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Lola Lasurt - Carnaval- Maria Jose Jove

Inauguración, 04/06/2019.

Fundación María José Jove, Marineda city, La Coruña

 

 

Lola Lasurt artista finalista del premio Fundación María José Jove.

 

Lista de finalistas:

Jose Caerols Lecaros (1984) – Santiago de Chile, Chile

June Crespo (1982) – Bilbao, España

Irene de Andrés (1986) – Ibiza, España

Natalia Escudero (1991) – Zaragoza, España

Patricia Esquivias (1979) – Venezuela, España

Laura F. Gibellini (1978) – Madrid, España

Elisa González García (1991) – Vigo, España

Rodrigo Hernández (1983) – Ciudad de México, México

Julia Huete (1990) – Ourense, España

Carlos Irijalba (1979) – Pamplona, España

Lola Lasurt (1983) – Barcelona, España

Mercedes Mangrané (1988) – Barcelona, España

Gabriel Pericàs (1988) – Palma de Mallorca, España

Inês Teles (1986) – Évora, Portugal

Juan Zamora (1982) – Madrid, España

 

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Jordi Alcaraz, Nits, Museo de Montserrat

07.06 – 17.11.2019

Inauguració :  7 de juny, 12.30h

Museu de Montserrat

 

L’obra de Jordi Alcaraz (Calella, 1963) és la confluència perfecta de forma, poètica i concepte. Servint-se de materials ben diversos –metacrilat, tinta, ferro… – trenca, des del propi gènere, els límits de la pintura, l’escultura i el gravat. Des de la matèria evoca la idea encara no formulada, l’aura de l’objecte, transforma i deforma la realitat, la recrea i la pensa amb el tacte i les mans. Hereva de la tradició artística catalana dels darrers cinquanta anys, l’obra d’Alcaraz està emparentada amb la ironia i la poètica de Brossa, la matèria de Tàpies i el caràcter eteri de Llena. Aquesta exposició de la Sala Pere Daura del Museu de Montserrat fa trontollar el concepte de pintura comunament acceptat i ens endinsa en una reflexió en torn el propi fet creador, el jo i la realitat.

 

Bernat Puigdollers, comissari de l’exposició

 

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Fernando Prats UPF Pompeu Fabra Ciutadella

Inauguració dimarts 4 de juny, 20h.

Universitat Pompeu Fabra.

Sala de graus Albert Calsamiglia (campus Ciutadella de la UPF)

 

A les Lliçons Haas 2019, dedicades al tema: “Ombres i miralls”, la UPF presenta l’obra titulada: He aquí las espaldas del que me ve, 2000 – 2019, de l’artista xilè Fernando Prats. L’obra i el pensament d’Antoni Tàpies han estat un referent molt significatiu en la trajectòria de Prats i amb aquesta instal·lació, es vol establir un intens diàleg entre els dos artistes.

 

Obra visible fins al 17/06/2019, amb cita prèvia.

 

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Fabian Marcaccio Winterthur Museum

Beim Stadthaus, Kunst Museum Winterthur

18.5. – 18.8.2019

 

Frozen Gesture

Gesture in painting

from Roy Lichtenstein to Katharina Grosse

Curators: Konrad Bitterli, Lynn Kost, and Andrea Lutz

 

In 1965 Roy Lichtenstein created his famous «brushstrokes» and in so doing transformed the subjective gesture of heroic Modernism into a trivial comic drawing, transposed into the large format of a museum. The spontaneous movement of the brush on canvas mutated into a quote, the emotional exploration of depth morphed into a Pop surface in signal colors. The purported immediacy of the expressive painterly act thus became an ironic reflection on the medium of painting using the means of mass culture. This distanced and self-reflective approach had defined contemporary painting since the end of Modernism. It highlighted the fundamental elements of the image, such as the appearance of the colors and the pigment, the color fields and their limits, and not least the application of paint in the form of a gesture.

This gesture had long since abandoned directly expressing existence in favor of any number of different discursive strategies and painterly approaches. To this day, artists underscore the problematic nature of the impact of the application of color and are forever reinterpreting it – from the gesture as a semiotic abbreviation for painting through to its diverse transformations in images.

In the form of the extensive «Frozen Gesture» exhibition Kunst Museum Winterthur is presenting the sheer range of gestures in contemporary painting. The exhibition brings together important individual pieces by outstanding protagonists of Abstract Art, such as Gerhard Richter and David Reed, with extensive work groups of contemporary artists such as Franz Ackermann, Pia Fries, Katharina Grosse and Judy Millar – to create a fascinating display of works of exceptional painterly quality and inconceivable sensory appeal.

 

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Caio Reisewitz Territorio Común Mamm

 22.05 – 11.11.2019 

MAMM, Medellín, Colombia

 

Territorio común. Nuevas incorporaciones a la Colección MAMM incluye alrededor de cincuenta obras que dan algunas luces sobre el devenir del arte reciente en Colombia y más allá. Predomina la pintura aunque la instalación y el video también están presentes de manera decisiva. Más que sugerir temas o preocupaciones específicas, la exposición es un vistazo a los nuevos derroteros de la Colección del Museo y a algunas líneas de trabajo que los últimos años han abierto o consolidado.

 

Los últimos diez años han implicado una transformación profunda para el Museo de Arte Moderno de Medellín. Primero, con su llegada al edificio Talleres Robledo en Ciudad del Río en 2009 y, posteriormente, con la apertura del edificio Expansión en septiembre de 2015. Paralelamente –o quizás de manera un poco adelantada respecto a estos aspectos más visibles– el MAMM introducía una serie de cambios y reformulaciones de su proyecto museológico y cultural para Medellín y el país.

Poco a poco, este crecía y se modificaba hasta convertirse en el programa de exposiciones locales nacionales e internacionales, programas educativos y académicos, cine, una sala de estudio para la comunidad, etc., que conforman el Museo de hoy. Durante estos años también la Colección del Museo se ha nutrido con obras que reflejan tanto los cambios que la institución ha vivido como la programación que le ha dado vida.

