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Video de introducción a la exposición

 

Nos complace presentar la séptima exposición en Galería Joan Prats de Fernando Prats, titulada Primera Línea, en la que mostramos su trabajo más reciente, realizado en el contexto de las protestas ocurridas en Chile durante los meses de octubre y noviembre de 2019.

 

La obra de Fernando Prats está determinada por la relación con la energía de la naturaleza y el territorio, enraizado en los vínculos que establece fundamentalmente con su país de origen, Chile. La cordillera de Los Andes, el desierto de Atacama, el océano Pacífico y la Antártida, así como la memoria, son nexos ineludibles y constitutivos de su trabajo, convirtiendo el paisaje de Chile en su lenguaje poético y pictórico desde una práctica contemporánea. Basada en la constante observación del contexto, la naturaleza, el ser humano y su intervención en situaciones críticas, la obra de Fernando Prats se entiende desde el concepto de “geologicidad pictórica”, es decir la pintura como agente movilizador, una superficie activa que funciona a través de capas que se abren a nuevos desplazamientos. Se percibe de este modo como un proceso que transforma el lenguaje de la propia obra desde una perspectiva alejada de lo racional, buscando un espacio de creación libre de juicio que considera el azar como una fuerza reveladora.  La utilización del humo como elemento primordial en su trabajo, una materialidad de uso ancestral, permite a través de un proceso técnico original, capturar las huellas y pulsaciones que devienen en la pintura.

 

El 18 de octubre de 2019 Chile fue conmocionado por un verdadero terremoto social que comenzaría a declararse como “el despertar de Chile”, convirtiéndose en la llamada más elocuente, después de la dictadura, a un cambio profundo del modelo económico neoliberal y cultural del país. En este contexto, y tal como ha sido el método de trabajo de Fernando Prats, el artista se introdujo en el espacio principal de las manifestaciones de Santiago, viviendo en primera persona una experiencia que le permitió registrar el movimiento y confrontación de la Primera Línea. La materialidad, el paisaje social, la superposición de los cuerpos en resistencia, los lenguajes visuales y la palabra construyen una cartografía de resonancias, signos y pulsiones de la memoria de un país.

 

“ “Chile despertó” es la consigna que desde el 18 de octubre del 2019 comenzó a recorrer como un reguero las calles y plazas del país, tapizadas de improviso por una multitud que emergió de los más diversos rincones para desempolvar un idioma olvidado -el idioma de la dignidad- y poner en escena el instante creativo de una potencia destituyente (…)

 

Es lo que parece exhibir la obra del artista Fernando Prats, cuyo trabajo ha consistido desde sus inicios en captar ese instante particular en el que ciertos materiales en rebeldía (físicos, geográficos, domésticos) se anudan unos con otros liberando la energía del país. Lo percibimos de forma palpable en esta nueva muestra, Primera Línea, una especie de pequeño atlas visual en movimiento en el que fragmentos de textos, imágenes, consignas, emblemas y cuerpos dan forma a los agitados días de una comunidad que trasluce el instante artístico que precede tanto al guion de la historia, como al que es propio del hacer estético.

 

El ejemplar diario visual que Prats traza -pictórico en sí y articulado por medio del registro y el video- da la impresión de cumplir de este modo con dos objetivos cruciales: desnudar por un lado la visualidad en bruto que durante la revuelta de Chile forjan los monumentos intervenidos, el fuego de las barricadas, los adoquines arrancados de las veredas, la bandera reescrita y los cuerpos en lucha como parte de una práctica performática que se anticipa al hacer singular del artista, mostrando por otro lado que la energía extrema que su propia obra libera no es parte de la musa que visita al creador en silencio, sino el poder subterráneo de unas imágenes entresacadas del confín de una multitud creadora. Con esto se muestra Prats un decidido amigo de quienes luchan por sus derechos, y no de quienes defienden sus privilegios.”

 

Fragmentos del texto “AHORA. Acerca de Primera Línea, de Fernando Prats” de Federico Galende. (Rosario, Argentina,1965). 

 

 

 

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona. Su obra es conocida por las acciones o expediciones emprendidas en su mayor parte en Chile, entre ellas Gran Sur, Isla Elefante, Antártida (2011), Acción Lota, acción Géiser del Tatio, acción Salar de Atacama, acción Mina a Rajo Abierto (2006) o Congelación, glaciar Collins, Antártida chilena (2002).

 

Ha recibido distinciones como la Beca John Simon Guggenheim Foundation (2007); artista residente en la Kunst-Station Sankt Peter Köln, Colonia (2003); Beca de Honor Presidente de la República del Gobierno de Chile (1997-2000); Premio especial Pilar Juncosa y Sotheby’s (1994) o el Premio ‘Ciutat de Palma Antoni Gelabert d’Arts Visuals’ (2010).

 

Ha participado en exposiciones internacionales como la Bienal de Venecia, representando a Chile (2011); Mediations Biennale, Poznan (2012); Bienal de Canarias, Trienal de Chile (2009), Exposición Universal del Agua, Zaragoza (2008), Espace Culturel Louis Vuitton, Paris, Fundació Joan Miró, Barcelona (2011); o Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile (2004), entre otros.

 

Cuenta con obras significativas en el espacio público, como Pou de Llum instalada en la Balconada de Manresa (2008); Acción Medular en homenaje al General Carlos Prats González (2017) instalada como obra permanente en el Museo de la Memoria y de los Derechos Humanos de Chile o  Su vertical nos retiene, obra monumental edificada en el Parque Metropolitano Los Cerrillos, Santiago de Chile, gracias a un concurso público realizado por el Ministerio de Obras Públicas de Chile para la COP25 (Cumbre del cambio climático), que se tenía que celebrar en Santiago de Chile en diciembre 2019. Actualmente el Ayuntamiento de Barcelona ha encargado al artista la realización de un proyecto monumental en la Plaza Pablo Neruda de la ciudad en homenaje a la labor de acogida de los exiliados republicanos liderada por el poeta.

 

Fernando Prats acaba de resultar ganador de la tercera edición de la convocatoria para realizar intervenciones artísticas en ‘Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria, Museo Nacional de Colombia’, con el proyecto ‘Aún tendría que haber luciérnagas’.

 

 

* Para facilitarles más información e imágenes, contacten con  galeria@galeriajoanprats.com

 

 

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exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

Exposures es una serie de exposiciones online que pretende reflexionar sobre temáticas relacionadas con el contexto actual y alrededor de la idea general de ‘El cuerpo y el/lo otro’.

Exposures #03Las manos

La tercera propuesta gira en torno a la mano, la parte del cuerpo humano más vinculada a la creación artística junto con los ojos y que a la vez nos sirve para comunicar y para relacionarnos, igual que la palabra.

Reúne obras de Erick Beltrán, Cabello/Carceller, Victoria Civera, Hannah Collins, Enzo Cucchi, Chema Madoz, Enrique Martínez Celaya, Muntadas, Perejaume, Marcel Rubio Juliana y Julião Sarmento.

Nuestras manos están tomando un inusitado protagonismo en estos últimos meses debido a su papel en la transmisión de virus. Tocar las cosas, tocarnos la cara, tocar otras manos ha pasado a ser peligroso, las manos ahora se ven obligadas a cubrirse con guantes, a lavarse constantemente, a no tocar, ni siquiera para saludar.

Pero hemos visto como su presencia ha sido una constante en muchas obras artísticas, desde el arte prehistórico hasta nuestros días, por su variedad formal y simbólica.

El lenguaje no verbal de los gestos pone en evidencia la relación entre la mano y la mente. En las obras que mostramos, los gestos de la mano expresan diferentes estados de ánimo, sentimientos, actitudes o emociones desde miedo o pena hasta sensualidad o complicidad. En ocasiones, como ocurre por ejemplo en trabajos de Julião Sarmento, su representación alude a la totalidad del cuerpo humano.

Los gestos de las manos también remiten a las convenciones sociales, devienen así, una representación de la condición humana en estrecha relación con la cultura y la expresión. Como se pone de manifiesto en algunas obras de Muntadas, esta figura retórica puede definir ambición, consenso, imposición, autoridad o poder.

Esta exposición se podrá ver hasta el 30 de septiembre.

Acceso a la exposición

Cabello / Carceller

JORDI ALCARAZ, PAULINE BASTARD, ERICK BELTRÁN, ALFONS BORRELL, CABELLO/CARCELLER, CABRITA, VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, CARLES CONGOST, LUIS GORDILLO, ANNIKA KAHRS, LOLA LASURT, FABIAN MARCACCIO, ENRIQUE MARTÍNEZ CELAYA, MUNTADAS, JAVIER PEÑAFIEL, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, FERNANDO PRATS, CAIO REISEWITZ, MARCEL RUBIO JULIANA, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ 

 

 

“Escric amb rius i turons / sobre el paper de les planes”    Perejaume*

 

La primavera ha estado marcada por una transformación radical de nuestras maneras de desplazarnos, relacionarnos e intercambiar. De repente, todo ha cambiado. Nuestra percepción de las cosas cotidianas y también de las más relevantes se ha visto cuestionada. Lo que nos parecía esencial pasa a no serlo. Nos hemos percatado de la precariedad de la vida, hemos conocido la importancia de la solidaridad, de la familia, de nuestros seres queridos, de nuestro entorno. También la naturaleza y el medio ambiente han tomado un protagonismo que antes no tenían.

 

Delante de esto, nos hemos atrevido a pedir a los artistas de la galería que participen en esta exposición que ahora presentamos, con trabajos que han realizado durante este tiempo de aislamiento social. Son respuestas diversas a una misma pregunta, tienen en común el uso del papel como soporte, habitual para algunos –como Victoria Civera o Perejaume– e inédito para otros –como Hannah Collins o Annika Kahrs–.

 

La realización de estas obras ha podido convertirse en una vía de escape, una herramienta para continuar trabajando pese a las dificultades y, a la vez, permiten al público introducirse en la intimidad de los estudios y de las cabezas de sus creadores. Son, en gran parte de los casos, obras hechas en casa, con las herramientas de casa, testimonios de un momento único y, esperamos, irrepetible.

 

‘Piensa en el tamaño del universo, después lávate los dientes y ve a dormir’ toma el título de una obra de la artista Annika Kahrs. A partir del humor, nos invita a reflexionar sobre el equilibrio entre los niveles micro y macro y sobre la búsqueda de sentido y de identidad dentro del universo insondable del que formamos parte, reflexiones todas ellas que devienen fundamentales en el contexto actual.

 

El resultado de esta exposición ha sido una serie de obras diversas. En algunos casos, vemos que las temáticas que preocupaban a los artistas, antes de la pandemia, han mantenido su protagonismo o, incluso en otros, muestran fragmentos de su proceso de trabajo y están vinculados a proyectos futuros.

 

En otros casos, encontramos propuestas que hablan directamente del momento actual: reflexiones sobre las relaciones personales, la situación política, los mensajes de los medios de comunicación o los colectivos vulnerables como los niños y la gente mayor.

 

Por último, encontraríamos también un tercer grupo de trabajos que se centran en la observación del entorno más cercano y la naturaleza.

 

Para facilitaros más información e imágenes, contacten con galeria@galeriajoanprats.com

 

 

* “Escribo con ríos y colinas / sobre el papel de las llanuras” Perejaume

Vista de exposición

Inauguración 16.01, 19h

Exposición 17.01 – 30.05.2020

 

 

El próximo jueves 16 de enero inauguramos la séptima exposición de Chema Madoz en la Galeria Joan Prats, donde presentaremos obras recientes realizadas entre 2012 y 2018.

 

Las fotografías en blanco y negro de Chema Madoz se caracterizan por su limpieza y finura. En ellas, aparecen objetos sencillos de la vida cotidiana que el fotógrafo ha manipulado, a menudo combinando dos diferentes, buscando asociaciones o paradojas. Estas esculturas creadas por el artista nacen solamente para ser fotografiadas, siempre con luz natural. El cambio de escala y la eliminación del color permiten establecer una distancia y a la vez distorsionar la realidad, poniendo en duda ideas como la de lo verdadero y la de lo posible.

