Category Archives: Cabello/Carceller

Lola Lasurt

Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre

TEA Tenerife Espacio de las Artes

17/11/2023 – 10/03/2024

Inauguración, viernes 17/11/2023, a las 19:00 horas

 

TEA inaugura ¿Cuánto dura un eco?, exposición que forma parte de la Sección Oficial de la XVII edición de la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre. La muestra se articula en torno a una generación de artistas que durante la segunda mitad de la década de los sesenta y en los setenta fotografiaron un movimiento de mujeres y un feminismo que irrumpió en la esfera pública. Son imágenes que cristalizan un mundo que no contemplaba la subjetividad de la mujer, en relación con las cuales se busca generar un sistema de correspondencias con otras artistas que se enunciaron desde una pluralidad de feminismos. 

Curaduría: Violeta Janeiro Alfageme

 

Artistas: Irene de Andrés / Pilar Aymerich / Colectivo de Cine de Clase (Helena Lumbreras y Mariano Lisa) / Costa Badía / Cecilia Bartolomé Pina/ Marcelo Brodsky / Cabello/ Carceller / Cooperativa de Cinema Alternatiu / Colita/ Teresa Correa / Maribel Domènech / Miriam Durango / Marisa González/ Martha Graham / Juan Hidalgo / Lola Lasurt / Jana Leo / Manuel López/ Helena Lumbreras / Paz Muro / Itziar Okariz / Ana Teresa Ortega / Paloma Polo/ Diego del Pozo Barriuso / Maruja Roca / Florencia Rojas / Mireia Sentís / Gerda Taro/ Anna Turbau / URA/UNZ (Lourdes Durán/ Paloma Unzeta) / Darío Villalba/ María Zárraga / Aimée Zito Lema

 

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Cabello/Carceller

DA2, Salamanca

10.11.2023 – 25.02.2024

 

El trigésimo tercer ciclo expositivo de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias del cine y vídeo en España, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Natalia Piñuel Martín y Enrique Piñuel Martín) para el DA2 – Domus Artium 2002, en su undécima temporada, está dedicado al colectivo artístico Cabello/Carceller.

 

Cabello/Carceller parten de la instalación, la performance, el vídeo, la escritura y el dibujo para cuestionar los modos hegemónicos de representación en las prácticas visuales y ofrecer alternativas críticas. La construcción social de la identidad y las políticas sexuales y de género atraviesan toda su trayectoria. Trabajan conjuntamente desde el año 1992 profundizando en la soledad con la que convive quien disiente de las mayorías, la necesidad de mantener una postura crítica en la defensa del derecho a las libertades de elección y de transformar el limitado régimen de afectividades en el que nos movemos. Para ello han conseguido construir una red colaborativa, incorporando voces minorizadas y heterodoxas en las prácticas artísticas, a través de las cuales generan recorridos multidisciplinares orbitando en torno a una narrativa queer, que asume otros cuerpos y otras posibles terminologías. La idea de relato y narración, el lenguaje, el pensamiento y la arquitectura se ponen al servicio de la denuncia social.

 

Esta será la primera vez que expongan de forma individual obra en Salamanca. Para esta ocasión se han centrado en su práctica e investigación a lo largo de casi 20 años sobre las disidencias de género y la temática trans vinculadas a la representación audiovisual y el relato de ficción.

 

Este Visiones Contemporáneas dedicado a Cabello/Carceller se completará con una clase magistral, que el colectivo impartirá el día de la inauguración de su exposición en el espacio de La Cocina del DA2.

 

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la ocupación

Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid

Salas 3, 4 y 5

 

Del 7 de octubre de 2023 al 10 de marzo de 2024

 

 

 

En la línea de reivindicación de artistas de la Asociación Colección Arte Contemporáneo se inscribe el proyecto “La ocupación. Carta blanca a Cabello/Carceller”, una exposición que tiene en la ambivalencia de su formato su principal singularidad. Se encuentra el proyecto a medio camino ente la muestra retrospectiva y el trabajo específico, pues reúne un buen número de piezas realizadas por Cabello/Carceller desde los años noventa y un nutrido conjunto de trabajos seleccionados por ellas mismas a través del que trenzan una suerte de genealogía. Ésta se fragua a través del afecto, que opera en contra de afinidades normativas, y tiene su armazón conceptual y narrativo en sus cuidadas referencias a la tradición y en sus certeras prospecciones de futuro. El elenco de artistas es amplio: nace de figuras históricas como Maruja Mallo o Remedios Varo, ambas pertenecientes a la Asociación Colección Arte Contemporáneo, para llegar a jóvenes posiciones de nuestro tiempo a través de creadoras esenciales de los años sesenta y setenta, como Esther Ferrer, Elena Asins, Eulàlia Grau o Angels Ribé, y la exposición contará con fondos procedentes de las prinicipales instituciones del país como el Museo Nacional del Prado, MNCARS, MACBA, Artium, Guggenheim y Fundación Banco Santander.

 

 

OCUPANTES: Alejandría Cinque – Alicia Kopf – Álvaro Perdices – Àngels Ribé – Azucena Vieites – Cabello/Carceller – Carlos Alcolea – Claudia Pagés – Cristina Garrido – Diego del Pozo – Dora García – El Palomar – Elena Asins – Esther Ferrer – Eulàlia Grau – Eva Fàbregas – Francesc Ruiz – Isabel Marcos – Itziar Okariz – Juan Carreño de Miranda – Juan Hidalgo – Leonor Serrano – Lucía C. Pino – Mari Chordà – María Tinaut – Maruja Mallo – Patricia Gadea – Paula García-Masedo – Paz Muro – Pepe Espaliú – Perla Zúñiga – Remedios Varo – Sandra Gamarra – Sonia Delaunay – Tórtola Valencia – Victorina Durán

Espai Poblenou, Passatge Saladrigas 5-9

Inauguración sábado, 16 de septiembre 2023, 21h

 

Estrany-de la Mota Art Advisors, Ptge. de Mercader, 18

Inauguración miércoles 13 de septiembre 2023, 19h

 

Exposiciones de 13 de septiembre del 2023 al 7 de octubre del 2023

 

¡La Blueproject Foundation cumple 10 años! Y para celebrarlo, presenta una nueva exposición colectiva titulada ‘Entre dos azules. Conmovidos.’ que se podrá ver del 13 de septiembre del 2023 al 07 de octubre del 2023 en dos espacios de Barcelona -Estrany-de la Mota Art Advisors y Espai Poblenou- dentro del marco del Barcelona Gallery Weekend.

