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Revelaciones sobre una esfera informe

Revelaciones sobre una esfera informe

Fonteta, 17 Junio – 28 Agosto, 2022

 

Pere Noguera, Luis Gordillo, Ludovica Carbotta, Muntadas, Francesco Arena, Victoria Civera, Perejaume, Pere Llobera, Ignacio Uriarte, Anna Dot, The Late Estate Broomberg & Chanarin, Jordi Mitjà, Rasmus Nilausen, Ángela de la Cruz, Lola Lasurt, Mercedes Azpilicueta, Fernando Prats

 

 

Estamos encantados de presentar de nuevo el proyecto colaborativo de Bombon, Joan Prats y NoguerasBlanchard. La propuesta para esta temporada reúne de nuevo a artistas de las tres galerías y de diferentes generaciones en un formato expositivo que se articulará alrededor del concepto de cadáver exquisito, contando con un texto de Eduardo Escoffet escrito para la ocasión.

 

Partiendo de este acto de intercambio colectivo, durante el verano de 2022, los artistas invitados en el espacio, el primero de ellos Pere Noguera, serán los encargados de seleccionar a los siguientes, y así consecutivamente, hasta cerrar un ciclo de propuestas expositivas formadas por obras que abarcan distintas generaciones e imaginario.

 

 

Texto Eduard Escoffet

 

 

Capítulo 1: inauguración sábado 25 de junio
Pere Noguera, Luis Gordillo, Ludovica Carbotta (Sala 1)
Pere Noguera, Anna Dot, The Late Estate Broomberg & Chanarin (Sala 2)

 

Capítulo 2: inauguración sábado 16 de juliol
Ludovica Carbotta, Muntadas, Francesco Arena (Sala 1)
The Late Estate Broomberg & Chanarin, Jordi Mitjà, Rasmus Nilausen (Sala 2)

 

Capítulo 3: inauguració sábado 6 de agosto
Francesco Arena, Victoria Civera, Perejaume (Sala 1)
Rasmus Nilausen, Angela de la Cruz, Lola Lasurt (Sala 2)

 

Capítulo 4: inauguración jueves 18 de agosto
Perejaume, Pere Llobera, Ignacio Uriarte (Sala 1)
Lola Lasurt, Mercedes Azpilicueta, Fernando Prats (Sala 2)

 

 

c/ Empordà, 10, Fonteta, Girona
Junio: Viernes a domingo, 17 – 21h
Jul y Ago: Lunes a domingo, 17 – 21h

Daniel de la Barra

Inauguración jueves 30 de junio, 17-21h

Conversación entre el artista Daniel de la Barra y la comisaria Alicia Chillida, jueves 30 de junio, 19h. Confirmen asistencia en galeria@galeriajoanprats.com

 

En el marco de Art Nou presentamos en Galeria Joan Prats la exposición de Daniel de la Barra Destierro, comisariada por Alicia Chillida.

 

Los habitantes de las Terres de l’Ebre conviven en un territorio amenazado. La primera visita de Daniel de la Barra al corazón del Delta del Ebro, en 2021, es invitado por el Centre Lo Pati a realizar una residencia artística en Balada, junto a la antropóloga María Faciolince. El proyecto se plantea como una reconstrucción de la narrativa del paisaje que sostiene y perpetúa prácticas de extracción desde la industria. Es un registro de imágenes sobre la violencia socioambiental de carácter político e histórico, con reminiscencias en las expediciones botánicas que consolidaron formas de mirar el hecho natural como tierra de conquista. Como referentes, los libros ilustrados de las expediciones botánicas, la pintura de los artistas viajeros en América Latina y el paisaje romántico de los siglos XVIII y XIX.

La exhibición en Galeria Joan Prats es el resultado de esta investigación traducida en una instalación que aúna diversos medios: pintura, escultura, poemas, música, video, documentos… Un nuevo ecosistema recreado desde el espacio del arte. La representación surge como una necesidad de respuesta a un escenario complejo dominado por las fuerzas políticas, sociales y económicas que lo (des) estructuran. Este territorio le subyugó entonces y no ha cesado de profundizar en él a través de su piel, lo más profundo. Ha explorado sus tierras e, inmerso en ellas, surge el encuentro fundamental con sus gentes. Prueba de ello, la estrecha colaboración con Josep Pinyol, la composición e interpretación musical de Lluís Martínez, en el órgano de la iglesia de Santa Bárbara, y los poemas recitados por Miquel Curto, en Tivenys.

 

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Con la colaboración de Real Academia de España en Roma, Fundació Sorigué, Lo Pati Centre d’Art Terres de l’Ebre y Sala d’Art Jove de la Generalitat de Catalunya

 

 

Daniel de la Barra. Lima, Perú, 1992. Vive y trabaja en Roma y Barcelona

 

Daniel de la Barra se mueve entre la pintura, la instalación y la intervención pública, centrando su obra en la reconstrucción de narrativas en las sociedades dentro de la homogeneización del paisaje público y la imposición jerárquica de poderes de dominación en el marco del capitalismo colonial.

Comienza sus estudios en 2012 la Escuela de Arte Contemporáneo Corriente Alterna de Lima hasta que en 2014 se traslada a Madrid a continuar sus estudios de pintura.

Ha sido artista residente en La Escocesa Fabrica de creació, Piramidon Centre d’art Contemporani, Homesession, en Barcelona, donde ha vivido 7 años, y en The Nerdrum School (Suecia). Ha desarrollado diversos proyectos e intervenciones como “Próxima Obertura” en el Castillo de Montjuic, Barcelona, “Esc-Out” en Fabra i Coats Centre d’Art Contemporani, Barcelona, “Ruta de los Indianos – Consideraciones de la Ciudad Moderna” en Lo Pati, en la Bienal de Amposta, “Paisajes Deseados” en el Arts Santa Mònica, Barcelona, “SUBVERSIÓ! Manifestacions perifèriques per a una història reversible” en el Born CCM, Barcelona o “Invation 30230” en el Museo Central de Lima. En 2018 y 2019 ha recibido Beca de Investigación y experimentación de La Escocesa, el Premio de Arte Joven de Cataluña 2019 (Sala d’Art Jove), y en 2021 ha desarrollado su proyecto “Real Expedición Botánica” en colaboración con La Panera de Lleida y el Centre d’Art Lo Pati, Amposta.

Camila Cañeque

El próximo 26 de mayo inauguramos Hole In The Ground, una exposición colectiva que reúne obras de Cabrita, Camila Cañeque, Hannah Collins, Pablo del Pozo, Mercedes Pimiento y Fernando Prats.

 

El título de la exposición, inspirado en una canción de David Bowie, remite a la temática en torno a la que giran las piezas mostradas relacionada con el territorio y su materialidad. Algunas de las obras tratan las maneras de representar el suelo, entendido como la horizontalidad, tanto en la naturaleza como en el ámbito urbano. La actividad humana se pone así en el punto de mira, evidenciando aspectos como la pertenencia a un territorio, la memoria del lugar o la explotación agrícola y su impacto.

 

Mientras que algunos de los trabajos presentados hablan de sitios muy concretos, otros remiten al propio material que pisamos al caminar. Cabrita, en su obra Fingerprints, eleva un plano horizontal a la pared, convirtiendo así un simple tablero, un material humilde que seguramente fue usado como superficie de trabajo en su estudio, en un testimonio de su actividad artística. El artista nos ofrece una nueva mirada hacia un objeto cotidiano y una revisión también del lugar de creación.

 

La obra de Camila Cañeque ground on ground on ground muestra acumulaciones de capas históricas a través de los suelos. La obra de la artista aborda la pasividad y en esta instalación utiliza la noción de lo intermedio, creando un espacio que no está ni arriba ni abajo, ni antes ni después.

 

La obra de Hannah Collins Nomad 3 pone el énfasis en la superficie, en la piel, en lo exterior, mostrando el interés de la artista por los límites, especialmente los corporales. Con este retrato de un personaje al que no le vemos el rostro, la artista nos permite participar a través de la interpretación libre de la imagen. La artista trata lo histórico, lo social y lo político a través de imágenes cotidianas, como Floor of dreams. Esta obra, realizada en la Mina, forma parte de un extenso proyecto de la artista centrado en este barrio habitado principalmente por la comunidad gitana.

 

En la obra de Pablo del Pozo el interés por el territorio es una temática recurrente. En Tierra rojiza el artista utiliza el cerdo como símbolo de su comunidad autónoma, para crear una materialidad que remite a la visión estereotipada de Extremadura como un paisaje árido y seco.

 

La obra de Mercedes Pimiento se caracteriza por hacer visible la materialidad de la que depende nuestra sociedad pero que intentamos ocultar, convirtiendo en esculturas las estructuras que en la arquitectura se enconden, como tuberías, cableados y canalizaciones, a partir de materiales orgánicos o artificiales.

 

Fernando Prats se interesa por el territorio de Chile y de Sudamérica y su representación a través de mapas históricos o reinterpretados. En Territorio silenciado #2 propone una visión crítica hacia un continente condenado a ser explotado sin cesar. En Affatus, por otro lado, la tela se convierte en el territorio de la creación donde, subvirtiendo el gesto tradicional del pintor, los gusanos han dejado su propia huella. También presentamos un video inédito, Zonificación, acompañado de una obra sobre papel, compuesto a partir de la proyección de la acción registrada, y que establece un diálogo con la escalera de caracol del Macba, en un movimiento centrífugo que es acceso, salida, ascender y descender, el cuerpo y la arquitectura en conexión y amplificación con el edificio de Richard Meier.

 

 

Cabrita (Lisboa, 1956) vive y trabaja en Lisboa. Su trabajo ha recibido reconocimiento internacional y ha sido crucial para la comprensión de la escultura desde mediados de los años ochenta. En los últimos años destacan sus exposiciones individuales en CAC Málaga, Mudam Luxemburgo, CGAC Santiago de Compostela, Museo Serralves Oporto, Palacio Molina de Cartagena, México, Palazzo Fortuny, Venecia, Galeria Arte Moderna e Contemporânea, Lisboa, MAXXI Roma, The Arts Club of Chicago y Hôtel des Arts, Toulon, Francia. Ha participado en importantes exposiciones internacionales, como la Documenta IX en Kassel (1992), la 21 y 24 Bienal de São Paulo (1994 y 1998), la Bienal de Venecia (en 1997, en 2003 representando a Portugal y en 2013) y la 10 Bienal de Lyon (2009). Actualmente muestra la instalación escultórica Les Trois Grâces, en Jardin des Tuileries, París, y una instalación titulada Field en la 59 Bienal de Venecia.

Camila Cañeque (Barcelona, 1984) explora de diferentes maneras el tema de la resistencia al progreso a partir de la performance, del sonido, objetos, instalaciones y escritura. Ha expuesto en diversos centros de arte en Barcelona como La Virreina Centre de la Imatge, Blue Project Foundation, Fabra i Coats, Caixaforum, en el Museo Lázaro Galdiano, en Madrid y en Queens Museum of Art de Nueva York. Ha sido finalista del premio Miquel Casablancas y realizado residencias en Mana Contemporary, New Jersey, Fabra i Coats, Barcelona, Nida Art Colony, Lituania, ZKU, Berlín, Largo das Artes, Rio de Janeiro, entre otros.

Hannah Collins (Londres, 1956). Actualmente vive entre Londres y Almería. Entre 1989 y 2010, vivió en Barcelona, exponiendo en la Galeria Joan Prats desde 1992. Obtuvo la beca Fulbright, fue nominada al Premio Turner de 1993, y recibió el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, incluyendo exposiciones en Sprengel Museum de Hannover, Camden Art Centre de Londres y Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en SFMOMA de San Francisco; Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

Pablo del Pozo (Badajoz, 1994) vive y trabaja en Barcelona. Graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, fue seleccionado en la Bienal de Valls y ha ganado el Premio Guasch-Coranty, participando en la exposición en el Centre Tecla Sala, de l’Hospitalet de Llobregat. También participó en la Bienal Jeune Création Européenne con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas. Ha recibido el premio de creación de la Sala de arte Joven de la Generalitat de Cataluña, exponiendo en esta sala en 2018. Ha sido nominado al Premio Miquel Casablancas, y en 2019 expuso individualmente en la Fundación Arranz Bravo de l’Hospitalet de Llobregat.

Mercedes Pimiento (Sevilla, 1990) vive y trabaja en Barcelona, donde se está doctorando en Bellas Artes. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y Máster de Producción e investigación artística de la Universitat de Barcelona, ha sido seleccionada en programas y becas como INJUVE, el Programa de Formación Comunidad de Madrid – Open Studio, el Proyecto Kiosco del Centro José Guerrero, la Beca Fundación Guasch Coranty para la creación artística, el Programa de residencias de Sant Andreu Contemporani, o el Programa Iniciarte. Ha expuesto en museos y centros de arte como Centre Tecla Sala, de L’Hospitalet de Llobregat, CAAC Sevilla, Fabra i Coats de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Fundación Naturgy de A Coruña, Centro José Guerrero de Granada, entre otros.

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Su obra es conocida por las acciones emprendidas en su mayor parte en Chile, entre ellas Gran Sur, Isla Elefante, Antártida, Acción Lota, Géiser del Tatio, Salar de Atacama, Mina a Rajo Abierto o Congelación, Glaciar Collins y Antártida chilena. Ha participado en exposiciones como la Bienal de Venecia; Mediations Biennale, Poznan; Bienal de Canarias, Trienal de Chile, Espace Culturel Louis Vuitton, Paris, Fundació Joan Miró, Barcelona y Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile. Cuenta con obras significativas en el espacio público de Chile y una obra encargada por Barcelona. Actualmente presenta la exposición individual Aun tendría que haber luciérnagas, en Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria del Museo Nacional de Bogotá.

Luis Gordillo

Inauguración jueves 10 de marzo, a partir de las 17h

Encuentro con el artista el miércoles 20 de abril a las 19h
Aforo limitado. Cita previa a galeria@galeriajoanprats.com

Presentamos la sexta exposición de Luis Gordillo en Galeria Joan Prats, titulada ‘Re/Encuentro’, en la que mostraremos obras recientes del artista, pintura, dibujo y grandes polípticos de impresiones digitales.

Con motivo de la exposición, Ignasi Aballí ha escrito un texto titulado ‘Subinsconciente’, que rinde homenaje a la obra de Luis Gordillo

ARCOmadrid 2022

Galeria Joan Prats

Stand 9C06 y stand 7B19 (ARCO 40+1)

 

 

Para nuestro stand en la feria de ARCOmadrid 2022 presentamos una selección de piezas de nuestros artistas, con un protagonismo de la pintura -Luis Gordillo, Lola Lasurt, Alfons Borrell y Juan Uslé- y otras situadas en el límite del lenguaje pictórico -José María Sicilia, Fernando Prats-, o que reflexionan sobre el género, como Perejaume. Dialogando con estas obras, ocupará un lugar especial una pieza de Muntadas con una visión más conceptual en torno a la pintura.

