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Alicia Kopf

Inauguración, 13 de junio a las 19h

Exposición: 14/06 – 31/07/2019

Jueves 25.07.2019, 19h: acción sonora y performativa con Nil Ciuró + Núria Guiu + Alicia Kopf

 

Speculative Intimacy propone una perspectiva de ciencia ficción emocional para originar nuevos relatos entorno a las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos.

 

Resignificar el sci-fi hacia una especulación sobre el deseo –esa atracción gravitatoria–en una apuesta por una des-jerarquización de puntos de vista entre actantes reconociendo la obsolescencia de algunas de las herramientas de representación que nos han sido dadas. Una transposición de escalas, puntos de vista y géneros.

 

Philip Roth expuso la cuestión de la intimidad ya en términos espaciales: “la gran broma que te gasta la biología es que llegas a la intimidad antes de saber nada. En el momento inicial lo comprendes todo. Al principio cada uno se siente atraído por la superficie del otro, pero también intuye la dimensión total. Y la atracción no tiene que ser equivalente: a uno le atrae una cosa, y al otro, otra. Es superficie, es curiosidad, pero entonces, zas, la dimensión.”

 

Zas. La dimensión.

 

Sus nuevos portales de entrada como las apps de citas online y el acercamiento cada vez mayor de los dispositivos tecnológicos al cuerpo nos atraen hacia un horizonte de eventos inalcanzado hasta ahora. Especulando en la estela de Agustín Fernández Mallo, “puede que no sea el Internet de las cosas sino el amor de las cosas lo que nos salve de la soledad cósmica…”

 

Alicia Kopf

 

(Correspondencia completa entre Alicia Kopf y los científicos Augustín Fernández Mallo y Carlos Pobes)

 

 

Speculative Intimacy es la segunda exposición de Alicia Kopf en Galeria Joan Prats. Se trata de su trabajo más reciente, que reúne dibujos, fotografías, escritura y un vídeo realizado con la colaboración de la coreógrafa y bailarina Núria Guiu.

 

A partir del ejercicio del dibujo y la escritura, Alicia Kopf (Gerona, 1982) reflexiona en torno a temáticas aparentemente individuales que se han convertido en preocupaciones generacionales. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Teoría literaria y Literatura Comparada.

 

Ha expuesto en museos y centros de arte como Accademia Di Spagna, Roma (2019), MAC La Coruña en la 15ª muestra de arte Naturgy (2018); Sala Mendoza, Caracas, Mazcul, Maracaibo (2017); CCCB, Barcelona, Museo de Antioquía, Medellín, Colombia (2015); Goethe Institute, La Capella y MACBA, Barcelona (2014); Fundació Tàpies, Barcelona (2013); Bòlit La Rambla, Gerona (2011) o CaixaForum, Barcelona (2009). Hasta el 22 de septiembre expone en Azkuna Centroa, Bilbao, dibujos de la serie ‘Conquest drawings’, dentro de la exposición ‘Nunca real/Siempre verdadero’ comisariada por Iván de la Nuez.

 

Como novelista, destaca su obra ‘Hermano de hielo’, publicada el 2015, con la que ganó el Premio Documenta 2015, el Premio Llibreter 2016, el Premio Ojo Crítico 2016 y el Cálamo Otra Mirada 2017.

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

I will make up a song (desert entrance-1), 2018

 

Inauguración 14 de marzo, 19h | Exposición marzo – mayo 2019

 

El próximo jueves 14 de marzo inauguramos la sexta exposición de Hannah Collins en Galeria Joan Prats, donde presentaremos su trabajo más reciente I will make up a song, 2018; junto con el proyecto The Fertile Forest, 2013-5 y la fotografía Family, 1988.

 

El título de la exposición es parte del título de la nueva película de Hannah Collins, I will make up a song and sing it in a theatre with the night air above my head, creada con el músico Duncan Bellamy, que se presentará en la Fundació Tàpies el próximo mes de junio.

 

I will make up a song habla del trabajo del arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900-1989), quien recurrió a la tradición constructiva de adobe para crear las nuevas ciudades de New Gurna y New Baris. Fathy intentó encontrar nuevas vías a través de prácticas sostenibles, utilizando materiales naturales, y crear un nuevo contexto en el cual un teatro formaría parte de la vida cotidiana, en un entorno rural enraizado en la Antigüedad. Sus ideas devienen una urgencia hoy en día, cuando estamos buscando un futuro sostenible. A través de estas fotografías, Hannah Collins explora la relación entre el cuerpo humano, la escala y la historia y muestra lo significativo de los materiales modestos que encontró al trabajar en el desierto egipcio.

 

La búsqueda de nuevos caminos es uno de los temas centrales de la exposición de Hannah Collins, creada en un momento en que, globalmente, surgen múltiples opciones y fuerzas en la realidad contemporánea occidental.

 

The Fertile Forest es una obra que trata también la tradición y la necesidad de establecer nuevas relaciones con nuestro entorno. Es un proyecto en curso en el que Hannah Collins ha documentado como los miembros de diversas tribus del Amazonas contribuyen a la preservación del bosque, concibiéndolo como jardín, ya que utilizan las plantas que lo forman para su bienestar cotidiano. La artista fotografió, a lo largo del mes que pasó con la tribu Cofán, en la cuenca amazónica colombiana, las plantas según sus enseñanzas. Los textos que acompañan a las fotografías son el resultado de las conversaciones de Hannah Collins con el jefe de la tribu bajo la influencia del yagé (ayahuasca). El fondo dorado de las vitrinas se convierte en un espejo de oro que nos refleja a través de las plantas.

 

Family, una obra de primera época de la artista, es una imagen en blanco y negro de un grupo de altavoces que permanecen en silencio y que se utilizaban habitualmente para la música de calle, sobre todo reggae, creada por antillanos de Londres, pero que se fotografiaron en el estudio de la artista.

 

La exposición presenta una visión ansiosa y a la vez optimista de nuestros tiempos y de nuestra necesidad de salvaguardar el conocimiento y crear puentes a escala global. Todas las obras se centran en el acto de la comunicación y el deseo de poesía y belleza. Los trabajos de Collins hacen visible la necesidad de preservación del saber y de la naturaleza, ambos amenazados por su invisibilidad.

 

 

Hannah Collins (Londres, 1956). Entre 1989 y 2010, vivió y trabajó en Barcelona, exponiendo en Galeria Joan Prats desde 1992, y actualmente vive entre Londres y Almería. Además de haber obtenido la beca Fulbright y de haber sido nominada al Premio Turner de 1993, recientemente ha recibido el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, otorgado por la Fundación de la Baja Sajonia, que incluía una exposición en Sprengel Museum, que después itineró al Camden Art Centre de Londres y al Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

 

Para más información e imágenes, contacten con galeria@galeriajoanprats.com

Arco 2019

ARCOmadrid 

27/02/2019 – 03/03/2019

Stand 9C09

 

AÏDA ANDRÉS RODRIGÁLVAREZ, PEDRO CABRITA REIS, VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, HERNÁNDEZ PIJUAN, FABIAN MARCACCIO, MUNTADAS, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, CAIO REISEWITZ, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ

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CAIO REISEWITZ Encuentro con el artista y firma del libro Altamira

Jueves 28 de febrero a las 18h en nuestro stand de ARCOmadrid 2019

Matèries en erupció 1975-1985

Inauguración, 13 de diciembre, 19h /  Exposición, diciembre 2018 – febrero 2019

 

 

Presentamos, dentro del Año Guinovart, la exposición Matèries en Erupció 1975-1985, con una selección de obras de una década muy importante de la trayectoria de Guinovart, años en los que estableció una relación intensa con nuestra galería y que también significaron su reconocimiento internacional con exposiciones en Martha Jackson Gallery de Nueva York (1979), en el Espace Pierre Cardin de París (1979), en Rizzoli Gallery de Nueva York (1979) y en la Bienal de Venecia (1982).

 

Tal y como menciona Alexandre Cirici: “durante los años setenta, Guinovart ha ido deshaciéndose de las operaciones de purificación, de liberación, de lo que Jung denominaba «descenso a los infierno» y ha ido encontrando el equilibrio de una madurez plena, que toca todos los registros de su visión completa, lúcida, crítica, de la sociedad humana y del environment material que le rodea, con la seguridad de un gran organista”.

 

La exposición que planteamos se inspira en gran parte en la primavera del 1979, fecha en la que tuvieron lugar tres importantes exposiciones en la ciudad de Barcelona, en la Galeria Joan Prats, en la Galeria Trece y, sobre todo, Matèria-suport-estructura en la Fundació Joan Miró, tres exposiciones sincronizadas, que discurrían por tres caminos diferentes pero con un destino común: la aproximación a la realidad. 

 

En la obra de Guinovart de este momento destaca el trabajo del barro, introducido a partir de un viaje a Argelia, donde había quedado impresionado por la presencia de la tierra, del desierto y de la arquitectura de adobe. El gran protagonista de este periodo es el material, también el fibrocemento, la contraposición entre la dureza y la rugosidad del soporte y la absoluta espontaneidad del grafismo. A pesar de que Guinovart es un artista que transformaba su obra a partir de “combustiones internas”, se ve también condicionado por el mundo que le rodea: la naturaleza de Castelldefels, donde tiene su estudio, el entorno rural que marcó su infancia, como el de Agramunt, y también las ciudades de Barcelona, París o Nueva York.

 

“Yo necesito constantemente el recurso no ya de transgredir, sino de salir del límite de lo que es pintura. Por ejemplo, el collage, los  elementos que van de dentro afuera y de fuera hacia dentro: muchas veces se ha cometido el error de situarme como artista del collage, porque en mí ha habido más una intención de trabajar desde dentro hacia fuera que al revés. No se trata tanto de encolar como que todo surgiera como del fondo del volcán. Hay una sensación de que la materia esta arrojada desde dentro, justo lo contrario de cómo se entiende el collage. No es el hecho de pintura-pintura, es una vertiente más existencialmente poética. Lo que me preocupan son las cuestiones de fondo”.

 

(Entrevista a Guinovart, revista El Guía, octubre-noviembre, 1991)

 

 

Josep Guinovart (Barcelona, 1927-2007). Después de formarse de manera autodidacta, comenzó su trayectoria como pintor en los años cuarenta en Barcelona. Su pintura, marcada por la figuración, evoluciona hacia el collage abstracto vinculado al informalismo politizándose y expandiéndose, hasta romper los límites del lenguaje pictórico, acercándose a la escultura y a la instalación. Recibió numerosos premios y reconocimientos, como el Premio Ciutat de Barcelona d’Arts Plàstiques (1981), el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (1982) y el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat de Catalunya (1990). Entre sus exposiciones monográficas, destacaríamos la de Danubiana Art Museum, Bratislava (2004), la de la Pedrera de Barcelona (2002), Guinovart. Itinerari 1948-1988, en el Tecla Sala de L’Hospitalet (1989) que viajó a Alemania (Vila Merkel, Esslingen am Neckar; Museum Bochum, Bochum; Katalanischen Sommers in Hamburg), la del Fine Arts Museum de Long Island (1987), Matèria-suport-estructura, Fundació Joan Miró, Barcelona (1978) y Contorn-entorn, Galeria Maeght, Barcelona (1976). En 2018, con motivo del décimo aniversario de su muerte, se ha celebrado el Año Guinovart con exposiciones en diversos centros de Cataluña y el extranjero.

 

 

Galeria Joan Prats agradece a Maria Guinovart y a la Fundació Espai Guinovart su colaboración en la realización de esta exposición.

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactar con galeria@galeriajoanprats.com

The Lisbon Totem #3, 2017

Inauguración: 26.9, 19 h

Exposición octubre – noviembre

 

Nos complace anunciar la primera exposición de Pedro Cabrita Reis en nuestra galería, en la que mostraremos un conjunto de obras recientes, con escultura, pintura y fotografía.