 

Una muestra en la que los discursos y las formas se articulan desde lo íntimo, lo personal; esa ‘sensibilidad inteligente’ de la que hablaba Lispector-. Un diálogo colectivo que parte de la riqueza formal que ofrecen las reflexiones actuales sobre la hermenéutica de lo sensible. Una exposición en la que lo autobiográfico, las emociones y la subjetividad imaginan nuevas expresiones teóricas y materiales.

 

Una propuesta doble. O dual. En la que cada artista presenta una obra diferente en cada uno de los dos espacios expositivos, funcionando éstos de manera independiente y conectada a la vez. Una cuestión de distancia, de surcar el ‘entre’, ese intervalo imposible que nos aleja y nos conecta a las cosas, a los seres, a nosotras mismas. Ese punto ambiguo que llamamos horizonte y que reúne, por ejemplo, el azul ideal del cielo y el otro, infinito, del mar.

 

Artistas: Laía Argüelles, Nora Aurrekoetxea, Bestué &Vives, Cabello/Carceller, Julie C. Fortier, TR Ericsson, Alicia Kopf, Sofía Montenegro, Belén Rodríguez, Sinéad Spelman, Javier Pividal, María Tinaut, Alba Yruela.

 

Comisariado: Renato Della Poeta – Aurélien Le Genissel

 

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locura social

LOCURA SOCIAL, Musical contra un fusilamiento. Cabello/Carceller

 

Condeduque Madrid, Teatro

 

15 y 16 de septiembre, 20h.

 

 

 

“La locura social, consiste, en que el señalado como loco, está cuerdo, y que la sociedad en que vive no lo comprende y por lo mismo lo juzga mal.” (Agustina González López)

 

Dentro de la serie propuesta desde Condeduque y de la mano de ELAMOR, en la que artistas visuales se acercan a las artes escénicas, y después de En función de 1,2,3 de Isidoro Valcárcel Medina y El bicho de Dora García, se estrena en la presente temporada este encargo realizado a Cabello/Carceller. Locura social se presenta como un musical “degenerado”, en el sentido de distanciarse del género del musical al que traiciona, pero también del género binario al que traspasa.

 

En agosto de 1936, al comienzo de la Guerra Civil, fue fusilada en Granada Agustina González López, popularmente conocida como La Zapatera. Su cuerpo asesinado desapareció en Víznar junto a muchas otras personas represaliadas entre las que se encontraba también Federico García Lorca, amigo suyo de juventud. La zona se convirtió en una gran fosa común clandestina con la que se pretendió ocultar el pánico que tenían los sublevados a quienes no se ajustaban al tipo de sociedad castradora que finalmente consiguieron imponer. No hubo juicio previo, sí expolio de sus bienes y la casi desaparición de su trabajo y de su figura; enterrada también en el silencio. Pero la incapacidad de Agustina para encajar venía de lejos, causaba extrañeza su costumbre de pasear bajo una capa de húsar por la ciudad, de ir sola a los cafés… Incapaz de asumir el rol de género asignado al nacer, incapaz de resignarse a las desigualdades económicas que la rodeaban, incapaz de vivir en la pasividad, fue calificada como “perturbada”, perseguida y ridiculizada durante toda su vida en la ciudad que la vio nacer.

 

 

info y entradas

Ciccillo Matarazzo Pavilion, Ibirapuera Park, São Paulo

06.09 – 10.12.2023

 

Fundação Bienal de São Paulo announces the full list of 120 participants of the 35th Bienal de São Paulo – choreographies of the impossible, curated by Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes, and Manuel Borja-Villel, and the exhibit and spatial design, developed by the architects of Vão.

 

The announcement of the full list of participants consolidates the curatorial collective’s intensive research on the urgencies of today’s world and unveils the different formats, movements and understandings of the title choreographies of the impossible. With 120 names confirmed, the complete list echoes the voices of diasporas and native peoples, broadening local and international dialogue.

 

According to the curators: “The participants in this Bienal challenge the impossible in its most varied and incalculable forms. They live in impossible contexts, develop strategies of circumvention, cross limits, and escape from the impossibilities of the world in which they live. They deal with total violence, the impossibility of life in full freedom, inequalities, and their artistic expressions are transformed by the very impossibilities of our time. This Bienal embraces the impossible, the choreographies of the impossible, as a politics of movement and political movements interwoven into artistic expressions. It is an invitation to move among artists who transcend the idea of a progressive, linear, western time. Impossibility is the guiding thread and the main criterion that guides the selection of these participants.”

 

 

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Agata como Brad Pitt, 2008

Centro Botín, Santander

20/5 – 15/10/2023

 

Enredos: Eva Fàbregas propone una relación intuitiva y visceral entre las esculturas y dibujos de Eva y una selección de obras de la colección de arte de la Fundación Botín. Los vínculos entre las obras crean un diálogo complejo, a menudo inesperado, en torno al deseo, lo corporal y lo lúdico, pero también lo amorfo, lo atrevido y lo perturbador. Este entrelazado de obras se ha concebido como un organismo vivo, a gran escala, que se adueña del espacio arquitectónico.

 

Esta exposición es el primer capítulo del nuevo programa expositivo Enredos cuyo objetivo es apoyar a los artistas que han disfrutado de una Beca de Arte de la Fundación Botín y vincularles de nuevo con la colección, el edificio y los públicos.

 

En esta ocasión, Eva ha seleccionado obras de artistas que, como ella, fueron becarios de la Fundación: Leonor Antunes, Nora Aurrekoetxea, David Bestué, Cabello/Carceller, Asier Mendizabal y Sara Ramo, así como del artista mexicano Gabriel Orozco.

 

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La Casa Encendida, Madrid

19/05/2023 – 07/01/2024

 

La Casa Encendida presenta la exposición Picasso: Sin Título, un proyecto de La Casa Encendida y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA), comisariado por Eva Franch i Gilabert, dentro del marco de la Celebración Picasso 1973-2023, la conmemoración de los cincuenta años de la muerte de Pablo Picasso.

 

Como dice Bernard Ruiz-Picasso “Picasso casi nunca puso nombre a sus obras; sus amigos, agentes y comisarios lo hicieron por él”. Partiendo de esta premisa, las cincuenta obras presentadas en la exposición, con un título y una descripción nueva propuesta por cada uno de los artistas invitados, se transforma, interroga y resignifica a través de historias paralelas que nos ofrecen una perspectiva radicalmente contemporánea sobre el trabajo de Picasso. Los nuevos títulos y cartelas, algunos producidos a través de procesos especulativos y otros a través de interpretaciones poéticas o políticas, construyen colectivamente un retrato compuesto de nuestras percepciones actuales y del legado y la influencia de Picasso.