 

También presentamos por primera vez obras de Alicia Framis, iniciando nuestra colaboración con la artista.

 

La Galeria Joan Prats ha sido seleccionada para el programa especial 40+1, sección comisariada por María Inés Rodríguez, Francesco Stocchi y Sergio Rubira que celebra el 40 aniversario de la feria. Presentaremos en esta sección obras emblemáticas de tres artistas que han sido muy importantes para la historia de nuestra galería, como son Hernández Pijuan, Ràfols Casamada y Perejaume.

 

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Victoria Civera

Inauguración jueves 2 de diciembre, 17-21h, con la presencia de la artista

 

Visita guiada jueves, 3 de marzo, a las 19h. Por favor, confirmar asistencia:  galeria@galeriajoanprats.com

 

Visita guiada con Victoria Civera en el Balcón Foyer del Liceu, viernes 3 de diciembre, a las 11h. Reserva previa a galeria@galeriajoanprats.com

 

‘En el estudio, cuando preparo una exposición empiezo de cero, desde la necesidad de escribir una pequeña frase, un texto mínimo a modo de poema. Me gusta proceder de esta manera, sintiendo libertad, nadando en un mar abierto.

Sentir es pensar. Pensar es sentir, con mi mano y mente unidas. Siento, analizo, determino dibujando, también pintando, construyendo una pieza, me descubro, descifro mis sentimientos, en la densidad que los percibo.

 

En 1997 utilicé como portada de un catálogo, una imagen de mariposas, con el título ‘Madre luna’…Siento que las mariposas nos dan suerte.

Cuando éramos pequeños, mi padre nos solía regalar a mis hermanas, hermano y a mí, una caja de zapatos con capullos de seda en la fase embrionaria. Nos enseñaba como alimentarlas y, para ello, recolectábamos hojas de morera para que así pudieran cumplir su ciclo. Fue una gran lección. Así, con fragilidad, empezamos a respetar la vida y a entenderla como evolución y transformación. También, lo que significa adquirir un compromiso, día a día.’      Victoria Civera

 

 

El próximo 2 de diciembre inauguramos la segunda exposición individual de Victoria Civera en Galeria Joan Prats, titulada ‘Ocelo’, con presencia de la artista.

 

La exposición reúne sus obras más recientes, y muestra la variedad de su producción: objeto instalación, fotografía, vídeo, dibujo y pintura, realizados el último año entre Saro, Cantabria, y Nueva York.

 

Encontramos en las piezas presentadas las temáticas que ha trabajado Victoria Civera a lo largo de su trayectoria, como el cuerpo, el universo femenino, lo personal, el entorno individual y lo doméstico. En constante diálogo entre el mundo figurativo y el mundo abstracto, su obra es una búsqueda conceptual de imaginarios personales.

 

Ocelo hace referencia al ojo, a la pupila, al macro mundo interior del ojo humano. La imagen del círculo, recurrente en su obra, alude también al tiempo como movimiento circular. En el vídeo titulado Ocelo, una serie corta de fotogramas muestra el revoloteo de una mariposa enganchada por sus alas en el limpiaparabrisas de un coche en marcha en la autopista. Nos habla de la belleza en transformación y de la impotencia, de lo inasible y la fragilidad permanente.

 

La obra de Civera parte de lugares emocionales, de parcelas de su entorno presente y de recuerdos de su infancia. Se mezclan a su vez, en el momento actual, sentimientos comunes debido al aislamiento, la incertidumbre, el cambio, la extrañeza, el miedo, como expresa en sus grandes instalaciones tituladas Horizontal versátil y Torre, N.Y. en blanco y negro, confinamiento.

 

En una de las salas de exposición encontramos dos largas mesas con obras de aluminio pintadas de diferentes colores, tituladas Entropía (Saro). Sobre ellas, diversas fibras naturales y artificiales de acumulación de polvo han sido formadas y recogidas como residuo de lavado y secado de la ropa usada en Saro. En su amontonamiento casual, al recolectarlas, van adquiriendo formas irregulares irreversibles parecidas a las alas de mariposas, con una textura áspera y aterciopelada. Las piezas parten del cero absoluto del que habla Victoria, hacia la evolución y transformación, entre el ojo y la forma, dando validez a la infinita diversidad fragmentaria.

 

Otros fragmentos de paisajes se muestran en la serie Tablets, pinturas de pequeño formato sobre metal y madera, que incorporan también tejidos naturales y otros materiales. Se trata de pequeñas cartografías de percepciones o intuiciones, donde la expresividad de lo cromático toma importancia.

 

La dimensión poética de la obra de Victoria Civera se nos abre a la hora de interpretar sus piezas. Su proceso creativo implica un estado permanente de receptividad al entorno y convida al espectador a relacionarse con su obra con un ritmo pausado, mientras nos incita a prestar atención a los más mínimos detalles que la componen.

 

 

Victoria Civera (Port de Sagunt, Valencia, 1955) vive y trabaja entre Nueva York y Saro, Cantabria. Su trayectoria se inició en los años setenta, trabajando principalmente el fotomontaje e introduciendo la pintura en la década siguiente. A mediados de los ochenta, Victoria Civera se traslada a Nueva York e incluye el objecto instalación a su práctica artística. Su obra, de contenido onírico y basada en el universo femenino, se ha movido entre las piezas de gran escala y piezas de una poética comedida y sugerente, incorporando a menudo objetos de la vida doméstica.

 

Entre sus exposiciones individuales destacan Inasible, Real Casa de la Moneda, Madrid (2019), Every Day. Ni la palabra ni el silencio, Centro de Arte Alcobendas (2017), Sueños inclinados, IVAM, Valencia (2011), Atando el cielo, CAC, Málaga (2010), Túnel eterno, Palacio de los Condes de Gabia, Granada (2006), y Bajo la piel, Espacio 1, MNCARS, Madrid (2005).

 

También ha participado en exposiciones en centros de arte como CGAC de Santiago de Compostela, MAS de Santander, Bombas Gens de Valencia, Museum Boijmans Van Beuningen, de Rotterdam, Caixaforum de Barcelona, Mumok- Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena, MACBA de Barcelona, The Rose Art Museum, Massachusetts, Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole, The New Museum of Modern Art, Nueva York. Su obra forma parte de colecciones de instituciones y museos como MACBA, MNCARS, IVAM, CAC Málaga, Es Baluard de Palma, Artium de Vitoria-Gasteiz, Colección Banco de España, Colección “la Caixa”, Patio Herreriano de Valladolid o Colección Banco Europeo.

 

Hasta el 20 de diciembre expone en el Balcón Foyer del Liceu de Barcelona una serie de 40 dibujos de la Temporada de Ópera del Liceu. En 2022 presentará una exposición retrospectiva en el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Historia de mis ojos, 2021

15′. 16 mm transferido a digital

 

24, 25, 26 de noviembre:

Proyección continua 11-14h / 16-20h

27 de noviembre:

Proyección continua 11-14h

 

24 y 26 de noviembre, a las 19h :

Proyección + presentación de Alicia Kopf
reserva previa: galeria@galeriajoanprats.com

 

Sinopsi:

Una visita al oculista se convierte en el punto de partida de este viaje hacia el origen de la vida, más allá de nuestro planeta y dentro de la conciencia de una mujer. Un acercamiento al punto ciego e íntimo que origina una vida individual.

Teresa Solar

Visita virtual 3D

 

 

En el marco del Barcelona Gallery Weekend, presentamos la segunda exposición individual de Teresa Solar en Galería Joan Prats, en la que mostraremos esculturas y dibujos recientes.

 

 

Teresa Solar. El tiempo de las lombrices, o las infinitas potencias del subsuelo

 

Cierra los ojos. Imagina cómo éstos, cual dos canicas, se vuelcan hacia el interior, y caen. Caen por el interior de tu cuerpo como si fueran dos pelotas de goma, rebotando por las paredes de tus entrañas, de tus órganos, de tus orificios. A veces resbalan rápido, otras se frenan por la viscosidad o alguna cavidad con la que se encuentran; pero van cayendo, cayendo, cayendo. Sumidos en esa oscuridad interior, tus ojos empiezan a actualizar su forma perceptiva, ampliando su sensorio visual, es decir, viendo-tocando, viendo-sintiendo, viendo-cayendo.

 

Caen incluso más allá de tu cuerpo, atravesando el suelo que pisas, adentrándose en las mil capas de tierra, piedras, restos de construcciones, estructuras y tiempos que se agolpan en el subsuelo. Se mueven ágiles por estos estratos, por momentos deteniéndose en huecos aquí y allá, viendo sin ver en la negrura que reina. Cuando más profundo se adentran, y más se enfangan en esa densidad telúrica, las divisiones operativas del mundo objetivo se diluyen para dar paso a una materialidad indiferenciada, grávida de potencias. Una suerte de mar seco, donde descansan en un tiempo estancado, casi podrido, los fósiles de muchos futuros posibles.

 

¿Cómo es esta imagen háptica que perciben tus ojos? ¿Cómo es este tiempo crónico que desvelan? Puede que las piezas que Teresa Solar presenta en esta exposición, El tiempo de las lombrices, busquen precisamente esto: mostrarnos una imagen experiencial de aquello ignoto y oculto que pisamos, que recorremos y que nos habita. No se trata de una imagen prístina y objetiva, como de corte de ingeniero o cirujano, sino de un objeto denso y nocturno, que intenta abrazar todas aquellas dimensiones que la componen y que escapan a nuestra capacidad de representación. Para ello, la artista despliega una práctica cercana a la de un zahorí, activando una imaginación que discurre por túneles, pasadizos, galerías y sistemas cavernosos enterrados en las entrañas, tanto de la tierra, como del cuerpo. El uso diario del metro de Madrid, en tanto que lugar de tránsito “que nos permite una relación exógena con el manto terrestre”; el análisis de sus propias cuerdas vocales; o la especulación sobre la vida subterránea de los gusanos en el título, son todas referencias importantes para Solar en este proyecto.

 

Da la bienvenida a la exposición un grupo de dibujos en pared, Formas de Fuga (2021), en la que lenguas, glotis, faringes, genitales, fauces u otros órganos blandos se abren lánguidamente ante nuestra mirada en una tonalidad salmón. Le siguen Eco Chamber (2021), dos dípticos realizados con rotulador negro, que muestran un corte limpio del pliegue de una carne indefinida desde una lente que permite apreciar sus diferentes capas y secciones. En la siguiente sala descansa el grupo de piezas Hermafrodita (2021): cavidades de algún cuerpo —geológico o animal— que la garra de una excavadora, o tal vez criatura, ha desgarrado violentamente, como muestran sus bordes hechos jirones. Sus formas recuerdan a animales marinos inmemoriales, o a cáscaras de especímenes sin nombre, mientras que los colores saturados y estridentes que recubren sus paredes interiores son una referencia a los colores que los operarios del metro y demás infraestructuras subterráneas normalmente visten. Colores deslumbrantes, cuyo brillo no responde tanto a la luz que son capaces de reflejar, sino a la conservación a través del propio acto de brillar de esa oscuridad en la que se mueven; en definitiva, “el color de la propia oscuridad” según la artista. Por último, la serie Nacimiento (2021) muestra un sistema de vasos comunicantes naranjas, en el que diversos patrones celulares se cruzan y evolucionan simbióticamente hasta culminar con la erupción de un diente.

 

Solar me recuerda una cita de Matadero 5 de Kurt Vonnegut en la que un extraterrestre del planeta Tralfamadore describe la pobreza de la visión-túnel del tiempo en los Terrícolas, para después concluir: “Todo el tiempo es tiempo. No cambia. No se presta a advertencias o explicaciones. Simplemente es. Toma los momentos como lo que son, momentos, y pronto te darás cuenta de que todos somos insectos atrapados en ámbar.” Los desplazamientos por túneles son, en esta exposición, además metáfora de una experiencia lineal del tiempo que, lejos de toda promesa de un progreso pacificador, es un vector de ansiedad en la artista frente a la perspectiva de un futuro irremediablemente unívoco. El uso de la cerámica, al ser un material de una gran capacidad aislante, subraya esta cerrazón evocando cualidades de lo estanco, incluso de lo hermético. Pero tirando del hilo de esa imaginación desenterrada, estas esculturas de barro chamotado, aisladas y aislantes, encierran también dentro de sí un tiempo profundo del subsuelo en la propia materia de la que están hechas y la especulación de la que emergen. Al rasgar y abrir estas piezas-cavidades, la artista busca desparramar frente a nosotros este tiempo estancado que huye de la linealidad hacia otras ontologías materiales, hacia otras imperceptibilidades ostensibles y, tal vez, también, hacia otra distribución temporal más igualitaria y menos violenta. En ellas palpita una congregación de potencias temporales, sin definición ni dirección, pues, como su nombre Hermafroditas (2021) sugiere, son criaturas que se hallan en un estado de indiferenciación, de pura potencia (sexual) sin actualizar ni fijar en ningún denominador y que, por lo tanto, contienen en sí todas las formas y posibilidades futuras.

 

En el corazón de este conjunto de esculturas y dibujos se halla Tuneladora (2021): una escultura en la que un par de aletas de resina crecen poderosas y esbeltas de una excrecencia barrosa. Las aletas (que bien podrían ser cuchillas o remos) están pintadas desde su filo en un degradado de azul marino a blanco, que recuerda al cromatismo barroco en el modo que subraya las sombras y luces de la pieza, a la vez que enfatiza su velocidad y movimiento. Remiten al delfín y su simbología, que Solar lee en clave de mitología minoica donde, a estos animales, se les atribuye la capacidad de guiar hasta buen puerto y, a su vez, están revestidas de la pátina de barraca de feria que encontramos en proyectos anteriores de la artista. Su terminación pulida y dinámica contrasta con la presencia pesada e inmóvil del lodo del que surgen; una suerte de muñón de una articulación perdida, tal vez perteneciente a alguna moradora de las profundidades. De hecho, la pieza invita a imaginar que, al ser accionada, ha desenterrado las esculturas cavernosas que la rodean: mientras que el grupo de Hermafroditas muestra el vaciado, Tuneladora presenta el cuerpo positivo que excava la galería de túneles. Esta amalgama de la materialidad geológica e informe del barro con la hiper-definición plástica de la aleta combina, de manera inédita, dos registros presentes en la obra de la artista, aquel de la potencia cruda y abstracta de lo material, con el vector actualizador de la ficción, que se cristaliza en un lenguaje —tanto simbólico como estético— afilado y preciso. Como si la gramática especulativa de la ficción, cargada de todos sus signos y formas, emergiera del torrente que generan estas dos hélices en el sustrato salvaje e ignoto.

 

 

Julia Morandeira Arrizabalaga

Comisaria, investigadora y educadora. Vive y trabaja en Utrecht, donde es comisaria del Programa Post-Académico en BAK, basis voor actuele kunst

 

 

Teresa Solar (Madrid, 1985) estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid.