 

El trabajo de Cabrita Reis incluye una gran variedad de medios, desde fotografía y dibujo hasta pinturas y esculturas a gran escala, compuestas por materiales industriales, a menudo recuperados, como en el caso de la obra Floresta, 2017, que presentamos en la exposición, y que llegan a tener frecuentemente dimensiones arquitectónicas. En esta muestra encontraremos obras realizadas con diferentes materiales como acero, madera, aluminio, cristal, esmalte, bronce o acrílico. En palabras del artista “Todo lo que existe es materia que puede ser utilizada en la construcción de una obra de arte”, por tanto, no establece jerarquías entre los objetos y materiales con los que trabaja. Para Cabrita Reis, el material es la mirada y el pensamiento, que todo lo transforman.

 

Su obra investiga los límites entre arquitectura, escultura, pintura y fotografía, pese a que Cabrita Reis se considera a sí mismo ante todo como pintor. Su obra es tridimensional, a menudo de una manera muy personal, y pretende alterar, definir o cuestionar los límites del espacio. Su significado permanece misterioso y fascinante, el pensamiento toma forma en la materia, para llegar al espectador, provocando nuevas preguntas, vinculándose con su imaginación y con su experiencia.

 

Pedro Cabrita Reis comenzó su carrera en la década de los ochenta, como uno de los artistas más destacados de su generación, introduciendo un universo de referencias arcaicas y míticas, de memoria colectiva y revelación individual. Su obra tuvo un gran impacto en la cultura portuguesa e internacional, incorporando, en la herencia moderna más radical, la posibilidad de volver a disciplinas artísticas tradicionales: dibujo, pintura, escultura.

Aïda Andrés Rodrigálvarez & Pablo del Pozo

JOAN PRATS warehouse, Passatge Saladrigas 5, Barcelona

Con cita previa al 932 160 284

Exposición: 05/09/2018 – 26/10/2018

 

En el marco de artnou, Galeria Joan Prats presenta el trabajo de dos jóvenes artistas, Aïda Andrés Rodrigálvarez (Barcelona, 1985) y Pablo del Pozo (Badajoz, 1994).

 

Sus trabajos tratan la relación que se establece entre el individuo y el espacio que le rodea desde un punto de vista cotidiano. El territorio y la nostalgia, la búsqueda de un refugio, el paso del tiempo son temas importantes en su obra, junto con el medioambiente. Mostraremos instalaciones de los dos artistas, obras realizadas a partir de objectos encontrados y de materiales expuestos a los elementos.

 

Aïda Andrés Rodrigálvarez se interesa por la huella que la luz, el entorno y el paso del tiempo retienen sobre el papel. Las técnicas de la litografía y la fotografía estenopeica le permiten trabajar con una temporalidad dilatada, además de investigar el color. En su práctica artística, papel y tejidos son dejados a merced de los elementos, deveniendo así materiales fotosensibles.

 

Por su parte, las obras de Pablo del Pozo tienen un marcado carácter autobiográfico, vinculado a las experiencias y vivencias del artista. El sentimiento de pertenencia a un lugar, el desplazamiento y la nostalgia son temáticas que le preocupan. A partir de las características propias de los materiales que utiliza (barro, escayola, pigmentos y también objetos recuperados), busca hablar de la precariedad de la vida, generando así una reflexión en torno a la realidad cotidiana.

 

Aïda Andrés Rodrigálvarez vive y trabaja en Barcelona. Ha realizado el máster de producción e investigación artística (2015-6). Se licenció en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2014) y en Arquitectura por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (2010). Ha expuesto individualmente en la Fundació Arranz-Bravo de L’Hospitalet de Llobregat (2017), en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell (2016) y en Tinta Invisible, Barcelona (2014). Ha recibido varios reconocimientos como las becas del Institut Ramon Llull para la bienal Jeune Création Européenne, de producción Felicia Fuster (2018), Guasch-Coranty  (2016) y el premio Arranz-Bravo (2017)

 

Pablo del Pozo vive y trabaja en Barcelona. Es graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2017). Ha sido seleccionado en la Biennal de Valls, Premi Guasch-Coranty (2017), por lo que expondrá en el Centre Tecla Sala de L’Hospitalet de Llobregat (julio, 2018), y también  por la Bienal Jeune Création Européenne (2017-9) con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas: Montrouge, Francia (2017); Hjørring, Dinamarca; Cēsis, Letonia; Cluj, Rumanía (2018); Como, Italia; Figueres y Amarante, Portugal (2019). También recibió el premio de creación de la Sala d’art Jove de la Generalitat (2017), por lo que participará en la exposición en dicha sala en junio de 2018.

Inauguración 21 de junio, 19:00 h        22/06/2018 – 14/09/2018

 

Galeria Joan Prats presenta Footprints, la primera exposición del arquitecto Josep Lluís Mateo.

 

 

A través de una selección de obras realizadas y proyectos, la exposición quiere acercarse a la trayectoria de Mateo de un modo no cronológico, buscando formas de narrar la arquitectura desde las temáticas inherentes a su práctica. La arquitectura de Mateo se caracteriza por una herencia de la modernidad, que se interesa por la búsqueda de la luz, un intenso diálogo con el contexto, y una conexión entre la idea y el material. Sus proyectos son reflexivos y estratégicos, hablan del espacio y cuidan la relación entre lo mineral y lo vegetal.

 

Maquetas, fotografías, vídeos, collage y esbozos permiten aprehender la complejidad de su proceso creativo y constructivo. Encontramos, por ejemplo, materiales históricos de proyectos tan emblemáticos como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, maquetas que materializan la evolución de un concepto constructivo, como es el caso de la fachada del Centro de Convenciones Internacional de Barcelona, o fotografías que muestran la interacción de la obra con su entorno.

 

‘Un recorrido, una trayectoria, se compone de una sucesión de puntos, de pasos, de huellas… que, miradas en su conjunto, nos indican una dirección, nos revelan (o no) su sentido.

Aquí, sin voluntad de trazar la línea, enseñaremos unos cuantos puntos, algunas huellas de nuestro trayecto.

Así otros podrían trazarla.

Estos momentos se explican con los materiales que los produjeron.

Aunque la arquitectura es un fenómeno complejo en su resultado (atiende a la materia, al espacio, al uso, a la economía…), en su producción, hay un momento inicial de síntesis en donde se genera la energía necesaria para su desarrollo.

También hay algún momento final que sintetiza, en un segundo, como un flash, todo el esfuerzo realizado.

Mostrar estos materiales iniciales, que condensan la idea, y algunos documentos finales, que iluminan la realidad, es el objetivo de esta exposición.’

Josep Lluís Mateo

 

 

La exposición destaca el trabajo de fotógrafos que acompañan la visión de Josep Lluís Mateo como Aldo Amoretti, Gabriele Basilico, Jordi Bernadó, Jan Bitter, Luc Boegly, Ferran Freixa, Adrià Goula, Albert Masias y Xavier Ribas.

 

 

Josep Lluís Mateo es arquitecto por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (ETSAB) y doctor “cum laude” por la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC). Desde 2002, es catedrático de Arquitectura y Diseño en la ETH-Eidgenössische Technische Hochscule Zürich. Ha impartido conferencias y cursos en las principales instituciones académicas y profesionales del mundo, entre otras: académico invitado en el J.P. Getty Center en Los Ángeles, profesor invitado en Harvard University-GSD y en AHO Oslo.

 

En su carrera, galardonada con el Premio A+2011 a la mejor trayectoria profesional, destacan obras como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, Girona (Premio Bienal de Santander 1991); el plan de ordenación de la zona deportiva de la Universitat Autònoma de Barcelona (mención especial Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo 1993); el complejo de viviendas en el muelle de Borneo en Ámsterdam (Premio CEOE 2001); la vivienda unifamiliar en Mallorca (Premio a la Mejor Obra en el Apartado de vivienda unifamiliar 1997-2001 otorgado por el Colegio Oficial de Arquitectos de las Islas Baleares); el Centro de Convenciones Internacional de Barcelona – CCIB (Premio Top International Purpose 2009 – C&ITE Magazine y Oro al Mejor Centro de Convenciones en el Extranjero 2010 – M&IT Industry Awards); la Sede Central del Deutsche Bundesbank en Chemnitz (2004, Alemania); el Colegio Mayor Sant Jordi en Barcelona (Trofeo Archizinc 2008); el edificio WTC Almeda Park de Cornellà, Barcelona (Premio A+ a la arquitectura para el trabajo 2010); La Factory, edificio de oficinas en Boulogne-Billancourt, París (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2010); la Sede Central de la compañía PGGM en Zeist, Holanda (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2011); la Filmoteca de Catalunya (2012, Barcelona); el Centro de Cultura Contemporânea, como pieza culminante de la renovación del centro histórico de Castelo Branco (2013, Portugal); y Bayonne. Entrée de ville, remodelación urbanística del frente urbano del río Adour, incluyendo proyecto edificatorio (2016, Francia). Su obra ha sido extensamente publicada y expuesta, entre otros lugares, en el MoMA (Nueva York, 2006), en el Pavillon de l’Arsenal (París, 2009), en la Bienal de Venecia (2012) y en la Galerie d’Architecture (París, 2013).

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

 

Galeria Joan Prats presenta la exposición Edicions II de Muntadas, que recoge una selección de trabajos seriados que el artista ha realizado desde 2003 hasta la actualidad en diversos formatos: publicaciones, prints, vídeos, objetos, instalaciones y otros materiales gráficos. Esta exposición completa el trabajo iniciado en la exposición Edicions, realizada en la Galeria Joan Prats en el año 2003.

 

« La primera vez que Muntadas me habló de la exposición Edicions II en la Galería Joan Prats, se refirió a ella como una “exposición de deltas”. Le pedí que profundizara sobre esta cuestión: “mis proyectos son uno, son unitarios. Pero estos se diversifican en cantidades ingentes de postales, puede que hasta 100.000 postales, también pueden incluir 17 placas metálicas que se distribuyen por la ciudad a modo de señalización, y una página web. O sea que el proyecto finalmente aparece como la suma de tres conjuntos de restos; esto es, de deltas” (…)

 

Las ediciones son los medios que han permitido a Muntadas conseguir una circulación más porosa y plural, con la capacidad de multiplicarse e intervenir así en medios diversos y con diferentes temporalidades. Mientras que en sus proyectos habitualmente se encuentra la realización de un video, de una instalación o de una intervención urbana, en sus publicaciones, en cambio, no se encuentra habitualmente la realización de un único elemento. (…)

 

Una noción considerablemente genuina de proyecto también se ha ido perfilando a lo largo de la carrera de Muntadas. El artista aborda el proyecto, por un lado, en tanto que lógica de procedimiento serial y basada en la repetición de procedimientos y estrategias. Pero, a la vez, el proyecto también se define en su caso como una lógica de trabajo in progress y que genera momentos de apertura. De esta manera, si, tal como declara Muntadas, el proyecto le permite, por un lado, huir de un tipo de práctica intuitiva e inmediata y desarrollar plataformas de trabajo a largo plazo, por otro, esta noción también le ha ayudado a vertebrar entornos flexibles y abiertos a la impredecibilidad. (…)

 

En el trabajo editorial y las publicaciones es donde se han experimentado con precocidad y con más intensidad que en cualquier otro medio los modos colaborativos que han acabado por impregnar todo el trabajo de Muntadas.  Se encuentra aquí un despliegue de estrategias que catalizan la traducción, ya no solo como metáfora, sino que, muy especialmente, como un proceso de intercambio bidireccional.»

 

Fragmentos del texto de Oriol Fontdevila “Olvido de pez. Ediciones anfibias”, del catálogo de la exposición.