 

 La Colección MAMM surge desde la fundación de la institución como fondo patrimonial con el que soportar la creación de la figura legal del Museo y también como acervo que permitiera la conservación, investigación y difusión del arte antioqueño y colombiano moderno y contemporáneo. Por la manera en que los orígenes de la institución están vinculados con la creación de la Colección podemos decir hoy que este es una parte intrínseca de su surgimiento y consolidación. Así, la Colección MAMM se presenta no sólo como un recorrido por el arte Antioqueño y Colombiano de la segunda mitad del siglo XX y lo que va del XXI sino, de manera significativa, como memoria institucional y apuesta programática.

 

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Juan Usle, Ibiza

08.06.2019 – 31.10.2019

Museu d’Art Contemporani d’Eivissa

 

Juan Uslé

Inauguración el viernes 7 de junio de 2019 | Sala de Armas del MACE

Colaboran: Conselleria de Cultura del Govern Balear y AmicsMACE

 

Juan Uslé I Carbón y Maculares I 2011 – 2018 I Cartulina y técnica mixta I 56 x 71,2 cm. I Foto: Sergio Belinchón

 

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Muntadas, atencion percepcion requiere participacion

16.05.2019 — 18.05.2019

Torre Colpatria de Bogotá

 

Atención: La percepción requiere participación

Intervención sobre la fachada de la Torre Colpatria de Bogotá

Babel Media Art

 

Antoni Muntadas es uno de los primeros artistas en utilizar nuevas tecnologías en las artes visuales y que ha realizado un exploración artística del espacio virtual mantenido por mucho tiempo un interés sobre el pensamiento crítico e ideológico, la memoria histórica, las estructuras de poder político, las industrias culturales, los diferentes contextos sociales y la interacción entre espacios públicos y privados. Muntadas se define a sí mismo como un “intérprete de las imágenes que se producen en el mundo actual” y que pretende “identificar por qué algunas imágenes adquieren más visibilidad que otras”.

 

Uno de sus proyectos On Translation: El Aplauso realizado en1999, propuso una lectura particularmente crítica del contexto colombiano; cuestionando la forma en que los medios televisivos presentaban la situación de violencia extrema, generando una desensibilización paulatina del público frente a las imágenes del conflicto. Para esta ocasión, la obra que hemos decidido presentar se titula Atención: La percepción requiere participación; una pieza que busca inducir al espectador al ejercicio de la acción, incita a no ser entes pasivos como espectadores, incluso en el acto de la contemplación estética. Muntadas pretende que los ciudadanos se conviertan en un elemento activo en la resolución de los conflictos internos, invitándolos a involucrarse con la construcción de la realidad.

 

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CAMPO CDAN

15.05-13-10.2019

CDAN (Huesca, ES)

 

El CDAN (Centro de Arte y Naturaleza) de Huesca dedica su temporada de verano 2019 a la temática del campo.

Un ecosistema es una comunidad biogeográfica cuyos factores físicos se caracterizan por un tipo de vegetación y fauna predominante. Esta descripción podría ser aplicada a un campo, un paisaje natural externo a una población, pero podría también ser utilizada para definir un paisaje cultural como es un estadio de fútbol. Es decir, una superficie verde, codificada y regulada que establece un espacio reservado y protegido de vegetación que se caracteriza por un césped artificial y una especie humana. Si los campos de fútbol se han convertido en una unidad de medida que, a menudo, han reemplazado a las unidades de superficie a la hora de comparar grandes extensiones de terreno; a nivel simbólico, los estadios se han transformado en microcosmos en donde los aspectos colectivos, nacionales e identitarios de este rito de masas reflejan los valores políticos, económicos y culturales de la comunidad humana contemporánea.

 

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Fundació Arranz-Bravo

Inauguració 9.05.2019

10.05 – 29.09.2019

 

Pablo del Pozo (Badajoz, 1994) presenta Al muerto, tiempo encima, el seu darrer projecte expositiu per la Fundació Arranz-Bravo. Comissariada pel crític i historiador de l’art Jordi Garrido, l’exposició proposa un trajecte doble a través del procés creatiu de l’artista i del procés de coneixement humà. Mitjançant tres elements diferents, la matèria, l’essència i l’espai, del Pozo reflexiona sobre la relació amb l’entorn mitjançant el cos i sobre el seu propi trajecte en la creació artística.

 

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Fondazione Giorgio Cini

9.05 – 24.11.2019

 

Carsten Höller, Julião Sarmento and Marina Abramović join First Stone with Expanded, the next exhibition of the programme. Inaugurating on the 9th of May, during the 58th International Art Exhibition of the Venice Biennale, Expanded will be located within the Fondazione Giorgio Cini and remain open until the 24th of November 2019.

 

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Cantieri Navali, Fondamenta Quintavalle, Castello 40 (Venècia)

11.05 – 24.11.2019

For the 6th time, the Institut Ramon Llull presents a Collateral Event for the Biennale Arte. Pedro Azara curates the exhibition Catalonia in Venice_To Lose Your Head (Idols).

 

The multi-authored exhibition explores the theory of art reception and documents the complex life of public statues in our time. In a world of images, iconoclasm and iconodulia this exhibition questions the fetishism of images as living entities and encourages conversations as a way to foster human happiness, awareness and freedom.

 

With a performance by Marcel Borràs, video works, photography, an artist’s book and an archive, Catalonia in Venice_To Lose Your Head (Idols) investigates the issue of art reception with a specific focus on naturalistic and figurative statues.

 

With Marcel Borràs and Albert Garcia-Alzórriz and the collaboration of David Bestué, Perejaume, Francesc Torres, Lúa Coderch, Lola Lasurt and Daniela Ortiz.

 

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Instituto Tomie Ohtake

Exhibition 25.04 – 26.05.2019

 

At the outset of the exhibition-cum-essay curated by Luise Malmaceda and Paulo Miyada to be held at Instituto Tomie Ohtake is the oeuvre of Miguel Bakun (1909-1963), an artist from Paraná, a state in southern Brazil. As the curators have noted, the event is meant to reflect on representation of landscapes in Brazil’s subtropical region that have “so often been sidelined by the eminently warm-climate, coastal beach imaginary of a country whose picture-postcard sites are mostly found north of the Tropic of Capricorn.”