 

Algunas de sus exposiciones individuales más destacadas incluyen “Cabalga, Cabalga, Cabalga” en Matadero Madrid (2018) e Index Foundation en Estocolmo (2019) y “Flotation Line” en DER TANK, Institut Kunst Basel, Suiza (2018). También ha realizado exposiciones individuales en galerías como “El tiempo de las lombrices” en la Galería Joan Prats, Barcelona (2021), “Formas de fuga” Galería Travesía Cuatro, Madrid (2020), “Pumping Station” en la Galería Travesía Cuatro CDMX en Ciudad de México (2019) y “Ground control” en Galería Joan Prats, Barcelona (2017).

 

El trabajo de Solar se ha mostrado recientemente en la Bienal de Liverpool 2021 comisariada por Manuela Moscoso, en la VII Bienal internacional de Arte Joven de Moscú (2020) y en Köln Skulptur Park # 9 comisariada por Chus Martínez (2017-2020). Los proyectos de Solar han estado presentes en exposiciones colectivas en Haus der Kunst, Munich; Kunstverein Munich, Kunstverein Braunschweig, Maxxi Roma, CA2M Madrid, Museo Patio Herreriano Valladolid y Fundación Marcelino Botín Santander, entre otros. Actualmente es finalista del Future Generation Prize 2021-2022 de la Fundación Pinchuk en Kiev.

 

 

Estar a la lluna

FONTETA – Bombon · Joan Prats · NoguerasBlanchard

Capítol II: Estar a la lluna 

 

Inauguración: 7 de agosto, 12-21h.

Exposición hasta el 26 de septiembre

c/ Empordà, 10, Fonteta, Girona

 

Agosto: lunes a domingo, 17-21h

Septiembre: viernes a domingo, 17-21h

Otros horarios con cita previa en el teléfono  (+34) 644 524 969

 

 

Presentamos el segundo capítulo del proyecto conjunto de Bombon, Galeria Joan Prats y NoguerasBlanchard en Fonteta, un pequeño pueblo del Empordà.

 

La exposición, concebida en dos capítulos (el primero se inaugurará el 19 de junio y el segundo el 7 de agosto) reúne artistas de las tres galerías y de diferentes generaciones, en una propuesta que parte del concepto ampurdanés Parar la Fresca (Tomar el fresco), descrito por Josep Pla en el libro “Las Horas”.

 

 

Texto de Gabriel Ventura

 

 

“Quizás porque durante tantos siglos ha sido inalcanzable, ha despertado los sueños más fantásticos, los más pasionales y recónditos. Su encanto siempre estará de parte de la noche, de lo oculto y la intuición, de la clandestinidad y el exceso. La luna, que dilata y empequeñece los ojos de los gatos, que hace subir y bajar mareas, que infla y desinfla las ranas, nos sigue fascinando con el mismo fervor de los primeros tiempos, aunque ya la hemos pisado tímidamente y algunos emprendedores iluminados planean construir hoteles con vistas galácticas. Pero no nos engañemos: las ansias colonizadoras de Jeff Bezos y la compañía no conseguirán acercar o hacer más comprensible el misterio de la Liebre Blanca o la Mujer Araña.

 

Eternamente distante, la luna ha sido adorada por brujas y vampiros, por poetas y adivinos. Por más que la ciencia intente conquistarla, su luz mercurial nos proyecta al mismo tiempo hacia remotos y futuros inescrutables, y nos invita a reflexionar sobre las sombras y los mitos de la condición humana. A lo largo de la historia la hemos vinculado a la fertilidad y al inconsciente, a la muerte y la resurrección, a la repetición de los ciclos de la vida. Las primeras anotaciones inscritas sobre artefactos y utensilios, en la era del Paleolítico, consisten en registros lunares. De hecho, es muy probable que antes de la aparición de la agricultura las sociedades se organizasen de acuerdo con un ciclo temporal lunar, tal y como han demostrado las investigaciones de Alexander Marshack en The Roots of Civilization.

 

A diferencia del sol, el astro omnipotente y constante, la luna pasa por fases, crece y decrece, mengua, se encorva, se transforma. Por esta razón hemos tendido a representar lo inmutable con el sol (Dios) y aquello cambiante y material con la luna (recordamos el reino sublunar y mortal de Platón, el territorio de la duda y las sombras). Inevitablemente, durante milenios, la especie humana ha encontrado su correlato en el drama de la luna: nacer, crecer, reproducirse (la barriga de la luna llena), morir. Si la sintaxis solar divide y jerarquiza – W.B. Yeats acusaba al sol de ofrecer verdades «complejas y artificiosas»– la sintaxis lunar mezcla y confunde las formas, es evasiva, emocional, fluida. Simbólicamente, la luna evoca el mundo imaginativo, contingente y ambiguo de la existencia, en contraste con los absolutos solares del mundo ideal del ser. Imposible mirar el sol de cara, imposible dialogar con su presencia deslumbrante. La luna, en cambio, enciende los caminos desde el margen del cielo y, en palabras de Lorca, nos muestra sin vergüenza sus «cien caras idénticas». La ilusión, el delirio, la quimera, la locura, el caos, la dispersión («estar en la luna»): los atributos de la reina de la noche sugieren la transgresión de las normas diurnas.

 

Lilas y azules eléctricos, amarillos llamativos y rojos rabiosos, verdes fluorescentes que brotan de la oscura como un grito que se clava en la conciencia. Los colores de la noche afilan los nervios y el ojo, nos vuelven desconfiados, sentimos el latido intermitente del peligro.

 

Un temblor nos recorre la espalda: ¿es real, eso que hemos visto? ¿Podemos creer en las imágenes y las palabras que aparecen bajo la luz fría de Selene? Quizás, en el fondo, estar en la luna es una de las formas más fecundas y perplejas de estar en la Tierra, de no dar nada por seguro, de continuar sospechando y levantando la mirada hacia los secretos insondables del universo.”

 

Gabriel Ventura

 

 

* Capítol I: Parar la fresca

Julia Varela

Visita con la artista el 2 de septiembre, 18h30. Con cita previa a galeria@galeriajoanprats.com

 

En el marco de Artnou, Galeria Joan Prats presenta la exposición Compulsión, de Julia Varela (Madrid, 1986).

 

 

En el panorama contemporáneo digital y mediado por los dispositivos tecnológicos, la percepción de las imágenes se promueve a través de la condición visible de las mismas. Esta visibilidad es lo que otorga a la imagen su condición performativa y la posibilidad de ser, su reconocimiento social y legal. La serie de obras propuestas para la exposición y sus intrahistorias abordarán una serie de cuestiones alrededor de este y otros temas.

 

 

Julia Varela es una artista que trabaja sobre el medio y la materialidad de las imágenes en la era de las tecnologías digitales. Su investigación se centra en los estados adoptados por lo irrepresentable, lo que se resiste a ser representado.

 

La forma física de sus obras analiza la globalización de las industrias, la materia tecnológica y el concepto de visualidad. Su trabajo intensifica nuestra interacción física con los dispositivos y sus mecanismos, brindando una comprensión alternativa de nociones cómo el contexto y el deseo.

 

Julia ha formado parte del programa de investigación Critical Images en Kungl. Konsthögskolan Royal Institute of Art, Estocolmo, Suecia. Es Licenciada en Bellas Artes y ha realizado un Máster en Arts Sculpture en el Royal College of Art Londres. Sus últimas exposiciones han tenido lugar en: Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque, Madrid; Fundació Suñol, Barcelona; Somerset House, Londres; Belgrade Cultural Centre BCC, Belgrado; Listost Gallery, Praga; Decad, Berlín; Yamakiwa Gallery, Japón; KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki; Galleri Mejan, Estocolmo; Resartis, Melbourne; La Casa Encendida, Madrid; Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, Berlín; CUL DE SAC Gallery, Londres.

 

En la actualidad es artista residente en HANGAR, Centre de producció i recerca d’arts visuals, Barcelona.

FONTETA – Bombon · Joan Prats · NoguerasBlanchard

Capítol I: Parar la fresca 

 

Inauguración: 18-19 de junio. Exposición hasta el 3 de agosto

c/ Empordà, 10, Fonteta, Girona

 

Junio y septiembre: viernes a domingo, 17-21h

Julio y agosto: lunes a domingo, 17-21h

Otros horarios con cita previa en el teléfono  (+34) 644 524 969

 

Texto de Gabriel Ventura

 

Presentamos un proyecto conjunto de Bombon, Galeria Joan Prats y NoguerasBlanchard. Siguiendo la tendencia de otros proyectos colaborativos en los que algunas galerías se unen para abrir espacios temporales deslocalizados, apartados de las grandes ciudades y de sus galerías de origen, las tres galerías se alían, de junio a septiembre, para presentar una exposición en Fonteta, un pequeño pueblo del Empordà.

 

La exposición, concebida en dos capítulos (el primero se inaugurará el 19 de junio y el segundo el 7 de agosto) reúne artistas de las tres galerías y de diferentes generaciones, en una propuesta que parte del concepto ampurdanés Parar la Fresca (Tomar el fresco), descrito por Josep Pla en el libro “Las Horas”.

 

Parar la fresca, como dice Pla, es la costumbre estival de sacar la silla a la calle o a la azotea cuando el sol empieza a caer y, así, pasar el rato. Parar la fresca tiene pretensiones modestas, básicamente echar una cabezada bajo el firmamento, ignorando la maravilla que el cielo nos ofrece, los sonidos que emanan del atardecer, del calor estival. Según argumenta Pla, no hay nada más placentero ni amable que dormirse tomando el fresco crepuscular. Pero, ¿y qué sucede si uno no tiene el sueño fácil?

 

A partir de este interrogante, se han seleccionado obras de artistas que transitan temas como la naturaleza, el paisaje, el tiempo, la contemplación, el universo … Y se han dividido en dos momentos: Parar la fresca y Estar a la lluna, dos capítulos de una misma exposición con artistas como Antoni Tàpies, Ana Mendieta, Joan Brossa, Hernández Pijuan, Alicia Kopf, Rosa Tharrats, Perejaume, Teresa Solar, Jordi Mitjà, Marine Hugonnier, Josep Maynou, Aldo Urbano, Chema Madoz, Bernat Daviu, Mari Eastman, Hannah Collins, Enric Farrés Duran, Wilfredo Prieto o Juan Uslé… entre otros. Así mismo, se realizarán acciones específicas de algunos de los artistas vinculados al Empordà.

 

En palabras de Pla, “la bóveda celeste invita, según dicen, a pensar. Es cierto. Pero, ¿a pensar en qué?” Concluye el célebre ampurdanés que “las personas que poseen sentido del ridículo piensan, ante el firmamento, que no saben nada de nada”.

 

 

* Capítol II: Estar a la lluna 

Lola Lasurt, Javier Peñafiel

Inauguración sábado 15 de mayo, 2021, 11-14h.

 

17/06, 18h30: Visita con lxs artistas. + info

 

El próximo 15 de mayo presentamos, por primera vez, una exposición en colaboración entre los artistas Lola Lasurt y Javier Peñafiel, titulada Desde hace tiempo que nuestras comunicaciones no vienen de un lugar reconocible.

 

 

‘Una a una, línea de traslado.

 

Lola y Javier llevan mucho tiempo invertido en imaginar, dibujar, describir, reportar coreografías.

 

El miedo al contagio ha reducido los contactos, el miedo reduce y paraliza.

 

Imaginar coinmunidades es la señal de ayuda.

 

De eso trata esta exposición, del momento anterior a un traslado. Cuando los lugares en la memoria parecen no tan pasivos, el recuerdo los agita. La memoria de cualquier lugar no necesita de lo cuántico para desdoblarse.

 

Vamos a presentar una frase/friso construida con diferentes trabajos realizados, que no será una síntesis sino un desdoblamiento, precisamente, no somos uno.

 

Lola pasó un tiempo dedicada a coreografiar en el agua. Sincronizando. El agua es siempre un lugar de coreografías. Javier, con sus problemas óseos, nada una especie de chi kung acuático, disciplinadamente.

 

La conversación entre los dos ha ido por ahí, traslados, figuras en repetición, ideas singulares, bailes personales, señales de teatro, y la insumisión de los contextos.

 

Javier tiene una frase de hace mucho tiempo, para ese suceder en el mundo que es el despatrimonial, el cambio, la mudanza, el porvenir. Se refiere a ese paso como Desactivo Domicilios, el momento antes de explotar, la prevención de la catástrofe, el capítulo que no va a ser seriado.

 

Una frase/friso de trabajos consecutivos de Lola y Javier se extiende a lo largo de la galería a modo de línea coreografiada.

 

En el centro de la sala grande, algunos trabajos y vídeos se acumulan, dispuestos para una partida, no podemos decir cuándo ni con qué velocidad, ni las condiciones de salida, ni los protocolos de envío.

 

Los objetos son más enigmáticos cuando están en tránsito.

 

Recuerdo cuando un cambio de morada significaba un traslado de línea (de teléfono), desde hace tiempo que nuestras comunicaciones no vienen de un lugar reconocible.

 

Por fin, todas transitivas.’

 

Lola Lasurt y Javier Peñafiel

 

 

 

 

Lola Lasurt (Barcelona, 1983) vive y trabaja en Barcelona. La galería colabora con la artista desde su exposición individual Exercici de Ritme, que tuvo lugar en 2014.

 

Se licenció en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona en 2005 y realizó dos másters en Producciones artísticas e investigación (2009-2010). Además, se formó entre 2016 y 2019 en el Royal College of Art (RCA). Ha expuesto en la Biennal d’Art de Valls (2009); Note Book, KKKB, Barcelona (2010); Bienal de intervenciones site-specific. Alcontar, Almeria (2011); Auberge Espagnole, Anneessens Palace, Brussel·les (2013); Red Dawn, HISK, Gant (2014); Young Belgian Art Prize, Bozar, Brussel·les (2015); Foot Foraine, La Villette, París (2016); Daybreak, Royal College of Art, Londres (2017) o Generación 2018, La Casa Encendida, Madrid.

 

Entre sus exposiciones individuales destacan Doble Autorització, Espai13, Fundació Miró, Barcelona (2014); Flag Dancing Moves, ornothing, Bruselas (2015); Donació, Biblioteca Pública Arús, Barcelona (2016); Emissió Periòdica Definitiva, santcorneliarts(2), Cardedeu (2017) y Joc d’infants, La Capella, Barcelona. Actualmente presenta un proyecto titulado Cardiograma, en el IVAM de València.

 

La artista recibió la beca de intercambio entre Hangar y Greatmore Art Studios, Sudáfrica (2012); la beca de investigación Sala d’Art Jove de la Generalitat de Catalunya con el colectivo Leland Palmer (2012); el Premi Miquel Casablancas, finalista modalidad edición (2013) y modalidad proyecto (2015); la Beca para formación y el perfeccionamiento en el ámbito de las artes de la Generalitat de Catalunya (2014); el premio Generación 2018, Fundación Montemadrid, La Casa Encendida, Madrid y el tercer premio de la 15ª Muestra de Arte Naturgy, MAC, A Coruña (2018).