 

 

Muntadas, nacido en Barcelona, vive en Nueva York desde 1971, fue un pionero del vídeo y las instalaciones a mediados de los setenta, y continuó trabajando con fotografía, vídeo, instalación, audio, e intervenciones urbanas. Iteraciones de sus proyectos icónicos, como Between the Frames: The Forum (1983-1993), The Board Room (1985), y las series en curso On Translation (1995- …) y The Construction of Fear (2008- …) –se han expuesto en instituciones y galerías de Norteamérica, Suramérica, Europa y Oriente Medio. Muntadas participó en las ediciones de la Documenta de 1977 y 1997, la Whitney Biennial de 1991, la Bienal de São Paulo de 1983, la Bienal de La Habana de 2000, la Bienal de Taipéi de 2002, la Bienal de Gwangju de 2004, la Bienal de Estambul de 2011, y la Trienal de París de 2012. En 2005, representó a España en la Bienal de Venecia, donde creó un proyecto integral sobre la evolución arquitectónica de la Bienal al largo de su historia. Sus obras han sido incluidas en exposiciones en el MACBA, Barcelona; el Laboratorio Arte Alameda, México DF; el Museo de Weserburg, Bremen; en el Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires; en Württembergischer Kunstverein, Stuttgart; y en Estação Pinacoteca, São Paulo. Desde el 2011 ha estado trabajando en el proyecto Asian Protocols, presentado por primera vez al público en el Total Museum de Seúl (2014), y por segunda vez en 3331 Arts Chiyoda de Tokio (2016). El próximo paso del proyecto será su desarrollo en China.

 

Se ha editado un catálogo con motivo de la exposición

 

Presentamos Phasma, la séptima exposición de José María Sicilia en Galería Joan Prats, donde mostramos su trabajo reciente, con obras abstractas que incorporan tejidos y bordados y cuyas formas proceden de sonogramas.

 

La palabra que da título a la exposición, Phasma, de origen griego, designa los espectros y apariciones y remite, en palabras del propio artista, a “algo que aparece y desaparece, una mariposa que pasa batiendo las alas” y que “habla de la luz como pliegue”.

 

En la exposición, junto a la serie de Phasma, iniciada en Japón, encontramos la serie de El Instante, collages realizados a partir de dibujos de los últimos diez años, y obras de la serie de La Locura del ver. El proceso de creación de esta última serie está vinculado a una tecnología sonográfica que parte del experimento realizado en 1801 por Thomas Young, que permitió detectar la naturaleza ondulatoria de la luz a través de su difracción por dos rejillas alejadas sucesivamente de una fuente luminosa. Este experimento sirve como punto de partida para un programa informático que permite a Sicilia descomponer el sonido para crear unas cartografías de líneas y formas, unas composiciones de dibujos, pintura, collage y bordado que dan como resultado las obras de La Locura del ver.

 

Esta tecnología le da a José María Sicilia una herramienta para alcanzar una nueva profundidad. En este nuevo desarrollo de su obra encontramos todo aquello que ya estaba presente en su evolución artística anterior: la fuerza del color, el movimiento de la luz, un gusto por lo orgánico y el proceso de unificación y oposición que, desde los años ochenta, mostró su pintura. Su primera producción tenía un marcado carácter expresionista y profundizaba en la monocromía del blanco. Más adelante, su trayectoria se ve marcada por el hallazgo de la cera como material, por la aparición de las flores, las colmenas y también por la fotografía. Sicilia es un creador inquieto que ha basado su obra en el cuestionamiento de la forma. Es un artista que interroga, que no acepta moldes y siente la necesidad de quebrar los formatos, convocando la emoción del espectador.

 

José María Sicilia (Madrid, 1954) vive y trabaja en Madrid. Recientemente ha expuesto en el Museo Casa de la Moneda y Calcografía Nacional de Madrid (2017); Musée Delacroix de París (2015), Palacete del Embarcadero de Santander (2014); Matadero de Madrid y Fukushima Prefectural Museum of Art (2013); Hospital de la Caridad de Sevilla (2012); Maison Erasme de Bruselas y Amos Anderson Art Museum de Helsinki (2010); Nagasaki Prefectural Art Museum (2008). Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: Centre Georges Pompidou, París; MOMA, Nueva York; Fundació ‘la Caixa’, Barcelona; Colección Banco de España, Madrid; Collection Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Galleria d’Arte Moderna, Turín; MNCARS, Madrid; Museum of Modern Art, Gunma, Japón; National Gallery of Australia, Canberra; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; The New York Public Library, Nueva York.

 

Nos complace presentar la exposición dedicada a Joan Ponç y a Joan Brossa, que inauguramos el jueves 30 de noviembre, y donde mostraremos obras de dos de los artistas más significativos en la recuperación del arte de vanguardia en nuestro país tras la guerra civil, unidos por una afinidad creativa y personal desde finales de los años 40 hasta principios de los 50 y unidos también a la historia de la Galeria Joan Prats, donde expondrían en diversas ocasiones.

 

En 1982, Joan Brossa mostró por primera vez en la exposición en la Galeria Joan Prats sus poemas objeto y visuales, poemas que realizaba desde 1954 y que eran entonces prácticamente desconocidos por el público. Más adelante, se mostrarían en otras exposiciones en la galería de Barcelona (1989, 1995, 1997) y de Nueva York (1989), y en la Feria de Basilea (1989). Por otro lado, Joan Ponç comienza su colaboración con la Galeria Joan Prats en 1978, con la exposición Fons de l’ésser. También expondría en 1983, Nocturns, en 1987 con dibujos de la época Pre-Dau Al Set, en 1994 y 1996 con dibujos de la Suite Geomètrica y en 1980 en la feria FIAC en París.

 

En palabras de Arnau Puig, en el texto realizado para esta exposición, “Un temperamento y carácter de la dimensión del de Brossa casi estaba obligado por el destino a encontrarse con alguien, Joan Ponç, que bajaba de las nubes”. Este gusto por la magia, la adivinación y lo oculto sería uno de los puntos de unión entre los dos artistas, que se conocieron en 1946. Ese año publicarían junto a Arnau Puig y a Enric Tormo el único número de la revista “Algol”, que quería ser un revulsivo delante del inmovilismo y la pérdida de idealismo de sus contemporáneos. Proponían una renovación de la mirada que se encuentra también en los monotipos que Ponç realizó para acompañar los ejemplares de la revista y que se aleja de la figuración naturalista predominante en el arte español de la época.

 

Además de este interés por las nuevas formas artísticas, las obras de Brossa y Ponç coincidían temáticamente en una preocupación y una crítica a la sociedad, junto con el interés por la cultura popular, el teatro y la magia que ya apuntábamos. Por eso, en aquellos años, se fueron sucediendo las colaboraciones entre los dos: el libro inédito Parafaragaramus (1948), dos números de la revista “Dau Al Set” (enero, 1949 y un inédito), el libro Em va fer Joan Brossa (1951), donde aparece un retrato de Joan Brossa por Joan Ponç, considerado el retrato más directo y sincero que haya tenido el poeta. La relación Brossa-Ponç quedó plasmada también en los poemas de Brossa alusivos a Ponç y en diversos dibujos de Ponç: los Dibuixos podrits (1947) y las Metamorfosis (1947), la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947), la cubierta del libro Dragolí de Brossa (1950), o el gouache Brossa, Brossa (1950), que mostramos en esta exposición.

 

Brossa y Ponç fueron en su momento dos abanderados de la renovación estética, siguiendo los pasos de J.V. Foix y Joan Miró. Brossa, que había conocido a Miró en 1941 a través del sombrerero y mecenas Joan Prats, en casa de J.V. Foix, los pondría en contacto con Joan Ponç. “Dau Al Set” ayudaría a restablecer los puentes con la vanguardia de ADLAN, impulsado por Joan Prats y Joaquim Gomis, y del GATCPAC.

 

Después de este periodo de afinidad y creatividad, en 1953 Joan Ponç se fue a Brasil, y cada uno de los dos artistas continuó su camino. A su vuelta a Cataluña, en 1962, Brossa estaba ya muy lejos del magicosurrealismo y se movía por una antipoesía ligada a la realidad mientras hacía experimentos plásticos de lo que sería su poesía visual. Su vínculo se iría diluyendo. Para Brossa, Ponç quedaría siempre ligado a “Dau Al Set”.

 

Esta exposición pretende mostrar las trayectorias de los dos artistas: una primera parte, con obras del periodo “Dau Al Set”, el momento de mayor afinidad entre Joan Brossa y Joan Ponç, y una segunda parte de la exposición, con obras posteriores, que permiten ver sus evoluciones en el ámbito plástico, y que se reflejan de la misma manera que en la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947).

ARCO Madrid. 21/02/2018 – 25/02/2018

 

CABELLO/CARCELLER
HERNÁNDEZ PIJUAN
LOLA LASURT
PEREJAUME
JAVIER PEÑAFIEL
FERNANDO PRATS
CAIO REISEWITZ
JULIÃO SARMENTO
JOSÉ MARÍA SICILIA
TERESA SOLAR ABBOUD

 

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Objects on the New Landscape Demanding of the Eye (part 3)

Nos complace presentar la cuarta exposición de Julião Sarmento en la Galeria Joan Prats, titulada Objects on the New Landscape Demanding of the Eye (part 3), en la que mostraremos su obra reciente, con instalación, escultura y pintura.

 

El título de la exposición recuerda el de la primera muestra realizada en la Ferus Gallery de Los Angeles, en 1957, que incluía pinturas de diversos artistas y en la que participó el pionero de la instalación y el ensamblaje Edward Kienholz.

 

En la exposición, la instalación Crash Dummy, 2016, y la escultura Broken Alice, 2014, conviven con una serie de pinturas que muestran formas triangulares, delicadamente dibujadas, que se basan en los principios fundamentales de la geometría fractal, y con otras obras inspiradas en la Pequeña bailarina de catorce años de Degas. Esta diversidad de soportes y técnicas presentes en la exposición es característica de la práctica artística de Julião Sarmento y, en esta ocasión, destaca por la combinación de materiales que se podrían definir como pobres con materiales sujetos a procesos tecnológicos avanzados.

 

Julião Sarmento produce una obra que adopta múltiples formas a partir de dibujos, pinturas, esculturas, performances y vídeos que hablan de los artificios de la seducción y de los mecanismos del deseo. Desde sus inicios, a mitad de los años setenta, la obra de Julião Sarmento se ha caracterizado por su carácter archivístico. Así, en sus obras, pueden aparecer siluetas femeninas, planos arquitectónicos, fragmentos literarios y objetos.

 

A menudo, estas iconografías cifradas nos presentan explícitamente signos que remiten a la fuente de su imaginario y de su significado. Esta oscilación permanente entre apariencia y veracidad, ficción y documento, invención y hecho en la que nos coloca Sarmento no es en absoluto un juego gratuito. Los montajes realizados por el artista entran en esta dialéctica de la interpretación de la superficie, donde algunos elementos son perfectamente identificables, incluso banales o anodinos, y de la interpretación profunda, que nos obliga a encontrar correspondencias, buscar pasajes y relaciones, sin darnos cuenta de que el simple hecho de investigar es el sentido que tenemos que descubrir en la obra.

Paris Photo 2017

Galeria Joan Prats presenta, en Paris Photo 2017, obras de Hannah Collins (Londres, 1956) y de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942).

 

El método utilizado por Collins en The interior and the exterior, Noah Purifoy, 2015, rinde homenaje a Walker Evans, a través de la documentación fotográfica de las esculturas del artista afroamericano Purifoy (1917-2004). Las fotografías vienen acompañadas de grabaciones de entrevistas.

 

Muntadas, investiga sobre los lugares de poder con Architektur / Räume / Gesten II, 2017. En estos 10 trípticos, Muntadas reúne imágenes de archivo, poniendo en relación lugares de poder con gestos de decisión. El artista resalta así la forma en que los elementos arquitectónicos cristalizan los gestos y las decisiones de poder.

