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Sala Alcalá 31, Madrid

27.09.2023 – 14.01.2024

 

La Sala Alcalá 31 presenta “dime quién eres Yo”, una exposición que reúne una extensa selección de obras de Luis Gordillo de los últimos veinte años y analiza en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este último periodo. Dos décadas en la que Gordillo ha puesto la pintura en el centro, con especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre esta y la fotografía, el collage y el dibujo, un territorio muy característico del artista en el que la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen la obra.

 

Un campo, el de la pintura, que en este siglo XXI, se ha liberado de las autodefiniciones estrechas y piensa la imagen como algo acuático, como cosas que se van y se pierden, a semejanza del agua se va entre las manos. En ese sentido, las obras de esta exposición se entienden como contenedores cuya función es dar una forma externa a lo que fluye, a lo que se acaba. Aunque todo en su pintura última está a punto de empezar.

 

Esta exposición enlaza con la muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó en 2007, año en el que el artista fue galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas. Por ello, “dime quién eres Yo” comienza con la pieza que cerraba aquella muestra para adentrarnos después en el corpus artístico que ha ido configurando desde entonces. Con el pulso agitado y activo que transmite la energía de un artista que a los 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones, la Sala Alcalá 31 organiza la mayor retrospectiva de su obra en Madrid desde entonces.

 

En las últimas dos décadas, su modo de pintar sigue siendo el mismo: el artista siempre está en la pintura pero no siempre está pintando. Luis Gordillo ha tenido cierta aversión a situarse dentro de un cauce único, no sólo en relación a una cuestión teórica o de concepto, sino más bien a una cuestión de carácter, de manera de ser y, sobre todo, de manera de sentir. De esa reflexión constante nace la experimentación, palabra clave de este proyecto. El objetivo es implicar al visitante, mostrarle las tensiones y energías que desprende el trabajo del artista desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros y temas recurrentes de su carrera y, por otra, una observación detenida de las convulsiones, exploraciones y derivas de su proceso creativo. Aunque, por encima de todo, esta exposición lo que propone es una celebración de una capacidad creativa única, la de un artista que a sus 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones.

 

Comisariada por Bea Espejo

 

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Espai Poblenou, Passatge Saladrigas 5-9

Inauguración sábado, 16 de septiembre 2023, 21h

 

Estrany-de la Mota Art Advisors, Ptge. de Mercader, 18

Inauguración miércoles 13 de septiembre 2023, 19h

 

Exposiciones de 13 de septiembre del 2023 al 7 de octubre del 2023

 

¡La Blueproject Foundation cumple 10 años! Y para celebrarlo, presenta una nueva exposición colectiva titulada ‘Entre dos azules. Conmovidos.’ que se podrá ver del 13 de septiembre del 2023 al 07 de octubre del 2023 en dos espacios de Barcelona -Estrany-de la Mota Art Advisors y Espai Poblenou- dentro del marco del Barcelona Gallery Weekend.

 

Una muestra en la que los discursos y las formas se articulan desde lo íntimo, lo personal; esa ‘sensibilidad inteligente’ de la que hablaba Lispector-. Un diálogo colectivo que parte de la riqueza formal que ofrecen las reflexiones actuales sobre la hermenéutica de lo sensible. Una exposición en la que lo autobiográfico, las emociones y la subjetividad imaginan nuevas expresiones teóricas y materiales.

 

Una propuesta doble. O dual. En la que cada artista presenta una obra diferente en cada uno de los dos espacios expositivos, funcionando éstos de manera independiente y conectada a la vez. Una cuestión de distancia, de surcar el ‘entre’, ese intervalo imposible que nos aleja y nos conecta a las cosas, a los seres, a nosotras mismas. Ese punto ambiguo que llamamos horizonte y que reúne, por ejemplo, el azul ideal del cielo y el otro, infinito, del mar.

 

Artistas: Laía Argüelles, Nora Aurrekoetxea, Bestué &Vives, Cabello/Carceller, Julie C. Fortier, TR Ericsson, Alicia Kopf, Sofía Montenegro, Belén Rodríguez, Sinéad Spelman, Javier Pividal, María Tinaut, Alba Yruela.