 

 

 

Javier Peñafiel (Zaragoza, 1964). Ha vivido en Barcelona desde 1993 hasta el 2020. Ha colaborado con nuestra galería desde 2004 cuando presentó su primera exposición con el vídeo Confianza quería penetrar. En 2008 mostramos su obra en la exposición No verbal. Todo por escrito y en 2013 en la exposición Latido Antecedente.

 

Tras haber estudiado filosofía, en los años ochenta, Javier Peñafiel se implicó en diversos movimientos de crítica al sistema. Su formación artística se desarrolló en estructuras no universitarias. En 1994, Manel Clot, comisario en La Capella de l’Antic Hospital de la Santa Creu de Barcelona, le ofreció la primera oportunidad de presentar su obra en una muestra individual.

 

Desde entonces, el artista ha expuesto tanto a nivel nacional como internacional: Conferencia performativa, MUSAC, León (2013); Languages and Aesthetics of Spanish Video Art: Ten Years of Critical Practices, Videotage, Hong Kong (2015); VÍDEO-RÉGIMEN. Coleccionistas en la era audiovisual, Museo Lázaro Galdiano, Madrid (2015); Cómo hacer arte con palabras, MUSAC, León (2016); Discursos Premeditats, Centre del Carme, València; Bibliotecas insólitas, La Casa Encendida, Madrid (2017); Walkabout #01, Fondazione La Fabbrica del Cioccolato, Torre-Dangio in Valle di Blenio, Suiza (2018).

 

Además, ha expuesto individualmente en Puente, continúa, Pabellón Puente, Zaragoza (2013); Egolactante, Sala Anilla, MAC Museo de Arte Contemporáneo. Universidad de Chile, Santiago (2014); Pánico Esnob, etHALL, Barcelona (2015); Agència en avenir – No tots visibles res transparent, Arts Santa Mònica, Barcelona (2017), ¡Más que palabras, obras!, Instituto Cervantes, Burdeos (2019), o Alrededores exentos de adultocentrismo, Casal Solleric, Palma (2020).

Caio Reisewitz

Texto de Verónica Stigger (Porto Alegre, 1973), escritora, crítica de arte, comisaria independiente y profesora.

 

Visita en 3D

 

Conversaciones con Caio Reisewitz y comisarios (ver abajo)

      

 

 

El próximo 11 de marzo inauguramos Recado da Mata, la cuarta exposición de Caio Reisewitz en Galeria Joan Prats, en la que presentamos 11 fotografías, un video y un audio.

 

Caio Reisewitz ha hecho muchas de las fotografías reunidas en esta exposición como una respuesta a la lectura de los libros de dos grandes pensadores y líderes indígenas que trabajan hoy en Brasil: A queda do céu [La caída del cielo], de Davi Kopenawa en coautoría con Bruce Albert, e Ideias para adiar o fim do mundo [Ideas para posponer el fin del mundo], de Ailton Krenak. El título de la exposición, además, toma prestado el título del prefacio que el antropólogo Eduardo Viveiros de Castro escribió para el libro de Kopenawa con Bruce Albert, que a su vez alude al cuento “O recado do morro” [“El mensaje de la colina”], de João Guimarães Rosa. En el cuento, un vagabundo y un ermitaño advierten a la población de la región sobre el mensaje que dicen haber recibido del propio Morro da Garça (Colina de Garça): en un grupo de siete hombres, uno de ellos sería asesinado a traición. En el prefacio, Viveiros de Castro parte de la idea de una muerte inminente anunciada por la naturaleza; ahora ya no por la voz del cerro, sino por la voz de la selva. La selva nos advierte de que está siendo exterminada por el hombre y, este mensaje de la naturaleza, es lo que Caio Reisewitz ha intentado mostrarnos en sus fotografías.

 

Una de las obras más recientes de esta exposición es Ambé, cuyo título, como el de los demás trabajos expuestos (a excepción de Penedo), hacen referencia a un topónimo de origen tupí. Ambé es una comunidad rural a 80 km del centro de Macapá, en Amapá, pero también significa, en la región amazónica, lo que es áspero, encrespado, rugoso. Como en la gran mayoría de los trabajos de Reisewitz, en esta fotografía, no distinguimos presencia humana. Solo vemos una espesa maraña de ramas, troncos y hojas característicos de la selva amazónica. Sin embargo, no distinguir la presencia humana en la selva no significa que esté deshabitada. El topónimo indígena nos recuerda que, para los amerindios, la selva siempre está llena de una multiplicidad de seres invisibles para nosotros (…) Al pegar fragmentos de diferentes fotografías, superponerlos y volver a fotografiarlos con manipulación de color, dándole un tinte azulado a la escena, Reisewitz crea, en Ambé, un ambiente irreal, casi espectral, como si mostrase una imagen de un sueño o una visión de un chamán, en la que, sin ver a los seres invisibles de la selva, intuimos su presencia. (…)

 

Siempre preocupado por la explotación desenfrenada de la naturaleza por parte del hombre y sus nefastas consecuencias, Caio Reisewitz, en fotografías como Tipioca y Upurupã, encuentra la manera de hacer este mensaje aún más elocuente, más visible, superponiendo, sobre la imagen de la selva, parte de la arquitectura del Palacio del Planalto (sede del poder ejecutivo federal de Brasil), que podemos vislumbrar como un fantasma o una aparición, flotando amenazadoramente. No debemos perder de vista que esta exposición se realiza en un momento en que el gobierno del actual presidente, Jair Bolsonaro, es cómplice admitido de la mayor devastación jamás impuesta al Amazonas y al Pantanal en la historia reciente, con la deforestación habiendo alcanzado su nivel más alto desde 2008, además de promover repetidos ataques contra la población indígena, contra sus territorios y derechos garantizados por la Constitución de 1988. En los últimos dos años, varias ciudades brasileñas, incluso en el Sudeste y Sur, han sido cubiertas durante días y días por el humo de las hogueras. Ya no era solo un mensaje, sino un fuerte grito de socorro de la selva.

 

 

 

Caio Reisewitz (São Paulo, 1967) vive y trabaja en São Paulo. Es uno de los fotógrafos más importantes de Brasil, ha centrado su obra en la difícil relación entre la naturaleza y las personas. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan: Biblioteca, Museo de Antioquia, Colombia (2018); Altamira, Pinacoteca do Estado de São Paulo (2017); Ingenios de hoy, Photoespaña, Museo de Albacete (2016); Disorder, Maison Europeénne de la Photographie, París y Florestas, favelas e falcatruas, Huis Marseille Museum voor Fotografie, Amsterdam (2015); Caio Reisewitz, ICP – International Center of Photography, Nueva York (2014). Ha participado en La Biennale de l’Image Tangible, París (2018); en la Guangzhou Image Triennial (2017); en la bienal de Curitiba, Brasil (2015 y 2013); en la bienal Daegu Photo, Corea del Sur (2014), en el proyecto LARA Latin American Roaming Artist, Colombia (2013), en la bienal de Nanjing (2010), en la Bienal del Fin del Mundo de Ushuaia, Argentina (2009 y 2007), en la bienal de Venecia (2005) representando a Brasil, y en la bienal de São Paulo (2004). Su obra ha sido expuesta en centros de arte internacionales, como Beijing Minsheng Art Museum, Beijing; Phoenix Art Museum, Arizona; Gropius Bau, Berlín; Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami; MARCO, Vigo; CAAC, Sevilla;  MUSAC, León; Museu de Arte Contemporanea de Goiás, Goiania; Museu de Arte Moderna da Bahia, Bahia; Casa da Imagem, OCA, São Paulo; CCBB, Rio de Janeiro y Grand Palais, París, entre otros.

 

Viernes 30 de abril, 18h – Online (en castellano y portugués) en el siguiente Link

‘Caio Reisewitz y la crisis ambiental y forestal en el contexto del arte contemporáneo’

Conversación con Paula Alzugaray (editora y comisaria independiente especializada en videoarte), Orlando Maneschy (profesor en la UFPA-Federal University of Pará, Amazônia) y Caio Reisewitz (artista)

Duración aproximada: 50 minutos

 

Viernes 7 de mayo, 19h – Galeria Joan Prats (confirmación de asistencia a galeria@galeriajoanprats.com) y online (en castellano) en el siguiente Link

‘Fotografía contemporánea en el contexto actual y coleccionismo’

Conversación con Caio Reisewitz (artista), Moritz Neumüller (comisario y crítico especializado en el medio fotográfico y arte digital) y Alejandro Castellote (comisario especializado en fotografía)

Duración aproximada: 50 minutos

Cabello/Carceller

 

Texto sobre la exposición de Pablo Martínez (Valladolid, 1979. Jefe de Programas en MACBA, Barcelona)

 

Visita en 3D

 

Podcast Radio web Macba

 

Nos complace presentar la tercera exposición de Cabello/Carceller en Galeria Joan Prats, titulada I Am a Stranger, and I Am Moving, en la que mostramos obras recientes: dibujos, instalación, video y fotografías.

 

La exposición se plantea como el capítulo de un ensayo cuya temática central gira en torno al vídeo Movimientos para una manifestación en solitario y que incluye también otros temas presentes en los dibujos de Notas al pie y las fotografías. Profundiza en cuestiones fundamentales en la obra de Cabello/Carceller como la soledad con la que convive quien disiente de las mayorías, la necesidad de mantener una postura crítica beligerante en la defensa del derecho a las libertades de elección y de transformar el limitado régimen de afectividades en el que nos movemos.

 

El título de la exposición es una cita de la última conferencia que dio David Wojnarowicz antes de fallecer de SIDA en 1992 que hace referencia a la sensación de extrañeza que acompaña al cuerpo enfermo, pero también a un cuerpo despreciado que la sociedad preferiría expulsar. David Wojnarowicz es uno de los y las artistas que aparecen en los dibujos y collages de Notas al pie, que encontramos en la primera sala, junto con Tórtola Valencia, Pedro Lemebel, Agustina González López y Hélio Oiticica. Cabello/Carceller ponen en contacto pasado y presente, hablando de quienes han cuestionado con sus cuerpos la heteronorma, desde una disidencia que ha sido capaz de transformar enfermedad, rechazo e incluso odio en poesía.

 

Por este odio fue fusilada Agustina González López en Granada, en los mismos días que Federico García Lorca, y olvidada después. Fue ella quien definió como “locura social” la persecución y ridiculización que sufrió por sus diferencias. Tórtola Valencia vivió su sexualidad lo más abiertamente que su época le dejó, liberando su cuerpo y, con ello, los cuerpos, en una búsqueda de nuevas formas de expresividad física. Pedro Lemebel se atrevió a enfrentarse en las calles a la dictadura chilena, pero también a los sectores más rancios de la izquierda marxista, recelosa ante la fuerza revolucionaria de la travesti, ante su cuestionamiento del orden patriarcal y su obligatoria conformidad de género. También Hélio Oiticica, un anarcoartista, fue pionero de unas prácticas relacionales que entonces quiso cargar de contenidos revolucionarios, reuniendo las estéticas de las vanguardias rusas con los cuerpos danzantes de las favelas en una fiesta de color y expresión libre, como son los Parangolés.

 

El vídeo Movimientos para una manifestación en solitario presenta un cuerpo que deviene una manifestación en sí mismo, un cuerpo rebelde que cuestiona las normas identitarias, con movimientos, actitudes, modos de estar posibles en la acción de reivindicarse políticamente. Este cuerpo se encuentra solo, pero empoderado en la consciencia de que su presencia es en sí misma una presencia transformadora, cuya feminidad le da fuerza a la vez que sería la causa de su marginalización social. La performer sostiene una pancarta que está presente en la exposición y que cita un fragmento de una conocida frase de Baruch Spinoza, Lo que puede un cuerpo, que ha abierto la puerta al sustento filosófico de la teoría de los afectos.

 

 

Video de introducción a la exposición

Visita virtual 3D

 

Nos complace presentar la séptima exposición en Galería Joan Prats de Fernando Prats, titulada Primera Línea, en la que mostramos su trabajo más reciente, realizado en el contexto de las protestas ocurridas en Chile durante los meses de octubre y noviembre de 2019.

 

La obra de Fernando Prats está determinada por la relación con la energía de la naturaleza y el territorio, enraizado en los vínculos que establece fundamentalmente con su país de origen, Chile. La cordillera de Los Andes, el desierto de Atacama, el océano Pacífico y la Antártida, así como la memoria, son nexos ineludibles y constitutivos de su trabajo, convirtiendo el paisaje de Chile en su lenguaje poético y pictórico desde una práctica contemporánea. Basada en la constante observación del contexto, la naturaleza, el ser humano y su intervención en situaciones críticas, la obra de Fernando Prats se entiende desde el concepto de “geologicidad pictórica”, es decir la pintura como agente movilizador, una superficie activa que funciona a través de capas que se abren a nuevos desplazamientos. Se percibe de este modo como un proceso que transforma el lenguaje de la propia obra desde una perspectiva alejada de lo racional, buscando un espacio de creación libre de juicio que considera el azar como una fuerza reveladora.  La utilización del humo como elemento primordial en su trabajo, una materialidad de uso ancestral, permite a través de un proceso técnico original, capturar las huellas y pulsaciones que devienen en la pintura.

 

El 18 de octubre de 2019 Chile fue conmocionado por un verdadero terremoto social que comenzaría a declararse como “el despertar de Chile”, convirtiéndose en la llamada más elocuente, después de la dictadura, a un cambio profundo del modelo económico neoliberal y cultural del país. En este contexto, y tal como ha sido el método de trabajo de Fernando Prats, el artista se introdujo en el espacio principal de las manifestaciones de Santiago, viviendo en primera persona una experiencia que le permitió registrar el movimiento y confrontación de la Primera Línea. La materialidad, el paisaje social, la superposición de los cuerpos en resistencia, los lenguajes visuales y la palabra construyen una cartografía de resonancias, signos y pulsiones de la memoria de un país.

 

“ “Chile despertó” es la consigna que desde el 18 de octubre del 2019 comenzó a recorrer como un reguero las calles y plazas del país, tapizadas de improviso por una multitud que emergió de los más diversos rincones para desempolvar un idioma olvidado -el idioma de la dignidad- y poner en escena el instante creativo de una potencia destituyente (…)

 

Es lo que parece exhibir la obra del artista Fernando Prats, cuyo trabajo ha consistido desde sus inicios en captar ese instante particular en el que ciertos materiales en rebeldía (físicos, geográficos, domésticos) se anudan unos con otros liberando la energía del país. Lo percibimos de forma palpable en esta nueva muestra, Primera Línea, una especie de pequeño atlas visual en movimiento en el que fragmentos de textos, imágenes, consignas, emblemas y cuerpos dan forma a los agitados días de una comunidad que trasluce el instante artístico que precede tanto al guion de la historia, como al que es propio del hacer estético.

