researchers, historians and critics Cauê Alves, Claudinei Roberto da Silva, Cristiana Tejo and Vanessa Davidson, who have brought together 26 artists and groups from different generations.

 

Brazilian art is presented at this Panorama based not only on regional cross-sections—relevant in a country of continental dimensions—but also in view of diversities in ethnic-racial profile, gender and background, with academically trained or self-taught artists, along with urban productions, made in the streets.

 

While Brazil’s colonial past and its reverberations in the also violent present time serve as fuel for the show, another common thread is the proposal of artistic solutions. The Panorama investigates how artists from Brazilian roots poetically manifest the confrontation of historical and current problems: racism, social inequality, urban violence, the competition between different narratives at play in the never-ending construction of the nation’s collective memories. In the show, art asks and responds to an essential question: what incites the embers that burn under the ashes?

 

List of artists
Ana Mazzei (São Paulo, 1980—lives in São Paulo)
André Ricardo (São Paulo, 1985—lives in São Paulo)
Bel Falleiros (São Paulo, 1983—lives in New York)
Camila Sposati (São Paulo, 1972—lives in Vienna)
Celeida Tostes (Rio de Janeiro, 1929—1995)
Davi de Jesus do Nascimento (Pirapora, Minas Gerais, 1997—lives in Pirapora)
Éder Oliveira (Timboteua, Pará, 1983—lives in Belém)
Eneida Sanches (Salvador, Bahia, 1962—lives in São Paulo, SP) and Tracy Collins (New Yor, 1963—lives in New York) (LAZYGOATWORKS)
Erica Ferrari (São Paulo, 1981—lives in São Paulo)
Giselle Beiguelman (São Paulo, 1962—lives in São Paulo)
Glauco Rodrigues (Bagé, Rio Grande do Sul, 1929—Rio de Janeiro, 2004)
Gustavo Torrezan (Piracicaba, 1984—lives between Piracicaba and São Paulo)
Jaime Lauriano (São Paulo, 1985—lives between São Paulo and Porto, Portugal)
Lais Myrrha (Belo Horizonte, Minas Gerais, 1974—lives in São Paulo)
Laryssa Machada (Porto Alegre, Rio Grande do Sul, 1983—lives in Salvador, Bahia)
Lidia Lisbôa (Guaíra, Paraná, 1970—lives in São Paulo)
Luiz 83 (São Paulo, 1983—lives in São Paulo)
Marcelo D’Salete (São Paulo, 1979—lives in São Paulo)
Maria Laet (Rio de Janeiro, 1982—lives in Rio de Janeiro)
Marina Camargo (Maceió, Alagoas, 1980—lives in Berlin)
Nô Martins (São Paulo, 1987—lives in São Paulo)
RODRIGUEZREMOR (Denis Rodriguez [São Paulo, 1977—lives in Igatu, Bahia] and Leonardo Remor [Estação, Rio Grande do Sul, 1987—lives in Igatu, Bahia])
Sérgio Lucena (João Pessoa, Paraíba, 1963—lives in São Paulo)
Sidney Amaral (São Paulo, 1973—2017)
Tadáskía (Rio de Janeiro, 1993—lives between Rio de Janeiro and São Paulo)
Xadalu Tupã Jekupé (Alegrete, Rio Grande do Sul, 1985—lives in Porto Alegre, Rio Grande)

 

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Federation Hall, The University of Melbourne

18.04.2023, 6-7pm

 

We are thrilled to invite you to a lecture by internationally renowned artist Antoni Muntadas on recent works on translation.
An artist with an incredible legacy of postconceptual works that offer provocative and poetic engagement at the interstices of social, political and communication frameworks, it would be hard to find someone that Muntadas’ thinking is not relevant to.

 

Working across mediums and in diverse spaces, Muntadas has exhibited extensively, including the Museum of Modern Art in New York, the Berkeley Art Museum in California, the Musée Contemporain de Montreal, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, the Museo de Arte Moderno in Buenos Aires, the Museu de Arte Moderna in Rio de Janeiro, the Musée Jeu de Paume in Paris and the Museu d’Art Contemporani de Barcelona, among others. In addition, his works have been presented in different international events: VI and X editions of Documenta Kassel (1977, 1997), the Whitney Biennal of American Art (1991), the 51st Venice Biennial (1976, 2005) and those in São Paulo, Lyon, Taipei, Gwangju, Istanbul and La Havana. 

 

 

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