 

Comisariado: Renato Della Poeta – Aurélien Le Genissel

 

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Muxart, Espai d’Art i Creació Contemporanis, Martorell

Inauguració 08.09, 19h

08.09 – 29.10.23

 

 

«Història de les mans» planteja un diàleg entre obres d’artistes contemporanis i obres de la col·lecció del MNAC. La comissària, Alexandra Laudo, articula el diàleg en nou àmbits temàtics —Les mans, l’autoritat, el poder; Les mans, la lectoescriptura, la història; Les mans, el control, la determinació; Les mans, el treball, les cures; Les mans, els diners, el valor; Les mans, els pits, el martiri; Les mans, la medicina, el cos malalt; Les mans, el desig, el pecat i Les mans, els inicis, els finals— i proposa una selecció de vint-i-cinc obres dels artistes Antoni Abad, Isabel Banal, Isabel Barios, Damià Campeny, Colita, Mirari Echávarri, Raquel Friera, Camille Henrot, Fermín Jiménez Landa, Claudi Lorenzale, Mestre de Cinctorres, Joan Morey, Antoni Muntadas, Levi Orta, Pasqual Ortoneda i María Sánchez, així com també obres anònimes dels segles XIII, XV, XVI i XVIII
i monedes del segle XX.

 

 

 

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El Born Centre de Cultura i Memòria, Barcelona

9/9 – 1/10/2023

Inauguració 8 de setembre, 17h

 

Aquest any El Born Centre de Cultura i Memòria commemora l’11 de setembre amb dues instal·lacions artístiques al conjunt arqueològic que reinterpreten dues derrotes que dialoguen en els temps i que representen alhora dues lluites: la derrota de la democràcia a Xile a causa del cop d’estat de l’11 de setembre de 1973 i la darrera defensa de Barcelona l’11 de setembre de 1714.

 

El cop d’estat va posar fi a la democràcia emparada per la Constitució xilena del 1925 i a la “via xilena al socialisme”. Va comportar persecucions, violència d’Estat i la inversió dels valors democràtics i republicans que fins aleshores havien sostingut la convivència dels xilens i la seva relació amb la justícia, la policia, les forces armades, les universitats, els municipis i el govern.

 

La instal·lació Dos minutos y medio para el mediodía del 11 de septiembre de 1973, de l’artista Fernando Prats, rememora el 50è aniversari d’aquells fets evocant els elements visuals i sonors que encapsulen la tragèdia: el bombardeig de la Casa de la Moneda de Santiago de Xile i la seva retransmissió radiofònica. La Casa de la Moneda en flames i el fum gris que va envoltar el palau després del bombardeig són els elements que pren l’artista com a metàfora en la seva instal·lació, que consisteix en nou pintures fumades ubicades al jaciment i la reproducció de la locució de Radio Balmaceda del periodista Ignacio González Camus, que relata els instants del cop. A més, a la balconada, el visitant pot veure fotografies històriques dels moments clau de l’atac, una sèrie de dibuixos i un seguit d’arxius que documenten el context polític xilè i les terribles conseqüències que va tenir el cop d’estat.

 

Instal·lació a cura de Ricardo Brodsky.

 

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locura social

LOCURA SOCIAL, Musical contra un fusilamiento. Cabello/Carceller

 

Condeduque Madrid, Teatro

 

15 y 16 de septiembre, 20h.

 

 

 

“La locura social, consiste, en que el señalado como loco, está cuerdo, y que la sociedad en que vive no lo comprende y por lo mismo lo juzga mal.” (Agustina González López)

 

Dentro de la serie propuesta desde Condeduque y de la mano de ELAMOR, en la que artistas visuales se acercan a las artes escénicas, y después de En función de 1,2,3 de Isidoro Valcárcel Medina y El bicho de Dora García, se estrena en la presente temporada este encargo realizado a Cabello/Carceller. Locura social se presenta como un musical “degenerado”, en el sentido de distanciarse del género del musical al que traiciona, pero también del género binario al que traspasa.