 

PARIS PHOTO Stand D15.
Grand Palais. 09-12 NOV 2017

Alicia Kopf | Cabello/Carceller

Lola Lasurt | Perejaume

Teresa Solar Abboud | Fernando Prats

 

Exposición: 6-22 de septiembre, ma-vi 11-14h y 16-20h

 

Con motivo de la sexta edición de Artnou, Galeria Joan Prats presenta Confluències, una exposición que reúne obras de las artistas Alicia Kopf, Lola Lasurt y Teresa Solar Abboud, que establecen un diálogo con obras de otros artistas de la galería escogidos por ellas: Cabello/Carceller, Perejaume y Fernando Prats. Surge así una dinámica basada en el intercambio de miradas entre artistas de diferentes generaciones, que da lugar a conexiones y nuevas lecturas, a veces directas, otras veces inesperadas.

 

Alicia Kopf presenta la serie fotográfica Waterfall chasers (2015), que alude simbólicamente al deshielo como momento de descontrol de las emociones, a partir de representaciones de cascadas. La idea de la fluidez del agua vincula estas obras a una serie de dibujos de Cabello/Carceller titulados Autorretrato como fuente y Fuente (2005).

 

La obra de Lola Lasurt Preparation for Wit Boven Zwar (2016), formada por óleos sobre tela y disfraces, propone una reconstitución del Carnaval de Aalst de 1946 a partir de una película 16mm de la época. Con un acercamiento similar, Perejaume, en la serie de dibujos Ball de muntanyes (2007), asocia los bailes folclóricos a las montañas, usando, como es común en su práctica, referencias a la cultura catalana que remiten a preocupaciones universales.

 

Teresa Solar Abboud, con Doble Mordido (2013), indaga sobre las herramientas y procesos fotográficos que intervinieron en los experimentos de Harold Edgerton, cuestionando conceptos como la protección, la ocultación o la sobreexposición. De la misma manera, Fernando Prats, en Sismograma Chuquicamata (2008), usa técnicas parafotográficas, como el ahumado del papel, con el fin de fijar momentos o huellas de una acción en un paisaje.

 

El artista propone un itinerario en el que el diálogo que se produce entre las obras y el espectador deviene fundamental. Un diálogo que, muchas veces, se aleja de las palabras para dejar paso a la admiración, la contemplación y el interés en comprender la atmósfera sutil, silenciosa y onírica que rodea su universo. La autorepresentación toma una nueva importancia a partir de los materiales y también a través de los títulos de las obras, como Autoretrat (Autorretrato) y Autoretrat al taller (Autorretrato en el taller).

 

La práctica artística de Jordi Alcaraz trasciende las categorías tradicionales de pintura, escultura y dibujo para acercarse al ensamblaje y a la instalación, reflexionando sobre la noción de volumen, el lenguaje como idea y el paso del tiempo. Según J. F. Yvars, “las obras de arte son organismos hechos de materia viva, sometida a la alquimia de los elementos y técnicas expresivas que impone su verosimilitud con el tiempo. Respiran, gimen, suenan, se cuartean y reajustan en el acorde necesario que trazará la sinfonía inacabada de su actividad plástica”. La combinación de materiales tan diversos como los espejos, los libros o el metacrilato hace que los elementos interactúen aprendiendo como respirar, gemir o sonar conjuntamente.

 

El texto Plástica, que Joaquim Sala-Sanahuja dedica a Jordi Alcaraz, fija su atención en el plástico, en el metacrilato más concretamente, y concluye de la siguiente manera: “Desde hace tiempo el cristal del plástico parece mostrar una cualidad que todavía no tiene nombre. Esta cualidad, entre acuosa y aérea, aunque de esencia retórica, alguien nos la ha descrito entre dientes como una cosa secreta que no conviene para nada divulgar porque todavía no se conocen los límites. El experto la anuncia como una materia fulgente pero a la vez extremadamente untuosa. Sirve para todo. Es el sustituto de todas las demás materias. El hecho de brillar no es un demérito. Y lo sustituye todo”.

Teresa Solar

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A través de esculturas cerámicas, vídeos y fotografías, la artista traza una narración discontinua que, partiendo de su propio cuerpo, se vincula con la exploración espacial. Precisamente, las obras de la exposición giran en torno a la relación del cuerpo de la artista con sus materiales de trabajo, esencialmente la cerámica. A través del vínculo performativo y de doble sentido que se establece entre sujeto y material, entre estructura y masa, Teresa Solar reflexiona acerca de conceptos como el control, la resistencia, cierto equilibrio definitivamente precario del sentido y el accidente.

 

El título de la exposición, Ground Control, tiene un doble significado. Por una parte, es una alusión directa al material, la tierra o arcilla, y la presión que se ejerce sobre ella al trabajarla en el torno. El cuerpo de la artista adopta una posición de resistencia para controlar el material, que es plástico y dinámico, este esfuerzo hace que el cuerpo funcione como una estructura estática,  como objeto, como materia. A través del título, esta experiencia mínima de comunicación y equilibrio conflictivo entre sujeto y materia aumenta de escala, vinculándose con los viajes espaciales: “Ground Control” es el centro de operaciones desde el que se monitoriza el desarrollo del vuelo de una nave espacial. Sirviendo los dos al propósito de una expedición exitosa, uno no puede existir sin la otra y viceversa, son parte de un mismo mecanismo, un solo sujeto dividido en dos cuerpos.

 

La idea de equilibrio tenso entre uno mismo y el mundo se encuentra presente en los vídeos de la exposición. En Being a person you didn’t know you were, vemos una marioneta que adopta el papel de adulto desdoblado, de una entidad desconocida que nace en nosotros mismos y que nos mira desde el exterior, que nos coloca como extranjeros en nuestro propio cuerpo. Siguiendo la idea de sujeto desdoblado, en el vídeo Ground Control, la artista se transforma en la pella de barro que gira sobre el torno. El cuerpo girando es acompañado por narraciones fragmentadas que relacionan el accidente del transbordador espacial Columbia estallando en pedazos debido a un fallo en su escudo protector, con las lesiones personales sufridas por la propia artista.

 

Esta doble relación está presente también en las esculturas de la serie Crushed by pressure. La presión de las barras metálicas y las cuerdas repite el proceso de creación de las cerámicas, recordando a los amasijos de un accidente, en el que la cerámica se convierte en el cuerpo del sujeto, controlado y estabilizado a través de las estructuras que lo deforman. La cerámica permite enfatizar el contraste entre el primitivismo de un material y una técnica milenaria, con la sofisticación tecnológica de las pieles cerámicas que recubren las naves espaciales.

 

En las piezas Pie de foto: Masa y Chamber, Breath, la artista graba en el torno de alfarero lenguaje de signos sobre las pellas de barro blanco, creando palabras que luego son compactadas y deformadas por su propio peso, formando un lenguaje que existe en el espacio físico. En Pie de foto: Masa, las columnas cerámicas sostienen la fotografía de un hueso mientras que las propias estrías grabadas significan “masa”; el cuerpo desaparecido es completado a través del texto que lo soporta.

 

 

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012). Recientemente ha sido seleccionada finalista para el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente durante ARCOmadrid 2017. Próximamente expondrá en la Haus der Kunst y en la Kunstverein München, de Munich.

Alfons Borrell

Texto de Alicia Kopf

 

Nos complace anunciar la nueva exposición de Alfons Borrell en la Galería Joan Prats, el próximo jueves 15 de diciembre.

 

Tras la exposición que le dedicó el pasado 2015 la Fundació Miró, que recogía sesenta años de práctica artística, presentamos la obra más reciente de este creador singular, que concibe la pintura como un espacio de relación con el mundo y, a la vez, como un impulso, una emoción y que se ha mantenido alejado de las modas y las corrientes preponderantes a lo largo de su trayectoria.

 

Su obra se caracteriza por la importancia del color y se debate entre la sutilidad y la intensidad, entre la apertura hacia la naturaleza y el recogimiento introspectivo. Vinculado desde 1955 al lenguaje de la abstracción, ha sido influenciado en diferentes momentos de su vida por Anglada Camarasa y Brossa, dos artistas que, más allá de una estética, le aportaron una actitud vital y ética delante del arte. El trabajo de Borrell ha sido y es actualmente intenso y constante, moviéndose siempre en unos parámetros que va repitiendo con rigor y dedicación.

 

El color en la obra de Alfons Borrell es un agente invasor que se mueve y fluctúa, el artista lo define como una extensión de la persona, que te mimetiza con el entorno, “si caminas por un bosque lleno de abetos te vuelves verde, si pudieras sumergirte en el mar saldrías de color azul…” Afirma “me gustaría ser pintura”. Se trata de una visión propia del color y la pintura, ligada al concepto, al pensamiento, y también a la vivencia. Borrell utiliza solo cinco pigmentos extraídos de la tierra, verde, azul, naranja, ocre y gris; mientras que el blanco, de la superficie de la tela, emerge como una aparición de la luz.

 

A este trabajo del color, que ha utilizado reiteradamente por sus connotaciones simbólicas, se le suma la percepción de presencias y ausencias a partir de una particular experiencia de límites. En sus pinturas, líneas verticales recorren la superficie designando simbólicamente una presencia, líneas horizontales remiten al horizonte, y la imposibilidad de contener la materia de color, que, en ocasiones, desborda los márgenes marcados, nos muestra la experiencia de lo ilimitado.

 

La obra de Borrell pide una contemplación activa por parte del espectador, que establece una relación de tensión con las obras. Su experimentación no depende de códigos de interpretación o conocimientos previos sino que su pintura parece dirigirse directamente al observador, interpelándolo, pero dejando siempre un espacio de libertad como posibilidad para habitar su lenguaje.

 

Alfons Borrell (Barcelona, 1931) vive y trabaja en Sabadell. Tras una primera etapa de formación en la pintura figurativa, se inició en la abstracción en 1955, con obras próximas al informalismo. Alejado de la academia, formó parte del Grup Gallot, grupo iconoclasta y revolucionario vinculado a la pintura gestual. Esta experiencia radical le permitió encontrar su propio camino, de sobriedad y silencio, a lo largo de los 60. A partir de 1976, empezó a titular sus obras con la fecha exacta de su finalización, a modo de diario, el mismo año que participó en la colectiva Pintura 1, en la recientemente inaugurada Fundació Joan Miró de Barcelona, donde volvería a exponer en solitario dos años más tarde y, en 2015, con una gran retrospectiva. Entre las exposiciones en los últimos años, destaca la realizada en 2006 en el Centre Cultural Santa Tecla, L’Hospitalet de Llobregat, que itineró al Museu de Sabadell, la antológica de obra sobre papel realizada en 2011 en la Fundació Palau de Caldes d’Estrac y la realizada el mismo año en la Fundació Vila Casas. Ha participado en exposiciones colectivas en el MNAC, el Centre Cultural Tecla Sala, el MACBA, el CCCB y el Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, el Museo Rufino Tamayo, México DF, el Flanders Contemporary Art, Minneapolis, y el Museum of Contemporary Art, Filadelfia. En 2014 recibió el premio GAC, un galardón honorífico en reconocimiento a su larga trayectoria.

El doble no existe, 2016

 

Detrás de todas nuestras acciones y voluntades siempre hay una sospecha. Alguien no deja de observarnos desde nosotros mismos. El que no descansa mientras dormimos, que se asoma en los lapsus y en los reflejos, que nos enjuicia constantemente, que nos toma como rehenes en estados alterados. ¿Quién es ese otro?

 

El doble es la crítica más incisiva a la autoproclamada integridad del yo. Provoca pugnas y discusiones en campos que van de lo filosófico a lo social. ¿El doble es una proyección del yo o una entidad con sus propias intenciones? ¿Quién gobierna al sujeto? ¿Es un efecto neuronal o una construcción simbólica? ¿Por qué ese doble nunca desaparece? ¿Es una cuestión mitológica? ¿Dicotomía o multiplicidad?