 

En las imágenes de Chema Madoz confluyen, así pues, dos puntos de vista, el del propio fotógrafo y el del espectador,  que se enfrenta a la fotografía desde el mismo lugar desde el cual él se enfrentó al objeto. En palabras de Chema Madoz, le interesa “la idea de hallazgo, de descubrimiento, de percibir el misterio en lo cotidiano”. Y a la vez, el artista concibe la realidad como un ejercicio de lectura, y con una mirada fría, documenta a través de la fotografía la destrucción de sus reglas.

 

Todas las fotografías están impresas sobre papel baritado y viradas al sulfuro.

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exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

Exposures es una serie de exposiciones online que pretende reflexionar sobre temáticas relacionadas con el contexto actual y alrededor de la idea general de ‘El cuerpo y el/lo otro’.

Exposures #02La palabra

La segunda propuesta reúne prácticas conceptuales alrededor de la palabra y el lenguaje, herramientas básicas en nuestra relación con el mundo y con los otros. Las obras de Erick Beltrán, Joan Brossa, Pauline Bastard, Muntadas, Javier Peñafiel, Perejaume, Teresa Solar y Anna Dot (artista invitada) proponen textos, frases, mensajes, enunciaciones, que se convierten en recursos de análisis de la realidad caracterizándose por su carácter crítico y transformador del sistema del arte y de la sociedad.

Los trabajos presentados reflexionan sobre la relación entre palabra e imagen y utilizan diversas estrategias lingüísticas. En el caso de la obra de Teresa Solar, juega con la estética de la fonética y los carteles de aprendizaje de idiomas. En otros casos se utiliza el lenguaje desde una dimensión sonora -como en la obra de Perejaume-, sígnica –Javier Peñafiel– o poética –Joan Brossa.

En la obra de Muntadas de 2018 se analizan los mecanismos de la comunicación, el lenguaje y la problemática relación entre la producción de conocimiento y el poder económico. También en el caso de Erick Beltrán, a través del lenguaje, disecciona el mundo para clasificarlo, categorizarlo, diferenciar cada uno de sus elementos para así intentar comprenderlo.

En una línea más narrativa, la obra de Pauline Bastard parte de objetos encontrados casualmente que le permiten encargar a desconocidos la escritura de ficciones creativas.

Por último, hemos querido introducir una acción que realizó Anna Dot en la Fundació Brossa en 2019, evidentemente por su conexión con Joan Brossa, pero también por la reflexión poética en torno a la construcción de las palabras.

Esta exposición se podrá ver hasta el 10 de junio.

Acceso a la exposición

Exposures#01

exposure: the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

 

Exposures es una serie de exposiciones online que pretende reflexionar sobre temáticas relacionadas con el contexto actual, y alrededor de la idea general de ‘El cuerpo y el/lo otro’.

 

Exposures #01
. La primera propuesta es una adaptación del proyecto que presentamos hace unos meses para Loop’19, que se titula 26 mil años luz. A las obras de ANNIKA KAHRS, ALICIA KOPF y TERESA SOLAR, se suma en esta ocasión una obra de PEDRO TORRES. Esta exposición se podrá ver durante 15 días.

 

26 mil años luz reúne una selección de vídeos que vinculan historias o reflexiones personales con la exploración espacial, la tecnología y la ciencia.

El título de la exposición, 26 mil años luz, hace referencia a la distancia que nos separa de Sagittarius A* (Sgr A*), un agujero negro supermasivo situado en el centro de la Vía Láctea, cuya observación parece confirmar que los agujeros negros crecen absorbiendo otros menores y estrellas. La especulación científica entorno al espacio exterior a menudo se acerca a la ciencia ficción, tal y como aparece en las obras que presentamos.

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Accede a la exposición

 

 

 

45. I tu ni te'n vas adonar, 2019

Inauguración, 25 de junio, 17-20h.
Exposición 25/06 – 17/10/2020

 

Visita con cita previa a través del Formulario
(T. 93 216 02 84 – galeria@galeriajoanprats.com)

Joan Prats Warehouse. Passatge Saladrigas, 5 Barcelona.

 

 

 
En el marco de Artnou, Galeria Joan Prats presenta la exposición ‘El retorn a Ripollet’ de Marcel Rubio Juliana (Barcelona, 1991), que reúne un amplio conjunto de obras realizadas entre 2018 y 2019.

 

Marcel Rubio Juliana se expresa principalmente mediante el dibujo y la pintura, si bien su acercamiento a la creación tiene que ver con el ensayo literario. Grandes lienzos al carboncillo y miniaturas al óleo confieren el ritmo de un relato fragmentado que desarrolla una historia aparentemente lineal, con unidad de tiempo y lugar. Podríamos ver ciertas analogías con el “nouveau roman”, donde se adoptan puntos de vista distintos a la visión única del narrador y donde la propia escritura adquiere autonomía al margen de lo que está escrito. El guión de cine Dogma podría ser otra referencia: ambos utilizan localizaciones reales, huyen de artificios superfluos y buscan un realismo crudo, creando una serie de reglas a seguir y, a veces, a transgredir.

 

Aludiendo a sus propias vivencias y deseos, el artista evoca un día de verano en el que un desconocido se convierte, sin saberlo, en el protagonista de un relato singular. Situadas en una ciudad costera cercana a Barcelona, distintas secuencias nos invitan a realizar un recorrido en el que, siguiendo un método fenomenológico, la contemplación, la deriva y el enamoramiento ofrecen una descripción precisa del entorno.

 

La narración sigue los pasos de un joven, desde la estación de tren hasta el centro de la ciudad, pasando por la playa, el Club Náutico y diversas calles comerciales, creando un registro cinematográfico de los lugares evocados. Nos muestra también cuerpos disfrutando del agua, la vista del sol sobre el mar, un quiosco, la fachada de un teatro, manchas de humedad en la pared, una flor, un grupo de amigos en la terraza de un bar… todo está allí, presente en el recuerdo, aunque todo podría ser imaginado.

 

 

Marcel Rubio Juliana (Barcelona, 1991) estudió en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Pau Gargallo (Badalona), donde se graduó en 2007, para posteriormente cursar el grado de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, que finalizó en 2013.

 

Desde entonces, ha presentado su obra en las siguientes exposiciones: Surfeit, Fundación Arranz-Bravo, l’Hospitalet de Llobregat, Barcelona (2018); Swab, Barcelona, representado por la galería Passatge Studio (2016); Los músculos de Zarathustra (con el escritor Victor Balcells Matas), Passatge Studio, Barcelona (2016);  La Puntual de Mercantic, Sant Cugat, Barcelona (2016); Carles Boïges, ciclo de exposiciones, con la colaboración de Tom Carr y su equipo, TCTeamWork, Badalona, (2014); Facultad de Bellas Artes, Barcelona (2014); Dibujando la noche (exposición colectiva), Galería Anquin, Reus, Tarragona (2014).

 

Ha sido nominado a diferentes premios: Bienal Torres Garcia, Mataró, con la obra Espectro, 2016; Fundación Ynglada-Guillot, con el dibujo Geschlagen, 2015, expuesto en Espacio Volart, Barcelona; Premio de dibujo de la Fundació Güell, expuesto en el Palau Güell, Barcelona, 2015-16; Bienal de Arte: Premio Tapiró de pintura, Tarragona, con el dibujo What time is it?, 2013.

 

En 2021 presentará una exposición en el Espai 13 de la Fundació Miró, en un ciclo comisariado por Pere Llobera.

Galeria Joan Prats

ARCO Madrid

 

26/02/2020 – 01/03/2020

 

Booth 9C09

 

LUIS GORDILLO . CHEMA MADOZ . MUNTADAS . FERNANDO PRATS . JULIAO SARMENTO . JOSÉ MARÍA SICILIA . PEREJAUME . ALICIA KOPF . TERESA SOLAR . JUAN USLÉ . PABLO DEL POZO . VICTORIA CIVERA . HERNÁNDEZ PIJUAN

 

+ info

Soñé que revelabas (Madeira), 2019

Inauguración: 10.10.2019, 19h

 

Viernes 11 de octubre, 18.30h, conversación entre Juan Uslé y el comisario Javier Sánchez Martínez

 

El título de la nueva exposición de Juan Uslé en Galeria Joan Prats, ‘Unsettled’, alude metafóricamente a la pintura, tema central de toda su obra. 

‘Unsettled’ significa inestable, pero también variable, inquieto, algo que incluye a contrarios, o una paradoja. En las pinturas de Uslé las franjas de color fluctúan, no tienen un inicio y un final definido, y remiten al paso del tiempo, las horas, las estaciones, los paisajes que cambian, como Bernia, cordillera situada en el sudeste de la Península Ibérica, un lugar de inspiración para Uslé, entre muchos otros.

 

El trabajo de Juan Uslé reflexiona sobre las posibilidades de la pintura. En palabras suyas: “Hablando de pintura, yo también hablaría de su temblor, de su ‘no fijación’, de su recorrido o, mejor aún, de lo que entendemos como desplazamiento.”

 

Formadas por pinceladas repetidas, aunque nunca idénticas, sus obras se caracterizan por el movimiento y el ritmo, e invocan el entorno que le rodea, y a la vez, la energía de las pulsiones del cuerpo. Uslé crea un idioma pictórico donde se mezclan aspectos formales o metalingüísticos con su experiencia vital, además de las alusiones al tiempo y al propio proceso de creación. Según Juan Uslé: “El tiempo es aquello que nos queda. Yo lo concibo como una superficie horizontal donde se deposita y transfiguran sucesos del pasado y del futuro. Muchas de mis obras pequeñas parecen prolongarse, extenderse en el espacio. Sugieren un llamémosle paisaje o espacio de múltiples horizontes yuxtapuestos.”

 

En la exposición, Uslé presenta formatos pequeños, que crean una relación de cercanía e intimidad junto a obras de gran formato, la dimensión más grande con la que ha trabajado y que inició en 2017. Las obras pequeñas se organizan en familias, y hablan de la repetición, pero también contienen individualmente una identidad propia.

 

La exposición se completa con dos fotografías de gran formato. Hacen alusiones a la pintura e invocan al recogimiento y la emoción del descubrimiento.

Interpelan, como sus pinturas, a nuestra capacidad de ver, pensar, percibir y sentir.

 

 

Annika Kahrs

Inauguración: 14.11.2019 de 18 a 21h

Exposición: 20 y 21.11.2019 de 11 a 20h y hasta el 30.11.2019 con cita previa (t. 932160290 o galeria@galeriajoanprats.com)

Lugar: Joan Prats Warehouse. Passatge Saladrigas, 5 Barcelona. Metro Poblenou

 

 

Con motivo del Festival de Loop, presentamos en nuestro espacio Joan Prats Warehouse una selección de vídeos y una instalación sonora recientes de las artistas Alicia Kopf, Annika Kahrs y Teresa Solar que vinculan historias o reflexiones personales con la exploración espacial, la tecnología y la ciencia.

 

El título de la exposición, 26 mil años luz, hace referencia a la distancia que nos separa de Sagittarius A* (Sgr A*), un agujero negro supermasivo situado en el centro de la Vía Láctea, cuya observación parece confirmar que los agujeros negros crecen absorbiendo otros menores y estrellas. La especulación científica entorno al espacio exterior a menudo se acerca a la ciencia ficción, tal y como aparece en las obras que presentamos.

 

El vídeo de Alicia Kopf Speculative Intimacy: An Understanding Of Control, 2019, propone una perspectiva de ciencia ficción emocional para originar nuevos relatos alrededor de las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos. La película se sitúa en un futuro cercano donde las fronteras de lo público y lo privado han desaparecido, las vidas transcurren en continua exposición. Michelle, su protagonista, investiga un concepto en crisis: ¿Qué es la intimidad? y dialoga con su compañero no-humano sobre este concepto.

 

Annika Khars presenta dos obras. El vídeo solid surface, with hills, valleys, craters and other topographic features, primarily made of ice, 2014, muestra un planetario donde se proyecta un cielo estrellado en cuyo centro se ve una luz circular que parece la luna pero que resulta ser un foco. En esta obra de 2014, la artista recorre a imagen y narración para hacer un retrato de Plutón, cuya visión estaba a punto de cambiar ya que New Horizons, una misión no tripulada de la NASA, se estaba dirigiendo hacia su órbita. Finalmente lo sobrevoló el 14 de julio de 2015 y pudo, por primera vez, fotografiarlo de cerca. Hasta el momento, las ilustraciones científicas del planeta se basaban en la especulación.