 

A diferencia de las primeras cinco décadas, la obra tardía de Pablo Picasso no ofrece lecturas políticas o formales inmediatas. Condenada académicamente por críticos occidentales – quizás por cuestiones más ideológicas que estéticas- y celebrada por artistas en busca de nuevas libertades, la obra del último Picasso está abierta a múltiples interpretaciones. Siendo la más próxima a nosotros y sin embargo la más desconocida, esta etapa es sometida en esta exposición a un proceso de diálogo con artistas contemporáneos que han sido invitados a renombrar sus obras como forma de reivindicar este periodo para situarlo en un espacio presente y también futuro.

 

Como diría el filósofo Jacques Derrida, renombrar es un acto de amor. Renombrar es también un acto político. La exposición Picasso: Sin Título, nos invita a ver -que también es pensar- la obra de Picasso más allá de títulos conocidos y lecturas representacionales. El proyecto nos invita a jugar con Picasso abriendo espacios a cuestiones latentes en su trabajo y presentes en nuestra mirada como ideas sobre raza, clase, género, identidad, antropocentrismo o empoderamiento.

 

La exposición invita al visitante a desarrollar una actitud activa, a interrogar aspectos de nuestra percepción de la obra de Picasso y, al mismo tiempo, de nosotros mismos, de nuestros valores y de nuestra contemporaneidad.

 

Los 50 artistas invitados que participan en la exposición son: Adrián Villar Rojas, Agnieszka Kurant, Ahmet Öğüt, Albert Serra, Alejandro Cesarco, Antoni Muntadas, Asunción Molinos Gordo, Black Quantum Futurism, Cabello/Carceller, Camille Henrot, Christine Sun Kim, Christopher Kulendran Thomas, DIS, El Conde de Torrefiel, Emilie Baltz, Erwin Wurm, Esther Ferrer, Frida Orupabo, Holly Herndon, Isabel Coixet, Iván Argote, Janaina Tschäpe, Jill Magid, Joy Harjo, Johanna Hedva, Jumana Manna, Klára Hosnedlová, Leonor Serrano-Rivas, Lydia Ourahmane, Maria Hassabi, Mercedes Azpilicueta, Niño de Elche, OMSK Social Club, ORLAN, Pauline Curnier Jardin, Pedro Neves Marques, Pol Taburet, Revital Cohen & Tuur Van Balen, Roméo Mivekannin, Ryan Gander, Sara Ramo, Simon Denny, Simon Fujiwara, Sissel Tolaas, Tala Madani, Taryn Simon, The Otolith Group, Trevor Paglen, Tuan Andrew Nguyen y Tyra Tingleff.

 

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Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, Comunidad de Madrid

14/04- 16/07/2023

 

Los museos de la Comunidad de Madrid abordan “Las tácticas barrocas”, XXX edición del programa “Mutaciones”, comisariado en esta ocasión por Sergio Rubira.

 

El programa es una reinterpretación en clave contemporánea de estos lugares históricos y sus colecciones con el fin de facilitar el acercamiento del público a nuevas formas creativas.

 

Los artistas seleccionados para intervenir en la Casa Museo Lope de Vega son Elena Alonso, Cabello/Carceller, Paula García-Masedo, Alicia Martín, Asunción Molinos Gordo, Víctor Santamarina, Adrian Schindler/Aisha Trinidad y weecolors.

 

Todos ellos tienen en común el haber reflexionado sobre lo barroco o el haber asumido en su producción estrategias (el artificio, la sustitución, la proliferación, la condensación, la parodia, la intertextualidad, el palíndromo, la intratextualidad, la tautología), que pueden asociarse al concepto de barroco.

 

Parte, por tanto, este proyecto de exposición de la idea de unir el barroco como época y la idea de lo barroco.

 

Las intervenciones que componen “Mutaciones” están concebidas expresamente para cada uno de los espacios participantes: el Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, el Museo Picasso–Colección Eugenio Arias y el Centro de Interpretación de Nuevo Baztán.

 

 

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Cabello/Carceller

Artium Museoa, Vitoria-Gasteiz

Inauguración 31 de marzo

 

Hau ‘este/esta/esto’ es, en euskera, el demostrativo que indica proximidad. Los demostrativos se utilizan para indicar la distancia entre quien habla y aquello de lo que se habla. En muchos idiomas, existen tres grados: esto que está aquí, eso que queda ahí y aquello que está allí. Esta distancia hace referencia no solo al espacio, sino también al tiempo. Cuando se usa para indicar una temporalidad, se refiere al momento en el que se lleva a cabo el discurso: ahora, hace un rato o ayer. Resulta fundamental hacer evidente desde dónde y cuándo se emite el mensaje, quién propone el punto de vista. Los demostrativos, en ese sentido, ayudan a situarse, ya que desvelan una posición.

 

Pero hau también tiene significados distintos en otros contextos, allí, lejos. Siguiendo el relato que el antropólogo francés Marcel Mauss recoge en su libro más conocido, Ensayo sobre el don. Forma y razón del intercambio en las sociedades arcaicas (1925), el hau es, en la cultura polinesia de los maoríes, el valor espiritual que se otorga a los objetos donados. Este hau es el alma de las cosas que se regalan, aquello que las anima y que es parte de una misma o uno mismo, y cuando se realiza un intercambio es lo que obliga al retorno o a la reproducción del don. La definición de un museo viene dada, históricamente, desde su colección, desde el carácter público de un fondo de obras —un don— que pertenece a todas y todos, y que contribuye a la producción de conocimiento, al tiempo que permite imaginar una comunidad.

 

Esta doble acepción funciona como preámbulo a una reordenación de los fondos de la colección del Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco que se inicia en la década de los cincuenta y llega hasta nuestros días, a partir de una serie de movimientos elementales que activan, del mismo modo que en la reordenación precedente, una narrativa siempre en construcción. Una presentación que reúne en las salas del museo más de un centenar de obras de arte, documentos y materiales de archivo, y provoca tensiones y encuentros entre manifestaciones artísticas surgidas en las cinco décadas que comprende la muestra.

 

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San Telmo Museoa, Donostia-San Sebastián

04/03 – 04/06/2023

 

Los nuevos 90, un ensayo expositivo de Nekane Aramburu, es una aproximación a los diversos colectivos artísticos que trabajaron en los años 90 (y unos años antes y después) y busca contribuir a la preservación y transmisión de aquel ecosistema cultural, recogiendo el espíritu de iniciativas y espacios.

 

La exposición Los nuevos 90 se podrá visitar en la sala de exposiciones temporales del museo, del 4 de marzo al 4 de junio de 2023.