 

El ejemplar diario visual que Prats traza -pictórico en sí y articulado por medio del registro y el video- da la impresión de cumplir de este modo con dos objetivos cruciales: desnudar por un lado la visualidad en bruto que durante la revuelta de Chile forjan los monumentos intervenidos, el fuego de las barricadas, los adoquines arrancados de las veredas, la bandera reescrita y los cuerpos en lucha como parte de una práctica performática que se anticipa al hacer singular del artista, mostrando por otro lado que la energía extrema que su propia obra libera no es parte de la musa que visita al creador en silencio, sino el poder subterráneo de unas imágenes entresacadas del confín de una multitud creadora. Con esto se muestra Prats un decidido amigo de quienes luchan por sus derechos, y no de quienes defienden sus privilegios.”

 

Fragmentos del texto “AHORA. Acerca de Primera Línea, de Fernando Prats” de Federico Galende. (Rosario, Argentina,1965). 

 

 

 

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona. Su obra es conocida por las acciones o expediciones emprendidas en su mayor parte en Chile, entre ellas Gran Sur, Isla Elefante, Antártida (2011), Acción Lota, acción Géiser del Tatio, acción Salar de Atacama, acción Mina a Rajo Abierto (2006) o Congelación, glaciar Collins, Antártida chilena (2002).

 

Ha recibido distinciones como la Beca John Simon Guggenheim Foundation (2007); artista residente en la Kunst-Station Sankt Peter Köln, Colonia (2003); Beca de Honor Presidente de la República del Gobierno de Chile (1997-2000); Premio especial Pilar Juncosa y Sotheby’s (1994) o el Premio ‘Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals’ (2010).

 

Ha participado en exposiciones internacionales como la Bienal de Venecia, representando a Chile (2011); Mediations Biennale, Poznan (2012); Bienal de Canarias, Trienal de Chile (2009), Exposición Universal del Agua, Zaragoza (2008), Espace Culturel Louis Vuitton, Paris, Fundació Joan Miró, Barcelona (2011); o Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile (2004), entre otros.

 

Cuenta con obras significativas en el espacio público, como Pou de Llum instalada en la Balconada de Manresa (2008); Acción Medular en homenaje al General Carlos Prats González (2017) instalada como obra permanente en el Museo de la Memoria y de los Derechos Humanos de Chile o  Su vertical nos retiene, obra monumental edificada en el Parque Metropolitano Los Cerrillos, Santiago de Chile, gracias a un concurso público realizado por el Ministerio de Obras Públicas de Chile para la COP25 (Cumbre del cambio climático), que se tenía que celebrar en Santiago de Chile en diciembre 2019. Actualmente el Ayuntamiento de Barcelona ha encargado al artista la realización de un proyecto monumental en la Plaza Pablo Neruda de la ciudad en homenaje a la labor de acogida de los exiliados republicanos liderada por el poeta.

 

Fernando Prats acaba de resultar ganador de la tercera edición de la convocatoria para realizar intervenciones artísticas en ‘Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria, Museo Nacional de Colombia’, con el proyecto ‘Aún tendría que haber luciérnagas’.

 

 

* Para facilitarles más información e imágenes, contacten con  galeria@galeriajoanprats.com

 

 

exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

Exposures es una serie de exposiciones online que pretende reflexionar sobre temáticas relacionadas con el contexto actual y alrededor de la idea general de ‘El cuerpo y el/lo otro’.

Exposures #03Las manos

La tercera propuesta gira en torno a la mano, la parte del cuerpo humano más vinculada a la creación artística junto con los ojos y que a la vez nos sirve para comunicar y para relacionarnos, igual que la palabra.

Reúne obras de Erick Beltrán, Cabello/Carceller, Victoria Civera, Hannah Collins, Enzo Cucchi, Chema Madoz, Enrique Martínez Celaya, Muntadas, Perejaume, Marcel Rubio Juliana y Julião Sarmento.

Nuestras manos están tomando un inusitado protagonismo en estos últimos meses debido a su papel en la transmisión de virus. Tocar las cosas, tocarnos la cara, tocar otras manos ha pasado a ser peligroso, las manos ahora se ven obligadas a cubrirse con guantes, a lavarse constantemente, a no tocar, ni siquiera para saludar.

Pero hemos visto como su presencia ha sido una constante en muchas obras artísticas, desde el arte prehistórico hasta nuestros días, por su variedad formal y simbólica.

El lenguaje no verbal de los gestos pone en evidencia la relación entre la mano y la mente. En las obras que mostramos, los gestos de la mano expresan diferentes estados de ánimo, sentimientos, actitudes o emociones desde miedo o pena hasta sensualidad o complicidad. En ocasiones, como ocurre por ejemplo en trabajos de Julião Sarmento, su representación alude a la totalidad del cuerpo humano.

Los gestos de las manos también remiten a las convenciones sociales, devienen así, una representación de la condición humana en estrecha relación con la cultura y la expresión. Como se pone de manifiesto en algunas obras de Muntadas, esta figura retórica puede definir ambición, consenso, imposición, autoridad o poder.

Esta exposición se podrá ver hasta el 30 de septiembre.

Acceso a la exposición

JORDI ALCARAZ, PAULINE BASTARD, ERICK BELTRÁN, ALFONS BORRELL, CABELLO/CARCELLER, CABRITA, VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, CARLES CONGOST, LUIS GORDILLO, ANNIKA KAHRS, LOLA LASURT, FABIAN MARCACCIO, ENRIQUE MARTÍNEZ CELAYA, MUNTADAS, JAVIER PEÑAFIEL, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, FERNANDO PRATS, CAIO REISEWITZ, MARCEL RUBIO JULIANA, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ 

 

 

“Escric amb rius i turons / sobre el paper de les planes”    Perejaume*

 

La primavera ha estado marcada por una transformación radical de nuestras maneras de desplazarnos, relacionarnos e intercambiar. De repente, todo ha cambiado. Nuestra percepción de las cosas cotidianas y también de las más relevantes se ha visto cuestionada. Lo que nos parecía esencial pasa a no serlo. Nos hemos percatado de la precariedad de la vida, hemos conocido la importancia de la solidaridad, de la familia, de nuestros seres queridos, de nuestro entorno. También la naturaleza y el medio ambiente han tomado un protagonismo que antes no tenían.

 

Delante de esto, nos hemos atrevido a pedir a los artistas de la galería que participen en esta exposición que ahora presentamos, con trabajos que han realizado durante este tiempo de aislamiento social. Son respuestas diversas a una misma pregunta, tienen en común el uso del papel como soporte, habitual para algunos –como Victoria Civera o Perejaume– e inédito para otros –como Hannah Collins o Annika Kahrs–.

 

La realización de estas obras ha podido convertirse en una vía de escape, una herramienta para continuar trabajando pese a las dificultades y, a la vez, permiten al público introducirse en la intimidad de los estudios y de las cabezas de sus creadores. Son, en gran parte de los casos, obras hechas en casa, con las herramientas de casa, testimonios de un momento único y, esperamos, irrepetible.

 

‘Piensa en el tamaño del universo, después lávate los dientes y ve a dormir’ toma el título de una obra de la artista Annika Kahrs. A partir del humor, nos invita a reflexionar sobre el equilibrio entre los niveles micro y macro y sobre la búsqueda de sentido y de identidad dentro del universo insondable del que formamos parte, reflexiones todas ellas que devienen fundamentales en el contexto actual.

 

El resultado de esta exposición ha sido una serie de obras diversas. En algunos casos, vemos que las temáticas que preocupaban a los artistas, antes de la pandemia, han mantenido su protagonismo o, incluso en otros, muestran fragmentos de su proceso de trabajo y están vinculados a proyectos futuros.

 

En otros casos, encontramos propuestas que hablan directamente del momento actual: reflexiones sobre las relaciones personales, la situación política, los mensajes de los medios de comunicación o los colectivos vulnerables como los niños y la gente mayor.

 

Por último, encontraríamos también un tercer grupo de trabajos que se centran en la observación del entorno más cercano y la naturaleza.

 

Para facilitaros más información e imágenes, contacten con galeria@galeriajoanprats.com

 

 

* “Escribo con ríos y colinas / sobre el papel de las llanuras” Perejaume

Inauguración 16.01, 19h

Exposición 17.01 – 30.05.2020

 

 

El próximo jueves 16 de enero inauguramos la séptima exposición de Chema Madoz en la Galeria Joan Prats, donde presentaremos obras recientes realizadas entre 2012 y 2018.

 

Las fotografías en blanco y negro de Chema Madoz se caracterizan por su limpieza y finura. En ellas, aparecen objetos sencillos de la vida cotidiana que el fotógrafo ha manipulado, a menudo combinando dos diferentes, buscando asociaciones o paradojas. Estas esculturas creadas por el artista nacen solamente para ser fotografiadas, siempre con luz natural. El cambio de escala y la eliminación del color permiten establecer una distancia y a la vez distorsionar la realidad, poniendo en duda ideas como la de lo verdadero y la de lo posible.

 

En las imágenes de Chema Madoz confluyen, así pues, dos puntos de vista, el del propio fotógrafo y el del espectador,  que se enfrenta a la fotografía desde el mismo lugar desde el cual él se enfrentó al objeto. En palabras de Chema Madoz, le interesa “la idea de hallazgo, de descubrimiento, de percibir el misterio en lo cotidiano”. Y a la vez, el artista concibe la realidad como un ejercicio de lectura, y con una mirada fría, documenta a través de la fotografía la destrucción de sus reglas.

 

Todas las fotografías están impresas sobre papel baritado y viradas al sulfuro.

exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

Exposures es una serie de exposiciones online que pretende reflexionar sobre temáticas relacionadas con el contexto actual y alrededor de la idea general de ‘El cuerpo y el/lo otro’.

Exposures #02La palabra

La segunda propuesta reúne prácticas conceptuales alrededor de la palabra y el lenguaje, herramientas básicas en nuestra relación con el mundo y con los otros. Las obras de Erick Beltrán, Joan Brossa, Pauline Bastard, Muntadas, Javier Peñafiel, Perejaume, Teresa Solar y Anna Dot (artista invitada) proponen textos, frases, mensajes, enunciaciones, que se convierten en recursos de análisis de la realidad caracterizándose por su carácter crítico y transformador del sistema del arte y de la sociedad.

Los trabajos presentados reflexionan sobre la relación entre palabra e imagen y utilizan diversas estrategias lingüísticas. En el caso de la obra de Teresa Solar, juega con la estética de la fonética y los carteles de aprendizaje de idiomas. En otros casos se utiliza el lenguaje desde una dimensión sonora -como en la obra de Perejaume-, sígnica –Javier Peñafiel– o poética –Joan Brossa.

En la obra de Muntadas de 2018 se analizan los mecanismos de la comunicación, el lenguaje y la problemática relación entre la producción de conocimiento y el poder económico. También en el caso de Erick Beltrán, a través del lenguaje, disecciona el mundo para clasificarlo, categorizarlo, diferenciar cada uno de sus elementos para así intentar comprenderlo.

En una línea más narrativa, la obra de Pauline Bastard parte de objetos encontrados casualmente que le permiten encargar a desconocidos la escritura de ficciones creativas.

Por último, hemos querido introducir una acción que realizó Anna Dot en la Fundació Brossa en 2019, evidentemente por su conexión con Joan Brossa, pero también por la reflexión poética en torno a la construcción de las palabras.

Esta exposición se podrá ver hasta el 10 de junio.

Acceso a la exposición

Exposures#01

exposure: the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

 

Exposures es una serie de exposiciones online que pretende reflexionar sobre temáticas relacionadas con el contexto actual, y alrededor de la idea general de ‘El cuerpo y el/lo otro’.

 

Exposures #01
. La primera propuesta es una adaptación del proyecto que presentamos hace unos meses para Loop’19, que se titula 26 mil años luz. A las obras de ANNIKA KAHRS, ALICIA KOPF y TERESA SOLAR, se suma en esta ocasión una obra de PEDRO TORRES. Esta exposición se podrá ver durante 15 días.

 

26 mil años luz reúne una selección de vídeos que vinculan historias o reflexiones personales con la exploración espacial, la tecnología y la ciencia.

El título de la exposición, 26 mil años luz, hace referencia a la distancia que nos separa de Sagittarius A* (Sgr A*), un agujero negro supermasivo situado en el centro de la Vía Láctea, cuya observación parece confirmar que los agujeros negros crecen absorbiendo otros menores y estrellas. La especulación científica entorno al espacio exterior a menudo se acerca a la ciencia ficción, tal y como aparece en las obras que presentamos.

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Accede a la exposición

 

 

 

45. I tu ni te'n vas adonar, 2019

Inauguración, 25 de junio, 17-20h.
Exposición 25/06 – 17/10/2020

 

Visita con cita previa a través del Formulario
(T. 93 216 02 84 – galeria@galeriajoanprats.com)

Joan Prats Warehouse. Passatge Saladrigas, 5 Barcelona.

 

 

 
En el marco de Artnou, Galeria Joan Prats presenta la exposición ‘El retorn a Ripollet’ de Marcel Rubio Juliana (Barcelona, 1991), que reúne un amplio conjunto de obras realizadas entre 2018 y 2019.

 

Marcel Rubio Juliana se expresa principalmente mediante el dibujo y la pintura, si bien su acercamiento a la creación tiene que ver con el ensayo literario. Grandes lienzos al carboncillo y miniaturas al óleo confieren el ritmo de un relato fragmentado que desarrolla una historia aparentemente lineal, con unidad de tiempo y lugar. Podríamos ver ciertas analogías con el “nouveau roman”, donde se adoptan puntos de vista distintos a la visión única del narrador y donde la propia escritura adquiere autonomía al margen de lo que está escrito. El guión de cine Dogma podría ser otra referencia: ambos utilizan localizaciones reales, huyen de artificios superfluos y buscan un realismo crudo, creando una serie de reglas a seguir y, a veces, a transgredir.

 

Aludiendo a sus propias vivencias y deseos, el artista evoca un día de verano en el que un desconocido se convierte, sin saberlo, en el protagonista de un relato singular. Situadas en una ciudad costera cercana a Barcelona, distintas secuencias nos invitan a realizar un recorrido en el que, siguiendo un método fenomenológico, la contemplación, la deriva y el enamoramiento ofrecen una descripción precisa del entorno.

 

La narración sigue los pasos de un joven, desde la estación de tren hasta el centro de la ciudad, pasando por la playa, el Club Náutico y diversas calles comerciales, creando un registro cinematográfico de los lugares evocados. Nos muestra también cuerpos disfrutando del agua, la vista del sol sobre el mar, un quiosco, la fachada de un teatro, manchas de humedad en la pared, una flor, un grupo de amigos en la terraza de un bar… todo está allí, presente en el recuerdo, aunque todo podría ser imaginado.

 

 

Marcel Rubio Juliana (Barcelona, 1991) estudió en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Pau Gargallo (Badalona), donde se graduó en 2007, para posteriormente cursar el grado de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, que finalizó en 2013.