 

El proyecto de Erick Beltrán, que se mostrará en dos espacios, Galeria Joan Prats y Joan Prats Warehouse, reúne trabajos e investigaciones realizados entre 2014 y 2016, a modo de ensayo visual o “Bilder Atlas” (atlas icónico), un diálogo emulando el que se establece entre consciente e inconsciente.

 

Erick Beltrán (México DF, 1974) vive y trabaja en Barcelona. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de São Paulo (2014 y 2008), Of Bridges and Borders, Valparaíso, Chile (2013), Tapei Biennial (2012), Biennale de Lyon (2011), Manifesta 8, Murcia (2010) y Trienal de Puerto Rico (2009 y 2004). Entre sus exposiciones individuales recientes destacan The Fallen Tree, Kadist Art Foundation, San Francisco (2015), Atlas Eidolon, Museo Tamayo, México DF (2014), Piezas de juego, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Viena; The Witgenstein Archives/Gallery Volt, Bergen, Noruega (2013), La part abyssale, Centre d’art Contemporain La Synagogue, Delme, Francia (2012), The World Explained, Tropenmuseum, Ámsterdam (2012), Modelling Standard, FormContent, Londres (2010), Tolv/Zeigarnik effect, Malmö Konsthall, Suecia (2009), Ergo Sum, Museo Experimental El Eco, México DF (2006), Punch – Drunk, SMAK, Gante, Bélgica (2005). Ha expuesto en centros nacionales e internacionales como New Museum, Nueva York; CCA Watis, San Francisco; MALBA y Fundación Proa, Buenos Aires; Castello di Rivoli, Turín; WUK Kunsthalle Exhergasse, Viena; Bildmuseet, Umeå, Suecia; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Fundació Tàpies, Barcelona; MUSAC, León; cGac, Santiago de Compostela.

El doble no existe / El doble de las mil caras

Un chamán dejando escapar su alma en forma de un perro.

Un paciente observando como lo operan mientras levita en medio del quirófano.

El súcubo que no nos deja respirar durante el sueño

Una persona velando un espejo al morir alguien en casa.

El homúnculo operando desde un cuarto de control.

Mr. Hyde atacando al Dr. Jekyll.

El hombre lobo robando la próxima cosecha al demonio, para darla a los hombres.

El diablo componiendo una sinfonía a Tartini.

Policías destruyendo las matrices de billetes falsos.

Bonnet mirando unas mujeres de 10 cm de estatura peinadas estilo siglo XVI, entrando en su habitación.

Un artista pintando un cuarto secreto donde se pudre el rey.

Una mujer atacada por su propia mano.

El médico del rey tomando los signos vitales de un muñeco, al cual le da tratamiento.

Franco acariciando la mano de Santa Teresa.

Una piedra enterrada a cambio del marinero que nunca regresó.

Zeus metamorfoseándose en Anfitrión y Mercurio en su ayudante Sosias para seducir a una mortal inalcanzable.

Ese individuo que nos observa por detrás del hombro.

Unos perros jugando al póker y un sátiro tocando la flauta

Dos serpientes que son un cráneo humano, que es una diosa guerrera, que mata a sus 400 hermanos desde el vientre de su madre.

 

¿Qué es lo que hace mover nuestros órganos más allá de una decisión consciente?

¿Por qué no podemos controlar nuestros sueños?

¿Por qué existe la sensación de que nuestra consciencia habita dentro de un cuerpo y no es el cuerpo?

¿Por qué al morir algo queda y algo se va?

¿Quién es el que habla durante estados alterados de consciencia?

¿Por qué podemos escuchar una voz dentro de nuestra mente?

¿La duplicación de algo implica la falsificación de un original?

¿Por qué lo único representa un valor de verdad?

¿Cómo se construye la idea de oficialidad?

¿Cómo permean estos órdenes conceptuales a una organización de personas?

¿Cómo es que la concentración de verdad implica fuerza física en el mundo?

¿Qué es lo que define el límite de una unidad?

¿Qué sucede cuando un cuerpo habita otro cuerpo?

¿Qué pasa cuando un cuerpo no se sujeta a la narrativa temporal?

¿Por qué es que el más allá se nos aparece en forma de espectros, demonios e infiernos?

¿Bajo qué circunstancias nos podemos ver a nosotros mismos fuera de nosotros mismos?

¿Cuándo el hombre se percibe a sí mismo como una unidad?

¿Cuándo es que el hombre se convierte en lector del universo?

¿Cómo es que se pueden hacer viajes extra-corporales?

¿Qué relación tienen las hadas, las brujas, los zombies, los vampiros, con el mundo del doble?

¿Se puede hacer callar a los dobles?

 

El yo del hombre es la unidad bajo la cual todo se ordena y clasifica. Sin embargo dentro de esa psique siempre queda una duda, una fractura que hace asomar otra cosa un poco más allá, es algo que niega su independencia e inefabilidad.

 

La forma que tiene la unidad para entender al universo en toda multiplicidad es la de la creación de un alter ego que le regrese la mirada.

 

Erick Beltrán

Comisariado por Ramón Castillo

 

 

 

La exposición Habitar el vacío, comisariada por Ramón Castillo, reúne por primera vez a cuatro artistas chilenos,

 

Alfredo Jaar, Iván Navarro, Fernando Prats y Raúl Zurita, en la Galeria Joan Prats de Barcelona.

 

Los cuatro artistas, desde distintas aproximaciones conceptuales, sensibilidades e ideologías estéticas, realizan obras de denuncia o crítica ante tragedias humanas sucedidas en distintas partes del mundo, con un lenguaje que fuerza el límite de lo visual y textual, a través de distintos dispositivos editoriales, materiales y tecnológicos. Esta dimensión extrema de sus investigaciones se convierte en la metáfora del título Habitar el vacío: el arte como forma de superar el aislamiento o la falta de empatía entre las personas.

 

Sus obras confluyen en la generación de un estado de alerta del espectador-lector frente a los asuntos territoriales, económicos, políticos y sociales que afectan a los habitantes de distintos lugares del planeta donde la esperanza se convierte en un gesto revolucionario. Presentamos la investigación visual y textual de los cuatro artistas que desafían el sinsentido y lo informe de la experiencia contemporánea.

 

Raúl Zurita (Santiago de Chile, 1950) vive y trabaja en Santiago de Chile. Su obra se ve marcada por la Dictadura Militar, durante la cual fue detenido y torturado. La poesía, la performance y las intervenciones urbanas forman parte de un repertorio de acciones que desarrolló de forma crítica, creativa e interdisciplinar. Raúl Zurita alterna su trabajo literario, recitales poéticos y su trabajo docente en la Universidad Diego Portales y en Harvard. Ha obtenido importantes reconocimientos como el Premio Nacional de Literatura de Chile, el Premio Pablo Neruda, el Premio Pericle d’Oro de Italia, las becas Guggenheim y DAAD, entre otros.

 

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de Venecia, representando a Chile (2011); Mediations Biennale, Poznan (2012); Bienal de Canarias (2009); Trienal de Chile, (2009) y Exposición Universal del Agua, Zaragoza (2008). Ha expuesto su obra en centros de arte internacionales como Espace Culturel Louis Vuitton, París, Fundació Miró, Barcelona o Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.

 

Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956) vive y trabaja en Nueva York desde 1982. Este artista, arquitecto y cineasta ha expuesto su obra en centros de arte de todo el mundo y ha participado en bienales como la Bienal de Venecia (1986, 2007, 2009 y representando a Chile en 2013), la Bienal de São Paulo (1987, 1989, 2010) y la Documenta de Kassel (1987 y 2002). Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en el New Museum de Nueva York, la Whitechapel gallery de Londres, el MACRO Museo d’Arte Contemporanea Roma, el Moderna Museet de Estocolmo, y el Museum of Contemporary Art de Chicago. Es premio nacional de arte de Chile.

 

Iván Navarro (Santiago de Chile, 1972) vive y trabaja en Nueva York desde 1997. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de Venecia, representando a Chile (2009), Prospect2 de New Orleans (2011), bienal de la Habana (2012) y The Disappeared/Los Desaparecidos, exposición organizada por North Dakota Museum of Art y que itineró por Norte y Sudamérica desde 2005 hasta 2009. Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en Matucana 100, de Santiago de Chile (2015 y 2007), Museum of Contemporary Art, Aukland, Nueva Zelanda y Sydney, Australia (2015), Frost Art Museum de Miami (2012).

 

En la inauguración contaremos con la presencia de los artistas.

Se ha editado un catálogo con motivo de la muestra.

 

 

Alex

 

Alex es un personaje ficticio creado por la artista Pauline Bastard. Con la ayuda de una antropóloga, un abogado, una psicoanalista, una estilista, una decoradora y una guionista, Alex ha sido imaginado y seguido durante más de un año en su proceso de inserción en la vida real, enfrentado a la construcción de su existencia social, administrativa, afectiva…

 

El montaje expositivo evoca un interior doméstico, donde se disponen mobiliario y objetos personales de Alex, junto a seis videos que narran la vida del personaje, desde su génesis a sus ‘primeros pasos’.

 

El casting para escoger a Alex, las reuniones del equipo de profesionales, los momentos de la construcción de un personaje sin pasado… asistimos a fragmentos del inicio de una existencia, el proceso de creación, no de un avatar, sino de una persona de carne y hueso y sus pasos para afrontar las relaciones sociales urbanas. El resultado es un experimento fílmico, ni ficción, ni documental, decenas de horas de película son las pruebas de la existencia de Alex.

 

Con este proyecto Pauline Bastard plantea una serie de preguntas.

¿Cómo manipular la forma creativa? ¿Cómo manipular lo natural y lo sobrenatural sin caer en el caos?

Alex habla de la construcción de la identidad, de nuestra sociedad. ¿Quién es Alex?

 

Pauline Bastard crea narrativas complejas desarrolladas a través de instalaciones, películas y esculturas que contienen y se refieren a sus experimentos. A través de colaboraciones con diferentes profesionales, cuestiona la construcción del yo y su lugar en el mundo contemporáneo. Pauline Bastard crea historias, hace que sucedan, utilizando situaciones como tema y tomando experiencias aparentemente irrealizables como material para su producción.

 

Alex ha sido galardonado por el Audi Talent Award y ha recibido el apoyo del CNAP, Centre National des Arts Plastiques, (2015).

 

Pauline Bastard (París, 1982) ha participado en exposiciones individuales y colectivas internacionales entre las que destacan Supernaturel, Fondation Ricard, París (2014), The Imminence of Poetics, 30 Bienal de São Paulo (2012), 8ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2011). Se formó en la escuela de Bellas Artes de París y en MFA Studio Art, New York University.

 

Presentamos en Galeria Joan Prats la nueva exposición de Fabian Marcaccio New Paintant Family-Group-Cluster-Swarm, con su obra reciente, pintura tridimensional que se comporta como escultura e instalación.

 

Como punto de partida de la exposición, Marcaccio investiga el significado de familia, grupo, clúster y enjambre en la sociedad, así como en la pintura misma. El espectador se introduce, en la primera sala, en una instalación pictórica en forma de enjambre hasta acceder a la sala principal, donde una familia, grupo, clúster de obras en 3D y de pinturas sobre cuerda parecen explicar una historia.

 

Fabian Marcaccio ha sido uno de los pioneros de la pintura digital, en un intento de redefinir el género pictórico, ampliando sus parámetros temporales y espaciales, y rastrear la integración de lo que está hecho a mano y lo que está hecho a máquina. En los noventa, trabajó la composición y la impresión digitales y, más adelante, la impresión en 3D, para crear obras pictóricas que denomina Paintants, neologismo a partir de las palabras inglesas pintura, painting, y mutante, mutant. Marcaccio considera la pintura como una constelación de contenido cambiante, que a veces toma forma de configuraciones en 3D, de animaciones o de arte ambiental. 