 

Obras artísticas, video arte y vídeo documental, audios de diferentes entrevistas, documentos gráficos, ediciones alternativas, libros y revistas, fotografías de autor, fotografías-copias de exhibición, proyecciones y mobiliario componen el universo de este proyecto. En él se integran en torno a 140 creadores y colectivos. Se trata de una época crucial con el paso de lo analógico a lo digital, y la exposición recupera producciones que salen a la luz por primera vez, todas ellas desde la perspectiva de su sentido dentro de un engranaje coral donde lo participativo trasciende las individualidades.

 

La muestra, cuyo recorrido es cronológico, integra este devenir y apunta a los acontecimientos sociales paralelos. Comienza abordando la relevancia de la utilización de las entonces llamadas “Nuevas tecnologías”, que fundamentalmente se desarrollaron a partir de la investigación de las posibilidades del video-arte.

 

Se trata de la primera gran muestra sobre los años 90 en Europa que perfila algunas de las cuestiones esenciales a partir del contexto vasco, y abre nuevas historiografías futuras.

 

 

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Ulsan Art Museum, Ulsan, Republic of Korea

16.02 – 21.05.2023

 

Ulsan Museum of Art is concurrently holding three exhibitions under the theme of What is The Collection Now?, which examines the past, present and future of the collection itself. The screening exhibition of International Moving Image Collection: Art Fluidity is one of them.

 

As can be seen from the subtitle ‘Art Fluidity’, the exhibition presents a comprehensive overview of how the meaning of the collection has changed through the transition of the form and medium of the artwork, focusing on the fluidity of today’s immaterial digital works. Moreover, the exhibition shows the current state of contemporary (visual) art that vigorously engaged with other art genres or academic fields. This phenomenon informs us that today, the boundaries of ‘art’ are ambiguous and fluid.

 

Since Einstein, quantum physicists have come up with the theory that the ultimate factor defining existence is not the material but the immaterial. It is an overturning of the existing physics theory that the source of what we call reality is matter. In other words, objective figures and quantities do not define existence, but the relative spirituality beyond matter becomes the force that supports matter. Now, mankind is living in an era in which the smallest unit constituting the universe has been converted from atoms to bits, the so-called “digital transformation era.” The same is true for artistic creation. It has been a long time since the way of existence of the work has been converted from material to non-material form. Even in the distribution system of works, immaterial works floating online can be viewed transcending time and space.

This immaterial worldview and the way works exist also affect the meaning and institutions of the collection. Today, the collection goes beyond the meaning of private collectors and public museums purchasing works in material form and sharing them with the public in a finite space. In other words, the meaning of the collection is changing from ‘possessing’ to ‘sharing’, and from sharing to ‘disseminating’.

 

Hence, Ulsan Art Museum uses the video archives shared from the leading institutions’ collection (VDB, HAMACA, CASA ASIA and ZKM). On view are the selected works from moving image practices, from the late 1960s to the present: experimental videos with media, such as performances, electro-intermediate installations, and so on, as well as documentary videos on socio-political issues, and narrative videos. The exhibition will serve as an opportunity to understand the fluidity of art, presenting works from analog moving images of 1960s to digital moving images today.

 

 

Curator: Jeong Seon Huh

 

Artists: Sónia Vaz Borges/ Filipa César, Nam June Paik, Bill Viola, Bruce Nauman, Gary Hill, Hermine Freed, Videofreex, Max Almy, Han Breder, Vali Export & Peter weibel, Albert Merino, Marisa González, Iván Marino, Carles Congost, Cabello/Carceller, Aimar Gómez Gil, Ryo Hirano, Yuan Keru, etc.

 

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Cos i ficció.

Galeria del Tossal, València

Inauguració: 05 abril de 2022, 19 h.

 

Exposició comissariada per Cati Bestard i Marta Sesé, presentada primer a Dilalica Barcelona. Aquest projecte expositiu va ser seleccionat a la convocatòria de comissariat impulsada per l’Ajuntament de València per a la promoció de l’art contemporani, i es podrà visitar fins el 12 de juny a la Galeria del Tossal (Plaça del Tossal s/n, València).

 

 

El potencial ficcional dels cossos, des del distanciament a la totalitat androcèntrica, és l’eix temàtic d’aquest projecte. És en les possibilitats de la ficció i en la seva materialització —ja sigui a través d’un procés d’escriptura o de qualsevol altre llenguatge de producció— que podem fer possibles realitats que abans no existien. Aquestes possibilitats s’estenen alhora mitjançant la disputa entre allò binari i allò eternament estàtic, en la capacitat de transformació i performativitat tant dels cossos com de tot allò que ens envolta. La ficció es converteix, llavors, en l’estratègia que qüestiona la distància entre allò que és real i el que és (im)possible.

 

Cos i ficció es va mostrar per primera vegada a Dilalica, Barcelona. Amb aquest motiu, es va convidar les artistes Lucía C. Pino, Cabello/Carceller i Ariadna Guiteras. Amb punts de partida molt diversos —des de les possibilitats físiques d’un material fins a l’espiritualisme, passant per aproximacions més explícitament queer—, les artistes van crear obres per a l’ocasió. Entre totes les peces presentades es produeix un diàleg que, més que respondre a la pregunta què és un cos, reflexiona sobre les possibilitats de desafiar els límits preestablerts i eixampla els espais de definició d’aquests; ja sigui mitjançant la subversió d’un material o del reconeixement del cos com a entitat construïda socialment.

 

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“Una voz para Erauso. Epílogo para un tiempo trans.”

 

Cabello/Carceller.

 

Azkuna Zentroa, Bilbao.

 

Del 10 de marzo al 25 de septiembre

 

 

10 de marzo, a las 17:30h, en el Auditorio, se realiza una conversación entre el comisario Paul B. Preciado y Cabello/Carceller.

Entrada libre, previa inscripción, hasta completar aforo.

 

 

El proyecto comienza con el encuentro de las artistas con un retrato tan fascinante como insólito: el que (probablemente) Juan van der Hamen realizó de Catalina de Erauso vestido de alférez de la marina colonial española en 1626 y que pertenece hoy a la colección Kutxa. Erauso, que nació en Donostia en 1592 y al que se asignó sexo femenino y se dio el nombre de Catalina, es a menudo más conocido como “la monja alférez”, en parte gracias a su autobiografía en la que narra las aventuras de una joven que se escapa del convento “vestida de hombre” y que recorre después como soldado y mercader (bajo los nombres de Francisco de Loyola, Juan Arriola, Alonso Díaz Ramírez de Guzmán… y Antonio Erauso, entre otros) las tierras colonizadas por el imperio español desde Chile hasta México.