 

Desde entonces, ha presentado su obra en las siguientes exposiciones: Surfeit, Fundación Arranz-Bravo, l’Hospitalet de Llobregat, Barcelona (2018); Swab, Barcelona, representado por la galería Passatge Studio (2016); Los músculos de Zarathustra (con el escritor Victor Balcells Matas), Passatge Studio, Barcelona (2016);  La Puntual de Mercantic, Sant Cugat, Barcelona (2016); Carles Boïges, ciclo de exposiciones, con la colaboración de Tom Carr y su equipo, TCTeamWork, Badalona, (2014); Facultad de Bellas Artes, Barcelona (2014); Dibujando la noche (exposición colectiva), Galería Anquin, Reus, Tarragona (2014).

 

Ha sido nominado a diferentes premios: Bienal Torres Garcia, Mataró, con la obra Espectro, 2016; Fundación Ynglada-Guillot, con el dibujo Geschlagen, 2015, expuesto en Espacio Volart, Barcelona; Premio de dibujo de la Fundació Güell, expuesto en el Palau Güell, Barcelona, 2015-16; Bienal de Arte: Premio Tapiró de pintura, Tarragona, con el dibujo What time is it?, 2013.

 

En 2021 presentará una exposición en el Espai 13 de la Fundació Miró, en un ciclo comisariado por Pere Llobera.

ARCO Madrid

 

26/02/2020 – 01/03/2020

 

Booth 9C09

 

LUIS GORDILLO . CHEMA MADOZ . MUNTADAS . FERNANDO PRATS . JULIAO SARMENTO . JOSÉ MARÍA SICILIA . PEREJAUME . ALICIA KOPF . TERESA SOLAR . JUAN USLÉ . PABLO DEL POZO . VICTORIA CIVERA . HERNÁNDEZ PIJUAN

 

+ info

Soñé que revelabas (Madeira), 2019

Inauguración: 10.10.2019, 19h

 

Viernes 11 de octubre, 18.30h, conversación entre Juan Uslé y el comisario Javier Sánchez Martínez

 

El título de la nueva exposición de Juan Uslé en Galeria Joan Prats, ‘Unsettled’, alude metafóricamente a la pintura, tema central de toda su obra. 

‘Unsettled’ significa inestable, pero también variable, inquieto, algo que incluye a contrarios, o una paradoja. En las pinturas de Uslé las franjas de color fluctúan, no tienen un inicio y un final definido, y remiten al paso del tiempo, las horas, las estaciones, los paisajes que cambian, como Bernia, cordillera situada en el sudeste de la Península Ibérica, un lugar de inspiración para Uslé, entre muchos otros.

 

El trabajo de Juan Uslé reflexiona sobre las posibilidades de la pintura. En palabras suyas: “Hablando de pintura, yo también hablaría de su temblor, de su ‘no fijación’, de su recorrido o, mejor aún, de lo que entendemos como desplazamiento.”

 

Formadas por pinceladas repetidas, aunque nunca idénticas, sus obras se caracterizan por el movimiento y el ritmo, e invocan el entorno que le rodea, y a la vez, la energía de las pulsiones del cuerpo. Uslé crea un idioma pictórico donde se mezclan aspectos formales o metalingüísticos con su experiencia vital, además de las alusiones al tiempo y al propio proceso de creación. Según Juan Uslé: “El tiempo es aquello que nos queda. Yo lo concibo como una superficie horizontal donde se deposita y transfiguran sucesos del pasado y del futuro. Muchas de mis obras pequeñas parecen prolongarse, extenderse en el espacio. Sugieren un llamémosle paisaje o espacio de múltiples horizontes yuxtapuestos.”

 

En la exposición, Uslé presenta formatos pequeños, que crean una relación de cercanía e intimidad junto a obras de gran formato, la dimensión más grande con la que ha trabajado y que inició en 2017. Las obras pequeñas se organizan en familias, y hablan de la repetición, pero también contienen individualmente una identidad propia.

 

La exposición se completa con dos fotografías de gran formato. Hacen alusiones a la pintura e invocan al recogimiento y la emoción del descubrimiento.

Interpelan, como sus pinturas, a nuestra capacidad de ver, pensar, percibir y sentir.

 

 

Annika Kahrs

Inauguración: 14.11.2019 de 18 a 21h

Exposición: 20 y 21.11.2019 de 11 a 20h y hasta el 30.11.2019 con cita previa (t. 932160290 o galeria@galeriajoanprats.com)

Lugar: Joan Prats Warehouse. Passatge Saladrigas, 5 Barcelona. Metro Poblenou

 

 

Con motivo del Festival de Loop, presentamos en nuestro espacio Joan Prats Warehouse una selección de vídeos y una instalación sonora recientes de las artistas Alicia Kopf, Annika Kahrs y Teresa Solar que vinculan historias o reflexiones personales con la exploración espacial, la tecnología y la ciencia.

 

El título de la exposición, 26 mil años luz, hace referencia a la distancia que nos separa de Sagittarius A* (Sgr A*), un agujero negro supermasivo situado en el centro de la Vía Láctea, cuya observación parece confirmar que los agujeros negros crecen absorbiendo otros menores y estrellas. La especulación científica entorno al espacio exterior a menudo se acerca a la ciencia ficción, tal y como aparece en las obras que presentamos.

 

El vídeo de Alicia Kopf Speculative Intimacy: An Understanding Of Control, 2019, propone una perspectiva de ciencia ficción emocional para originar nuevos relatos alrededor de las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos. La película se sitúa en un futuro cercano donde las fronteras de lo público y lo privado han desaparecido, las vidas transcurren en continua exposición. Michelle, su protagonista, investiga un concepto en crisis: ¿Qué es la intimidad? y dialoga con su compañero no-humano sobre este concepto.

 

Annika Khars presenta dos obras. El vídeo solid surface, with hills, valleys, craters and other topographic features, primarily made of ice, 2014, muestra un planetario donde se proyecta un cielo estrellado en cuyo centro se ve una luz circular que parece la luna pero que resulta ser un foco. En esta obra de 2014, la artista recorre a imagen y narración para hacer un retrato de Plutón, cuya visión estaba a punto de cambiar ya que New Horizons, una misión no tripulada de la NASA, se estaba dirigiendo hacia su órbita. Finalmente lo sobrevoló el 14 de julio de 2015 y pudo, por primera vez, fotografiarlo de cerca. Hasta el momento, las ilustraciones científicas del planeta se basaban en la especulación.

 

La otra obra de Annika Kahrs es la instalación sonora think about two black holes colliding, then brush your teeth and go to bed, 2019, que está dividida en dos partes y que explora las ondas gravitacionales. En 2015, el observatorio de ondas gravitacionales LIGO anunció la primera observación directa de estas ondas durante la colisión de dos agujeros negros. En la primera parte, utilizando un cepillo de dientes como instrumento, Annika Kahrs recrea el sonido de su detección junto a los datos de audio cortesía de LIGO. En la segunda parte, Annika Kahrs ha registrado entrevistas entre el Dr. Keith Thorne de LIGO y algunas personas que provienen de diferentes ámbitos.

 

En el vídeo de Teresa Solar Ground Control, 2017, la artista se transforma en la bola de arcilla que gira sobre el torno. El cuerpo girando es acompañado por narraciones fragmentadas que relacionan el accidente del transbordador espacial Columbia estallando en pedazos debido a un fallo en su escudo protector, con las lesiones personales sufridas por la propia artista. El título Ground Control tiene un doble significado: hace una alusión directa a la tierra o arcilla y la presión que se ejerce sobre ella para trabajarla en el torno y también remite al centro de operaciones desde el cual se monitoriza el desarrollo del vuelo de una nave espacial. A través del título, esta experiencia mínima de comunicación y equilibrio conflictivo entre sujeto y materia aumenta de escala, vinculándose con los viajes espaciales.

 

 

 

Alicia Kopf (Girona, 1982) vive y trabaja en Barcelona. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Teoría literaria y Literatura Comparada. Ha expuesto en museos y centros de arte como Accademia Di Spagna, Roma (2019), MAC La Coruña en la 15ª muestra de arte Naturgy (2018); Sala Mendoza, Caracas, Mazcul, Maracaibo (2017); CCCB, Barcelona, Museo de Antioquía, Medellín, Colombia (2015); Goethe Institute, La Capella y MACBA, Barcelona (2014); Fundació Tàpies, Barcelona (2013); Bòlit La Rambla, Girona (2011) o CaixaForum, Barcelona (2009). Recientemente ha expuesto en Azkuna Centroa, Bilbao, dibujos de la serie ‘Conquest drawings’, dentro de la exposición ‘Nunca real/Siempre verdadero’ comisariada por Iván de la Nuez. Como novelista, destaca su obra ‘Hermano de hielo’, publicada el 2015, con la que ganó el Premio Documenta 2015, el Premio Llibreter 2016, el Premio Ojo Crítico 2016 y el Cálamo Otra Mirada 2017.

 

Annika Kahrs (Achim, Alemania, 1984) vive y trabaja en Hamburgo. Ha recibido diversos premios y becas, entre los cuales destaca el Max-Pechstein-Förderpreis–Stipendium, de Zwickau, en 2019 y George-Maciunas-Förderpreis en 2012, donación de René Block. En 2011 ganó el primer premio de la 20 Bundeskunstwettbewerb del Ministerio de Educación e Investigación de Alemania. Annika Kahrs ha participado en exposiciones celebradas en museos y centros de arte internacionales como la Kunstverein de Kassel (2018), Kunsthalle Lingen (2017), Cité International des Arts (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlín(2015), Kunsthalle Bremerhaven (2015), exposición On the Road, en Santiago de Compostela (2014), la Bienal de Curitiba, Brasil (2013), Hamburger Kunsthalle (2013), KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2012), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn(2011), Goldsmiths University, Londres (2011), y el festival Velada de Santa Lucia  en Maracaibo, Venezuela (2010).

 

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente (ARCOmadrid 2017) y del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Actualmente, presenta a Index, Estocolmo Ride, Ride, Ride, una exposición individual que había estado en Matadero, Madrid (febrero, 2018) con el título de Cabalga, Cabalga, Cabalga. Recientemente ha mostrado Flotation Line en Der Tank, Basel (junio, 2018) y dentro del programa Composicions del Barcelona Gallery Weekend (septiembre, 2018) y ha formado parte de la expedición de 2018 “The Current” organizada por TBA21 -Academy. Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012) y ha participado en exposiciones colectivas en Haus der Kunst, Munich (marzo, 2018), en Kunstverein Braunschweig (junio, 2018), en la sección de “El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer” en ARCOmadrid (febrero, 2018), en Kunstverein München, Munich (2017), en Fundación Marcelino Botín, Santander (2016) y en Macro, Roma (2015), entre otros.

Untitled (Terrace), 2017. Detalle

Inauguración jueves, 5 de septiembre 2019, 17h30-20h30

Exposición 05/09 – 04/10/2019

Charla con Janosch Jauch y los comisarios Gabriel Virgilio Luciani + Gisela Chillida: 06/09, 19h

 

 

En el marco de artnou, Galería Joan Prats presenta el trabajo de Janosch Jauch (1985, Karlsruhe, Alemania)

 

Los trabajos de Janosch Jauch se desarrollan a través del proceso de reunir imágenes fotográficas de instalaciones, intervenciones digitales y superficies físicas utilizando emulsión de plata fotográfica. Esta estratificación conduce a una simbiosis de todos estos pasos de producción y, por lo tanto, a un trabajo que, a pesar de sus diversas formas y materiales, se ha convertido en una imagen que está igualmente determinada por todas las técnicas que intervinieron en su formación.

 

La delimitación de su trabajo en el sentido de la estética de la producción explica una gran parte de su arte, que tiene como foco central la experiencia de la pieza de composición abierta. Sus obras, también nos proyectan a un universo donde lo artificial interfiere con lo natural.

 

 

 

Janosch Jauch (1985, Karlsruhe, Alemania) vive y trabaja en Düsseldorf, donde ha sido licenciado en escultura y pintura en la Kunstakademie (2014), bajo la docencia de Georg Herold, Andreas Gursky y Ludger Schwarte.

 

Ha mostrado su obra en Kunsthaus Essen (2019), Bistrot21 (2018, Leipzig), Storage Capacité (2018, Berlín), Swab (2018, Barcelona), Espositivo (2018, Madrid), Museum Kunstpalast (2013, Düsseldorf), entre otros.

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

 

 

Alicia Kopf

Inauguración, 13 de junio a las 19h

Exposición: 14/06 – 31/07/2019

Jueves 25.07.2019, 19h: acción sonora y performativa con Nil Ciuró + Núria Guiu + Alicia Kopf

 

Speculative Intimacy propone una perspectiva de ciencia ficción emocional para originar nuevos relatos entorno a las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos.

 

Resignificar el sci-fi hacia una especulación sobre el deseo –esa atracción gravitatoria–en una apuesta por una des-jerarquización de puntos de vista entre actantes reconociendo la obsolescencia de algunas de las herramientas de representación que nos han sido dadas. Una transposición de escalas, puntos de vista y géneros.

 

Philip Roth expuso la cuestión de la intimidad ya en términos espaciales: “la gran broma que te gasta la biología es que llegas a la intimidad antes de saber nada. En el momento inicial lo comprendes todo. Al principio cada uno se siente atraído por la superficie del otro, pero también intuye la dimensión total. Y la atracción no tiene que ser equivalente: a uno le atrae una cosa, y al otro, otra. Es superficie, es curiosidad, pero entonces, zas, la dimensión.”

 

Zas. La dimensión.

 

Sus nuevos portales de entrada como las apps de citas online y el acercamiento cada vez mayor de los dispositivos tecnológicos al cuerpo nos atraen hacia un horizonte de eventos inalcanzado hasta ahora. Especulando en la estela de Agustín Fernández Mallo, “puede que no sea el Internet de las cosas sino el amor de las cosas lo que nos salve de la soledad cósmica…”

 

Alicia Kopf

 

(Correspondencia completa entre Alicia Kopf y los científicos Augustín Fernández Mallo y Carlos Pobes)

 

 

Speculative Intimacy es la segunda exposición de Alicia Kopf en Galeria Joan Prats. Se trata de su trabajo más reciente, que reúne dibujos, fotografías, escritura y un vídeo realizado con la colaboración de la coreógrafa y bailarina Núria Guiu.

 

A partir del ejercicio del dibujo y la escritura, Alicia Kopf (Gerona, 1982) reflexiona en torno a temáticas aparentemente individuales que se han convertido en preocupaciones generacionales. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Teoría literaria y Literatura Comparada.