 

Sponsored by Banco Barigüi, Grupo Barigüi, Tradener and Moageira Irati, the exhibition has been designed to feature, in unprecedented format in São Paulo, a large cutout from Bakun’s production contextualized in the history of Brazilian art. The exhibition comprises three large groups engaged in dialogue with the artist: one specifically covering landscapes from southern Brazil, in particular the state of Paraná, consisting of pieces by Alfredo Andersen (1869 – 1935), Bruno Lechowski (1887– 1941), Caio Reisewitz (1967 –) and Marcelo Moscheta (1976 –); another situating Bakun within Brazilian modernism together with Alberto da Veiga Guignard (1896 – 1962), Alfredo Volpi (1896 – 1988), Iberê Camargo (1914 – 1994) and José Pancetti (1902 – 1998); and a third group made up of contemporary artists who, like Bakun, found in landscape an inexhaustible source of investigation, as for example Marina Camargo (1980 –), Lucas Arruda (1983 –) and Fernando Lindote (1960 –).

 

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Fernando Prats

Centre d’Art Contemporani de Barcelona – Fabra i Coats

12.04 – 30.06.2019

 

10 anys – Creadors EN RESIDÈNCIA als instituts de Barcelona

 

EXPOSICIÓ
12.04 – 30.06.19

Des del 2009, Creadors EN RESiDÈNCiA als instituts de Barcelona proposa un espai de treball compartit entre artistes, alumnes i docents de centres públics d’educació secundària. Al llarg de tot un curs, i dins l’horari lectiu, creadors i creadores de disciplines i generacions molt diverses desenvolupen un projecte artístic juntament amb un grup de joves, des de la ideació fins a la presentació. Comparteixen la creació.

La creació és cerca, recerca, experimentació, assaig, tempteig; obertura a perspectives inusitades; possibilitat d’interrogar-se sobre el que creiem evident; constant diàleg; moviment que impulsa a aprendre, proposar, assajar, arriscar, comprometre’s.

 

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Antoni Muntadas

Macba, Barcelona

Exposición permanente

 

On Subjectivity, obra de Antoni Muntadas, presente en la exposición Un siglo breve: colección Macba.

Esta nueva muestra presenta un recorrido cronológico a través de la Colección MACBA desde 1929 hasta el presente. En 1929 Barcelona acogió la Exposición Universal, para la que Mies van der Rohe diseñó el Pabellón Alemán o Pabellón Barcelona junto con Lilly Reich. Por iniciativa de Josep Lluís Sert y Josep Torres i Clavé, se fundó el GATCPAC (Grupo de Arquitectos y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea). André Breton escribió el Segundo manifiesto surrealista y, en París, un grupo de artistas abstractos, liderados por Joaquín Torres-García y Michel Seuphor, fundó Cercle et Carré. Aquel mismo año se inauguró el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y Virginia Woolf publicó su ensayo feminista Una habitación propia. 

 

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fuzzy dark spot hamburg

Sammlung Falckenberg

Deichtorhallen Hamburg

13.04 – 03.11.2019

 

Exhibition with :

Vito Acconci, Gabor Altorjay, John Bock, Claus Böhmler, Öyvind Fahlström, Harun Farocki, Jeanne Faust, Lee Friedlander, Gintersdorfer/Klaßen, Rosanna Graf, Britta Gröne/Peter Piller, Romeo Grünfelder, Christian Jankowski, Volko Kamensky, Naho Kawabe, Mike Kelley, Jon Kessler, Nina Könnemann, Till Krause, Vlado Kristl, Lene Markusen, Paul McCarthy, Aurelia Mihai, Ernst Mitzka, Vanessa Nica Mueller, Karina Nimmerfall, Wolfgang Oelze, Tony Oursler, Nam June Paik, Stefan Panhans Rotraut Pape/Raskin, reproducts, Rainer Korsen/Gerd Roscher, Oliver Ross, Gerhard Rühm, Swen Erik Scheuerling, Corinna Schnitt, Paul Spengemann, Hans Stützer, Mike Mandel/Larry Sultan, Inga Svala Thorsdottir, Helena Wittmann, Steffen Zillig

 

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Casa de Serralves, Porto, Portugal

15.3 – 10.7.2019

 

“Intervenções: A propósito do público e do privado” é um projeto de Antoni Muntadas especificamente concebido e produzido para a Casa de Serralves em 1992. Constituído por 21 elementos em latão, cada um contendo a designação do correspondente espaço na Casa quando habitada e a fotografia da época (quando existente), o projeto representa uma das plataformas de pesquisa de eleição do artista.

 

Sobre este seu projeto, Muntadas escreve na publicação editada por Serralves em 1992:

 

“O projeto centra-se na observação e reflexão sobre o ‘privado’ e o ‘público’, as suas respetivas funções e o modo como um lugar privado se converte em lugar público e vice-versa. (…)

 

É-me fácil perceber que muitas vezes o uso e a distribuição do espaço na esfera do ‘público’ recriam a organização hierárquica do ‘privado’. O ‘público’ e o ‘privado’ partilham estruturas de organização, poder e tomada de decisão aparentemente similares.

 

A memória do ‘privado’ a partir da identificação de lugares ou espaços através de designações (textos/imagens) deverá constituir o ponto de partida para a reflexão sobre o uso e o consumo do ‘privado’ e do ‘público’ encarados numa perspetiva cultural (uma vez assumidas as perspetivas política e social).”

 

Com o Projeto CEE, 1992, Muntadas procurou centrar a sua atenção na relação entre os símbolos culturais e a economia, questionando os objetivos e as proezas económicas da Comunidade Europeia. O futuro cultural de uma Europa unida, apresentado sob a forma de um tapete com 6 x 4 metros, mostra a bandeira europeia, com a representação da moeda de cada Estado-membro em cada uma das doze estrelas. Nesse ano, várias cópias do tapete foram exibidas noutros espaços públicos de cidades europeias, como Bruxelas, Dublin, Londres, Madrid, Montpellier, para além do Porto.

 

 

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Azkuna Zentroa, Bilbao

14.3 – 22.9.2019

Inauguración 14.3.2019 – 19.30h

Comisario: Iván de la Nuez

Artistas: Kurt CAVIEZEL, Cristina DE MIDDEL, Gonzalo ELVIRA, Oier ETXEBERRIA, Kiko FAXAS, Joan FONTCUBERTA, Verónica GERBER BICECCI, Alicia KOPF, Glenda LEÓN, Valérie MRÉJEN, Guillem NADAL, Mabi REVUELTA, Xabier SALABERRIA.