 

La otra obra de Annika Kahrs es la instalación sonora think about two black holes colliding, then brush your teeth and go to bed, 2019, que está dividida en dos partes y que explora las ondas gravitacionales. En 2015, el observatorio de ondas gravitacionales LIGO anunció la primera observación directa de estas ondas durante la colisión de dos agujeros negros. En la primera parte, utilizando un cepillo de dientes como instrumento, Annika Kahrs recrea el sonido de su detección junto a los datos de audio cortesía de LIGO. En la segunda parte, Annika Kahrs ha registrado entrevistas entre el Dr. Keith Thorne de LIGO y algunas personas que provienen de diferentes ámbitos.

 

En el vídeo de Teresa Solar Ground Control, 2017, la artista se transforma en la bola de arcilla que gira sobre el torno. El cuerpo girando es acompañado por narraciones fragmentadas que relacionan el accidente del transbordador espacial Columbia estallando en pedazos debido a un fallo en su escudo protector, con las lesiones personales sufridas por la propia artista. El título Ground Control tiene un doble significado: hace una alusión directa a la tierra o arcilla y la presión que se ejerce sobre ella para trabajarla en el torno y también remite al centro de operaciones desde el cual se monitoriza el desarrollo del vuelo de una nave espacial. A través del título, esta experiencia mínima de comunicación y equilibrio conflictivo entre sujeto y materia aumenta de escala, vinculándose con los viajes espaciales.

 

 

 

Alicia Kopf (Girona, 1982) vive y trabaja en Barcelona. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Teoría literaria y Literatura Comparada. Ha expuesto en museos y centros de arte como Accademia Di Spagna, Roma (2019), MAC La Coruña en la 15ª muestra de arte Naturgy (2018); Sala Mendoza, Caracas, Mazcul, Maracaibo (2017); CCCB, Barcelona, Museo de Antioquía, Medellín, Colombia (2015); Goethe Institute, La Capella y MACBA, Barcelona (2014); Fundació Tàpies, Barcelona (2013); Bòlit La Rambla, Girona (2011) o CaixaForum, Barcelona (2009). Recientemente ha expuesto en Azkuna Centroa, Bilbao, dibujos de la serie ‘Conquest drawings’, dentro de la exposición ‘Nunca real/Siempre verdadero’ comisariada por Iván de la Nuez. Como novelista, destaca su obra ‘Hermano de hielo’, publicada el 2015, con la que ganó el Premio Documenta 2015, el Premio Llibreter 2016, el Premio Ojo Crítico 2016 y el Cálamo Otra Mirada 2017.

 

Annika Kahrs (Achim, Alemania, 1984) vive y trabaja en Hamburgo. Ha recibido diversos premios y becas, entre los cuales destaca el Max-Pechstein-Förderpreis–Stipendium, de Zwickau, en 2019 y George-Maciunas-Förderpreis en 2012, donación de René Block. En 2011 ganó el primer premio de la 20 Bundeskunstwettbewerb del Ministerio de Educación e Investigación de Alemania. Annika Kahrs ha participado en exposiciones celebradas en museos y centros de arte internacionales como la Kunstverein de Kassel (2018), Kunsthalle Lingen (2017), Cité International des Arts (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlín(2015), Kunsthalle Bremerhaven (2015), exposición On the Road, en Santiago de Compostela (2014), la Bienal de Curitiba, Brasil (2013), Hamburger Kunsthalle (2013), KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2012), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn(2011), Goldsmiths University, Londres (2011), y el festival Velada de Santa Lucia  en Maracaibo, Venezuela (2010).

 

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente (ARCOmadrid 2017) y del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Actualmente, presenta a Index, Estocolmo Ride, Ride, Ride, una exposición individual que había estado en Matadero, Madrid (febrero, 2018) con el título de Cabalga, Cabalga, Cabalga. Recientemente ha mostrado Flotation Line en Der Tank, Basel (junio, 2018) y dentro del programa Composicions del Barcelona Gallery Weekend (septiembre, 2018) y ha formado parte de la expedición de 2018 “The Current” organizada por TBA21 -Academy. Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012) y ha participado en exposiciones colectivas en Haus der Kunst, Munich (marzo, 2018), en Kunstverein Braunschweig (junio, 2018), en la sección de “El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer” en ARCOmadrid (febrero, 2018), en Kunstverein München, Munich (2017), en Fundación Marcelino Botín, Santander (2016) y en Macro, Roma (2015), entre otros.

Untitled (Terrace), 2017. Detalle

Inauguración jueves, 5 de septiembre 2019, 17h30-20h30

Exposición 05/09 – 04/10/2019

Charla con Janosch Jauch y los comisarios Gabriel Virgilio Luciani + Gisela Chillida: 06/09, 19h

 

 

En el marco de artnou, Galería Joan Prats presenta el trabajo de Janosch Jauch (1985, Karlsruhe, Alemania)

 

Los trabajos de Janosch Jauch se desarrollan a través del proceso de reunir imágenes fotográficas de instalaciones, intervenciones digitales y superficies físicas utilizando emulsión de plata fotográfica. Esta estratificación conduce a una simbiosis de todos estos pasos de producción y, por lo tanto, a un trabajo que, a pesar de sus diversas formas y materiales, se ha convertido en una imagen que está igualmente determinada por todas las técnicas que intervinieron en su formación.

 

La delimitación de su trabajo en el sentido de la estética de la producción explica una gran parte de su arte, que tiene como foco central la experiencia de la pieza de composición abierta. Sus obras, también nos proyectan a un universo donde lo artificial interfiere con lo natural.

 

 

 

Janosch Jauch (1985, Karlsruhe, Alemania) vive y trabaja en Düsseldorf, donde ha sido licenciado en escultura y pintura en la Kunstakademie (2014), bajo la docencia de Georg Herold, Andreas Gursky y Ludger Schwarte.

 

Ha mostrado su obra en Kunsthaus Essen (2019), Bistrot21 (2018, Leipzig), Storage Capacité (2018, Berlín), Swab (2018, Barcelona), Espositivo (2018, Madrid), Museum Kunstpalast (2013, Düsseldorf), entre otros.

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

 

 

Alicia Kopf

Inauguración, 13 de junio a las 19h

Exposición: 14/06 – 31/07/2019

Jueves 25.07.2019, 19h: acción sonora y performativa con Nil Ciuró + Núria Guiu + Alicia Kopf

 

Speculative Intimacy propone una perspectiva de ciencia ficción emocional para originar nuevos relatos entorno a las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos.

 

Resignificar el sci-fi hacia una especulación sobre el deseo –esa atracción gravitatoria–en una apuesta por una des-jerarquización de puntos de vista entre actantes reconociendo la obsolescencia de algunas de las herramientas de representación que nos han sido dadas. Una transposición de escalas, puntos de vista y géneros.

 

Philip Roth expuso la cuestión de la intimidad ya en términos espaciales: “la gran broma que te gasta la biología es que llegas a la intimidad antes de saber nada. En el momento inicial lo comprendes todo. Al principio cada uno se siente atraído por la superficie del otro, pero también intuye la dimensión total. Y la atracción no tiene que ser equivalente: a uno le atrae una cosa, y al otro, otra. Es superficie, es curiosidad, pero entonces, zas, la dimensión.”

 

Zas. La dimensión.

 

Sus nuevos portales de entrada como las apps de citas online y el acercamiento cada vez mayor de los dispositivos tecnológicos al cuerpo nos atraen hacia un horizonte de eventos inalcanzado hasta ahora. Especulando en la estela de Agustín Fernández Mallo, “puede que no sea el Internet de las cosas sino el amor de las cosas lo que nos salve de la soledad cósmica…”

 

Alicia Kopf

 

(Correspondencia completa entre Alicia Kopf y los científicos Augustín Fernández Mallo y Carlos Pobes)

 

 

Speculative Intimacy es la segunda exposición de Alicia Kopf en Galeria Joan Prats. Se trata de su trabajo más reciente, que reúne dibujos, fotografías, escritura y un vídeo realizado con la colaboración de la coreógrafa y bailarina Núria Guiu.

 

A partir del ejercicio del dibujo y la escritura, Alicia Kopf (Gerona, 1982) reflexiona en torno a temáticas aparentemente individuales que se han convertido en preocupaciones generacionales. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Teoría literaria y Literatura Comparada.

 

Ha expuesto en museos y centros de arte como Accademia Di Spagna, Roma (2019), MAC La Coruña en la 15ª muestra de arte Naturgy (2018); Sala Mendoza, Caracas, Mazcul, Maracaibo (2017); CCCB, Barcelona, Museo de Antioquía, Medellín, Colombia (2015); Goethe Institute, La Capella y MACBA, Barcelona (2014); Fundació Tàpies, Barcelona (2013); Bòlit La Rambla, Gerona (2011) o CaixaForum, Barcelona (2009). Hasta el 22 de septiembre expone en Azkuna Centroa, Bilbao, dibujos de la serie ‘Conquest drawings’, dentro de la exposición ‘Nunca real/Siempre verdadero’ comisariada por Iván de la Nuez.

 

Como novelista, destaca su obra ‘Hermano de hielo’, publicada el 2015, con la que ganó el Premio Documenta 2015, el Premio Llibreter 2016, el Premio Ojo Crítico 2016 y el Cálamo Otra Mirada 2017.

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

I will make up a song (desert entrance-1), 2018

 

Inauguración 14 de marzo, 19h | Exposición marzo – mayo 2019

 

El próximo jueves 14 de marzo inauguramos la sexta exposición de Hannah Collins en Galeria Joan Prats, donde presentaremos su trabajo más reciente I will make up a song, 2018; junto con el proyecto The Fertile Forest, 2013-5 y la fotografía Family, 1988.

 

El título de la exposición es parte del título de la nueva película de Hannah Collins, I will make up a song and sing it in a theatre with the night air above my head, creada con el músico Duncan Bellamy, que se presentará en la Fundació Tàpies el próximo mes de junio.

 

I will make up a song habla del trabajo del arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900-1989), quien recurrió a la tradición constructiva de adobe para crear las nuevas ciudades de New Gurna y New Baris. Fathy intentó encontrar nuevas vías a través de prácticas sostenibles, utilizando materiales naturales, y crear un nuevo contexto en el cual un teatro formaría parte de la vida cotidiana, en un entorno rural enraizado en la Antigüedad. Sus ideas devienen una urgencia hoy en día, cuando estamos buscando un futuro sostenible. A través de estas fotografías, Hannah Collins explora la relación entre el cuerpo humano, la escala y la historia y muestra lo significativo de los materiales modestos que encontró al trabajar en el desierto egipcio.

 

La búsqueda de nuevos caminos es uno de los temas centrales de la exposición de Hannah Collins, creada en un momento en que, globalmente, surgen múltiples opciones y fuerzas en la realidad contemporánea occidental.

 

The Fertile Forest es una obra que trata también la tradición y la necesidad de establecer nuevas relaciones con nuestro entorno. Es un proyecto en curso en el que Hannah Collins ha documentado como los miembros de diversas tribus del Amazonas contribuyen a la preservación del bosque, concibiéndolo como jardín, ya que utilizan las plantas que lo forman para su bienestar cotidiano. La artista fotografió, a lo largo del mes que pasó con la tribu Cofán, en la cuenca amazónica colombiana, las plantas según sus enseñanzas. Los textos que acompañan a las fotografías son el resultado de las conversaciones de Hannah Collins con el jefe de la tribu bajo la influencia del yagé (ayahuasca). El fondo dorado de las vitrinas se convierte en un espejo de oro que nos refleja a través de las plantas.

 

Family, una obra de primera época de la artista, es una imagen en blanco y negro de un grupo de altavoces que permanecen en silencio y que se utilizaban habitualmente para la música de calle, sobre todo reggae, creada por antillanos de Londres, pero que se fotografiaron en el estudio de la artista.