 

Ha expuesto en museos y centros de arte como Accademia Di Spagna, Roma (2019), MAC La Coruña en la 15ª muestra de arte Naturgy (2018); Sala Mendoza, Caracas, Mazcul, Maracaibo (2017); CCCB, Barcelona, Museo de Antioquía, Medellín, Colombia (2015); Goethe Institute, La Capella y MACBA, Barcelona (2014); Fundació Tàpies, Barcelona (2013); Bòlit La Rambla, Gerona (2011) o CaixaForum, Barcelona (2009). Hasta el 22 de septiembre expone en Azkuna Centroa, Bilbao, dibujos de la serie ‘Conquest drawings’, dentro de la exposición ‘Nunca real/Siempre verdadero’ comisariada por Iván de la Nuez.

 

Como novelista, destaca su obra ‘Hermano de hielo’, publicada el 2015, con la que ganó el Premio Documenta 2015, el Premio Llibreter 2016, el Premio Ojo Crítico 2016 y el Cálamo Otra Mirada 2017.

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

I will make up a song (desert entrance-1), 2018

 

Inauguración 14 de marzo, 19h | Exposición marzo – mayo 2019

 

El próximo jueves 14 de marzo inauguramos la sexta exposición de Hannah Collins en Galeria Joan Prats, donde presentaremos su trabajo más reciente I will make up a song, 2018; junto con el proyecto The Fertile Forest, 2013-5 y la fotografía Family, 1988.

 

El título de la exposición es parte del título de la nueva película de Hannah Collins, I will make up a song and sing it in a theatre with the night air above my head, creada con el músico Duncan Bellamy, que se presentará en la Fundació Tàpies el próximo mes de junio.

 

I will make up a song habla del trabajo del arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900-1989), quien recurrió a la tradición constructiva de adobe para crear las nuevas ciudades de New Gurna y New Baris. Fathy intentó encontrar nuevas vías a través de prácticas sostenibles, utilizando materiales naturales, y crear un nuevo contexto en el cual un teatro formaría parte de la vida cotidiana, en un entorno rural enraizado en la Antigüedad. Sus ideas devienen una urgencia hoy en día, cuando estamos buscando un futuro sostenible. A través de estas fotografías, Hannah Collins explora la relación entre el cuerpo humano, la escala y la historia y muestra lo significativo de los materiales modestos que encontró al trabajar en el desierto egipcio.

 

La búsqueda de nuevos caminos es uno de los temas centrales de la exposición de Hannah Collins, creada en un momento en que, globalmente, surgen múltiples opciones y fuerzas en la realidad contemporánea occidental.

 

The Fertile Forest es una obra que trata también la tradición y la necesidad de establecer nuevas relaciones con nuestro entorno. Es un proyecto en curso en el que Hannah Collins ha documentado como los miembros de diversas tribus del Amazonas contribuyen a la preservación del bosque, concibiéndolo como jardín, ya que utilizan las plantas que lo forman para su bienestar cotidiano. La artista fotografió, a lo largo del mes que pasó con la tribu Cofán, en la cuenca amazónica colombiana, las plantas según sus enseñanzas. Los textos que acompañan a las fotografías son el resultado de las conversaciones de Hannah Collins con el jefe de la tribu bajo la influencia del yagé (ayahuasca). El fondo dorado de las vitrinas se convierte en un espejo de oro que nos refleja a través de las plantas.

 

Family, una obra de primera época de la artista, es una imagen en blanco y negro de un grupo de altavoces que permanecen en silencio y que se utilizaban habitualmente para la música de calle, sobre todo reggae, creada por antillanos de Londres, pero que se fotografiaron en el estudio de la artista.

 

La exposición presenta una visión ansiosa y a la vez optimista de nuestros tiempos y de nuestra necesidad de salvaguardar el conocimiento y crear puentes a escala global. Todas las obras se centran en el acto de la comunicación y el deseo de poesía y belleza. Los trabajos de Collins hacen visible la necesidad de preservación del saber y de la naturaleza, ambos amenazados por su invisibilidad.

 

 

Hannah Collins (Londres, 1956). Entre 1989 y 2010, vivió y trabajó en Barcelona, exponiendo en Galeria Joan Prats desde 1992, y actualmente vive entre Londres y Almería. Además de haber obtenido la beca Fulbright y de haber sido nominada al Premio Turner de 1993, recientemente ha recibido el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, otorgado por la Fundación de la Baja Sajonia, que incluía una exposición en Sprengel Museum, que después itineró al Camden Art Centre de Londres y al Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

 

Para más información e imágenes, contacten con galeria@galeriajoanprats.com

Arco 2019

ARCOmadrid 

27/02/2019 – 03/03/2019

Stand 9C09

 

AÏDA ANDRÉS RODRIGÁLVAREZ, PEDRO CABRITA REIS, VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, HERNÁNDEZ PIJUAN, FABIAN MARCACCIO, MUNTADAS, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, CAIO REISEWITZ, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ

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CAIO REISEWITZ Encuentro con el artista y firma del libro Altamira

Jueves 28 de febrero a las 18h en nuestro stand de ARCOmadrid 2019

Matèries en erupció 1975-1985

Inauguración, 13 de diciembre, 19h /  Exposición, diciembre 2018 – febrero 2019

 

 

Presentamos, dentro del Año Guinovart, la exposición Matèries en Erupció 1975-1985, con una selección de obras de una década muy importante de la trayectoria de Guinovart, años en los que estableció una relación intensa con nuestra galería y que también significaron su reconocimiento internacional con exposiciones en Martha Jackson Gallery de Nueva York (1979), en el Espace Pierre Cardin de París (1979), en Rizzoli Gallery de Nueva York (1979) y en la Bienal de Venecia (1982).

 

Tal y como menciona Alexandre Cirici: “durante los años setenta, Guinovart ha ido deshaciéndose de las operaciones de purificación, de liberación, de lo que Jung denominaba «descenso a los infierno» y ha ido encontrando el equilibrio de una madurez plena, que toca todos los registros de su visión completa, lúcida, crítica, de la sociedad humana y del environment material que le rodea, con la seguridad de un gran organista”.

 

La exposición que planteamos se inspira en gran parte en la primavera del 1979, fecha en la que tuvieron lugar tres importantes exposiciones en la ciudad de Barcelona, en la Galeria Joan Prats, en la Galeria Trece y, sobre todo, Matèria-suport-estructura en la Fundació Joan Miró, tres exposiciones sincronizadas, que discurrían por tres caminos diferentes pero con un destino común: la aproximación a la realidad. 

 

En la obra de Guinovart de este momento destaca el trabajo del barro, introducido a partir de un viaje a Argelia, donde había quedado impresionado por la presencia de la tierra, del desierto y de la arquitectura de adobe. El gran protagonista de este periodo es el material, también el fibrocemento, la contraposición entre la dureza y la rugosidad del soporte y la absoluta espontaneidad del grafismo. A pesar de que Guinovart es un artista que transformaba su obra a partir de “combustiones internas”, se ve también condicionado por el mundo que le rodea: la naturaleza de Castelldefels, donde tiene su estudio, el entorno rural que marcó su infancia, como el de Agramunt, y también las ciudades de Barcelona, París o Nueva York.

 

Yo necesito constantemente el recurso no ya de transgredir, sino de salir del límite de lo que es pintura. Por ejemplo, el collage, los  elementos que van de dentro afuera y de fuera hacia dentro: muchas veces se ha cometido el error de situarme como artista del collage, porque en mí ha habido más una intención de trabajar desde dentro hacia fuera que al revés. No se trata tanto de encolar como que todo surgiera como del fondo del volcán. Hay una sensación de que la materia esta arrojada desde dentro, justo lo contrario de cómo se entiende el collage. No es el hecho de pintura-pintura, es una vertiente más existencialmente poética. Lo que me preocupan son las cuestiones de fondo”.

 

(Entrevista a Guinovart, revista El Guía, octubre-noviembre, 1991)

 

 

Josep Guinovart (Barcelona, 1927-2007). Después de formarse de manera autodidacta, comenzó su trayectoria como pintor en los años cuarenta en Barcelona. Su pintura, marcada por la figuración, evoluciona hacia el collage abstracto vinculado al informalismo politizándose y expandiéndose, hasta romper los límites del lenguaje pictórico, acercándose a la escultura y a la instalación. Recibió numerosos premios y reconocimientos, como el Premio Ciutat de Barcelona d’Arts Plàstiques (1981), el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (1982) y el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya (1990). Entre sus exposiciones monográficas, destacaríamos la de Danubiana Art Museum, Bratislava (2004), la de la Pedrera de Barcelona (2002), Guinovart. Itinerari 1948-1988, en el Tecla Sala de L’Hospitalet (1989) que viajó a Alemania (Vila Merkel, Esslingen am Neckar; Museum Bochum, Bochum; Katalanischen Sommers in Hamburg), la del Fine Arts Museum de Long Island (1987), Matèria-suport-estructura, Fundació Joan Miró, Barcelona (1978) y Contorn-entorn, Galeria Maeght, Barcelona (1976). En 2018, con motivo del décimo aniversario de su muerte, se ha celebrado el Año Guinovart con exposiciones en diversos centros de Cataluña y el extranjero.

 

 

Galeria Joan Prats agradece a Maria Guinovart y a la Fundació Espai Guinovart su colaboración en la realización de esta exposición.

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactar con galeria@galeriajoanprats.com

The Lisbon Totem #3, 2017

Inauguración: 26.9, 19 h

Exposición octubre – noviembre

 

Nos complace anunciar la primera exposición de Pedro Cabrita Reis en nuestra galería, en la que mostraremos un conjunto de obras recientes, con escultura, pintura y fotografía.

 

El trabajo de Cabrita Reis incluye una gran variedad de medios, desde fotografía y dibujo hasta pinturas y esculturas a gran escala, compuestas por materiales industriales, a menudo recuperados, como en el caso de la obra Floresta, 2017, que presentamos en la exposición, y que llegan a tener frecuentemente dimensiones arquitectónicas. En esta muestra encontraremos obras realizadas con diferentes materiales como acero, madera, aluminio, cristal, esmalte, bronce o acrílico. En palabras del artista “Todo lo que existe es materia que puede ser utilizada en la construcción de una obra de arte”, por tanto, no establece jerarquías entre los objetos y materiales con los que trabaja. Para Cabrita Reis, el material es la mirada y el pensamiento, que todo lo transforman.

 

Su obra investiga los límites entre arquitectura, escultura, pintura y fotografía, pese a que Cabrita Reis se considera a sí mismo ante todo como pintor. Su obra es tridimensional, a menudo de una manera muy personal, y pretende alterar, definir o cuestionar los límites del espacio. Su significado permanece misterioso y fascinante, el pensamiento toma forma en la materia, para llegar al espectador, provocando nuevas preguntas, vinculándose con su imaginación y con su experiencia.

 

Pedro Cabrita Reis comenzó su carrera en la década de los ochenta, como uno de los artistas más destacados de su generación, introduciendo un universo de referencias arcaicas y míticas, de memoria colectiva y revelación individual. Su obra tuvo un gran impacto en la cultura portuguesa e internacional, incorporando, en la herencia moderna más radical, la posibilidad de volver a disciplinas artísticas tradicionales: dibujo, pintura, escultura.

Aïda Andrés Rodrigálvarez & Pablo del Pozo

JOAN PRATS warehouse, Passatge Saladrigas 5, Barcelona

Con cita previa al 932 160 284

Exposición: 05/09/2018 – 26/10/2018

 

En el marco de artnou, Galeria Joan Prats presenta el trabajo de dos jóvenes artistas, Aïda Andrés Rodrigálvarez (Barcelona, 1985) y Pablo del Pozo (Badajoz, 1994).

 

Sus trabajos tratan la relación que se establece entre el individuo y el espacio que le rodea desde un punto de vista cotidiano. El territorio y la nostalgia, la búsqueda de un refugio, el paso del tiempo son temas importantes en su obra, junto con el medioambiente. Mostraremos instalaciones de los dos artistas, obras realizadas a partir de objectos encontrados y de materiales expuestos a los elementos.

 

Aïda Andrés Rodrigálvarez se interesa por la huella que la luz, el entorno y el paso del tiempo retienen sobre el papel. Las técnicas de la litografía y la fotografía estenopeica le permiten trabajar con una temporalidad dilatada, además de investigar el color. En su práctica artística, papel y tejidos son dejados a merced de los elementos, deveniendo así materiales fotosensibles.

 

Por su parte, las obras de Pablo del Pozo tienen un marcado carácter autobiográfico, vinculado a las experiencias y vivencias del artista. El sentimiento de pertenencia a un lugar, el desplazamiento y la nostalgia son temáticas que le preocupan. A partir de las características propias de los materiales que utiliza (barro, escayola, pigmentos y también objetos recuperados), busca hablar de la precariedad de la vida, generando así una reflexión en torno a la realidad cotidiana.

 

Aïda Andrés Rodrigálvarez vive y trabaja en Barcelona. Ha realizado el máster de producción e investigación artística (2015-6). Se licenció en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2014) y en Arquitectura por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (2010). Ha expuesto individualmente en la Fundació Arranz-Bravo de L’Hospitalet de Llobregat (2017), en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell (2016) y en Tinta Invisible, Barcelona (2014). Ha recibido varios reconocimientos como las becas del Institut Ramon Llull para la bienal Jeune Création Européenne, de producción Felicia Fuster (2018), Guasch-Coranty  (2016) y el premio Arranz-Bravo (2017)

 

Pablo del Pozo vive y trabaja en Barcelona. Es graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2017). Ha sido seleccionado en la Biennal de Valls, Premi Guasch-Coranty (2017), por lo que expondrá en el Centre Tecla Sala de L’Hospitalet de Llobregat (julio, 2018), y también  por la Bienal Jeune Création Européenne (2017-9) con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas: Montrouge, Francia (2017); Hjørring, Dinamarca; Cēsis, Letonia; Cluj, Rumanía (2018); Como, Italia; Figueres y Amarante, Portugal (2019). También recibió el premio de creación de la Sala d’art Jove de la Generalitat (2017), por lo que participará en la exposición en dicha sala en junio de 2018.

Inauguración 21 de junio, 19:00 h        22/06/2018 – 14/09/2018

 

Galeria Joan Prats presenta Footprints, la primera exposición del arquitecto Josep Lluís Mateo.

 

 

A través de una selección de obras realizadas y proyectos, la exposición quiere acercarse a la trayectoria de Mateo de un modo no cronológico, buscando formas de narrar la arquitectura desde las temáticas inherentes a su práctica. La arquitectura de Mateo se caracteriza por una herencia de la modernidad, que se interesa por la búsqueda de la luz, un intenso diálogo con el contexto, y una conexión entre la idea y el material. Sus proyectos son reflexivos y estratégicos, hablan del espacio y cuidan la relación entre lo mineral y lo vegetal.

 

Maquetas, fotografías, vídeos, collage y esbozos permiten aprehender la complejidad de su proceso creativo y constructivo. Encontramos, por ejemplo, materiales históricos de proyectos tan emblemáticos como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, maquetas que materializan la evolución de un concepto constructivo, como es el caso de la fachada del Centro de Convenciones Internacional de Barcelona, o fotografías que muestran la interacción de la obra con su entorno.