 

«Nunca real y siempre verdadero» es una frase de Artaud que funciona como estandarte de esta exposición sobre la simbiosis entre el arte y la literatura. Un lema que conecta a los trece artistas participantes, que se mueven entre ambos mundos y cuyos trabajos tratan con naturalidad al arte como un género literario y a la literatura como un proyecto expositivo. Aquí queda marcada una crítica al statu quo de los sistemas que gobiernan tanto el arte como la literatura, y a su tratamiento como cotos cerrados. De ahí la apuesta por el traspaso de sus respectivas fronteras y la intención de disolverlas.

 

Digamos que no es sólo un ‘arte’ para mirar, sino también para leer. Del mismo modo que se ha producido una implosión del arte en la literatura, ha tenido lugar una energía centrífuga que, en dirección opuesta, ha colocado a la narrativa en el mundo del arte, ofreciéndole un campo en el que progresar y renovarse. Así, en Nunca real / Siempre verdadero se entiende que, ante la cascada visual que nos agobia, el arte ha de ser capaz de acoger las palabras que expliquen esta Era de la Imagen.

 

Nunca real / Siempre verdadero es, al mismo tiempo, una exposición, una reflexión sobre la posibilidad narrativa del arte y, finalmente, la construcción de un espacio común para alojar esa aventura. Es un libro de libros, un relato a la vista y en tiempo real. Una experiencia que busca transparentar ese proceso en que el texto se convierte en textura, la palabra en imagen, el libro en display, la exposición literaria en exposición visual.

 

Iván de la Nuez. Comisario de la exposición.

Flat Time House, London

8.3 – 14.4.2019

Opening 7.3.2019 6.30-9pm

 

With contributions by: Louis d’Heudieres, Felix Kubin, Julian Mader Max Prediger, Marius Schwarz and Dr. Saskia Steinmann

 

 

 

For her first solo exhibition in the UK, Annika Kahrs presents the billion year spree, a selection of new works using film, performance and installation commissioned in response to and positioned throughout Flat Time House. For the billion year spree she has focused her research into John Latham’s holistic cosmology of time and the universe, and how this might be visualised through time-based music and the atemporality of scores.

 

The title of the show derives from a 1970’s science fiction encyclopedia by Brian Aldiss, a collection of past imaginings of possible futures. Kahrs brings together her research into Latham with other perspectives via the Max Planck Institute, Berlin, the realm of psychiatric neuroimaging, and the search for cosmic gravitational waves at LIGO. From these starting points her work focuses on systems or forms of communication, interpretation and translation. Using music and sound she shifts or assembles what we hear through a performative process, making timelines intertwine and auditory perceptions interact.

 

the billion year spree is accompanied by a series of performances, concerts and talks on music, sound and scores.

 

the billion year spree event programme

 

As part of her exhibition the billion year spree Annika Kahrs has invited a series of guests to create a special programme of performances, concerts and talks.

(All events are free or pay what you can)

 

9.3.2019 6-8pm Concert: Felix Kubin, Between Events

 

6.4.2019 7-8pm Talk: Annika Kahrs in conversation with Gareth Bell-Jones. 8-9pm  Book Launch: Marius Schwarz, eeeee books: Annika Kahrs

 

11.4.2019 7-8pm  Lecture: Dr. Saskia Steinmann of the Psychiatry Neuroimaging Lab of Harvard Medical School, Boston, Fluid boundaries of perception

 

13.4.2019 3-5pm & 6-8pm Two opportunities to attend performance and concert event with Louis d’Heudieres and Annika Kahrs. Concert: Louis d’Heudieres, it’s about time. Performance: Annika Kahrs, think about the size of the universe, then brush your teeth and go to bed

 

 

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ARCOmadrid 

27 febrero – 3 marzo, 2019

Stand 9C09

 

Con obras de : VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, HERNÁNDEZ PIJUAN, FABIAN MARCACCIO, MUNTADAS, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, CAIO REISEWITZ, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ

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CAIO REISEWITZ Encuentro con el artista y firma del libro Altamira

Jueves 28 de febrero a las 18h en nuestro stand de ARCOmadrid 2019

 

 

Inauguración 15.2.2019: Fondazione Baruchello 18 h / Accademia di Spagna 19.30 h

 

Footnote to a Footnote* es una exposición que tendrá lugar en dos sedes romanas adyacentes: la Real Academia de España en San Pietro in Montorio y la Fondazione Baruchello en Via del Vascello, 35. El proyecto es el resultado de un año de residencia del comisario Javier Hontoria en la Academia de España, donde ha desarrollado una investigación sobre Gianfranco Baruchello.

 

El título de la exposición, Footnote to a Footnote*, se refiere a la falta de centro que envuelve la obra de Baruchello. En su trabajo, una nota a pie de página nunca se referiría a una narrativa primaria. Al contrario, se dirigiría a otras notas a pie de página y después a otras notas en una secuencia que podría extenderse ad infinitum. Dado que el proyecto se realiza en dos exposiciones, estas se convierten en notas a pie de página la una de la otra, puesto que muchos de los trabajos están sujetos a una deslocalización, un decalage con el que entender se vuelve un suelo resbaladizo. El discurso en una sede se convierte en imagen en la otra, el texto se convierte en acción, el presente en historia, la realidad en mito.

 

*Un proyecto de Javier Hontoria, con Lara Almarcegui, Patricia Esquivias, Dora García, Núria Güell, Alicia Kopf, Fina Miralles, Itziar Okariz, Julia Spínola y Gianfranco Baruchello de fondo.

 

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MUAC, México DF

9.2 – 26.5.2019

Inauguración 9.2.2019, 12.30h conversación, 13.30h apertura

 

 

Comisario: Manuel Segade (CA2M)

Exposición organizada por el Centro de Arte Dos de Mayo, CA2M, Madrid.

 

Desde 1992, Cabello/Carceller desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica hacia la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, y los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo interdisciplinar que cuestiona el modelo neoliberal de producción social.