 

Fabian Marcaccio nació en Rosario, Argentina, en 1963, y vive y trabaja en Nueva York desde 1986. Ha participado en exposiciones en centros y museos internacionales. Entre sus exposiciones recientes destacan Paintant Stories en Casa Daros de Rio de Janeiro (2014), Variants en el Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM de Las Palmas de Gran Canaria (2013), Some USA Stories en el Museen Haus Lange / Haus Esters de Krefeld, Alemania (2012), The Structural Canvas Paintants en el Lehmbruck Museum de Duisburg, Alemania (2012) y en el Georg Kolbe Museum de Berlín (2011). En el 2011 recibió el premio de escultura Bernhard Heiliger.

 

 

Presentamos Hernández Pijuan 1977-2005, una exposición dedicada a los 28 años de colaboración y complicidad de Joan Hernández Pijuan con la Galeria Joan Prats. Las obras seleccionadas corresponden al período 1977-2005, con especial énfasis en los últimos años de su trayectoria.  

 

La exposición no tiene un carácter retrospectivo, aunque la selección de obras intenta ser una muestra de un largo periodo de la producción pictórica del artista.

 

Presentamos obras sobre tela y papel en distintas técnicas y formatos, así como una selección del archivo del artista, fotografías y esbozos, permitiendo descubrir su entorno creativo y algunos de sus proyectos o procesos de trabajo.

 

Esta exposición quiere ser un homenaje al artista, una expresión de gratitud y de amistad, de reconocimiento a su trabajo, y una muestra de una obra que hoy sigue siendo tan contemporánea como el primer día.

 

 

Joan Hernández Pijuan (1931-2005) ha sido uno de los artistas catalanes contemporáneos más reconocidos internacionalmente. Ha participado en exposiciones en centros de arte internacionales y ha recibido numerosos premios, como el Premio Nacional de Arte Gráfico en reconocimiento a su trayectoria (2005), el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Plásticas (2004) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981).

 

Entre sus exposiciones más destacadas están la participación en la 51 Bienal de Venecia (2005); Tornant a un lloc conegut… Hernández Pijuan 1972-2002 en el MACBA, Barcelona (2003), que itineró por el Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, la Konstshalle Malmö y la Galleria d’Arte Moderna de Bolonia; Hernández Pijuan-drawings 1972-1999, en el Rupertinum Museum de Salzburgo (2000) y Espacios de silencio 1972-1992 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1993), que se presentó también en el Museo de Monterrey, México.

 

Recientemente su obra se ha mostrado en una retrospectiva en el Moscow Museum of Modern Art; en la exposición Farben der erde, en el Altana Kulturstiftung de Bad Homburg, Alemania y en la exposición La distancia del dibujo, itinerante por el Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca, el Museu de Montserrat y el Museu d’Art Espanyol Contemporani, Palma de Mallorca.

 

Siguiendo una línea de investigación de largo recorrido acerca de la relevancia de producir obras de arte, Perejaume propone un experimento minimalista, con dos obras nuevas.

 

A lo largo de su producción artística, Perejaume siempre ha cuestionado el espacio dedicado a las obras de arte. El espacio, entendido como lugar físico, como puede ser el espacio exterior o el lugar de exhibición -galería, museo- pero también el espacio mental. Dejar espacio a las obras de arte remite también a una noción temporal: ¿cuánto tiempo dedicamos a contemplar las obras? ¿Qué lugar ocupan en nuestras vidas?

 

La exposición se puede considerar como una representación íntima y teatralizada en dos tiempos.  

 

La antesala, de paredes oscuras, nos introduce en la galería con la frase: “¿No os parece que las obras empiezan a ser tan valiosas como el lugar que ocupan? ¿No oís que, de tantas como hay, las obras dicen y redicen, tanto al que las visita como al que las hace: “No cabemos, hacednos sitio”?

 

La primera sala está dedicada a una única fotografía en blanco y negro, realizada a partir de la exposición de 140 fotogramas de la película “El Ball de l’Espolsada”, que fue rodada en 1902. La filmación se encargó al estudio Napoleón de Barcelona cuando, a inicios del siglo XX, este baile popular fue objeto de recuperación tras cincuenta años en el olvido. La restauración de este material permitió redescubrir la coreografía original. La película, que es una de las filmaciones más antiguas de Cataluña, pertenece al Museo Etnológico de Barcelona y está depositada en la Filmoteca de la Generalitat de Catalunya.

 

En la segunda sala, nos encontramos un imponente proyector de cine que presenta la Projecció cinematogràfica del llegat Cambó. El legado Cambó es un fondo de cincuenta y dos pinturas de los grandes maestros europeos de entre los siglos XIV y XIX (Veronese, Tintoretto, El Greco, Rubens, Metsys, Gainsborough, Le Brun, Goya, Fragonard, Quentin de la Tour, Lucas Cranach, Tiepolo…). Es la aportación desinteresada de más valor que ha recibido el MNAC y proviene del político y mecenas Francesc Cambó (1876-1947). En la proyección, el legado fluye vertiginosamente como una fulguración cromática.

 

 

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Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957) ha recibido premios como el Premio Nacional de Arte Gráfico de la Real Academia de Bellas Artes, el Premio de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya. Recientemente ha comisariado la exposición Maniobra de Perejaume en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. Ha mostrado su obra en exposiciones como ¡Ay Perejaume, si vieras la acumulación de obras que te rodea, no harías ninguna más!, La Pedrera, Barcelona; Imágenes proyectadas, CAB Centro de Arte Caja Burgos, Burgos; Amidament de Joan Coromines, Es Baluard, Palma de Mallorca, La Pedrera, Barcelona; Retrotabula, Palacio de los Condes de Gabia, Granada, Artium Vitoria. Ha participado en bienales internacionales como Prospect 1 New Orleans (2008), Art Unlimited, Basel (2006), 51 Bienal de Venecia (2005). Ha publicado recientemente Mareperlers i Ovaladors, Edicions 62, Barcelona (2014) y Paraules Locals, Tushita edicions, Barcelona (2015).

Prova rebutjada (Tout va bien)

 

Prova rebutjada (Tout va bien) propone un recorrido a través de obras unidas por su carácter de umbral y por la forma poética en que determinan su posición política, hilo común de su método de resistencia.

 

El nombre de la exposición combina los títulos de dos obras que se presentan en la muestra: Prova rebutjada, de Joan Brossa, y Tout va bien, de Muntadas. Mientras el primero afirma con rigor administrativo una realidad sin desvelar que no tiene escapatoria, Tout va bien aporta un consuelo inmediato, pero proyectando una precariedad sarcástica. Este enunciado, encerrado en los signos de su ambigüedad, arroja una luz irónica sobre estos lemas triunfalistas de los años 2000, lemas que no dudaban en relacionar la efervescencia económica con promesas de felicidad. La exposición reúne, en esta línea, obras que movilizan estrategias y espacios micropolíticos para cuestionar discursos hegemónicos. Frente a la aparente coherencia de los relatos dominantes, la mayoría de las obras optan por una yuxtaposición de ideas y una estructura breve que recuerdan a la forma del haiku.

 

Prova rebutjada (tout va bien) remite al ritmo de los gestos que se presentan en las obras: gestos vitales modestos y contenidos que, en vez de reivindicar su alcance, inciden en tácticas críticas frente a las narrativas establecidas. 

 

Artistas:
Joan Brossa, Cabello/Carceller, Hannah Collins, Carles Congost, Ariadna Guiteras, Lola Lasurt, Mariokissme, Muntadas, Javier Peñafiel, Perejaume.

 

 

Comisariada por: Olivier Collet & Patricia de Muga

solid surface, 2015

 

Galeria Joan Prats presenta solid surface, la primera exposición de Annika Kahrs en Barcelona, que reúne sus videos más recientes.

 

Annika Kahrs trabaja principalmente con video, performance y fotografía. Se interesa por las construcciones sociales y científicas, y por las relaciones orgánicas evolucionadas como las que se establecen entre humanos y animales. En su obra, Annika Kahrs examina representación e interpretación. Sus películas oscilan entre puestas en escena obvias y la observación estilo documental; una característica distintiva de sus películas es que la artista nunca se esconde en el film, incluso si su presencia sólo se revela en una breve mirada de un actor o actriz hacia la directora. Esto muestra un acercamiento particular al entorno que parece casi guiado por un proceso matemático.

 

Annika Kahrs presenta solid surface, with hills, valleys, craters and other topographic features, primarily made of ice, su último video sobre Plutón. La acción de esta película se sitúa en un planetario donde se proyecta un cielo estrellado en el centro del cual aparece una luz circular que identificamos con la luna, tras mirarlo detenidamente, este cuerpo celestial resulta ser un foco que muestra la ilusión de nocturnidad al revelar el blanco de la pantalla. En esta obra, la artista recurre a imagen y narración para hacer un retrato de Plutón, cuya visión pronto cambiará pues una misión de la NASA va a llegar a su órbita y podrá, por primera vez, fotografiarlo de cerca. Hasta el momento, las ilustraciones científicas del planeta se basaban en la especulación; este cambio de la imagen imaginaria al retrato real es lo que convierte a Plutón en el protagonista ideal de la obra de    Annika Kahrs.

 

La relación entre ficción y realidad también juega un papel importante en el video Sunset-Sunrise. En esta película, el espectador cree estar observando una puesta de sol, al ver el astro rojo brillando en el horizonte. Gradualmente la imagen se aclara, un velo reluciente se desplaza a través de la imagen desde abajo, hasta que la proyección se vuelve blanca. El enigma se soluciona cuando la cámara se aleja y nos permite descubrir que estamos en un aula. Por lo tanto, no hemos sido testigos de un extraño fenómeno natural, sino que se trataba de una proyección de un atardecer que se disuelve lentamente en la luz real al abrir las persianas de la sala.

 

En études cliniques ou artistiques, Annika Kahrs filma una mujer que adopta diversas posturas que parecen ser ejercicios gimnásticos o de yoga. Sin embargo, es la artista la que da instrucciones a la performer, siguiendo el modelo de fotografías del hospital psiquiátrico parisino de La Salpêtrière que muestran las posturas de “grandes ataques de histeria”, término creado por Charcot. En esta película Annika Kahrs deconstruye la mirada masculina a la vez que desenmascara la fotografía como medio de manipulación más que como documentación.

 

 

Annika Kahrs (Achim, Alemania, 1984) vive y trabaja en Hamburgo. Ha recibido diversos premios y becas, entre los cuales destaca el premio George-Maciunas-Förderpreis en 2012, donación de René Block. En 2011 ganó el primer premio de la 20 Bundeskunstwettbewerb del Ministerio de Educación e Investigación de Alemania.  Annika Kahrs ha participado en exposiciones celebradas en museos y centros de arte internacionales como Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlín(2015), Kunsthalle Bremerhaven (2015), exposición On the Road, en Santiago de Compostela (2014), la Bienal de Curitiba, Brasil (2013), Hamburger Kunsthalle (2013), KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2012), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn(2011), Goldsmiths University, Londres (2011), y el festival Velada de Santa Lucia en Maracaibo, Venezuela (2010). Participará en la 5ª Tessaloniki Biennale of Contemporary Art el próximo mes de junio.

Nidal

Presentamos Nidal, la primera exposición de Victoria Civera en Galeria Joan Prats, que reúne una serie de objetos y dibujos realizados durante los últimos años por la artista.

 

Nidal* describe simbólicamente el modo de pensamiento de Victoria Civera en su proceso de trabajo, aportando un orden de ritmo y movimiento a sus piezas, que crecen lenta y azarosamente, tejiendo una infinita membrana, hecha de materiales, objetos, superficies, color y pieles diferenciadoras, como si se tratara de palabras aisladas.

 

Su desarrollo es una reflexión sin pausa, entre silencios y susurros, donde Civera parece invitarnos a un viaje, a una experiencia concéntrica, fundamentada en una lógica de pensamiento poético, donde la artista se encamina al encuentro de la frase, suceso, sujeto y obra. Mezclando vocabularios e hibridando lúdicamente sintaxis, exponiendo quebraduras donde figuración y abstracción desbordan sus fronteras convencionales, su obra crece hilvanando fricciones y sentidos, enfrentándose a su infancia y recreándola, con reflexión, drama y humor.