 

La exposición presenta una visión ansiosa y a la vez optimista de nuestros tiempos y de nuestra necesidad de salvaguardar el conocimiento y crear puentes a escala global. Todas las obras se centran en el acto de la comunicación y el deseo de poesía y belleza. Los trabajos de Collins hacen visible la necesidad de preservación del saber y de la naturaleza, ambos amenazados por su invisibilidad.

 

 

Hannah Collins (Londres, 1956). Entre 1989 y 2010, vivió y trabajó en Barcelona, exponiendo en Galeria Joan Prats desde 1992, y actualmente vive entre Londres y Almería. Además de haber obtenido la beca Fulbright y de haber sido nominada al Premio Turner de 1993, recientemente ha recibido el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, otorgado por la Fundación de la Baja Sajonia, que incluía una exposición en Sprengel Museum, que después itineró al Camden Art Centre de Londres y al Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

 

Para más información e imágenes, contacten con galeria@galeriajoanprats.com

Arco 2019

ARCOmadrid 

27/02/2019 – 03/03/2019

Stand 9C09

 

AÏDA ANDRÉS RODRIGÁLVAREZ, PEDRO CABRITA REIS, VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, HERNÁNDEZ PIJUAN, FABIAN MARCACCIO, MUNTADAS, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, CAIO REISEWITZ, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ

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CAIO REISEWITZ Encuentro con el artista y firma del libro Altamira

Jueves 28 de febrero a las 18h en nuestro stand de ARCOmadrid 2019

Matèries en erupció 1975-1985

Inauguración, 13 de diciembre, 19h /  Exposición, diciembre 2018 – febrero 2019

 

 

Presentamos, dentro del Año Guinovart, la exposición Matèries en Erupció 1975-1985, con una selección de obras de una década muy importante de la trayectoria de Guinovart, años en los que estableció una relación intensa con nuestra galería y que también significaron su reconocimiento internacional con exposiciones en Martha Jackson Gallery de Nueva York (1979), en el Espace Pierre Cardin de París (1979), en Rizzoli Gallery de Nueva York (1979) y en la Bienal de Venecia (1982).

 

Tal y como menciona Alexandre Cirici: “durante los años setenta, Guinovart ha ido deshaciéndose de las operaciones de purificación, de liberación, de lo que Jung denominaba «descenso a los infierno» y ha ido encontrando el equilibrio de una madurez plena, que toca todos los registros de su visión completa, lúcida, crítica, de la sociedad humana y del environment material que le rodea, con la seguridad de un gran organista”.

 

La exposición que planteamos se inspira en gran parte en la primavera del 1979, fecha en la que tuvieron lugar tres importantes exposiciones en la ciudad de Barcelona, en la Galeria Joan Prats, en la Galeria Trece y, sobre todo, Matèria-suport-estructura en la Fundació Joan Miró, tres exposiciones sincronizadas, que discurrían por tres caminos diferentes pero con un destino común: la aproximación a la realidad. 

 

En la obra de Guinovart de este momento destaca el trabajo del barro, introducido a partir de un viaje a Argelia, donde había quedado impresionado por la presencia de la tierra, del desierto y de la arquitectura de adobe. El gran protagonista de este periodo es el material, también el fibrocemento, la contraposición entre la dureza y la rugosidad del soporte y la absoluta espontaneidad del grafismo. A pesar de que Guinovart es un artista que transformaba su obra a partir de “combustiones internas”, se ve también condicionado por el mundo que le rodea: la naturaleza de Castelldefels, donde tiene su estudio, el entorno rural que marcó su infancia, como el de Agramunt, y también las ciudades de Barcelona, París o Nueva York.

 

Yo necesito constantemente el recurso no ya de transgredir, sino de salir del límite de lo que es pintura. Por ejemplo, el collage, los  elementos que van de dentro afuera y de fuera hacia dentro: muchas veces se ha cometido el error de situarme como artista del collage, porque en mí ha habido más una intención de trabajar desde dentro hacia fuera que al revés. No se trata tanto de encolar como que todo surgiera como del fondo del volcán. Hay una sensación de que la materia esta arrojada desde dentro, justo lo contrario de cómo se entiende el collage. No es el hecho de pintura-pintura, es una vertiente más existencialmente poética. Lo que me preocupan son las cuestiones de fondo”.

 

(Entrevista a Guinovart, revista El Guía, octubre-noviembre, 1991)

 

 

Josep Guinovart (Barcelona, 1927-2007). Después de formarse de manera autodidacta, comenzó su trayectoria como pintor en los años cuarenta en Barcelona. Su pintura, marcada por la figuración, evoluciona hacia el collage abstracto vinculado al informalismo politizándose y expandiéndose, hasta romper los límites del lenguaje pictórico, acercándose a la escultura y a la instalación. Recibió numerosos premios y reconocimientos, como el Premio Ciutat de Barcelona d’Arts Plàstiques (1981), el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (1982) y el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya (1990). Entre sus exposiciones monográficas, destacaríamos la de Danubiana Art Museum, Bratislava (2004), la de la Pedrera de Barcelona (2002), Guinovart. Itinerari 1948-1988, en el Tecla Sala de L’Hospitalet (1989) que viajó a Alemania (Vila Merkel, Esslingen am Neckar; Museum Bochum, Bochum; Katalanischen Sommers in Hamburg), la del Fine Arts Museum de Long Island (1987), Matèria-suport-estructura, Fundació Joan Miró, Barcelona (1978) y Contorn-entorn, Galeria Maeght, Barcelona (1976). En 2018, con motivo del décimo aniversario de su muerte, se ha celebrado el Año Guinovart con exposiciones en diversos centros de Cataluña y el extranjero.

 

 

Galeria Joan Prats agradece a Maria Guinovart y a la Fundació Espai Guinovart su colaboración en la realización de esta exposición.

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactar con galeria@galeriajoanprats.com

The Lisbon Totem #3, 2017

Inauguración: 26.9, 19 h

Exposición octubre – noviembre

 

Nos complace anunciar la primera exposición de Pedro Cabrita Reis en nuestra galería, en la que mostraremos un conjunto de obras recientes, con escultura, pintura y fotografía.

 

El trabajo de Cabrita Reis incluye una gran variedad de medios, desde fotografía y dibujo hasta pinturas y esculturas a gran escala, compuestas por materiales industriales, a menudo recuperados, como en el caso de la obra Floresta, 2017, que presentamos en la exposición, y que llegan a tener frecuentemente dimensiones arquitectónicas. En esta muestra encontraremos obras realizadas con diferentes materiales como acero, madera, aluminio, cristal, esmalte, bronce o acrílico. En palabras del artista “Todo lo que existe es materia que puede ser utilizada en la construcción de una obra de arte”, por tanto, no establece jerarquías entre los objetos y materiales con los que trabaja. Para Cabrita Reis, el material es la mirada y el pensamiento, que todo lo transforman.

 

Su obra investiga los límites entre arquitectura, escultura, pintura y fotografía, pese a que Cabrita Reis se considera a sí mismo ante todo como pintor. Su obra es tridimensional, a menudo de una manera muy personal, y pretende alterar, definir o cuestionar los límites del espacio. Su significado permanece misterioso y fascinante, el pensamiento toma forma en la materia, para llegar al espectador, provocando nuevas preguntas, vinculándose con su imaginación y con su experiencia.

 

Pedro Cabrita Reis comenzó su carrera en la década de los ochenta, como uno de los artistas más destacados de su generación, introduciendo un universo de referencias arcaicas y míticas, de memoria colectiva y revelación individual. Su obra tuvo un gran impacto en la cultura portuguesa e internacional, incorporando, en la herencia moderna más radical, la posibilidad de volver a disciplinas artísticas tradicionales: dibujo, pintura, escultura.

Aïda Andrés Rodrigálvarez & Pablo del Pozo

JOAN PRATS warehouse, Passatge Saladrigas 5, Barcelona

Con cita previa al 932 160 284

Exposición: 05/09/2018 – 26/10/2018

 

En el marco de artnou, Galeria Joan Prats presenta el trabajo de dos jóvenes artistas, Aïda Andrés Rodrigálvarez (Barcelona, 1985) y Pablo del Pozo (Badajoz, 1994).

 

Sus trabajos tratan la relación que se establece entre el individuo y el espacio que le rodea desde un punto de vista cotidiano. El territorio y la nostalgia, la búsqueda de un refugio, el paso del tiempo son temas importantes en su obra, junto con el medioambiente. Mostraremos instalaciones de los dos artistas, obras realizadas a partir de objectos encontrados y de materiales expuestos a los elementos.

 

Aïda Andrés Rodrigálvarez se interesa por la huella que la luz, el entorno y el paso del tiempo retienen sobre el papel. Las técnicas de la litografía y la fotografía estenopeica le permiten trabajar con una temporalidad dilatada, además de investigar el color. En su práctica artística, papel y tejidos son dejados a merced de los elementos, deveniendo así materiales fotosensibles.

 

Por su parte, las obras de Pablo del Pozo tienen un marcado carácter autobiográfico, vinculado a las experiencias y vivencias del artista. El sentimiento de pertenencia a un lugar, el desplazamiento y la nostalgia son temáticas que le preocupan. A partir de las características propias de los materiales que utiliza (barro, escayola, pigmentos y también objetos recuperados), busca hablar de la precariedad de la vida, generando así una reflexión en torno a la realidad cotidiana.

 

Aïda Andrés Rodrigálvarez vive y trabaja en Barcelona. Ha realizado el máster de producción e investigación artística (2015-6). Se licenció en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2014) y en Arquitectura por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (2010). Ha expuesto individualmente en la Fundació Arranz-Bravo de L’Hospitalet de Llobregat (2017), en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell (2016) y en Tinta Invisible, Barcelona (2014). Ha recibido varios reconocimientos como las becas del Institut Ramon Llull para la bienal Jeune Création Européenne, de producción Felicia Fuster (2018), Guasch-Coranty  (2016) y el premio Arranz-Bravo (2017)

 

Pablo del Pozo vive y trabaja en Barcelona. Es graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2017). Ha sido seleccionado en la Biennal de Valls, Premi Guasch-Coranty (2017), por lo que expondrá en el Centre Tecla Sala de L’Hospitalet de Llobregat (julio, 2018), y también  por la Bienal Jeune Création Européenne (2017-9) con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas: Montrouge, Francia (2017); Hjørring, Dinamarca; Cēsis, Letonia; Cluj, Rumanía (2018); Como, Italia; Figueres y Amarante, Portugal (2019). También recibió el premio de creación de la Sala d’art Jove de la Generalitat (2017), por lo que participará en la exposición en dicha sala en junio de 2018.

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Inauguración 21 de junio, 19:00 h        22/06/2018 – 14/09/2018

 

Galeria Joan Prats presenta Footprints, la primera exposición del arquitecto Josep Lluís Mateo.

 

 

A través de una selección de obras realizadas y proyectos, la exposición quiere acercarse a la trayectoria de Mateo de un modo no cronológico, buscando formas de narrar la arquitectura desde las temáticas inherentes a su práctica. La arquitectura de Mateo se caracteriza por una herencia de la modernidad, que se interesa por la búsqueda de la luz, un intenso diálogo con el contexto, y una conexión entre la idea y el material. Sus proyectos son reflexivos y estratégicos, hablan del espacio y cuidan la relación entre lo mineral y lo vegetal.

 

Maquetas, fotografías, vídeos, collage y esbozos permiten aprehender la complejidad de su proceso creativo y constructivo. Encontramos, por ejemplo, materiales históricos de proyectos tan emblemáticos como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, maquetas que materializan la evolución de un concepto constructivo, como es el caso de la fachada del Centro de Convenciones Internacional de Barcelona, o fotografías que muestran la interacción de la obra con su entorno.

 

‘Un recorrido, una trayectoria, se compone de una sucesión de puntos, de pasos, de huellas… que, miradas en su conjunto, nos indican una dirección, nos revelan (o no) su sentido.

Aquí, sin voluntad de trazar la línea, enseñaremos unos cuantos puntos, algunas huellas de nuestro trayecto.

Así otros podrían trazarla.

Estos momentos se explican con los materiales que los produjeron.

Aunque la arquitectura es un fenómeno complejo en su resultado (atiende a la materia, al espacio, al uso, a la economía…), en su producción, hay un momento inicial de síntesis en donde se genera la energía necesaria para su desarrollo.