 

Después de su presencia en el Pabellón español de la última Bienal de Venecia, esta exposición  es la primera revisión retrospectiva de Cabello/Carceller. Borrador para una exposición sin título (cap. III) es una nueva versión de la presentada en el CA2M y el MARCO de Vigo. En ésta se superponen momentos de su trayectoria. Las obras se refieren unas a otras en un sentido cronopolítico, donde las más antiguas pueden entenderse como comentarios o referencias para la construcción del sentido de las más recientes. Las piezas se presentan como un dispositivo de representación: un espacio teatralizado basado en la repetición, la mismidad y el juego de dobles, centrales en una estética militante, donde las obras y los tiempos se yuxtaponen para poner el acento en la actualidad permanente de su aparato crítico.

 

El eje central de esta muestra es la obra A/O (Caso Céspedes) (2009-2010). En ella se aborda la vida de Eleno Céspedes, personaje del barroco español, quien nació en Granada, mujer, mulata y esclava, pero que llegó a ser cirujano y se casó por la iglesia como hombre con una mujer, para luego ser juzgada y condenada por la Inquisición española. La pieza discute la relación entre género, esclavitud e identidad racial en el periodo colonial, y su ausencia en el ámbito de la representación pasada y actual.

 

La exposición también incluye piezas como Un beso (1996) y Bollos (1996), obras que sirvieron para revisar de forma pionera el feminismo de los años setenta en los noventa, o bien, Archivo: Drag Modelos (2007-en proceso), proyecto que pone en relieve la idea de dobles, entendiendo toda posición de género como una copia. Así mismo se incluye otra serie de obras que ponen de manifiesto cómo, en el trabajo de Cabello/Carceller, el arte deviene en un arma de representación con la cual destruir la noción de fijación identitaria y con la cual ampliar las posibilidades subjetivas de existencia tanto individual como colectiva.

 

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Taller Género, performance, revuelta

MUAC, México DF

11.2.2019 de 10 a 13h y de 14 a 16h — Ágora

Impartido por Cabello/Carceller

Dirigido a artistas en formación

Cupo limitado / Registro previo

 

El taller Género, performance, revuelta. Apuntes para una fiesta política se propone como un encuentro crítico en el que se contrastarán experiencias y establecerán diálogos transversales.

 

El surgimiento de los feminismos y las sexualidades disidentes ha trastocado el sistema de valores dominantes que dirigía a las sociedades neoliberales, poniéndolas en cuestión y provocado un nerviosismo fundacional que creían superado tras la caída de los regímenes comunistas.

 

Las prácticas artísticas están actualmente en constante revisión, en un balanceo dubitativo entre asumir una realidad social diferente que exige posicionamientos claros y cambios en el modelo historiográfico, en los modos de producción, en los modos de exhibición… y un permanecer en la trinchera del conservadurismo y la servidumbre hacia lo objetual.

 

Esta propuesta nos reunirá para considerar y/o planificar cómo incidir en la provocación del cambio a través del intercambio, del encuentro, de la fiesta como acción política y estética, revolucionaria y catártica.

 

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Jornada Vistas parciales para una jornada pública

MUAC, México DF

12.02.2019 – Sala de Conferencias

Entrada libre/Cupo limitado

 

Programa:

Instrucciones de uso, 10 -10:15 h

Presentación – Autopresentación, 10:15-11:45 h. Cabello/Carceller y Amanda de la Garza

El caso Céspedes, 12-13:45 h. Israel Burshatin y Seminario Los dilemas de la visibilidad, Campus Expandido, MUAC

Travestimientos, 16 -17 h. Luis Felipe Fabre

Fisuras corporales 17 -18 h. Susana Vargas

 

 

En el marco de la exposición Borrador para una exposición sin título (Cap. III) de Cabello/Carceller, Campus Expandido presenta una serie de discusiones, dividida en cuatro partes, que toma el concepto de “vistas parciales” como punto de arranque para discutir en torno a genealogías feministas y queer en las prácticas artísticas contemporáneas, formas de construcción histórica del género en índices coloniales y figuraciones críticas desde la literatura y la investigación colectiva.

 

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Espais Volart, Fundació Vila Casas, Barcelona

Inauguració 24.1.2019 – 19.30

Exposició fins 19.5.2019

 

 

L’exposició La realitat transformada aporta noves mirades sobre el discurs plàstic de l’artista i aprofundeix en el fet que Josep Guinovart, avui dia i deu anys després de la seva mort, segueix connectant amb les diferents generacions de crítics i comissaris, amb una obra de rabiosa actualitat. L’exposició posa l’èmfasi en la capacitat de l’artista per transformar la realitat i alhora reinventar-se constantment. L’eix conceptual que actua com a factor transversal entre els diferents apartats expositius es basa en el fet que Guinovart, a través de les seves obres, viatja des d’allò més local i primigeni fins a allò més universal i infinit.

 

La mostra, tot i que no es presenta com una retrospectiva, compta amb algunes de les peces més significatives de les diferents etapes de tota la trajectòria de l’artista. Així mateix el recorregut, que no és lineal en el temps, s’endinsa pel frondós bosc de la creació de l’artista, i salta, ara i adés, per temes, tècniques, èpoques i matèries per explicar, en un instant final, l’extraordinària coherència d’aquest artista clau de l’avantguarda plàstica catalana de la segona meitat del segle XX.

 

 

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“De aquellos barros estos lodos”, con Bea Espejo

La Casa Encendida, Madrid

23.1.2019 – 19.30 h

Presenta: Alicia Ventura, responsable de la Colección DKV.

Charla posterior entre Bea Espejo y Teresa Solar, artista.

 

 

“De aquellos barros estos lodos”, con Bea Espejo (crítica de arte y comisaria).

La cerámica se ha convertido en el gran borrador donde los artistas ensayan relecturas de lo popular tensando la tradición y buscando nuevas alternativas en el campo de la creación. Cada vez son más los artistas que indagan en las posibilidades del barro y su relación con el lenguaje y el pensamiento. Explorarlas exige contextualizar su significado y los roles históricos de su práctica formal. Esta conferencia hará un repaso por algunos referentes de este medio y el acercamiento, a veces directo y otras transversal, que muchos artistas tienen con la tradición y la artesanía.