 

‘Un recorrido, una trayectoria, se compone de una sucesión de puntos, de pasos, de huellas… que, miradas en su conjunto, nos indican una dirección, nos revelan (o no) su sentido.

Aquí, sin voluntad de trazar la línea, enseñaremos unos cuantos puntos, algunas huellas de nuestro trayecto.

Así otros podrían trazarla.

Estos momentos se explican con los materiales que los produjeron.

Aunque la arquitectura es un fenómeno complejo en su resultado (atiende a la materia, al espacio, al uso, a la economía…), en su producción, hay un momento inicial de síntesis en donde se genera la energía necesaria para su desarrollo.

También hay algún momento final que sintetiza, en un segundo, como un flash, todo el esfuerzo realizado.

Mostrar estos materiales iniciales, que condensan la idea, y algunos documentos finales, que iluminan la realidad, es el objetivo de esta exposición.’

Josep Lluís Mateo

 

 

La exposición destaca el trabajo de fotógrafos que acompañan la visión de Josep Lluís Mateo como Aldo Amoretti, Gabriele Basilico, Jordi Bernadó, Jan Bitter, Luc Boegly, Ferran Freixa, Adrià Goula, Albert Masias y Xavier Ribas.

 

 

Josep Lluís Mateo es arquitecto por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (ETSAB) y doctor “cum laude” por la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC). Desde 2002, es catedrático de Arquitectura y Diseño en la ETH-Eidgenössische Technische Hochscule Zürich. Ha impartido conferencias y cursos en las principales instituciones académicas y profesionales del mundo, entre otras: académico invitado en el J.P. Getty Center en Los Ángeles, profesor invitado en Harvard University-GSD y en AHO Oslo.

 

En su carrera, galardonada con el Premio A+2011 a la mejor trayectoria profesional, destacan obras como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, Girona (Premio Bienal de Santander 1991); el plan de ordenación de la zona deportiva de la Universitat Autònoma de Barcelona (mención especial Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo 1993); el complejo de viviendas en el muelle de Borneo en Ámsterdam (Premio CEOE 2001); la vivienda unifamiliar en Mallorca (Premio a la Mejor Obra en el Apartado de vivienda unifamiliar 1997-2001 otorgado por el Colegio Oficial de Arquitectos de las Islas Baleares); el Centro de Convenciones Internacional de Barcelona – CCIB (Premio Top International Purpose 2009 – C&ITE Magazine y Oro al Mejor Centro de Convenciones en el Extranjero 2010 – M&IT Industry Awards); la Sede Central del Deutsche Bundesbank en Chemnitz (2004, Alemania); el Colegio Mayor Sant Jordi en Barcelona (Trofeo Archizinc 2008); el edificio WTC Almeda Park de Cornellà, Barcelona (Premio A+ a la arquitectura para el trabajo 2010); La Factory, edificio de oficinas en Boulogne-Billancourt, París (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2010); la Sede Central de la compañía PGGM en Zeist, Holanda (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2011); la Filmoteca de Catalunya (2012, Barcelona); el Centro de Cultura Contemporânea, como pieza culminante de la renovación del centro histórico de Castelo Branco (2013, Portugal); y Bayonne. Entrée de ville, remodelación urbanística del frente urbano del río Adour, incluyendo proyecto edificatorio (2016, Francia). Su obra ha sido extensamente publicada y expuesta, entre otros lugares, en el MoMA (Nueva York, 2006), en el Pavillon de l’Arsenal (París, 2009), en la Bienal de Venecia (2012) y en la Galerie d’Architecture (París, 2013).

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

 

Galeria Joan Prats presenta la exposición Edicions II de Muntadas, que recoge una selección de trabajos seriados que el artista ha realizado desde 2003 hasta la actualidad en diversos formatos: publicaciones, prints, vídeos, objetos, instalaciones y otros materiales gráficos. Esta exposición completa el trabajo iniciado en la exposición Edicions, realizada en la Galeria Joan Prats en el año 2003.

 

« La primera vez que Muntadas me habló de la exposición Edicions II en la Galería Joan Prats, se refirió a ella como una “exposición de deltas”. Le pedí que profundizara sobre esta cuestión: “mis proyectos son uno, son unitarios. Pero estos se diversifican en cantidades ingentes de postales, puede que hasta 100.000 postales, también pueden incluir 17 placas metálicas que se distribuyen por la ciudad a modo de señalización, y una página web. O sea que el proyecto finalmente aparece como la suma de tres conjuntos de restos; esto es, de deltas” (…)

 

Las ediciones son los medios que han permitido a Muntadas conseguir una circulación más porosa y plural, con la capacidad de multiplicarse e intervenir así en medios diversos y con diferentes temporalidades. Mientras que en sus proyectos habitualmente se encuentra la realización de un video, de una instalación o de una intervención urbana, en sus publicaciones, en cambio, no se encuentra habitualmente la realización de un único elemento. (…)

 

Una noción considerablemente genuina de proyecto también se ha ido perfilando a lo largo de la carrera de Muntadas. El artista aborda el proyecto, por un lado, en tanto que lógica de procedimiento serial y basada en la repetición de procedimientos y estrategias. Pero, a la vez, el proyecto también se define en su caso como una lógica de trabajo in progress y que genera momentos de apertura. De esta manera, si, tal como declara Muntadas, el proyecto le permite, por un lado, huir de un tipo de práctica intuitiva e inmediata y desarrollar plataformas de trabajo a largo plazo, por otro, esta noción también le ha ayudado a vertebrar entornos flexibles y abiertos a la impredecibilidad. (…)

 

En el trabajo editorial y las publicaciones es donde se han experimentado con precocidad y con más intensidad que en cualquier otro medio los modos colaborativos que han acabado por impregnar todo el trabajo de Muntadas.  Se encuentra aquí un despliegue de estrategias que catalizan la traducción, ya no solo como metáfora, sino que, muy especialmente, como un proceso de intercambio bidireccional.»

 

Fragmentos del texto de Oriol Fontdevila “Olvido de pez. Ediciones anfibias”, del catálogo de la exposición.

 

 

Muntadas, nacido en Barcelona, vive en Nueva York desde 1971, fue un pionero del vídeo y las instalaciones a mediados de los setenta, y continuó trabajando con fotografía, vídeo, instalación, audio, e intervenciones urbanas. Iteraciones de sus proyectos icónicos, como Between the Frames: The Forum (1983-1993), The Board Room (1985), y las series en curso On Translation (1995- …) y The Construction of Fear (2008- …) –se han expuesto en instituciones y galerías de Norteamérica, Suramérica, Europa y Oriente Medio. Muntadas participó en las ediciones de la Documenta de 1977 y 1997, la Whitney Biennial de 1991, la Bienal de São Paulo de 1983, la Bienal de La Habana de 2000, la Bienal de Taipéi de 2002, la Bienal de Gwangju de 2004, la Bienal de Estambul de 2011, y la Trienal de París de 2012. En 2005, representó a España en la Bienal de Venecia, donde creó un proyecto integral sobre la evolución arquitectónica de la Bienal al largo de su historia. Sus obras han sido incluidas en exposiciones en el MACBA, Barcelona; el Laboratorio Arte Alameda, México DF; el Museo de Weserburg, Bremen; en el Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires; en Württembergischer Kunstverein, Stuttgart; y en Estação Pinacoteca, São Paulo. Desde el 2011 ha estado trabajando en el proyecto Asian Protocols, presentado por primera vez al público en el Total Museum de Seúl (2014), y por segunda vez en 3331 Arts Chiyoda de Tokio (2016). El próximo paso del proyecto será su desarrollo en China.

 

Se ha editado un catálogo con motivo de la exposición

 

Presentamos Phasma, la séptima exposición de José María Sicilia en Galería Joan Prats, donde mostramos su trabajo reciente, con obras abstractas que incorporan tejidos y bordados y cuyas formas proceden de sonogramas.

 

La palabra que da título a la exposición, Phasma, de origen griego, designa los espectros y apariciones y remite, en palabras del propio artista, a “algo que aparece y desaparece, una mariposa que pasa batiendo las alas” y que “habla de la luz como pliegue”.

 

En la exposición, junto a la serie de Phasma, iniciada en Japón, encontramos la serie de El Instante, collages realizados a partir de dibujos de los últimos diez años, y obras de la serie de La Locura del ver. El proceso de creación de esta última serie está vinculado a una tecnología sonográfica que parte del experimento realizado en 1801 por Thomas Young, que permitió detectar la naturaleza ondulatoria de la luz a través de su difracción por dos rejillas alejadas sucesivamente de una fuente luminosa. Este experimento sirve como punto de partida para un programa informático que permite a Sicilia descomponer el sonido para crear unas cartografías de líneas y formas, unas composiciones de dibujos, pintura, collage y bordado que dan como resultado las obras de La Locura del ver.

 

Esta tecnología le da a José María Sicilia una herramienta para alcanzar una nueva profundidad. En este nuevo desarrollo de su obra encontramos todo aquello que ya estaba presente en su evolución artística anterior: la fuerza del color, el movimiento de la luz, un gusto por lo orgánico y el proceso de unificación y oposición que, desde los años ochenta, mostró su pintura. Su primera producción tenía un marcado carácter expresionista y profundizaba en la monocromía del blanco. Más adelante, su trayectoria se ve marcada por el hallazgo de la cera como material, por la aparición de las flores, las colmenas y también por la fotografía. Sicilia es un creador inquieto que ha basado su obra en el cuestionamiento de la forma. Es un artista que interroga, que no acepta moldes y siente la necesidad de quebrar los formatos, convocando la emoción del espectador.

 

José María Sicilia (Madrid, 1954) vive y trabaja en Madrid. Recientemente ha expuesto en el Museo Casa de la Moneda y Calcografía Nacional de Madrid (2017); Musée Delacroix de París (2015), Palacete del Embarcadero de Santander (2014); Matadero de Madrid y Fukushima Prefectural Museum of Art (2013); Hospital de la Caridad de Sevilla (2012); Maison Erasme de Bruselas y Amos Anderson Art Museum de Helsinki (2010); Nagasaki Prefectural Art Museum (2008). Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: Centre Georges Pompidou, París; MOMA, Nueva York; Fundació ‘la Caixa’, Barcelona; Colección Banco de España, Madrid; Collection Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Galleria d’Arte Moderna, Turín; MNCARS, Madrid; Museum of Modern Art, Gunma, Japón; National Gallery of Australia, Canberra; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; The New York Public Library, Nueva York.

 

Nos complace presentar la exposición dedicada a Joan Ponç y a Joan Brossa, que inauguramos el jueves 30 de noviembre, y donde mostraremos obras de dos de los artistas más significativos en la recuperación del arte de vanguardia en nuestro país tras la guerra civil, unidos por una afinidad creativa y personal desde finales de los años 40 hasta principios de los 50 y unidos también a la historia de la Galeria Joan Prats, donde expondrían en diversas ocasiones.

 

En 1982, Joan Brossa mostró por primera vez en la exposición en la Galeria Joan Prats sus poemas objeto y visuales, poemas que realizaba desde 1954 y que eran entonces prácticamente desconocidos por el público. Más adelante, se mostrarían en otras exposiciones en la galería de Barcelona (1989, 1995, 1997) y de Nueva York (1989), y en la Feria de Basilea (1989). Por otro lado, Joan Ponç comienza su colaboración con la Galeria Joan Prats en 1978, con la exposición Fons de l’ésser. También expondría en 1983, Nocturns, en 1987 con dibujos de la época Pre-Dau Al Set, en 1994 y 1996 con dibujos de la Suite Geomètrica y en 1980 en la feria FIAC en París.

 

En palabras de Arnau Puig, en el texto realizado para esta exposición, “Un temperamento y carácter de la dimensión del de Brossa casi estaba obligado por el destino a encontrarse con alguien, Joan Ponç, que bajaba de las nubes”. Este gusto por la magia, la adivinación y lo oculto sería uno de los puntos de unión entre los dos artistas, que se conocieron en 1946. Ese año publicarían junto a Arnau Puig y a Enric Tormo el único número de la revista “Algol”, que quería ser un revulsivo delante del inmovilismo y la pérdida de idealismo de sus contemporáneos. Proponían una renovación de la mirada que se encuentra también en los monotipos que Ponç realizó para acompañar los ejemplares de la revista y que se aleja de la figuración naturalista predominante en el arte español de la época.

 

Además de este interés por las nuevas formas artísticas, las obras de Brossa y Ponç coincidían temáticamente en una preocupación y una crítica a la sociedad, junto con el interés por la cultura popular, el teatro y la magia que ya apuntábamos. Por eso, en aquellos años, se fueron sucediendo las colaboraciones entre los dos: el libro inédito Parafaragaramus (1948), dos números de la revista “Dau Al Set” (enero, 1949 y un inédito), el libro Em va fer Joan Brossa (1951), donde aparece un retrato de Joan Brossa por Joan Ponç, considerado el retrato más directo y sincero que haya tenido el poeta. La relación Brossa-Ponç quedó plasmada también en los poemas de Brossa alusivos a Ponç y en diversos dibujos de Ponç: los Dibuixos podrits (1947) y las Metamorfosis (1947), la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947), la cubierta del libro Dragolí de Brossa (1950), o el gouache Brossa, Brossa (1950), que mostramos en esta exposición.

 

Brossa y Ponç fueron en su momento dos abanderados de la renovación estética, siguiendo los pasos de J.V. Foix y Joan Miró. Brossa, que había conocido a Miró en 1941 a través del sombrerero y mecenas Joan Prats, en casa de J.V. Foix, los pondría en contacto con Joan Ponç. “Dau Al Set” ayudaría a restablecer los puentes con la vanguardia de ADLAN, impulsado por Joan Prats y Joaquim Gomis, y del GATCPAC.

 

Después de este periodo de afinidad y creatividad, en 1953 Joan Ponç se fue a Brasil, y cada uno de los dos artistas continuó su camino. A su vuelta a Cataluña, en 1962, Brossa estaba ya muy lejos del magicosurrealismo y se movía por una antipoesía ligada a la realidad mientras hacía experimentos plásticos de lo que sería su poesía visual. Su vínculo se iría diluyendo. Para Brossa, Ponç quedaría siempre ligado a “Dau Al Set”.

 

Esta exposición pretende mostrar las trayectorias de los dos artistas: una primera parte, con obras del periodo “Dau Al Set”, el momento de mayor afinidad entre Joan Brossa y Joan Ponç, y una segunda parte de la exposición, con obras posteriores, que permiten ver sus evoluciones en el ámbito plástico, y que se reflejan de la misma manera que en la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947).

ARCO Madrid. 21/02/2018 – 25/02/2018

 

CABELLO/CARCELLER
HERNÁNDEZ PIJUAN
LOLA LASURT
PEREJAUME
JAVIER PEÑAFIEL
FERNANDO PRATS
CAIO REISEWITZ
JULIÃO SARMENTO
JOSÉ MARÍA SICILIA
TERESA SOLAR ABBOUD

 

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