También hay algún momento final que sintetiza, en un segundo, como un flash, todo el esfuerzo realizado.

Mostrar estos materiales iniciales, que condensan la idea, y algunos documentos finales, que iluminan la realidad, es el objetivo de esta exposición.’

Josep Lluís Mateo

 

 

La exposición destaca el trabajo de fotógrafos que acompañan la visión de Josep Lluís Mateo como Aldo Amoretti, Gabriele Basilico, Jordi Bernadó, Jan Bitter, Luc Boegly, Ferran Freixa, Adrià Goula, Albert Masias y Xavier Ribas.

 

 

Josep Lluís Mateo es arquitecto por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (ETSAB) y doctor “cum laude” por la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC). Desde 2002, es catedrático de Arquitectura y Diseño en la ETH-Eidgenössische Technische Hochscule Zürich. Ha impartido conferencias y cursos en las principales instituciones académicas y profesionales del mundo, entre otras: académico invitado en el J.P. Getty Center en Los Ángeles, profesor invitado en Harvard University-GSD y en AHO Oslo.

 

En su carrera, galardonada con el Premio A+2011 a la mejor trayectoria profesional, destacan obras como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, Girona (Premio Bienal de Santander 1991); el plan de ordenación de la zona deportiva de la Universitat Autònoma de Barcelona (mención especial Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo 1993); el complejo de viviendas en el muelle de Borneo en Ámsterdam (Premio CEOE 2001); la vivienda unifamiliar en Mallorca (Premio a la Mejor Obra en el Apartado de vivienda unifamiliar 1997-2001 otorgado por el Colegio Oficial de Arquitectos de las Islas Baleares); el Centro de Convenciones Internacional de Barcelona – CCIB (Premio Top International Purpose 2009 – C&ITE Magazine y Oro al Mejor Centro de Convenciones en el Extranjero 2010 – M&IT Industry Awards); la Sede Central del Deutsche Bundesbank en Chemnitz (2004, Alemania); el Colegio Mayor Sant Jordi en Barcelona (Trofeo Archizinc 2008); el edificio WTC Almeda Park de Cornellà, Barcelona (Premio A+ a la arquitectura para el trabajo 2010); La Factory, edificio de oficinas en Boulogne-Billancourt, París (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2010); la Sede Central de la compañía PGGM en Zeist, Holanda (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2011); la Filmoteca de Catalunya (2012, Barcelona); el Centro de Cultura Contemporânea, como pieza culminante de la renovación del centro histórico de Castelo Branco (2013, Portugal); y Bayonne. Entrée de ville, remodelación urbanística del frente urbano del río Adour, incluyendo proyecto edificatorio (2016, Francia). Su obra ha sido extensamente publicada y expuesta, entre otros lugares, en el MoMA (Nueva York, 2006), en el Pavillon de l’Arsenal (París, 2009), en la Bienal de Venecia (2012) y en la Galerie d’Architecture (París, 2013).

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

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Galeria Joan Prats presenta la exposición Edicions II de Muntadas, que recoge una selección de trabajos seriados que el artista ha realizado desde 2003 hasta la actualidad en diversos formatos: publicaciones, prints, vídeos, objetos, instalaciones y otros materiales gráficos. Esta exposición completa el trabajo iniciado en la exposición Edicions, realizada en la Galeria Joan Prats en el año 2003.

 

« La primera vez que Muntadas me habló de la exposición Edicions II en la Galería Joan Prats, se refirió a ella como una “exposición de deltas”. Le pedí que profundizara sobre esta cuestión: “mis proyectos son uno, son unitarios. Pero estos se diversifican en cantidades ingentes de postales, puede que hasta 100.000 postales, también pueden incluir 17 placas metálicas que se distribuyen por la ciudad a modo de señalización, y una página web. O sea que el proyecto finalmente aparece como la suma de tres conjuntos de restos; esto es, de deltas” (…)

 

Las ediciones son los medios que han permitido a Muntadas conseguir una circulación más porosa y plural, con la capacidad de multiplicarse e intervenir así en medios diversos y con diferentes temporalidades. Mientras que en sus proyectos habitualmente se encuentra la realización de un video, de una instalación o de una intervención urbana, en sus publicaciones, en cambio, no se encuentra habitualmente la realización de un único elemento. (…)

 

Una noción considerablemente genuina de proyecto también se ha ido perfilando a lo largo de la carrera de Muntadas. El artista aborda el proyecto, por un lado, en tanto que lógica de procedimiento serial y basada en la repetición de procedimientos y estrategias. Pero, a la vez, el proyecto también se define en su caso como una lógica de trabajo in progress y que genera momentos de apertura. De esta manera, si, tal como declara Muntadas, el proyecto le permite, por un lado, huir de un tipo de práctica intuitiva e inmediata y desarrollar plataformas de trabajo a largo plazo, por otro, esta noción también le ha ayudado a vertebrar entornos flexibles y abiertos a la impredecibilidad. (…)

 

En el trabajo editorial y las publicaciones es donde se han experimentado con precocidad y con más intensidad que en cualquier otro medio los modos colaborativos que han acabado por impregnar todo el trabajo de Muntadas.  Se encuentra aquí un despliegue de estrategias que catalizan la traducción, ya no solo como metáfora, sino que, muy especialmente, como un proceso de intercambio bidireccional.»

 

Fragmentos del texto de Oriol Fontdevila “Olvido de pez. Ediciones anfibias”, del catálogo de la exposición.

 

 

Muntadas, nacido en Barcelona, vive en Nueva York desde 1971, fue un pionero del vídeo y las instalaciones a mediados de los setenta, y continuó trabajando con fotografía, vídeo, instalación, audio, e intervenciones urbanas. Iteraciones de sus proyectos icónicos, como Between the Frames: The Forum (1983-1993), The Board Room (1985), y las series en curso On Translation (1995- …) y The Construction of Fear (2008- …) –se han expuesto en instituciones y galerías de Norteamérica, Suramérica, Europa y Oriente Medio. Muntadas participó en las ediciones de la Documenta de 1977 y 1997, la Whitney Biennial de 1991, la Bienal de São Paulo de 1983, la Bienal de La Habana de 2000, la Bienal de Taipéi de 2002, la Bienal de Gwangju de 2004, la Bienal de Estambul de 2011, y la Trienal de París de 2012. En 2005, representó a España en la Bienal de Venecia, donde creó un proyecto integral sobre la evolución arquitectónica de la Bienal al largo de su historia. Sus obras han sido incluidas en exposiciones en el MACBA, Barcelona; el Laboratorio Arte Alameda, México DF; el Museo de Weserburg, Bremen; en el Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires; en Württembergischer Kunstverein, Stuttgart; y en Estação Pinacoteca, São Paulo. Desde el 2011 ha estado trabajando en el proyecto Asian Protocols, presentado por primera vez al público en el Total Museum de Seúl (2014), y por segunda vez en 3331 Arts Chiyoda de Tokio (2016). El próximo paso del proyecto será su desarrollo en China.

 

Se ha editado un catálogo con motivo de la exposición

JOAN PRATS @ ARCO 2017

 

Presentamos Phasma, la séptima exposición de José María Sicilia en Galería Joan Prats, donde mostramos su trabajo reciente, con obras abstractas que incorporan tejidos y bordados y cuyas formas proceden de sonogramas.

 

La palabra que da título a la exposición, Phasma, de origen griego, designa los espectros y apariciones y remite, en palabras del propio artista, a “algo que aparece y desaparece, una mariposa que pasa batiendo las alas” y que “habla de la luz como pliegue”.

 

En la exposición, junto a la serie de Phasma, iniciada en Japón, encontramos la serie de El Instante, collages realizados a partir de dibujos de los últimos diez años, y obras de la serie de La Locura del ver. El proceso de creación de esta última serie está vinculado a una tecnología sonográfica que parte del experimento realizado en 1801 por Thomas Young, que permitió detectar la naturaleza ondulatoria de la luz a través de su difracción por dos rejillas alejadas sucesivamente de una fuente luminosa. Este experimento sirve como punto de partida para un programa informático que permite a Sicilia descomponer el sonido para crear unas cartografías de líneas y formas, unas composiciones de dibujos, pintura, collage y bordado que dan como resultado las obras de La Locura del ver.

 

Esta tecnología le da a José María Sicilia una herramienta para alcanzar una nueva profundidad. En este nuevo desarrollo de su obra encontramos todo aquello que ya estaba presente en su evolución artística anterior: la fuerza del color, el movimiento de la luz, un gusto por lo orgánico y el proceso de unificación y oposición que, desde los años ochenta, mostró su pintura. Su primera producción tenía un marcado carácter expresionista y profundizaba en la monocromía del blanco. Más adelante, su trayectoria se ve marcada por el hallazgo de la cera como material, por la aparición de las flores, las colmenas y también por la fotografía. Sicilia es un creador inquieto que ha basado su obra en el cuestionamiento de la forma. Es un artista que interroga, que no acepta moldes y siente la necesidad de quebrar los formatos, convocando la emoción del espectador.

 

José María Sicilia (Madrid, 1954) vive y trabaja en Madrid. Recientemente ha expuesto en el Museo Casa de la Moneda y Calcografía Nacional de Madrid (2017); Musée Delacroix de París (2015), Palacete del Embarcadero de Santander (2014); Matadero de Madrid y Fukushima Prefectural Museum of Art (2013); Hospital de la Caridad de Sevilla (2012); Maison Erasme de Bruselas y Amos Anderson Art Museum de Helsinki (2010); Nagasaki Prefectural Art Museum (2008). Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: Centre Georges Pompidou, París; MOMA, Nueva York; Fundació ‘la Caixa’, Barcelona; Colección Banco de España, Madrid; Collection Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Galleria d’Arte Moderna, Turín; MNCARS, Madrid; Museum of Modern Art, Gunma, Japón; National Gallery of Australia, Canberra; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; The New York Public Library, Nueva York.

 

Nos complace presentar la exposición dedicada a Joan Ponç y a Joan Brossa, que inauguramos el jueves 30 de noviembre, y donde mostraremos obras de dos de los artistas más significativos en la recuperación del arte de vanguardia en nuestro país tras la guerra civil, unidos por una afinidad creativa y personal desde finales de los años 40 hasta principios de los 50 y unidos también a la historia de la Galeria Joan Prats, donde expondrían en diversas ocasiones.

 

En 1982, Joan Brossa mostró por primera vez en la exposición en la Galeria Joan Prats sus poemas objeto y visuales, poemas que realizaba desde 1954 y que eran entonces prácticamente desconocidos por el público. Más adelante, se mostrarían en otras exposiciones en la galería de Barcelona (1989, 1995, 1997) y de Nueva York (1989), y en la Feria de Basilea (1989). Por otro lado, Joan Ponç comienza su colaboración con la Galeria Joan Prats en 1978, con la exposición Fons de l’ésser. También expondría en 1983, Nocturns, en 1987 con dibujos de la época Pre-Dau Al Set, en 1994 y 1996 con dibujos de la Suite Geomètrica y en 1980 en la feria FIAC en París.

 

En palabras de Arnau Puig, en el texto realizado para esta exposición, “Un temperamento y carácter de la dimensión del de Brossa casi estaba obligado por el destino a encontrarse con alguien, Joan Ponç, que bajaba de las nubes”. Este gusto por la magia, la adivinación y lo oculto sería uno de los puntos de unión entre los dos artistas, que se conocieron en 1946. Ese año publicarían junto a Arnau Puig y a Enric Tormo el único número de la revista “Algol”, que quería ser un revulsivo delante del inmovilismo y la pérdida de idealismo de sus contemporáneos. Proponían una renovación de la mirada que se encuentra también en los monotipos que Ponç realizó para acompañar los ejemplares de la revista y que se aleja de la figuración naturalista predominante en el arte español de la época.