 

Durante los meses de enero y febrero La Casa Encendida os invita, de la mano de Cervezas Alhambra y su Premio de Arte Emergente, a disfrutar de una serie de conferencias en las que artistas, artesanos, comisarios y expertos del mundo del arte, como David Barro, Teresa Lanceta, Bea Espejo, la Real Fábrica de Cristales de La Granja o el Centro Cerámica Talavera, se reúnen para hablar de los diferentes usos de la artesanía, la importancia de los procesos de creación artesanal y su inclusión en los lenguajes del arte contemporáneo.

 

Las charlas estarán dirigidas por la comisaria del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente, Alicia Ventura Bordes.

 

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Museo de Antioquia, Casa del Encuentro, Antioquia, Colombia

Inauguración 4.12.2018 – 18.30h

Exposición 4.12.2018 – 17.2.2019

 

Curador Alejandro Castellote

 

Exposición del artista brasileño Caio Reisewitz (São Paulo, 1967), en la que presenta una instalación en gran formato acompañada de 19 fotografías, intervenidas mediante collage. En 2014, Caio Reisewitz presentó en una exposición individual en el ICP de Nueva York experimentos en forma de collage que había estado desarrollando desde 2008. En ellos, Reisewitz mira la ciudad «a lo lejos», desde la frondosidad de la naturaleza que rodea São Paulo.  

 

La exposición Biblioteca reúne por primera vez escenarios pertenecientes a los diferentes periodos de su práctica con el collage. Para la intervención creada específicamente para el Museo de Antioquia, Caio Reisewitz utiliza imágenes monumentales en las que conviven la densidad de la selva con los libros, una metáfora de la acumulación de conocimiento, dispuestos en un abigarramiento semejante al de los árboles. Documentos escritos, que el tiempo ha convertido en monumentos, coexisten con la naturaleza de la que provienen. En esos murales se inscriben asimismo, a modo de realidad dual y discordante, menciones a los problemas que afectan a las sociedades contemporáneas. La superposición de imágenes de archivo en los collages refiere a los problemas que afectan al ámbito geopolítico de Brasil y Colombia, pero no tienen el protagonismo estereotipado que habitualmente ocupan la violencia, la corrupción o las desigualdades sociales en las representaciones de lo latinoamericano.

 

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Fundació Antoni Tàpies, Barcelona

4.12.2018, 19h

 

Presentació del nou llibre de Perejaume,  Treure una marededéu a ballar, i de les reedicions d’Obreda i Pagèsiques, a càrrec dels editors Jordi Cornudella Martorell (Edicions 62) i Joan Tarrida (Galaxia Gutenberg), del doctor en filosofia i catedràtic d’estètica Amador Vega Esquerra, i de l’artista i poeta Perejaume. L’acte conclourà amb una intervenció musical a càrrec de Neus Borrell i Miquel Escuer.

 

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habitacio Pedro G Romero

Sales d’art modern del Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona

14.12.2018 – 3.2.2019

 

Comissariat:

Ángel Calvo Ulloa i Nuria Enguita

 

Projectes d’artista: un projecte d’Archivo F.X. amb Pedro G. Romero i la col·laboració de Lola Lasurt, Patricia Gómez & María Jesus González i Álvaro Perdices.

 

A les sales dedicades a la Guerra Civil, a la col·lecció d’art modern, s’exposaran els treballs d’Archivo F. X. al voltant de les anomenades txeques psicotècniques d’Alphonse Laurencic instal·lades als temples dels carrers Vallmajor i Zaragoza de Barcelona i al convent de Santa Úrsula de València entre 1937 i 1939.

 

La instal·lació inclourà material documental, fotografies, films i bibliografia que n’expliquen la funció i el significat.

 

Habitació és el fruit de la col·laboració de tres institucions afins que aborden el pensament crític actual des de diferents posicionaments: el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunitat de Madrid, el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València i el Museu Nacional d’Art de Catalunya.

 

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Sala dels Trinitaris, Vilafranca del Penedès

24.11.2018 – 13.1.2019

Inauguració 24.11.2018 – 12h

 

Comissària: Patrícia de Muga

 

Alfons Borrell (Barcelona, 1931), concep la pintura com un espai de relació amb el món i, a la vegada, com un impuls, una emoció. La seva obra es caracteritza per la importancia del color i es debat entre la subtilitat i la intensitat, entre l’obertura vers la natura i el replegament introspectiu.

 

Vinculat des del 1955 al llenguatge de l’abstracció, ha estat influenciat en diferents moments de la seva vida per Anglada Camarasa i Brossa, dos artistes que, més enllà d’una estètica, li aportaren una actitud vital i ètica en front de l’art. El treball de Borrell ha estat i és actualment intens i constant, movent-se sempre dins uns paràmetres que va repetint amb rigor i dedicació.

 

L’exposició que acollirà la Sala dels Trinitaris és una selecció dels darrers treballs d’Alfons Borrell inscrits, la majoria, entre els anys 2016 a 2018. Aquestes darreres obres, que destaquen per la seva contenció i depuració, reclamen a l’espectador formes d’experimentació lliures i obertes per sentir-les i transitar-les.

XIV Bienal de Cuenca, Ecuador

20.11.2018 – 16h Plaza de la Merced – Pumapungo

Erick Beltrán recibe el Premio Julián Matadero (jurado integrado por Eva González Sancho, Inma Prieto y Ramón Castillo) en el marco de la Bienal de Cuenca

 

Estructuras vivientes. El arte como experiencia plural. XIV Bienal de Cuenca

23.11.2018 – 5.2.2019

Comisario Jesús Fuenmayor

 

Esta propuesta curatorial es una invitación a reflexionar en torno a las formas cómo nos relacionamos con el arte para enfocarnos en la idea del arte como experiencia o vivencia plural: estética, sensorial, intelectual, emocional, afectiva, psicológica, pero también política, sociológica, antropológica.

 

Los artistas invitados a la XIV Bienal de Cuenca trabajan desde lo experiencial y propician situaciones donde esta prevalece. La mayoría de ellos parten de procesos previos de exploración e investigación en la ciudad de Cuenca, convirtiendo a la urbe en el soporte físico y en el gran resorte de sus realizaciones simbólicas, pues apelan ya sea a su memoria o a su actualidad, al paisaje natural y arquitectónico, o al rico y heterogéneo imaginario con el que convive. 