 

Tal y como destaca Paul B. Preciado, “el retrato de Erauso en hombre podría considerarse como uno de los primeros retratos “trans” de la historia del arte renacentista” aunque esa noción resulte anacrónica puesto que no existe hasta el siglo XVIII. Pero, matiza, Erauso es, como su retrato, una figura de sombras. “En el fondo totalmente negro del óleo surge un rostro severo, pero de mirada inquietantemente dulce que nada permite calificar como de masculino o de femenino. Su implicación en el genocidio de los mapuches y su posición en el mercado colonial hacen de ella una figura incómoda en la historia trans”. Por eso, la estética de la exposición es, como la del retrato de Erauso, la del claroscuro.

 

Cabello/Carceller han elaborado para este proyecto artístico un nuevo “retrato” de Erauso que es interpelado por una galería de nuevos personajes trans.  La exposición se construye así a modo de galería analógico-digital de retratos donde Erauso (tanto los retratos históricos de 1626 y su copia, como el nuevo retrato de Cabello/Carceller) se encuentran con otras representaciones de la obra anterior de las artistas entre las que destacan “Autorretrato como fuente” (2001),  “Archivo: Drag Modelos” (2007-en proceso), “Movimientos para una manifestación en solitario”(2021), o “Lost in Transition_un poema performativo” (2016).

 

 

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ca2m

Dialecto CA2M

22 de octubre 2021 – 9 de enero 2022

 

 

Hoy, en el año 2021, en la era de las Fake News, de la pandemia global de la covid-19 y de la emergencia climática, los museos han de proporcionar nuevas definiciones de cultura que permitan también usos sociales y formas de convivencia por venir. La cultura material que un museo cobija y cuida es su razón de ser fundamental. Las formas en que se desarrolla el crecimiento de una colección pública determinan su naturaleza administrativa y compartida. Los relatos que emergen de ella en cada articulación expositiva o en cada libro publicado son precisamente lo que permite que la institución se diga, que su función social tenga lugar. Un museo de arte contemporáneo muta continuamente y sus salas de exposiciones van variando durante el año con diferentes proyectos, persiguiendo un presente del arte también en continuo movimiento. Instalar por primera vez las colecciones del CA2M ocupando todo su edificio responde a la voluntad de explicar, doce años después de su fundación, qué museo es este, cuál es su razón de ser, mostrar públicamente el por qué de su programa y, sobre todo, celebrar la importancia de unos fondos construidos colectivamente como un proyecto con el que poder asumir la responsabilidad de contar qué es el arte contemporáneo desde aquí.

 

 

Más de 400 obras de 250 artistas en una exposición que instala por primera vez las colecciones del CA2M ocupando todos los espacios del CA2M. Es una celebración de la idea de Museo que estaba presente desde el decreto de su fundación. Al mismo tiempo, la exposición será internacional, como lo son sus colecciones – la del CA2M y la de la Fundación ARCO. Ahora bien, la historia se cuenta desde esta institución, desde las colecciones que conserva, en definitiva, desde Móstoles. Una gran parte de las obras no se habían mostrado nunca, fruto del importante esfuerzo de adquisiciones y trabajo con la Colección que se ha realizado en los últimos años, pero más importante es todavía es que se trata de la primera contextualización en un marco global del acervo del CA2M.

 

 

Figuras fundamentales desde Picasso a Ana Laura Aláez, pasando por Eduardo Arroyo, Antonio Ballester Moreno, Equipo Crónica, Luis Gordillo, Esther Ferrer, Joan Fontcuberta, Cristina Iglesias, Teresa Lanceta, Eva Lootz, Muntadas, Juan Muñoz, Palazuelo, Richard Serra, Teresa Solar o Cabello/Carceller, escriben una historia del Arte Contemporáneo contada desde Móstoles

 

 

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Elogi del malentès

Elogi del malentès.

03.09 – 09.10.21.

Centre d’Art Maristany, Sant Cugat

 

Aquest divendres 3 de setembre, a les 19 h: inauguració i presentació amb la comissària Joana Hurtado.

 

 

La mostra és una invitació a reflexionar sobre el conflicte que destapa el malentès i l’oportunitat que proporciona per descobrir un punt de vista alternatiu a través de l’obra de 14 artistes dones: Mar Arza, Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Kajsa Dahlberg, Anna Dot, Dora García, Andrea Gómez, Núria Güell, Alexandra Leykauf, Mariona Moncunill, Mireia Sallarès, Batia Suter i Pilvi Takala.

 

 

‘Elogi del malentès’ és una exposició itinerant del Programa d’Arts Visuals de l’Oficina de Difusió Artística (ODA) de la Diputació de Barcelona, comissariada per Joana Hurtado Matheu, i en col·laboració amb els municipis que l’acullen. 

 

 

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La performance de lo político

La performance de lo político. 

Amantes imperfectos. Cruces, roces, actitudes en torno a Felix Gonzalez-Torres en el contexto español.

 

 

Conversación con las artistas: Miércoles, 9 de junio de 2021, 19 h

 

 

MACBA. Auditorio Meier y Online.

 

 

Precio: Gratuito. Plazas limitadas. Con inscripción previa.

 

 

“La estética gira en torno a la política; es la política misma”. Esta afirmación que realizara Felix Gonzalez-Torres puede leerse en el catálogo de la exposición retrospectiva que le dedicara el CGAC en 1995, un recorrido integral por un trabajo que ya era parcialmente conocido en España, donde el artista había expuesto en 1991. A finales de 1992, Pepe Espaliú publicaba en El País “Retrato de un artista desahuciado”, texto en el que manifestaba una silenciada homosexualidad y hablaba de la enfermedad del sida, que le llevó a la muerte; Gonzalez-Torres falleció en 1996 por la misma enfermedad. Hasta entonces, en el contexto español prácticamente no había referencias a la posibilidad de que un artista fuera homosexual, y mucho menos aún a la posibilidad lesbiana. Las estéticas no debían verse salpicadas por las vivencias “privadas”, no se empatizaba con las abyecciones de la “anormalidad”. El arte debía aspirar a la universalidad y esta debía alejarse de lo particular, porque lo personal no era estético, pero para Gonzalez-Torres, conocedor de los feminismos, lo estético era político y personal.

 

 

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Centro de Arte Palacio del Almudí, Murcia

27.04 – 07.06.2021

 

Si fijamos el inicio del siglo en el año 2000 y sintetizamos estos 21 años en una palabra, sin duda ha sido “crisis”. La caída de las torres fue una crisis epocal, un cambio de tiempo al que sucedió la caída de Lehman Brothers en 2008 y la subsiguiente década perdida. Para acabar de alguna forma este microresumen, en 2020 estalló la pandemia global.