 

Además de este interés por las nuevas formas artísticas, las obras de Brossa y Ponç coincidían temáticamente en una preocupación y una crítica a la sociedad, junto con el interés por la cultura popular, el teatro y la magia que ya apuntábamos. Por eso, en aquellos años, se fueron sucediendo las colaboraciones entre los dos: el libro inédito Parafaragaramus (1948), dos números de la revista “Dau Al Set” (enero, 1949 y un inédito), el libro Em va fer Joan Brossa (1951), donde aparece un retrato de Joan Brossa por Joan Ponç, considerado el retrato más directo y sincero que haya tenido el poeta. La relación Brossa-Ponç quedó plasmada también en los poemas de Brossa alusivos a Ponç y en diversos dibujos de Ponç: los Dibuixos podrits (1947) y las Metamorfosis (1947), la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947), la cubierta del libro Dragolí de Brossa (1950), o el gouache Brossa, Brossa (1950), que mostramos en esta exposición.

 

Brossa y Ponç fueron en su momento dos abanderados de la renovación estética, siguiendo los pasos de J.V. Foix y Joan Miró. Brossa, que había conocido a Miró en 1941 a través del sombrerero y mecenas Joan Prats, en casa de J.V. Foix, los pondría en contacto con Joan Ponç. “Dau Al Set” ayudaría a restablecer los puentes con la vanguardia de ADLAN, impulsado por Joan Prats y Joaquim Gomis, y del GATCPAC.

 

Después de este periodo de afinidad y creatividad, en 1953 Joan Ponç se fue a Brasil, y cada uno de los dos artistas continuó su camino. A su vuelta a Cataluña, en 1962, Brossa estaba ya muy lejos del magicosurrealismo y se movía por una antipoesía ligada a la realidad mientras hacía experimentos plásticos de lo que sería su poesía visual. Su vínculo se iría diluyendo. Para Brossa, Ponç quedaría siempre ligado a “Dau Al Set”.

 

Esta exposición pretende mostrar las trayectorias de los dos artistas: una primera parte, con obras del periodo “Dau Al Set”, el momento de mayor afinidad entre Joan Brossa y Joan Ponç, y una segunda parte de la exposición, con obras posteriores, que permiten ver sus evoluciones en el ámbito plástico, y que se reflejan de la misma manera que en la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947).

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ARCO Madrid. 21/02/2018 – 25/02/2018

 

CABELLO/CARCELLER
HERNÁNDEZ PIJUAN
LOLA LASURT
PEREJAUME
JAVIER PEÑAFIEL
FERNANDO PRATS
CAIO REISEWITZ
JULIÃO SARMENTO
JOSÉ MARÍA SICILIA
TERESA SOLAR ABBOUD

 

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Objects on the New Landscape Demanding of the Eye (part 3)

Nos complace presentar la cuarta exposición de Julião Sarmento en la Galeria Joan Prats, titulada Objects on the New Landscape Demanding of the Eye (part 3), en la que mostraremos su obra reciente, con instalación, escultura y pintura.

 

El título de la exposición recuerda el de la primera muestra realizada en la Ferus Gallery de Los Angeles, en 1957, que incluía pinturas de diversos artistas y en la que participó el pionero de la instalación y el ensamblaje Edward Kienholz.

 

En la exposición, la instalación Crash Dummy, 2016, y la escultura Broken Alice, 2014, conviven con una serie de pinturas que muestran formas triangulares, delicadamente dibujadas, que se basan en los principios fundamentales de la geometría fractal, y con otras obras inspiradas en la Pequeña bailarina de catorce años de Degas. Esta diversidad de soportes y técnicas presentes en la exposición es característica de la práctica artística de Julião Sarmento y, en esta ocasión, destaca por la combinación de materiales que se podrían definir como pobres con materiales sujetos a procesos tecnológicos avanzados.

 

Julião Sarmento produce una obra que adopta múltiples formas a partir de dibujos, pinturas, esculturas, performances y vídeos que hablan de los artificios de la seducción y de los mecanismos del deseo. Desde sus inicios, a mitad de los años setenta, la obra de Julião Sarmento se ha caracterizado por su carácter archivístico. Así, en sus obras, pueden aparecer siluetas femeninas, planos arquitectónicos, fragmentos literarios y objetos.

 

A menudo, estas iconografías cifradas nos presentan explícitamente signos que remiten a la fuente de su imaginario y de su significado. Esta oscilación permanente entre apariencia y veracidad, ficción y documento, invención y hecho en la que nos coloca Sarmento no es en absoluto un juego gratuito. Los montajes realizados por el artista entran en esta dialéctica de la interpretación de la superficie, donde algunos elementos son perfectamente identificables, incluso banales o anodinos, y de la interpretación profunda, que nos obliga a encontrar correspondencias, buscar pasajes y relaciones, sin darnos cuenta de que el simple hecho de investigar es el sentido que tenemos que descubrir en la obra.

Paris Photo 2017

Galeria Joan Prats presenta, en Paris Photo 2017, obras de Hannah Collins (Londres, 1956) y de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942).

 

El método utilizado por Collins en The interior and the exterior, Noah Purifoy, 2015, rinde homenaje a Walker Evans, a través de la documentación fotográfica de las esculturas del artista afroamericano Purifoy (1917-2004). Las fotografías vienen acompañadas de grabaciones de entrevistas.

 

Muntadas, investiga sobre los lugares de poder con Architektur / Räume / Gesten II, 2017. En estos 10 trípticos, Muntadas reúne imágenes de archivo, poniendo en relación lugares de poder con gestos de decisión. El artista resalta así la forma en que los elementos arquitectónicos cristalizan los gestos y las decisiones de poder.

 

PARIS PHOTO Stand D15.
Grand Palais. 09-12 NOV 2017

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Alicia Kopf | Cabello/Carceller

Lola Lasurt | Perejaume

Teresa Solar Abboud | Fernando Prats

 

Exposición: 6-22 de septiembre, ma-vi 11-14h y 16-20h

 

Con motivo de la sexta edición de Artnou, Galeria Joan Prats presenta Confluències, una exposición que reúne obras de las artistas Alicia Kopf, Lola Lasurt y Teresa Solar Abboud, que establecen un diálogo con obras de otros artistas de la galería escogidos por ellas: Cabello/Carceller, Perejaume y Fernando Prats. Surge así una dinámica basada en el intercambio de miradas entre artistas de diferentes generaciones, que da lugar a conexiones y nuevas lecturas, a veces directas, otras veces inesperadas.

 

Alicia Kopf presenta la serie fotográfica Waterfall chasers (2015), que alude simbólicamente al deshielo como momento de descontrol de las emociones, a partir de representaciones de cascadas. La idea de la fluidez del agua vincula estas obras a una serie de dibujos de Cabello/Carceller titulados Autorretrato como fuente y Fuente (2005).

 

La obra de Lola Lasurt Preparation for Wit Boven Zwar (2016), formada por óleos sobre tela y disfraces, propone una reconstitución del Carnaval de Aalst de 1946 a partir de una película 16mm de la época. Con un acercamiento similar, Perejaume, en la serie de dibujos Ball de muntanyes (2007), asocia los bailes folclóricos a las montañas, usando, como es común en su práctica, referencias a la cultura catalana que remiten a preocupaciones universales.

 

Teresa Solar Abboud, con Doble Mordido (2013), indaga sobre las herramientas y procesos fotográficos que intervinieron en los experimentos de Harold Edgerton, cuestionando conceptos como la protección, la ocultación o la sobreexposición. De la misma manera, Fernando Prats, en Sismograma Chuquicamata (2008), usa técnicas parafotográficas, como el ahumado del papel, con el fin de fijar momentos o huellas de una acción en un paisaje.

 

Vista de exposición

El artista propone un itinerario en el que el diálogo que se produce entre las obras y el espectador deviene fundamental. Un diálogo que, muchas veces, se aleja de las palabras para dejar paso a la admiración, la contemplación y el interés en comprender la atmósfera sutil, silenciosa y onírica que rodea su universo. La autorepresentación toma una nueva importancia a partir de los materiales y también a través de los títulos de las obras, como Autoretrat (Autorretrato) y Autoretrat al taller (Autorretrato en el taller).

 

La práctica artística de Jordi Alcaraz trasciende las categorías tradicionales de pintura, escultura y dibujo para acercarse al ensamblaje y a la instalación, reflexionando sobre la noción de volumen, el lenguaje como idea y el paso del tiempo. Según J. F. Yvars, “las obras de arte son organismos hechos de materia viva, sometida a la alquimia de los elementos y técnicas expresivas que impone su verosimilitud con el tiempo. Respiran, gimen, suenan, se cuartean y reajustan en el acorde necesario que trazará la sinfonía inacabada de su actividad plástica”. La combinación de materiales tan diversos como los espejos, los libros o el metacrilato hace que los elementos interactúen aprendiendo como respirar, gemir o sonar conjuntamente.

 

El texto Plástica, que Joaquim Sala-Sanahuja dedica a Jordi Alcaraz, fija su atención en el plástico, en el metacrilato más concretamente, y concluye de la siguiente manera: “Desde hace tiempo el cristal del plástico parece mostrar una cualidad que todavía no tiene nombre. Esta cualidad, entre acuosa y aérea, aunque de esencia retórica, alguien nos la ha descrito entre dientes como una cosa secreta que no conviene para nada divulgar porque todavía no se conocen los límites. El experto la anuncia como una materia fulgente pero a la vez extremadamente untuosa. Sirve para todo. Es el sustituto de todas las demás materias. El hecho de brillar no es un demérito. Y lo sustituye todo”.

Vistas de exposición Galeria Joan Prats

 

A través de esculturas cerámicas, vídeos y fotografías, la artista traza una narración discontinua que, partiendo de su propio cuerpo, se vincula con la exploración espacial. Precisamente, las obras de la exposición giran en torno a la relación del cuerpo de la artista con sus materiales de trabajo, esencialmente la cerámica. A través del vínculo performativo y de doble sentido que se establece entre sujeto y material, entre estructura y masa, Teresa Solar reflexiona acerca de conceptos como el control, la resistencia, cierto equilibrio definitivamente precario del sentido y el accidente.

 

El título de la exposición, Ground Control, tiene un doble significado. Por una parte, es una alusión directa al material, la tierra o arcilla, y la presión que se ejerce sobre ella al trabajarla en el torno. El cuerpo de la artista adopta una posición de resistencia para controlar el material, que es plástico y dinámico, este esfuerzo hace que el cuerpo funcione como una estructura estática,  como objeto, como materia. A través del título, esta experiencia mínima de comunicación y equilibrio conflictivo entre sujeto y materia aumenta de escala, vinculándose con los viajes espaciales: “Ground Control” es el centro de operaciones desde el que se monitoriza el desarrollo del vuelo de una nave espacial. Sirviendo los dos al propósito de una expedición exitosa, uno no puede existir sin la otra y viceversa, son parte de un mismo mecanismo, un solo sujeto dividido en dos cuerpos.

 

La idea de equilibrio tenso entre uno mismo y el mundo se encuentra presente en los vídeos de la exposición. En Being a person you didn’t know you were, vemos una marioneta que adopta el papel de adulto desdoblado, de una entidad desconocida que nace en nosotros mismos y que nos mira desde el exterior, que nos coloca como extranjeros en nuestro propio cuerpo. Siguiendo la idea de sujeto desdoblado, en el vídeo Ground Control, la artista se transforma en la pella de barro que gira sobre el torno. El cuerpo girando es acompañado por narraciones fragmentadas que relacionan el accidente del transbordador espacial Columbia estallando en pedazos debido a un fallo en su escudo protector, con las lesiones personales sufridas por la propia artista.

 

Esta doble relación está presente también en las esculturas de la serie Crushed by pressure. La presión de las barras metálicas y las cuerdas repite el proceso de creación de las cerámicas, recordando a los amasijos de un accidente, en el que la cerámica se convierte en el cuerpo del sujeto, controlado y estabilizado a través de las estructuras que lo deforman. La cerámica permite enfatizar el contraste entre el primitivismo de un material y una técnica milenaria, con la sofisticación tecnológica de las pieles cerámicas que recubren las naves espaciales.

 

En las piezas Pie de foto: Masa y Chamber, Breath, la artista graba en el torno de alfarero lenguaje de signos sobre las pellas de barro blanco, creando palabras que luego son compactadas y deformadas por su propio peso, formando un lenguaje que existe en el espacio físico. En Pie de foto: Masa, las columnas cerámicas sostienen la fotografía de un hueso mientras que las propias estrías grabadas significan “masa”; el cuerpo desaparecido es completado a través del texto que lo soporta.