 

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Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona

16.11.2018 – 22.4.2019

 

Comissariat:

Àlex Mitrani i Imma Prieto

 

 

Les propostes artístiques que es van produir a Catalunya durant la segona meitat de la dècada dels anys seixanta del segle XX, que compartien els ideals de renovació generacional i revolució que van esclatar en diversos nuclis internacionals, es presentaran en aquesta mostra, coincidint amb els 50 anys del maig del 68.

 

Aquest període ha patit fins ara una certa indefinició per part de la historiografia, que no sempre l’ha sabut encaixar, entre l’ocàs de l’informalisme i la irrupció del conceptual. És el moment de l’emergència del Pop Art i la Nova Figuració, que superava els posicionaments existencialistes de postguerra per assajar altres formes de resistència on l’homologació amb els models culturals internacionals és fonamental. Potser contradictori i efímer, l’art d’aquests anys mostra la connexió amb la modernitat internacional lligada als nous paradigmes de llibertat i revolució. Pacifisme, revolució sexual, crítica al capitalisme, exploració sense límits de la creativitat individual, són alguns dels reptes fonamentals que manifesten, als quals s’afegeix la resistència al context específic del franquisme.

 

Artistes

Sergi Aguilar, Rosa Amorós, Eduard Arranz-Bravo, Francesc Artigau, Rafael Bartolozzi, Jordi Batiste, Ernesto Carratalà, Mari Chordà, Colida, Claude Collet, Carlos Duran, Equipo Crónica, Alicia Fingerhut, Jordi Fornas, Jordi Galí, Sílvia Gubern, Lluís Güell, Gonzalo Herralde, Josep Iglesias del Marquet, Àngel Jové, Antoni Llena, Robert Llimós, Miralda, Xavier Miserachs, Muntadas, Aurèlia Muñoz, Norman Narotzky, Antoni Padrós, Joan Rabascall, Guillem Ramos-Poquí, Pau Riba, Àngels Ribé, Amèlia Riera, Benet Rossell, América Sánchez, Carles Santos, Enric Satué, Enric Sió, Gonçal Sobrer, Jaume Xifra, Zush / Evru

 

 

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Dans Le Corps et le lieu. Films autour d’Ana Mendieta

Jeu de Paume, Paris

16.11.2018, 18.30h

 

 

En présence de l’artiste Perejaume

Programmateurs du cycle : Marina Vinyes Albes et Arnau Vilaró Moncasí

 

 

Pour le Jeu de Paume, Perejaume propose une séance dans le noir, une lecture performative interagissant avec une sélection de ses films courts et le travail de Mendieta. Comme elle, Perejaume consacre son travail à la culture du lieu : il l’ouvre, le cultive, le laboure. Cette praxis, qu’il nomme dans son lexique agraireté, fait pousser toute sorte de germinations poétiques. Loin de l’idéalisation d’un passé rural per se, sa praxis revient sur nos gestes et les formes que ceux-ci dessinent sur le territoire; sur la continuité inévitable entre les corps et les lieux.

 

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MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz

13.11.2018 – 3.2.2019

 

 

Comisaria Alicia Chillida

 

 

Estrategias del desplazamiento, que cita y remite a la idea de deriva de los situacionistas, puede ser recorrida como una experiencia de las problemáticas del desplazamiento, entre la dimensión sociopolítica y la condición psicológica de la individualidad. En el recorrido se conectan trabajos videográficos de Muntadas del ciclo On Translation,  en los que se aborda la sensación psicológica del miedo como una herramienta política y geoestratégica, sumados a tres videos más recientes articulados en una trilogía, que describen acciones vinculadas al desplazamiento: Dérive Veneziane, 2015, Guadiana, 2017, y Finisterre, 2017.

 

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Museu de Montserrat, Montserrat

10.11.2018 – 5.5.2019

 

L’equilibri possible és una exposició de producció pròpia del Museu de Montserrat. La mostra, comissariada per l’historiador de l’art Bernat Puigdollers, membre de l’equip del MDM, aprofundeix en el món íntim i personal de Maria Girona i Albert Ràfols Casamada, i s’endinsa en les arrels que uneixen les seves trajectòries, divergents i personals però alhora properes i convergents. La mostra és el resultat d’un llarg procés de recerca que aporta nombrosos aspectes fins ara inèdits de la seva carrera que queden recollits en un extens catàleg que esperem que esdevindrà una aportació important a la historiografia de l’art català de postguerra.

 

Maria Girona (Barcelona, 1921-2015) i Albert Ràfols Casamada (Barcelona, 1923-2009) pertanyen a la generació d’artistes formada durant els primers anys quaranta. Tots dos, en aquest context difícil i poc estimulant del primer franquisme, van lluitar plegats, juntament amb molts altres artistes de la seva generació, per dinamitzar i construir un ambient cultural modern i més lliure. Aquesta exposició aprofundeix en algunes de les iniciatives més rellevants de la seva trajectòria artística –la fundació del grup Els Vuit, els Salons d’Octubre, la fundació de l’Escola Eina, etc.–, sense oblidar fets vitals comuns com el viatge d’estudis a París, becat per l’Institut Francès, o els estius passats a Calaceit i Cadaqués, reflex de dues vides complementàries. És, de fet, un aprofundiment als seus inicis artístics i a una vida en comú dedicada a l’art, sense oblidar les relacions i connexions de les seves obres, aparentment oposades, divergents, però alhora íntimament unides. Aquesta exposició vol ser, a més, una reivindicació de l’obra i la figura de Maria Girona, normalment a l’ombra, que, a més de conrear una obra pròpia i de qualitat sovint poc coneguda, jugà també un paper decisiu en tot aquest procés de renovació de l’art de postguerra.

 

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ArtLab, École Polytechnique Fédérale de Lausanne

3.11.2018 – 10.3.2019

 

Conception et réalisation:

Prof. Amador Vega (Universitat Pompeu Fabra, Barcelona)

Prof., CEO et Directeur Peter Weibel (ZKM | Karlsruhe)

Prof. Siegfried Zielinski (UdK, Université des arts de Berlin)

 

Cette exposition est consacrée au catalan de Majorque Ramon Llull: philosophe, logicien, et théologien (1232-1316) dont la vie et le travail fascinent encore aujourd’hui penseurs, artistes et chercheurs. L’influence universelle de sa pensée est encore palpable dans les domaines de l’art, de la littérature, de la religion, de la musique, de la philosophie, des arts visuels et de la politique. Ces effets sont sensibles dans les théories de management de l’information, l’informatique et les technologies multimedia.