 

A estas grandes líneas maestras hay que implementar las crisis nacionales: sociales, económicas, políticas e ideológicas sin olvidar las crisis estrictamente artísticas, desde la crisis del significante que podemos llevar a la esfera internacional a las crisis de los distintos medios bajo los sucesivos discursos estéticos, afectados a su vez por las crisis económicas, no olvidemos a Francesco Bonami declarando, en la inauguración de la Biennale de 2003, que la crisis económica traería de vuelta la pintura.

 

El arte español en estas dos décadas ha estado en crisis, los artistas han estado en crisis, el sistema lo ha estado y el mercado ha sobrevivido a ella (o a ellas) de manera que hablamos de un arte en crisis.

 

La colección Artillería se construye durante estas dos décadas. No siempre los fondos se limitan a este periodo, pero el eje y el grueso de este conjunto se forma en este lapso, marcado por la galería T20, que permite hacer esta colección y plantea ya un relato dentro del metarelato de la colección. Lo acaecido en la galería es un testimonio en tiempo real de lo que ha ocurrido en el arte español e internacional durante estos 21 años, de manera que surge dentro del relato como una voz en primera persona. Las exposiciones de la galería son la primera fuente de la que se nutre la colección, y esto es evidente en esta tercera exposición que celebramos en el Palacio Almudí. A este núcleo hemos ido sumando obras de artistas que no han pasado por T20 pero resultan imprescindibles en nuestra idea de arte del siglo XXI, con un especial homenaje a Elena Asins.

 

No es la historia del arte español en estas dos décadas, es una historia del arte español en la que evidenciamos nuestras filias y fobias y la idea de que cada colección es un discurso personal, una forma de ver el mundo, un mundo que emite señales complejas y confusas pero, desde 2000, es un mundo en crisis.

 

Artistas: Sonia Navarro, Carles Congost, Ángeles Agrela, Santiago Ydáñez, Nico Munuera, Mira Bernabéu, José Maldonado, Miguel Fructuoso, Santiago Sierra, Fod, Cabello / Carceller, Pepo Salazar, Manuel Saro, Sergio Belinchón, María Carbonell, Raúl Belinchón, Gala Knörr, Joan Fontcuberta, José Noguero, Bene Bergado, Paloma de la Cruz, Javier Arce, José Medina Galeote, Miki Leal, Javier Núñez Gasco, Victor Jaenada, Kepa Garraza, Daniel García Andújar, Antoni Muntadas, Irma Álvarez Laviada, Yann Leto, Óscar Seco, Inma Liñana, Abdul Vas, Francesc Torres, Eugenio Merino, Ana Barriga, Moises Mahiques, Fernando Sánchez Castillo, Alberto García – Alix, Elena Asins, Regina de Miguel, Juan Carlos Robles, Fernando Segura, Marina Núñez, Arturo Comas, Secundino Hernández, Kaoru Katayama.

 

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ARCO E-xhibitions

ARCO E-xhibitions. 

 

 

THE YEAR SLIPS ON THE CALENDAR

 

 

ERICK BELTRÁN, CABELLO/CARCELLER, VICTORIA CIVERA, CARLES CONGOST, LUIS GORDILLO, ENRIQUE MARTÍNEZ CELAYA, MUNTADAS, JAVIER PEÑAFIEL, PEREJAUME, JULIÃO SARMENTO, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ

 

Tras un año 2020 en el que creímos posible una transformación radical de nuestras vidas, debido a un evento mundial e imprevisible como fue la pandemia, este 2021 sentimos que todo vuelve a empezar y, pese a todo lo que aprendimos, en el fondo, deseamos volver a lo anterior.

 

En la primavera del año pasado, nos atrevimos a pedirles a los y las artistas de la galería que participasen en una exposición que pudimos presentar en verano, con trabajos realizados durante el confinamiento. La realización de estas obras supuso, en algunos casos, una vía de escape, en otros, una herramienta para continuar trabajando pese a las dificultades y, a la vez, permitieron al público introducirse en la intimidad de los estudios y de las cabezas de sus creadores.

 

El resultado de la petición fue una serie de obras muy diversas, algunas de las cuales ahora volvemos a presentar para poder contemplarlas con una nueva mirada, que nos permite entender el pasado y proyectarnos hacia el futuro.

 

 

Descubre nuestro stand en 2D y en 3D

Elogi del malentès.

Museu de Granollers

22.09 – 14.03.2021

 

Joana Hurtado, comissària de l’exposició, en itinerància.

 

 

 

Les obres de catorze artistes conviden al visitant a reflexionar sobre el conflicte que genera el malentès i l’oportunitat de descobrir un nou punt de vista. L’exposició ho fa amb una mostra d’art contemporani utilitzant les arts plàstiques i audiovisuals. 

 

L’exposició vol fer palès que el malentès és molt present en el nostre dia a dia, que una paraula o situació pot tenir múltiples interpretacions i que el dia que ens n’adonem, tot canvia i nosaltres canviem. A través de l’art contemporani, l’exposició ofereix un veritable espai de debat, una multiplicitat de veus crítiques des d’on qüestionar l’ordre establert. Un nou escenari de relacions en què art i política es troben, no per buscar una solució, sinó per repensar les lliçons apreses i rescatar la vaguetat i la incertesa a través de la sospita i la discrepància.

 

 Les obres exposades corresponen a les artistes Mar Arza, Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Kajsa Dahlberg, Anna Dot, Dora García, Andrea Gómez, Núria Güell, Alexandra Leykauf, Mariona Moncunill, Mireia Sallarès, Batia Suter i Pilvi Takala.

 

 

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end-of-year selection

During this time of year we want to celebrate the holidays with you.

 

We all know art is a great way of expressing human emotion, and what better gift to make on this time of the year than that?

 

When you buy pieces of art you are supporting artists and the cultural ecosystem as a whole.

 

Our gallery would be delighted to be part of this experience, that’s why we have made a very special 2020 Gallery Selection.

 

To discover all the pieces that compose this collection click here

Si la dècada de 1980 va representar a Europa un retorn a l’ordre, a la reivindicació d’una certa formalitat en l’art, als formats convencionals de la pintura i l’escultura àmpliament acceptats pel mercat, la de 1990 va reprendre bona part de les experiències conceptuals de dècades anteriors. D’aquesta manera, es van recuperar pràctiques relacionades amb el cos humà que conjuntament anomenem art d’acció. A l’Estat espanyol, aquestes pràctiques encara van tenir més rellevància, amb iniciatives múltiples que han exercit un immens impacte en l’art fins avui dia. Sovint aquest art d’acció s’expressava en forma de performances ‒que acostumaven a circular en àmbits molt restringits, en festivals o trobades‒ i la seva expressió més heterogènia, el que anomenem performativitat.