 

Las palabras del poeta Paul Valéry podrían acercarnos al eco de la obra de Victoria Civera: “Poeta: no es una imagen determinada lo que deseo, sino el grupo maravilloso de todas las posibles.”

 

 

* Creación, deseo, ilusión; principio, fundamento, motivo de que suceda o prosiga algo: creencia.

Refugio, interior, casa, pensamiento, introspección, doble espejo.

 

 

Victoria Civera (Port de Sagunt, Valencia, 1955) vive y trabaja entre Nueva York y Saro, Cantabria. Entre sus exposiciones individuales destacan Sueños inclinados, IVAM, Valencia (2011), Atando el cielo, CAC, Málaga (2010), Túnel eterno, Palacio de los Condes de Gabia, Granada (2006), y Bajo la piel, Espacio 1, MNCARS, Madrid (2005). También ha participado en exposiciones en centros de arte como CGAC de Santiago de Compostela, MAS de Santander, Caixaforum de Barcelona, Mumok- Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena, MACBA de Barcelona. Su obra forma parte de colecciones de instituciones y museos como MNCARS, IVAM, CAC Málaga, Es Baluard de Palma, Artium de Vitoria-Gasteiz, Colección Banco de España, Colección “la Caixa” o Patio Herreriano de Valladolid.

Altamira

Presentamos Altamira, la tercera exposición de Caio Reisewitz en Galería Joan Prats, con obra reciente, fotografías, collages y vídeo.

 

Altamira alude a un municipio brasileño, donde el bosque llamado Belo Monte, bordeado por el río Xingú, desaparecerá a causa de la construcción de la tercera central hidroeléctrica más grande del mundo. Este proyecto ha sido muy criticado ya que supondrá un gran impacto medioambiental y pondrá en peligro la supervivencia de diversos pueblos indígenas.

 

La obra de Caio Reisewitz profundiza en la explotación del ecosistema por parte de los seres humanos y la destrucción que conlleva. Paradójicamente, en sus fotografías, vemos una naturaleza intacta, donde la presencia humana parece borrada. El artista, a menudo, registra el vertiginoso intento de su país por conseguir el desarrollo económico, y detalla los problemas ecológicos globales que se derivan de la destrucción indiscriminada de los bosques brasileños, dejando un espacio para la esperanza de que naturaleza y cultura humana puedan compartir los mismos intereses algún día.

 

Como trasfondo a la exposición está la reciente divulgación en Brasil de diversos escándalos relacionados con la corrupción, como una gran operación organizada por la policía federal llamada del “lavado de coches” (Operação Lava Jato) que ha afectado a diversas personalidades públicas, y a la vez un estado de anestesia y de fantasía, una conjunción emocional que impregna las obras presentadas.

 

 

Caio Reisewitz (São Paulo, 1967) vive y trabaja en São Paulo. Recientemente ha presentado su primera gran exposición individual en los Estados Unidos en el ICP – International Center of Photography de Nueva York. Ha participado en la bienal Daegu Photo, Corea del Sur (2014), en la bienal de Curitiba, Brasil (2013), en el proyecto LARA Latin American Roaming Artist, Colombia (2013), en la bienal de Nanjing (2010), en la Bienal del Fin del Mundo de Ushuaia, Argentina (2009 y 2007), en la bienal de Venecia (2005) representando a Brasil, y en la bienal de São Paulo (2004). Su obra ha sido expuesta en centros de arte de Europa y de América latina, como Museu de Arte Contemporanea de Goiás, Goiânia, Casa da Imagem OCA de São Paulo, Museu de Arte do Rio de Janeiro, Grand Palais de París, Centro de Arte Huarte de Navarra, Somerset House de Londres. En 2015 presentará una exposición individual en el Huis Marseille Museum voor fotografie de Amsterdam y en la Maison Européenne de la Photographie de París.

El Partido. Mujeres casadas contra mujeres solteras, una iniciativa de Manuel Ramírez, barman del Club Federico García Lorca, Bruselas, 1976, 2014

La obra de Lola Lasurt parte de material testimonial de una época anterior a la suya, de un espacio temporal que la artista nunca ha ocupado, y trabaja aspectos del des-tiempo, esquivando la doctrina histórica como empresa abierta y auto-crítica y examinándolo todo, ya sea a través del fenómeno del reconocimiento, como mediante la generación de extrañeza.

 

Con un acercamiento crítico a la idea de nostalgia, Lola Lasurt lleva a cabo un análisis del pasado reciente caracterizado por un cambio de paradigma dentro de lo social, político y autoreferencial del mismo mundo del arte, trabajando la relación de este espacio con la manera de construir la identidad propia y como colectivo, en un sistema de organización que no diferencia entre cultura y patrimonio, iniciativa popular e institucional.

 

La artista se interesa por el tiempo histórico individual, por su relación con las directrices de comportamiento de la cultura hegemónica y también por sus procesos de construcción de símbolos colectivos.

 

Su trabajo se formaliza a través de la instalación pictórica, el vídeo, y se despliega mediante procesos colaborativos. En motivo de esta exposición, la primera exposición de Lola Lasurt en la Galeria Joan Prats, la artista presenta las siguientes obras:

 

Exercici de ritme (sobre el monument a Francesc Layret), 2010-2014, proyecto a partir del monumento dedicado al político y abogado laborista Francesc Layret, situado en la Plaza Goya de Barcelona. Mediante registro analógico (película super-8), Exercici de ritme propone convertir el monumento en el escenario de un encuentro amoroso entre los cuatro personajes que forman el conjunto escultórico, por medio de la retórica cinematográfica del erotismo. De esta manera, Exercici de ritme es un ejercicio de experimentación con el medio cinematográfico que tiene como finalidad reactivar en el presente una escultura pública que fácilmente pasa desapercibida en el entramado de la ciudad. Mediante una aproximación a la escultura ilusoria y a priori ilógica, Exercici de Ritme quiere desplazar el Monumento a Francesc Layret del terreno de la historia hegemónica y las luchas colectivas al terreno personal.

 

El Partido. Mujeres casadas contra mujeres solteras, una iniciativa de Manuel Ramírez, barman del Club Federico García Lorca. Bruselas, 1976, 2014, proyecto que recrea el partido de fútbol en el que jugaron mujeres casadas contra mujeres solteras en la fiesta anual del PC en Bélgica en el 1976 y que comprende un grupo de setenta y seis pinturas en forma de friso animado, hechas a partir de las imágenes en movimiento de la película super-8 que documenta el partido original. Esta obra, de la misma manera que Exercici de Ritme, se sitúa en la conjunción entre el terreno personal, en este caso vinculado a cuestiones de género, y los intereses colectivos, porque repasa características relevantes de la historia reciente vinculada a momentos de cambio.

 

Amnèsies, 2011, serie de pinturas hechas a partir de fotografías del álbum familiar de la artista, donde estas aparecen recortadas por su padre quien, en un momento determinado, decidió extraer el contexto para que mostraran solo a los familiares y personas conocidas. El trabajo de Lola Lasurt se basa en esta decisión y consiste en la reordenación de las imágenes recortadas dejando también los vacíos de algunas imágenes, como si en algún momento se hubiesen caído o extraído. Estos vacíos pintados introducen la amnesia en el relato familiar y, de alguna manera, evocan la discontinuidad y la fragmentación que caracterizan a los mecanismos de construcción de los recuerdos.

 

Lola Lasurt (Barcelona, 1983) vive y trabaja entre Barcelona y Gante, Bélgica. Licenciada en Bellas Artes en la Universitat de Barcelona, realiza el posgrado en Estética y Teoría del Arte Contemporáneo Pensar l’art d’avui de la Universitat Autònoma de Barcelona y el Máster Produccions Artístiques i Recerca de la Universitat de Barcelona. Ha sido residente en HISK, Gante (2012-14), La Ene, Buenos Aires (2014), Kunsthuis, Friesland, Holanda (2013), Greatmore Art Studios, Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2012), Eart, Barcelona (2010) y Hangar, Barcelona (2008). Entre sus últimas exposiciones destacan Write of Spring, Het Paviljoen, Gante, Doble autorització, Fundació Miró, Barcelona, Los Inmutables, DAFO, Lleida, Learn and Teach, Cape Town Art Week, Amnèsies, Espai2, Terrassa, La gran aventura, Can Felipa, Barcelona, El Gegant Menhir, Museu Abelló, Mollet del Vallès, Contextos Intermedia, Tecla Sala, Barcelona y Paradís Perdut, Can Felipa, Barcelona. Nominada al ‘Young Belgian Art Prize 2015’, participará en una exposición en el museo BOZAR, Bruselas, en junio 2015.

Luis Gordillo

Presentamos la exposición de Luis Gordillo Aproximación-aproximándose, que reúne pinturas, dibujos y fotografías recientes.

 

Luis Gordillo ha utilizado y se ha apoyado en la fotografía durante toda su trayectoria, primero de un modo funcional, como modelo, y más tarde de un modo conscientemente más creativo, incluso como búsqueda dentro de la pintura.

 

En los años setenta, el artista empleó la fotografía en blanco y negro con numerosos objetivos, pero quizás el más importante y el que ha mantenido a lo largo del tiempo es el de analizar los elementos orgánicos de la pintura, neutralizando y cosificando el gesto.

 

La exposición Aproximación-aproximándose marca un punto de expansión de la fotografía en la obra de Luis Gordillo, en el que el artista trata de crear un espacio donde pintura y fotografía dialogan e interactúan.

 

Luis Gordillo sigue interesado primordialmente en la pintura como interrogación corporal; no obstante, con la intervención técnica de la fotografía crea una tensión dialéctica, un espacio mental en crecimiento.

 

 

Luis Gordillo (Sevilla, 1934) vive y trabaja en Madrid. Su obra ha sido una referencia artística en la creación pictórica de las últimas décadas. Ha expuesto en importantes museos e instituciones y ha recibido diversos premios a lo largo de su carrera, como el Premio Velázquez a las Artes Plásticas (2007). Entre sus últimas exposiciones destacan Luis Gordillo XXL/XXI, Artium, Vitoria; Horizontalia, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Sin título (Provisional), Fundació Suñol, Barcelona, Luis Gordillo – Iceberg total, Kunstmuseum Bonn, Alemania, Iceberg Tropical, Luis Gordillo. Antológica 1959-2007, MNCARS, Madrid.

PRESÈNCIA DE GALERIA JOAN PRATS

La Galeria Joan Prats abría sus puertas el 23 de marzo de 1976 con la exposición Presència de Joan Prats, homenaje a una de las figuras del arte contemporáneo de vanguardia más importantes de Barcelona, que da nombre a la galería.

 

Hoy, tras 38 años, nos despedimos de nuestro espacio emblemático en Rambla de Catalunya, tan unido a Joan Miró, Joan Prats y Josep Lluís Sert quien realizó el proyecto interior de la galería, y lo hacemos con una exposición que pretende recordar la actividad de todo este tiempo.

 

La última exposición en Rambla de Catalunya, Presència de Galeria Joan Prats, será pues otro homenaje: a la trayectoria de todos los artistas que han expuesto en ella y que han hecho posible escribir esta historia.

 

En Rambla de Catalunya exhibiremos una amplia representación de artistas como: Frederic Amat, Joan Brossa, James Lee Byars, Anthony Caro, Christo, Eduardo Chillida, Max Ernst, Josep Guinovart, Hans Hartung, Joan Hernández Pijuan, Wifredo Lam, Conrad Marca-Relli, Antoni Miralda, Joan Miró, Henry Moore, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Pablo Palazuelo, Picasso, Joan Ponç, Ràfols Casamada, Ed Ruscha, Sugimoto, Antoni Tàpies, Vieira da Silva, entre otros.