 

 

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012). Recientemente ha sido seleccionada finalista para el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente durante ARCOmadrid 2017. Próximamente expondrá en la Haus der Kunst y en la Kunstverein München, de Munich.

Alfons Borrell

Nos complace anunciar la nueva exposición de Alfons Borrell en la Galería Joan Prats, el próximo jueves 15 de diciembre.

 

Tras la exposición que le dedicó el pasado 2015 la Fundació Miró, que recogía sesenta años de práctica artística, presentamos la obra más reciente de este creador singular, que concibe la pintura como un espacio de relación con el mundo y, a la vez, como un impulso, una emoción y que se ha mantenido alejado de las modas y las corrientes preponderantes a lo largo de su trayectoria.

 

Su obra se caracteriza por la importancia del color y se debate entre la sutilidad y la intensidad, entre la apertura hacia la naturaleza y el recogimiento introspectivo. Vinculado desde 1955 al lenguaje de la abstracción, ha sido influenciado en diferentes momentos de su vida por Anglada Camarasa y Brossa, dos artistas que, más allá de una estética, le aportaron una actitud vital y ética delante del arte. El trabajo de Borrell ha sido y es actualmente intenso y constante, moviéndose siempre en unos parámetros que va repitiendo con rigor y dedicación.

 

El color en la obra de Alfons Borrell es un agente invasor que se mueve y fluctúa, el artista lo define como una extensión de la persona, que te mimetiza con el entorno, “si caminas por un bosque lleno de abetos te vuelves verde, si pudieras sumergirte en el mar saldrías de color azul…” Afirma “me gustaría ser pintura”. Se trata de una visión propia del color y la pintura, ligada al concepto, al pensamiento, y también a la vivencia. Borrell utiliza solo cinco pigmentos extraídos de la tierra, verde, azul, naranja, ocre y gris; mientras que el blanco, de la superficie de la tela, emerge como una aparición de la luz.

 

A este trabajo del color, que ha utilizado reiteradamente por sus connotaciones simbólicas, se le suma la percepción de presencias y ausencias a partir de una particular experiencia de límites. En sus pinturas, líneas verticales recorren la superficie designando simbólicamente una presencia, líneas horizontales remiten al horizonte, y la imposibilidad de contener la materia de color, que, en ocasiones, desborda los márgenes marcados, nos muestra la experiencia de lo ilimitado.

 

La obra de Borrell pide una contemplación activa por parte del espectador, que establece una relación de tensión con las obras. Su experimentación no depende de códigos de interpretación o conocimientos previos sino que su pintura parece dirigirse directamente al observador, interpelándolo, pero dejando siempre un espacio de libertad como posibilidad para habitar su lenguaje.

 

Alfons Borrell (Barcelona, 1931) vive y trabaja en Sabadell. Tras una primera etapa de formación en la pintura figurativa, se inició en la abstracción en 1955, con obras próximas al informalismo. Alejado de la academia, formó parte del Grup Gallot, grupo iconoclasta y revolucionario vinculado a la pintura gestual. Esta experiencia radical le permitió encontrar su propio camino, de sobriedad y silencio, a lo largo de los 60. A partir de 1976, empezó a titular sus obras con la fecha exacta de su finalización, a modo de diario, el mismo año que participó en la colectiva Pintura 1, en la recientemente inaugurada Fundació Joan Miró de Barcelona, donde volvería a exponer en solitario dos años más tarde y, en 2015, con una gran retrospectiva. Entre las exposiciones en los últimos años, destaca la realizada en 2006 en el Centre Cultural Santa Tecla, L’Hospitalet de Llobregat, que itineró al Museu de Sabadell, la antológica de obra sobre papel realizada en 2011 en la Fundació Palau de Caldes d’Estrac y la realizada el mismo año en la Fundació Vila Casas. Ha participado en exposiciones colectivas en el MNAC, el Centre Cultural Tecla Sala, el MACBA, el CCCB y el Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, el Museo Rufino Tamayo, México DF, el Flanders Contemporary Art, Minneapolis, y el Museum of Contemporary Art, Filadelfia. En 2014 recibió el premio GAC, un galardón honorífico en reconocimiento a su larga trayectoria.

El doble no existe, 2016

 

Detrás de todas nuestras acciones y voluntades siempre hay una sospecha. Alguien no deja de observarnos desde nosotros mismos. El que no descansa mientras dormimos, que se asoma en los lapsus y en los reflejos, que nos enjuicia constantemente, que nos toma como rehenes en estados alterados. ¿Quién es ese otro?

 

El doble es la crítica más incisiva a la autoproclamada integridad del yo. Provoca pugnas y discusiones en campos que van de lo filosófico a lo social. ¿El doble es una proyección del yo o una entidad con sus propias intenciones? ¿Quién gobierna al sujeto? ¿Es un efecto neuronal o una construcción simbólica? ¿Por qué ese doble nunca desaparece? ¿Es una cuestión mitológica? ¿Dicotomía o multiplicidad?

 

El proyecto de Erick Beltrán, que se mostrará en dos espacios, Galeria Joan Prats y Joan Prats Warehouse, reúne trabajos e investigaciones realizados entre 2014 y 2016, a modo de ensayo visual o “Bilder Atlas” (atlas icónico), un diálogo emulando el que se establece entre consciente e inconsciente.

 

Erick Beltrán (México DF, 1974) vive y trabaja en Barcelona. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de São Paulo (2014 y 2008), Of Bridges and Borders, Valparaíso, Chile (2013), Tapei Biennial (2012), Biennale de Lyon (2011), Manifesta 8, Murcia (2010) y Trienal de Puerto Rico (2009 y 2004). Entre sus exposiciones individuales recientes destacan The Fallen Tree, Kadist Art Foundation, San Francisco (2015), Atlas Eidolon, Museo Tamayo, México DF (2014), Piezas de juego, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Viena; The Witgenstein Archives/Gallery Volt, Bergen, Noruega (2013), La part abyssale, Centre d’art Contemporain La Synagogue, Delme, Francia (2012), The World Explained, Tropenmuseum, Ámsterdam (2012), Modelling Standard, FormContent, Londres (2010), Tolv/Zeigarnik effect, Malmö Konsthall, Suecia (2009), Ergo Sum, Museo Experimental El Eco, México DF (2006), Punch – Drunk, SMAK, Gante, Bélgica (2005). Ha expuesto en centros nacionales e internacionales como New Museum, Nueva York; CCA Watis, San Francisco; MALBA y Fundación Proa, Buenos Aires; Castello di Rivoli, Turín; WUK Kunsthalle Exhergasse, Viena; Bildmuseet, Umeå, Suecia; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Fundació Tàpies, Barcelona; MUSAC, León; cGac, Santiago de Compostela.

El doble no existe / El doble de las mil caras

Un chamán dejando escapar su alma en forma de un perro.

Un paciente observando como lo operan mientras levita en medio del quirófano.

El súcubo que no nos deja respirar durante el sueño

Una persona velando un espejo al morir alguien en casa.

El homúnculo operando desde un cuarto de control.

Mr. Hyde atacando al Dr. Jekyll.

El hombre lobo robando la próxima cosecha al demonio, para darla a los hombres.

El diablo componiendo una sinfonía a Tartini.

Policías destruyendo las matrices de billetes falsos.

Bonnet mirando unas mujeres de 10 cm de estatura peinadas estilo siglo XVI, entrando en su habitación.

Un artista pintando un cuarto secreto donde se pudre el rey.

Una mujer atacada por su propia mano.

El médico del rey tomando los signos vitales de un muñeco, al cual le da tratamiento.

Franco acariciando la mano de Santa Teresa.

Una piedra enterrada a cambio del marinero que nunca regresó.

Zeus metamorfoseándose en Anfitrión y Mercurio en su ayudante Sosias para seducir a una mortal inalcanzable.

Ese individuo que nos observa por detrás del hombro.

Unos perros jugando al póker y un sátiro tocando la flauta

Dos serpientes que son un cráneo humano, que es una diosa guerrera, que mata a sus 400 hermanos desde el vientre de su madre.

 

¿Qué es lo que hace mover nuestros órganos más allá de una decisión consciente?

¿Por qué no podemos controlar nuestros sueños?

¿Por qué existe la sensación de que nuestra consciencia habita dentro de un cuerpo y no es el cuerpo?

¿Por qué al morir algo queda y algo se va?

¿Quién es el que habla durante estados alterados de consciencia?

¿Por qué podemos escuchar una voz dentro de nuestra mente?

¿La duplicación de algo implica la falsificación de un original?

¿Por qué lo único representa un valor de verdad?

¿Cómo se construye la idea de oficialidad?

¿Cómo permean estos órdenes conceptuales a una organización de personas?

¿Cómo es que la concentración de verdad implica fuerza física en el mundo?

¿Qué es lo que define el límite de una unidad?

¿Qué sucede cuando un cuerpo habita otro cuerpo?

¿Qué pasa cuando un cuerpo no se sujeta a la narrativa temporal?

¿Por qué es que el más allá se nos aparece en forma de espectros, demonios e infiernos?

¿Bajo qué circunstancias nos podemos ver a nosotros mismos fuera de nosotros mismos?

¿Cuándo el hombre se percibe a sí mismo como una unidad?

¿Cuándo es que el hombre se convierte en lector del universo?

¿Cómo es que se pueden hacer viajes extra-corporales?

¿Qué relación tienen las hadas, las brujas, los zombies, los vampiros, con el mundo del doble?

¿Se puede hacer callar a los dobles?

 

El yo del hombre es la unidad bajo la cual todo se ordena y clasifica. Sin embargo dentro de esa psique siempre queda una duda, una fractura que hace asomar otra cosa un poco más allá, es algo que niega su independencia e inefabilidad.

 

La forma que tiene la unidad para entender al universo en toda multiplicidad es la de la creación de un alter ego que le regrese la mirada.

 

Erick Beltrán

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Comisariado por Ramón Castillo

 

 

 

La exposición Habitar el vacío, comisariada por Ramón Castillo, reúne por primera vez a cuatro artistas chilenos,

 

Alfredo Jaar, Iván Navarro, Fernando Prats y Raúl Zurita, en la Galeria Joan Prats de Barcelona.

 

Los cuatro artistas, desde distintas aproximaciones conceptuales, sensibilidades e ideologías estéticas, realizan obras de denuncia o crítica ante tragedias humanas sucedidas en distintas partes del mundo, con un lenguaje que fuerza el límite de lo visual y textual, a través de distintos dispositivos editoriales, materiales y tecnológicos. Esta dimensión extrema de sus investigaciones se convierte en la metáfora del título Habitar el vacío: el arte como forma de superar el aislamiento o la falta de empatía entre las personas.

 

Sus obras confluyen en la generación de un estado de alerta del espectador-lector frente a los asuntos territoriales, económicos, políticos y sociales que afectan a los habitantes de distintos lugares del planeta donde la esperanza se convierte en un gesto revolucionario. Presentamos la investigación visual y textual de los cuatro artistas que desafían el sinsentido y lo informe de la experiencia contemporánea.

 

Raúl Zurita (Santiago de Chile, 1950) vive y trabaja en Santiago de Chile. Su obra se ve marcada por la Dictadura Militar, durante la cual fue detenido y torturado. La poesía, la performance y las intervenciones urbanas forman parte de un repertorio de acciones que desarrolló de forma crítica, creativa e interdisciplinar. Raúl Zurita alterna su trabajo literario, recitales poéticos y su trabajo docente en la Universidad Diego Portales y en Harvard. Ha obtenido importantes reconocimientos como el Premio Nacional de Literatura de Chile, el Premio Pablo Neruda, el Premio Pericle d’Oro de Italia, las becas Guggenheim y DAAD, entre otros.

 

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de Venecia, representando a Chile (2011); Mediations Biennale, Poznan (2012); Bienal de Canarias (2009); Trienal de Chile, (2009) y Exposición Universal del Agua, Zaragoza (2008). Ha expuesto su obra en centros de arte internacionales como Espace Culturel Louis Vuitton, París, Fundació Miró, Barcelona o Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.