 

A través de diversos nodes, Acció recorrerà aquesta època i en rastrejarà algunes de les obres fonamentals. A més, inclourà documentació i material audiovisual majoritàriament inèdit que recupera aquelles experiències. El resultat és una exposició densa, amb múltiples extensions històriques i contemporànies, que ajudarà a interpretar d’una manera molt més precisa l’art del nostre temps.

 

Exposició comissariada per Ferran Barenblit, amb obres de Cabello/Carceller, entre d’altres.

 

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Sala dels Trinitaris, Vilafranca del Penedès

17.1 – 22.3.2020

Inauguració 17.1 – 20h

 

Mar Arza, Cabello/Carceller, Lúa Coderch, Kajsa Dahlberg, Anna Dot, Dora García, Andrea Gómez, Núria Güell, Alexandra Leykauf, Mariona Moncunill, Mireia Sallarès, Batia Suter i Pilvi Takala

Comissariat: Joana Hurtado Matheu

 

Tretze artistes contemporànies s’apleguen en un mateix espai, sota el comissariat de Joana Hurtado Matheu. El relat conceptual d’aquesta proposta és evidenciar a través de les peces de cadascuna de les artistes, la manca d’eficiència que atribuïm al llenguatge com a sistema de comunicació –i qui diu llenguatge diu imatge. Cada representació ve determinada per la perspectiva cultural, social i emocional de cadascú. No sabem com són les coses, només sabem com les percebem i interpretem. Sovint per anar massa de pressa, caiem en descripcions pobres; altres vegades, pensaments i llengua se’ns enreden i en surten lectures confuses. Comprenem així que hi ha moltes coses que costen de dir amb les paraules que tenim, que una imprecisió latent i incontrolable ens acompanya. El veritable entrebanc, doncs, no és haver topat amb la vaguetat de les paraules, sinó haver confiat en la seva precisió.

Elogi del malentès explora justament la diferència, la diferència que ens obliga a explorar críticament les convencions que regeixen la nostra relació amb l’entorn. En un temps de simplificació salvatge i esforç mínim, confiar-nos a la pluralitat i complexitat del malentès per contradir el que ja ha estat dit, dat i beneït, suposa crear un espai de resistència compartida que no passa per l’imperatiu del resultat.

Elogi del malentès és una exposició itinerant del Programa d’Arts Visuals de l’Oficina de Difusió Artística (ODA) de la Diputació de Barcelona en col·laboració amb l’Ajuntament de Vilafranca.

 

Divendres, 17 de gener a les 20h. Inauguració i visita comentada a càrrec de Joana Hurtado Matheu, comissària de l’exposició.

 

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Cabello / Carceller solo exhibition at Regelbau 411. Kunsthal for international samtidskunst. Thyholm, Denmark.

 

Opening Dec. 14 at 2pm.

Exhibition: December 14 2019 – February 16 2020.

 

 

Helena Cabello and Ana Carceller have been working together for three decades to exploring how particular body ideals and particular notions dominate our visual culture, how these notions create special kinds of representation, and how to offer alternatives to these notions.

 

The two bunkers in Regelbau 411 each present a video work that has been transformed into two site-specific video and text installations. The artists visited the art centre on Thyholm this summer and have since developed this special exhibition design.

 

 

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Elogio del malentendido

14.09 – 17.11.2019

Inauguració 14.09, 12h

Sales d’exposicions de Can Palauet

Mataró

 

Joana Hurtado, comissària de l’exposició

 

“Cada dia parlem amb molta gent sense la necessitat de fixar el significat exacte de les nostres paraules. Però arriba un dia que algú ens demana explicacions. Un dia, fins i tot, algú s’enfada. Aquell dia ens adonem que la mateixa paraula pot voler dir una altra cosa, que els límits de la nostra realitat poden ser diferents. Aquell dia tot canvia, o més ben dit, ens canvia.

 

El malentès trenca amb l’eficàcia que atribuïm al llenguatge com a sistema de comunicació –i qui diu llenguatge diu imatge. Cada representació ve determinada per la perspectiva cultural, social i emocional de cadascú. No sabem com són les coses, només sabem com les percebem i interpretem. En aquest exercici de traducció que va de la idea a la parla i de boca a orella, passa també que generalitzem o ometem informació. Sovint, per anar massa de pressa, caiem en descripcions pobres; altres vegades, pensaments i llengua se’ns enreden i en surten lectures confuses. Comprenem així que hi ha moltes coses que costen de dir amb les paraules que tenim, que una imprecisió latent i incontrolable ens acompanya. El veritable entrebanc, doncs, no és haver topat amb la vaguetat de les paraules, sinó haver confiat en la seva precisió.”

(…)

 

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feminismos-cccb

19.07 – 01-12.2019

CCCB, Barcelona

 

¡FEMINISMOS! reúne las exposiciones «La Vanguardia Feminista de los años 70. Obras de la VERBUND COLLECTION, Viena» y «Coreografías del género» y un extenso programa de actividades para poner de manifiesto el diálogo, las continuidades y las rupturas entre el feminismo radical de los años setenta y los feminismos actuales.

 

Los años setenta marcaron un punto de inflexión en el movimiento feminista. Una nueva generación irrumpió en la vida pública para dar la vuelta al mundo y sacudir el orden simbólico establecido a través de múltiples prácticas y representaciones culturales. El arte que surgió entonces fue rompedor, tanto por el uso de los lenguajes y las formas como por su desafío de las construcciones de género, la reivindicación del derecho a decidir sobre el propio cuerpo y la denuncia de las violencias machistas, o el descubrimiento crucial de que lo personal también es político.

 

La explosión de libertad y creatividad del feminismo de los setenta ha sido una fuente de inspiración constante para los feminismos actuales, que han estallado en una riqueza y pluralidad sin precedentes, pero también para muchos otros movimientos de emancipación colectiva. En el contexto actual de auge del conservadurismo y de regresión de los derechos, el proyecto ¡FEMINISMOS! quiere reivindicar la aportación capital de las luchas por la igualdad y la diversidad de los feminismos que han cambiado definitivamente nuestra manera de entender el mundo.

 

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MUAC, México DF

9.2 – 26.5.2019

Inauguración 9.2.2019, 12.30h conversación, 13.30h apertura

 

 

Comisario: Manuel Segade (CA2M)

Exposición organizada por el Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M, Madrid.