 

En el espacio de la calle Balmes mostraremos obra de Jordi Alcaraz, Alfons Borrell, Fernando Bryce, Hannah Collins, Joaquim Chancho, Enzo Cucchi, Evru, Ferran Garcia Sevilla, Luis Gordillo, Robert Longo, Chema Madoz, Fabian Marcaccio, Enrique Martínez Celaya, Tony Oursler, Caio Reisewitz, Julião Sarmento, José María Sicilia, Juan Uslé, entre otros.

 

En el espacio de Poblenou mostraremos obras de gran formato, instalaciones, proyecciones, etc., de artistas como Sergi Aguilar, Erick Beltrán, Carles Congost, Muntadas, Aleksandra Mir, Javier Peñafiel, Perejaume,  Fernando Prats, Alejandro Vidal, Eulàlia Valldosera y Zush.

Presentamos la exposición de Alejandro Vidal It is all true even if it never happened que reúne sus últimos trabajos, fotografía y vídeo.

 

 

La obra de Alejandro Vidal nos sitúa en una zona de fricción en dónde casi todo es incierto. Una gran parte de la sociedad protesta delante de la pantalla del ordenador. Las redes dominantes gestionan el entretenimiento como un mecanismo de control. La confusión es general y no está clara cuál es la pelea que nos corresponde.

 

El vídeo Only enemies speak the truth, 2011, evidencia la necesidad del desorden político, de la inestabilidad. Herramientas del individuo para derrumbar el sistema imperante. Aspectos como la desconfianza, la sospecha y la paranoia se exploran en The Potentiality of the worst, 2013. En este último vídeo, un ejecutivo de banca, que sufre de psicosis, busca micrófonos ocultos mediante un detector electrónico. Atemorizado, trata de demostrar que lo que para él sucede es real. Vidal utiliza las imágenes grabadas por el protagonista para sumergirnos en la cultura de la sospecha, de la vigilancia.

 

Critical Heat, 2012, reúne fotogramas que el artista selecciona de grabaciones amateur descargadas de Internet. En estas imágenes coches deportivos queman sus neumáticos al derrapar sobre el asfalto. El humo que producen nos remite a conflictos, explosiones, incendios, accidentes. Alejandro Vidal trata de redefinir el valor de la imagen, cuestiona su jerarquía y la pérdida de inocencia que se deriva de su uso. Por otra parte, las fotografías Tension and Release, 2013, muestran el vidrio delantero de un coche accidentado en donde el polvo de cristal se mezcla con la lluvia y la humedad. Un acercamiento a una fotografía más abstracta en relación a sus trabajos anteriores.

 

 

Alejandro Vidal (Palma de Mallorca, 1972) vive y trabaja en Berlín. Ha expuesto su obra en centros de arte como Museo Experimental El Eco, UNAM México, Bureau for Open Culture, en Columbus, Ohio, CAC Málaga, Kunstverein Medienturm de Graz, Austria, Participant Inc de Nueva York, Kunsthalle Winterthur de Suiza, Fundació La Caixa de Barcelona, QUAD en Reino Unido, Schirn Kunsthalle de Frankfurt, The Museum of Contemporary Art de Taipei, MIS de Sao Paulo, Da2 de Salamanca, Kling & Bang de Reikjavik, Palazzo delle Papesse en Siena, Mambo de Bolonia y Kunstmuseum Bern en Suiza. Ha participado en la Bienal de Busan en 2006 y en la Mediations Bienal de Poznan en 2012.

Presentamos la exposición Todesfuge de Fernando Prats, un proyecto que incluye obras en diversos formatos, video, instalación, fotografía, papel… que remiten al poema de Paul Celan Todesfuge (La Fuga de la Muerte).

 

 

Paul Celan escribió este poema en 1945, poco después del retorno de un campo de trabajos forzados. Publicado unos años más tarde, tuvo una gran repercusión en Alemania, donde se consideró Todesfuge como “un lamento moral del Arte contra la Historia”. En la instalación, el poeta entona este himno fúnebre como si se tratara verdaderamente de una fuga musical.

 

Para Paul Celan, la tarea del arte consistía en no dejar de dialogar nunca con las fuentes oscuras. Es este mismo espíritu dialéctico, entre lenguaje y oscuridad, el que intenta prevalecer y dar sentido al trabajo de Fernando Prats presentado en esta exposición. Sus obras, cargadas de un trasfondo histórico, nacen de una energía puesta al límite, representada por el humo como materialidad inequívoca. Son obras que ponen en relación conceptos contrapuestos, como aniquilación y armonía, subrayando, de este modo, un contrasentido que expresa un desconsuelo extremo.

 

Fernando Prats construye este relato a partir de los cielos de Auschwitz, lo acontecido en la Noche de los cristales rotos, la lluvia, el humo y la leche, como símbolo del alimento materno que aparece en la imagen de la “negra leche del alba” (Schwarze Milch der Frühe), con la que empieza el poema, y que sitúa la paradoja en la matriz de la creación.

 

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) ha participado en múltiples exposiciones internacionales. Representó a Chile en la 54 Biennale di Venezia, 2011; participó en la Mediations Biennale 2012, Polonia; en la Segunda Bienal de Canarias, 2009; la Trienal de Chile, 2009 y en la Exposición Universal del Agua, Zaragoza, 2008; y ha expuesto su obra en museos y centros de arte internacionales como Espace Culturel Louis Vuitton, París, Fundació Miró, Barcelona o Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile. En 2007 recibió la Beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation por su trayectoria, y en 2010 el Primer Premio ‘Ciutat de Palma Antonio Gelabert d’Arts Visuals’.

La intervención Seal Sounds Under The Floor de Alicia Kopf en la Galería Joan Prats se sitúa dentro del contexto del proyecto Àrticantartic. Este proyecto aborda la llamada “edad heroica” de las expediciones polares que tuvo lugar entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, coincidiendo con el nacimiento de la fotografía y el cine.

 

El objetivo de esta investigación es trabajar a partir de la apropiación y reelaboración de documentos gráficos y narrativos de exploradores de los polos, convirtiendo un relato histórico en un relato en primera persona sobre la resistencia, la obsesión y la idea de conquista.

 

 

Alicia Kopf presentó la exposición individual “Maneres de (no) entrar a casa“ en el Bòlit La Rambla, Gerona (2011), y ha participado en exposiciones colectivas en el CCCB, Barcelona (2013); Fundació Atrium Artis, Les Bernardes, Salt, Gerona (2012); Caixaforum, Barcelona, y BIAM (Bienal d’Art d’Amposta), Tarragona (2008), entre otras. Ha recibido varios reconocimientos como el premio Art Jove 2013 de la Generalitat de Catalunya (2013) y la beca Kreas para proyectos culturales y artísticos del Ayuntamiento de Gerona (2011).

 

Presentamos la exposición de Muntadas Protocolli Veneziani I.

 

 

Muntadas centra su trabajo en proyectos que tratan objetivos sociales y políticos que se desarrollan en dos niveles: percepción e información, donde la primera actúa a nivel emotivo y la segunda estimula la razón. En esta exposición, Muntadas observa Venecia prestando atención a las formas que él identifica como protocolos venecianos. Los protocolos son, citando a Angela Vettese, “prácticas, sistemas de reparación, combinaciones técnicas ritualizadas y costumbres que se materializan en una serie de superposiciones de la construcción del medio urbano”. Partiendo de una perspectiva personal, el artista muestra la dinámica de la vida en la Laguna hoy en día: protocolos que devienen esenciales, reinventándose y adaptándose al paso del tiempo.

 

Protocolli Veneziani I, la primera fase de un proyecto centrado en Venecia, está formada por una serie de imágenes en las que el artista revela las normas que regulan la vida en la ciudad, creando un marco en el que sus habitantes desarrollan sus respectivas existencias. Muntadas considera estas reglas como sombras y reflejos indispensables de la historia de Venecia, que se materializan en vestigios, trazos y signos – estética de una arquitectura particular.

 

El objetivo subyacente del proyecto es revelar el lado cotidiano de la ciudad que se oculta a los ojos del turista, deconstruyendo y desmantelando la realidad, sustituyéndola con fragmentos o pistas. Lo que emerge es una imagen de la ciudad marcada por la paradoja de una cultura local que ha sido objeto de un proceso de internacionalización que afecta inevitablemente a la evolución de sus protocolos.

 

 

Muntadas (Barcelona, 1942) vive y trabaja en Nueva York. Ha participado en numerosas exposiciones internacionales como la Documenta de Kasel (1977 y 1997), la Biennal de Venecia (1972, 1976 y 2005), la Bienal de São Paulo y la Bienal de Lyon. Ha expuesto en numerosos museos internacionales e impartido seminarios en instituciones académicas de Europa y América. Ha obtenido diversos premios, incluyendo el premio Velázquez de Artes Plásticas en 2009.

Presentamos en la Galeria Joan Prats una exposición de obra reciente de Chema Madoz.

 

 

La obra de Chema Madoz, cercana a la poesía visual, muestra una inclinación constante hacia lo simbólico, mediante imágenes que se caracterizan por un sutil juego de paradojas y metáforas.

 

Respetando las convenciones de la ‘naturaleza muerta’, sus fotografías muestran objetos que encierran ‘vida’ y descubren una nueva dimensión de significados a través de la descontextualización, recolocación o yuxtaposición de las apariencias habituales y cotidianas. De esta manera, Chema Madoz da forma a un imaginario que pone en duda nuestra credulidad en la fotografía, y en la existencia de una realidad intangible.

 

 

Chema Madoz (Madrid, 1958) fue Premio Nacional de Fotografía en el año 2000. Ha expuesto en museos y centros de arte como Netherland Photomuseum, Rotterdam, (2011); Hermitage Museum, Kazan, Rusia, (2011); Museo Nacional de Arte Contemporáneo Santiago de Chile, (2011); Tecla Sala, Barcelona, (2008); CCBB, Rio de Janeiro, Brasil, (2007); Fundación Telefónica / Ministerio de Cultura, Madrid, (2006); o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, (1999), entre otros. Actualmente, presenta la exposición Ars Combinatoria en Fundació Catalunya-La Pedrera, Barcelona.

En la exposición de Javier Peñafiel Latido antecedente presentamos los trabajos e investigaciones de sus últimos años, realizados principalmente entre Valparaíso y Berlín. 

 

 

Desde su perspectiva poética, el artista propone un recorrido a través de la historia, recuperando los latidos de célebres personajes que apostaron por el pensamiento crítico como vía de lucha y resistencia. De trabajos de larga duración como distancia, miento sobre la figura de Ruth Berlau (compañera de amor y producción de Bertolt Brecht), o Locución Merkel-Bachelet, una ficción sobre la posible coincidencia de Michelle Bachelet con Angela Merkel en un tranvía de la República Democrática Alemana en los 70, Javier Peñafiel extrae y codifica nuevos materiales en vídeo, textos dibujados y fotografías, dispuestos en una suerte de línea de tiempo en el espacio físico de la galería.

 

Intimidad privada de vida. “Nuestra actualidad es de una dureza inaudita en cuanto a la capacidad de algunos sectores para expropiar la experiencia de los más débiles. Es un escenario de absoluta confusión y derribo de toda autoestima colectiva. La intención de este trabajo y sus porosos tiempos de lectura es evitar que la creatividad, y la vida, sean instrumentalizadas por esa maquinaria de introversión del miedo. Son trabajos contra la fatalidad y no otra cosa.”

 

 

Javier Peñafiel (Zaragoza, 1964) ha expuesto en bienales, instituciones y centros de arte de Europa, Asia y Latinoamérica. Su obra está en colecciones privadas y públicas internacionales. Ha realizado residencias de largo término en Berlín, Lisboa, NYC, São Paulo, Valparaíso, etc. y cuenta con más de 14 publicaciones.