 

Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956) vive y trabaja en Nueva York desde 1982. Este artista, arquitecto y cineasta ha expuesto su obra en centros de arte de todo el mundo y ha participado en bienales como la Bienal de Venecia (1986, 2007, 2009 y representando a Chile en 2013), la Bienal de São Paulo (1987, 1989, 2010) y la Documenta de Kassel (1987 y 2002). Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en el New Museum de Nueva York, la Whitechapel gallery de Londres, el MACRO Museo d’Arte Contemporanea Roma, el Moderna Museet de Estocolmo, y el Museum of Contemporary Art de Chicago. Es premio nacional de arte de Chile.

 

Iván Navarro (Santiago de Chile, 1972) vive y trabaja en Nueva York desde 1997. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de Venecia, representando a Chile (2009), Prospect2 de New Orleans (2011), bienal de la Habana (2012) y The Disappeared/Los Desaparecidos, exposición organizada por North Dakota Museum of Art y que itineró por Norte y Sudamérica desde 2005 hasta 2009. Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en Matucana 100, de Santiago de Chile (2015 y 2007), Museum of Contemporary Art, Aukland, Nueva Zelanda y Sydney, Australia (2015), Frost Art Museum de Miami (2012).

 

En la inauguración contaremos con la presencia de los artistas.

Se ha editado un catálogo con motivo de la muestra.

 

 

Alex

 

Alex es un personaje ficticio creado por la artista Pauline Bastard. Con la ayuda de una antropóloga, un abogado, una psicoanalista, una estilista, una decoradora y una guionista, Alex ha sido imaginado y seguido durante más de un año en su proceso de inserción en la vida real, enfrentado a la construcción de su existencia social, administrativa, afectiva…

 

El montaje expositivo evoca un interior doméstico, donde se disponen mobiliario y objetos personales de Alex, junto a seis videos que narran la vida del personaje, desde su génesis a sus ‘primeros pasos’.

 

El casting para escoger a Alex, las reuniones del equipo de profesionales, los momentos de la construcción de un personaje sin pasado… asistimos a fragmentos del inicio de una existencia, el proceso de creación, no de un avatar, sino de una persona de carne y hueso y sus pasos para afrontar las relaciones sociales urbanas. El resultado es un experimento fílmico, ni ficción, ni documental, decenas de horas de película son las pruebas de la existencia de Alex.

 

Con este proyecto Pauline Bastard plantea una serie de preguntas.

¿Cómo manipular la forma creativa? ¿Cómo manipular lo natural y lo sobrenatural sin caer en el caos?

Alex habla de la construcción de la identidad, de nuestra sociedad. ¿Quién es Alex?

 

Pauline Bastard crea narrativas complejas desarrolladas a través de instalaciones, películas y esculturas que contienen y se refieren a sus experimentos. A través de colaboraciones con diferentes profesionales, cuestiona la construcción del yo y su lugar en el mundo contemporáneo. Pauline Bastard crea historias, hace que sucedan, utilizando situaciones como tema y tomando experiencias aparentemente irrealizables como material para su producción.

 

Alex ha sido galardonado por el Audi Talent Award y ha recibido el apoyo del CNAP, Centre National des Arts Plastiques, (2015).

 

Pauline Bastard (París, 1982) ha participado en exposiciones individuales y colectivas internacionales entre las que destacan Supernaturel, Fondation Ricard, París (2014), The Imminence of Poetics, 30 Bienal de São Paulo (2012), 8ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2011). Se formó en la escuela de Bellas Artes de París y en MFA Studio Art, New York University.

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Presentamos en Galeria Joan Prats la nueva exposición de Fabian Marcaccio New Paintant Family-Group-Cluster-Swarm, con su obra reciente, pintura tridimensional que se comporta como escultura e instalación.

 

Como punto de partida de la exposición, Marcaccio investiga el significado de familia, grupo, clúster y enjambre en la sociedad, así como en la pintura misma. El espectador se introduce, en la primera sala, en una instalación pictórica en forma de enjambre hasta acceder a la sala principal, donde una familia, grupo, clúster de obras en 3D y de pinturas sobre cuerda parecen explicar una historia.

 

Fabian Marcaccio ha sido uno de los pioneros de la pintura digital, en un intento de redefinir el género pictórico, ampliando sus parámetros temporales y espaciales, y rastrear la integración de lo que está hecho a mano y lo que está hecho a máquina. En los noventa, trabajó la composición y la impresión digitales y, más adelante, la impresión en 3D, para crear obras pictóricas que denomina Paintants, neologismo a partir de las palabras inglesas pintura, painting, y mutante, mutant. Marcaccio considera la pintura como una constelación de contenido cambiante, que a veces toma forma de configuraciones en 3D, de animaciones o de arte ambiental. 

 

Fabian Marcaccio nació en Rosario, Argentina, en 1963, y vive y trabaja en Nueva York desde 1986. Ha participado en exposiciones en centros y museos internacionales. Entre sus exposiciones recientes destacan Paintant Stories en Casa Daros de Rio de Janeiro (2014), Variants en el Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM de Las Palmas de Gran Canaria (2013), Some USA Stories en el Museen Haus Lange / Haus Esters de Krefeld, Alemania (2012), The Structural Canvas Paintants en el Lehmbruck Museum de Duisburg, Alemania (2012) y en el Georg Kolbe Museum de Berlín (2011). En el 2011 recibió el premio de escultura Bernhard Heiliger.

 

 

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Presentamos Hernández Pijuan 1977-2005, una exposición dedicada a los 28 años de colaboración y complicidad de Joan Hernández Pijuan con la Galeria Joan Prats. Las obras seleccionadas corresponden al período 1977-2005, con especial énfasis en los últimos años de su trayectoria.  

 

La exposición no tiene un carácter retrospectivo, aunque la selección de obras intenta ser una muestra de un largo periodo de la producción pictórica del artista.

 

Presentamos obras sobre tela y papel en distintas técnicas y formatos, así como una selección del archivo del artista, fotografías y esbozos, permitiendo descubrir su entorno creativo y algunos de sus proyectos o procesos de trabajo.

 

Esta exposición quiere ser un homenaje al artista, una expresión de gratitud y de amistad, de reconocimiento a su trabajo, y una muestra de una obra que hoy sigue siendo tan contemporánea como el primer día.

 

 

Joan Hernández Pijuan (1931-2005) ha sido uno de los artistas catalanes contemporáneos más reconocidos internacionalmente. Ha participado en exposiciones en centros de arte internacionales y ha recibido numerosos premios, como el Premio Nacional de Arte Gráfico en reconocimiento a su trayectoria (2005), el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Plásticas (2004) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981).

 

Entre sus exposiciones más destacadas están la participación en la 51 Bienal de Venecia (2005); Tornant a un lloc conegut… Hernández Pijuan 1972-2002 en el MACBA, Barcelona (2003), que itineró por el Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, la Konstshalle Malmö y la Galleria d’Arte Moderna de Bolonia; Hernández Pijuan-drawings 1972-1999, en el Rupertinum Museum de Salzburgo (2000) y Espacios de silencio 1972-1992 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1993), que se presentó también en el Museo de Monterrey, México.

 

Recientemente su obra se ha mostrado en una retrospectiva en el Moscow Museum of Modern Art; en la exposición Farben der erde, en el Altana Kulturstiftung de Bad Homburg, Alemania y en la exposición La distancia del dibujo, itinerante por el Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca, el Museu de Montserrat y el Museu d’Art Espanyol Contemporani, Palma de Mallorca.

 

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Siguiendo una línea de investigación de largo recorrido acerca de la relevancia de producir obras de arte, Perejaume propone un experimento minimalista, con dos obras nuevas.

 

A lo largo de su producción artística, Perejaume siempre ha cuestionado el espacio dedicado a las obras de arte. El espacio, entendido como lugar físico, como puede ser el espacio exterior o el lugar de exhibición -galería, museo- pero también el espacio mental. Dejar espacio a las obras de arte remite también a una noción temporal: ¿cuánto tiempo dedicamos a contemplar las obras? ¿Qué lugar ocupan en nuestras vidas?

 

La exposición se puede considerar como una representación íntima y teatralizada en dos tiempos.  

 

La antesala, de paredes oscuras, nos introduce en la galería con la frase: “¿No os parece que las obras empiezan a ser tan valiosas como el lugar que ocupan? ¿No oís que, de tantas como hay, las obras dicen y redicen, tanto al que las visita como al que las hace: “No cabemos, hacednos sitio”?

 

La primera sala está dedicada a una única fotografía en blanco y negro, realizada a partir de la exposición de 140 fotogramas de la película “El Ball de l’Espolsada”, que fue rodada en 1902. La filmación se encargó al estudio Napoleón de Barcelona cuando, a inicios del siglo XX, este baile popular fue objeto de recuperación tras cincuenta años en el olvido. La restauración de este material permitió redescubrir la coreografía original. La película, que es una de las filmaciones más antiguas de Cataluña, pertenece al Museo Etnológico de Barcelona y está depositada en la Filmoteca de la Generalitat de Catalunya.

 

En la segunda sala, nos encontramos un imponente proyector de cine que presenta la Projecció cinematogràfica del llegat Cambó. El legado Cambó es un fondo de cincuenta y dos pinturas de los grandes maestros europeos de entre los siglos XIV y XIX (Veronese, Tintoretto, El Greco, Rubens, Metsys, Gainsborough, Le Brun, Goya, Fragonard, Quentin de la Tour, Lucas Cranach, Tiepolo…). Es la aportación desinteresada de más valor que ha recibido el MNAC y proviene del político y mecenas Francesc Cambó (1876-1947). En la proyección, el legado fluye vertiginosamente como una fulguración cromática.

 

 

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Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957) ha recibido premios como el Premio Nacional de Arte Gráfico de la Real Academia de Bellas Artes, el Premio de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya. Recientemente ha comisariado la exposición Maniobra de Perejaume en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. Ha mostrado su obra en exposiciones como ¡Ay Perejaume, si vieras la acumulación de obras que te rodea, no harías ninguna más!, La Pedrera, Barcelona; Imágenes proyectadas, CAB Centro de Arte Caja Burgos, Burgos; Amidament de Joan Coromines, Es Baluard, Palma de Mallorca, La Pedrera, Barcelona; Retrotabula, Palacio de los Condes de Gabia, Granada, Artium Vitoria. Ha participado en bienales internacionales como Prospect 1 New Orleans (2008), Art Unlimited, Basel (2006), 51 Bienal de Venecia (2005). Ha publicado recientemente Mareperlers i Ovaladors, Edicions 62, Barcelona (2014) y Paraules Locals, Tushita edicions, Barcelona (2015).

Prova rebutjada (Tout va bien)

 

Prova rebutjada (Tout va bien) propone un recorrido a través de obras unidas por su carácter de umbral y por la forma poética en que determinan su posición política, hilo común de su método de resistencia.

 

El nombre de la exposición combina los títulos de dos obras que se presentan en la muestra: Prova rebutjada, de Joan Brossa, y Tout va bien, de Muntadas. Mientras el primero afirma con rigor administrativo una realidad sin desvelar que no tiene escapatoria, Tout va bien aporta un consuelo inmediato, pero proyectando una precariedad sarcástica. Este enunciado, encerrado en los signos de su ambigüedad, arroja una luz irónica sobre estos lemas triunfalistas de los años 2000, lemas que no dudaban en relacionar la efervescencia económica con promesas de felicidad. La exposición reúne, en esta línea, obras que movilizan estrategias y espacios micropolíticos para cuestionar discursos hegemónicos. Frente a la aparente coherencia de los relatos dominantes, la mayoría de las obras optan por una yuxtaposición de ideas y una estructura breve que recuerdan a la forma del haiku.

 

Prova rebutjada (tout va bien) remite al ritmo de los gestos que se presentan en las obras: gestos vitales modestos y contenidos que, en vez de reivindicar su alcance, inciden en tácticas críticas frente a las narrativas establecidas. 

 

Artistas:
Joan Brossa, Cabello/Carceller, Hannah Collins, Carles Congost, Ariadna Guiteras, Lola Lasurt, Mariokissme, Muntadas, Javier Peñafiel, Perejaume.

 

 

Comisariada por: Olivier Collet & Patricia de Muga