 

Desde 1992, Cabello/Carceller desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica hacia la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, y los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo interdisciplinar que cuestiona el modelo neoliberal de producción social.

 

Después de su presencia en el Pabellón español de la última Bienal de Venecia, esta exposición  es la primera revisión retrospectiva de Cabello/Carceller. Borrador para una exposición sin título (cap. III) es una nueva versión de la presentada en el CA2M y el MARCO de Vigo. En ésta se superponen momentos de su trayectoria. Las obras se refieren unas a otras en un sentido cronopolítico, donde las más antiguas pueden entenderse como comentarios o referencias para la construcción del sentido de las más recientes. Las piezas se presentan como un dispositivo de representación: un espacio teatralizado basado en la repetición, la mismidad y el juego de dobles, centrales en una estética militante, donde las obras y los tiempos se yuxtaponen para poner el acento en la actualidad permanente de su aparato crítico.

 

El eje central de esta muestra es la obra A/O (Caso Céspedes) (2009-2010). En ella se aborda la vida de Eleno Céspedes, personaje del barroco español, quien nació en Granada, mujer, mulata y esclava, pero que llegó a ser cirujano y se casó por la iglesia como hombre con una mujer, para luego ser juzgada y condenada por la Inquisición española. La pieza discute la relación entre género, esclavitud e identidad racial en el periodo colonial, y su ausencia en el ámbito de la representación pasada y actual.

 

La exposición también incluye piezas como Un beso (1996) y Bollos (1996), obras que sirvieron para revisar de forma pionera el feminismo de los años setenta en los noventa, o bien, Archivo: Drag Modelos (2007-en proceso), proyecto que pone en relieve la idea de dobles, entendiendo toda posición de género como una copia. Así mismo se incluye otra serie de obras que ponen de manifiesto cómo, en el trabajo de Cabello/Carceller, el arte deviene en un arma de representación con la cual destruir la noción de fijación identitaria y con la cual ampliar las posibilidades subjetivas de existencia tanto individual como colectiva.

 

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Taller Género, performance, revuelta

MUAC, México DF

11.2.2019 de 10 a 13h y de 14 a 16h — Ágora

Impartido por Cabello/Carceller

Dirigido a artistas en formación

Cupo limitado / Registro previo

 

El taller Género, performance, revuelta. Apuntes para una fiesta política se propone como un encuentro crítico en el que se contrastarán experiencias y establecerán diálogos transversales.

 

El surgimiento de los feminismos y las sexualidades disidentes ha trastocado el sistema de valores dominantes que dirigía a las sociedades neoliberales, poniéndolas en cuestión y provocado un nerviosismo fundacional que creían superado tras la caída de los regímenes comunistas.

 

Las prácticas artísticas están actualmente en constante revisión, en un balanceo dubitativo entre asumir una realidad social diferente que exige posicionamientos claros y cambios en el modelo historiográfico, en los modos de producción, en los modos de exhibición… y un permanecer en la trinchera del conservadurismo y la servidumbre hacia lo objetual.

 

Esta propuesta nos reunirá para considerar y/o planificar cómo incidir en la provocación del cambio a través del intercambio, del encuentro, de la fiesta como acción política y estética, revolucionaria y catártica.

 

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Jornada Vistas parciales para una jornada pública

MUAC, México DF

12.02.2019 – Sala de Conferencias

Entrada libre/Cupo limitado

 

Programa:

Instrucciones de uso, 10 -10:15 h

Presentación – Autopresentación, 10:15-11:45 h. Cabello/Carceller y Amanda de la Garza

El caso Céspedes, 12-13:45 h. Israel Burshatin y Seminario Los dilemas de la visibilidad, Campus Expandido, MUAC

Travestimientos, 16 -17 h. Luis Felipe Fabre

Fisuras corporales 17 -18 h. Susana Vargas

 

 

En el marco de la exposición Borrador para una exposición sin título (Cap. III) de Cabello/Carceller, Campus Expandido presenta una serie de discusiones, dividida en cuatro partes, que toma el concepto de “vistas parciales” como punto de arranque para discutir en torno a genealogías feministas y queer en las prácticas artísticas contemporáneas, formas de construcción histórica del género en índices coloniales y figuraciones críticas desde la literatura y la investigación colectiva.

 

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Galerie 3 – Centre Pompidou, Paris

20.10.2017 – 19h

 

Une soirée hip-hop présente l’œuvre du collectif madrilène Cabello/Carceller, « Rapper la philosophie : Foucault, Sontag, Butler, Mbembe » où sont rappés des textes philosophiques au sujet du racisme d’Etat et de la violence institutionnalisée – sujets qui se retrouvent dans le hip-hop. La traduction des concepts abstraits en une performance énergétique et rythmée révèle les répétitions et la dimension rhétorique présente dans ces écrits théoriques. Les textes seront interprétés par Law Cailleretz, Audrey Chenu et Elom 20ce, avec DJ Operator Shaï Hulud.

 

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CentroCentro, Madrid

23.06 – 01.10.2017

 

Nuestro deseo es una revolución muestra cómo diversas prácticas artísticas y discursivas gays, lésbicas y queer han combinado los lenguajes de las vanguardias artísticas y la iconografía y modos de hacer de las subculturas de la calle para politizar la representación del cuerpo y la sexualidad, para cuestionar el funcionamiento de las esferas pública y privada y para releer la historia hegemónica que invisibiliza a los sujetos marginales.

 

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Cabello/Carceller

Borrador para una exposición sin título.

Curator: Manuel Segade

CA2M, Madrid

19.01.2017 – 02.05.2017

 

Since 1992, Cabello/Carceller (Paris, 1963 / Madrid, 1964) have constructed a joint artistic project focused on a critique of hegemonic visual culture. Over this time, they have made use of tools of feminist, queer and decolonial theory and of visual and cultural studies to produce a body of work that questions the neoliberal model of social production. By means of interdisciplinary practices they afford alternatives to conventional narratives on political minorities, including the debate on the role of contemporary art production. Based on mutual collaboration and on the incorporation of external actors and agents, their working method has enabled them to enact displacements and disruptions that uncover resistances to and divergences with conventional values.

 

Following their participation in the Spanish Pavilion at the latest Venice Biennale, this exhibition is the first survey show of their practice, contextualising their latest projects within a framework bookended on one side by the Cultural Wars of the late eighties—their formative period—and on the other by the social revolutions against the return to neoliberal order in recent years.

 

http://www.ca2m.org/en/cabello-carceller