 

Repensée en collaboration avec le ZKM (Centre d’art et de technologie des médias de Karlsruhe).

Cette exposition a déjà été présentée au CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona).

 

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CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela

9.11.2018 – 3.2.2019

Comisarios: Santiago Olmo, David Barro

 

La exposición de Julião Sarmento en el CGAC es una visión panorámica que recoge trabajos en torno a este sentir que se cruza transversalmente por toda su trayectoria: lo cinematográfico. No se trata tanto de subrayar una relación literal —que se puede advertir en muchos casos— sino de proyectar cómo Sarmento siempre se ha movido en ese espacio intermedio, entre la suspensión y el deseo, en un espacio intersticial que provoca que, como espectadores, nos veamos inmersos en un terreno inquietante, como el del extranjero, como el del espectador.

 

La muestra recoge ejemplos de su particular manera de deconstruir la imagen, de obras donde el vacío se concibe como fondo activo y de una serie de esculturas donde se convoca la idea de escena. También de sus enigmáticos trabajos recientes, pinturas de dimensión fractal que hacen referencia al mundo de las constelaciones. Porque en su trabajo la realidad se amplía y el espectador nunca conoce la realidad de la imagen, como en el cine. Todo ello demanda una posición activa en el espectador, que se ve obligado a descifrar la intención de cada motivo y de cada ausencia, atendiendo a títulos que ofrecen pistas al tiempo que refuerzan el misterio y la suspensión.

 

El título, Without, hace referencia a la polaridad que domina toda la obra de Julião Sarmento. La polaridad es como una puerta que en un lado tiene escrita la palabra entrada y en el otro salida, pero siempre es la misma puerta y, según el lado por el que nos acerquemos a ella, vemos uno u otro de sus aspectos. Como en las obras de Julião Sarmento, el título no nos dice una verdad exacta ni absoluta ni tampoco nos informa de todo lo que se ve.

 

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Exposition Phare, Le Red Studio, Paris

9-18.11.2018

Vernissage 9.11.2018 – 18h sur réservation uniquement.

 

Point central de l’événement, l’Exposition phare, curatée par les organisateurs de la Biennale, réunit dix-sept artistes français et internationaux.

 

Photographes ou plasticiens, les artistes exposés mettent en exergue des images détournées, déconstruites, reconstruites, falsifiées, et sont porteurs d’idées photographiques innovantes tant sur les sujets que les méthodes employées.

 

Joachim Biehler, Thibault Brunet, Carla Cabanas, Philippe Calandre, Vincent Debanne, Thomas Devaux, Caroline Delieutraz, Juliette-Andréa Elie, Sissi Farassat, Bruno Fontana, Zacharie Gaudrillot-Roy, Emilie Brout & Maxime Marion, Jean-Baptiste Perrot, Bertrand Planes, Caio Reisewitz, Miguel Rothschild, Ludovic Sauvage.

 

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MAC Museo de Arte Contemporáneo, A Coruña

25.10- 30.12.2018

 

La Mostra es una bienal de arte celebrada desde 1989 que refleja cómo los artistas visuales actuales exploran sus inquietudes e ideas a través de las técnicas más diversas, abundando en esta edición excelentes reflexiones sobre el territorio. La exposición se construye a partir de una convocatoria que ha retado al jurado a seleccionar 55 artistas y cuatro premios de entre las más de 400 obras presentadas al certamen. Finalmente, se han decantado por la bellísima cartografía de José Ramón Amondarain (Primer Premio), la odisea fílmica de Bárbara Sánchez Barroso (Segundo Premio), el testimonio de un enfrentamiento por Lola Lasurt (Tercer Premio) y la instalación de Sara Coleman (Premio Julián Trincado, otorgado por el Ayuntamiento de A Coruña).

 

Artistas seleccionados: Juan Adrio, Aggtelek, Irma Álvarez-Laviada, José Ramón Amondarain, Elena Bajo, Juan Baraja, Pablo Barreiro, Misha Bies Golas, Jacobo Bugarín, Antón Cabaleiro, María Castellanos & Alberto Valverde, Rosendo Cid, Sara Coleman, Arturo Comas, Manuel Diego Sánchez, Ana Esteve Reig, Almudena Fdez. Ortega, Tamara Feijoo, Antonio Fernández Alvira, Cristina Ferrández, Fuentesal & Arenillas, Lúa Gándara, Christian García Bello, Sara García, Ana Garcia-Pineda, Alejandro Ginés, Blanca Gracia, Amaya Hernández, Julia Huete, Abel Jaramillo, Alicia Kopf, Lola Lasurt, Marco Moreira, Paul Orsen, Javier Palacios, Antonio Payá, Fran Pérez Rus, Mercedes Pimiento, Mar Ramón, Ana Riaño, Javier Rodríguez Lozano, Rodríguez-Méndez, Shirin Salehi, Bárbara Sánchez Barroso, Patricia Sandonis, Mario Santamaría, Borja Santomé, Paula Santomé, Sra. Polaroiska, Jorge Varela, Olimpia Velasco, Denica Veselinova, Keke Vilabelda, Jorge Yeregui, Juan Zurita.

 

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MACA Alicante

26.10.2018 – 17.1.2019

 

 

Esta exposición muestra dos etapas del Gordillo más cercano a la fotografía: una primera con el trabajo fotográfico de los 70, casi en su totalidad en blanco y negro, y otra posterior, donde ya aparece el color y la utilización de la nueva tecnología digital, que le abre al artista un campo casi infinito a la experimentación.

 

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Auditorium MACRO Asilo, Roma

 

23.10.2018 – 11-13h & 15-18h: Metodologia del Progetto. Sintesi dell’approccio di Antoni Muntadas alle arti, ai mass media, alla politica e al contesto

 

24.10.2018 – 11-13h: Il museo come esperimento? modelli di museo a confronto a partire dal Museo immaginario di Malraux. Seguirà un dibattito.

 

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