 

En agosto de 1936, al comienzo de la Guerra Civil, fue fusilada en Granada Agustina González López, popularmente conocida como La Zapatera. Su cuerpo asesinado desapareció en Víznar junto a muchas otras personas represaliadas entre las que se encontraba también Federico García Lorca, amigo suyo de juventud. La zona se convirtió en una gran fosa común clandestina con la que se pretendió ocultar el pánico que tenían los sublevados a quienes no se ajustaban al tipo de sociedad castradora que finalmente consiguieron imponer. No hubo juicio previo, sí expolio de sus bienes y la casi desaparición de su trabajo y de su figura; enterrada también en el silencio. Pero la incapacidad de Agustina para encajar venía de lejos, causaba extrañeza su costumbre de pasear bajo una capa de húsar por la ciudad, de ir sola a los cafés… Incapaz de asumir el rol de género asignado al nacer, incapaz de resignarse a las desigualdades económicas que la rodeaban, incapaz de vivir en la pasividad, fue calificada como “perturbada”, perseguida y ridiculizada durante toda su vida en la ciudad que la vio nacer.

 

 

info y entradas

gravityt

Schering Stiftung, Berlin

September 14 – November 26, 2023

 

 

In her solo exhibition, artist Annika Kahrs presents a new video work interpreting – in collaboration with the composer Louis d’Heudières and musicians from Los Angeles – the acoustic signal that helped make gravitational waves audible for the first time. Dr. Keith Thorne, physicist at the US-based LIGO (Laser Interferometer Gravitational-Wave Observatory), serves as scientific consultant for Kahrs’ artistic-musical exploration of gravitational waves. In 2015, LIGO was the first to translate gravitational waves – waves in the tissue of space-time that are created, among other things, by colliding black holes and that “travel” at the speed of light – into acoustic signals.

 

Kahrs uses the acoustic recordings of astrophysics to raise fundamental questions about how they stimulate our imagination and provide insight into events that are difficult to imagine. Kahrs sensitizes the film’s viewers to the fact that it is precisely such “unusual” sounds that always also challenge our understanding of hearing, sound, and not least music. In the words of scientist Keith Thorne, LIGO could indeed be seen as the quietest concert hall on Earth, detecting an extraterrestrial sound that is filtered out of a wealth of terrestrial background noise with maximum precision.

 

In her films, installations, and performances, Annika Kahrs deals with sounds in the broadest sense of the word. She is interested in sounds with special properties, including sounds in the infrasonic range, but also in sounds that, thanks to their physical properties, express a phenomenon such as the gravitational waves described above. Kahrs approaches these acoustic phenomena via the medium of music: her work opens an entryway into inaudible and hardly imaginable (sound) worlds, while also referring to both the possibilities and limitations of the audible.

 

The video work presented in the exhibition was created as part of her 2021 Villa Aurora Fellowship in Los Angeles and is made possible with support from MOIN Filmförderung Hamburg Schleswig Holstein and the Schering Stiftung.

 

 

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Ciccillo Matarazzo Pavilion, Ibirapuera Park, São Paulo

06.09 – 10.12.2023

 

Fundação Bienal de São Paulo announces the full list of 120 participants of the 35th Bienal de São Paulo – choreographies of the impossible, curated by Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes, and Manuel Borja-Villel, and the exhibit and spatial design, developed by the architects of Vão.

 

The announcement of the full list of participants consolidates the curatorial collective’s intensive research on the urgencies of today’s world and unveils the different formats, movements and understandings of the title choreographies of the impossible. With 120 names confirmed, the complete list echoes the voices of diasporas and native peoples, broadening local and international dialogue.

 

According to the curators: “The participants in this Bienal challenge the impossible in its most varied and incalculable forms. They live in impossible contexts, develop strategies of circumvention, cross limits, and escape from the impossibilities of the world in which they live. They deal with total violence, the impossibility of life in full freedom, inequalities, and their artistic expressions are transformed by the very impossibilities of our time. This Bienal embraces the impossible, the choreographies of the impossible, as a politics of movement and political movements interwoven into artistic expressions. It is an invitation to move among artists who transcend the idea of a progressive, linear, western time. Impossibility is the guiding thread and the main criterion that guides the selection of these participants.”

 

 

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11 de septiembre de 1973 fernando-prats

14 Julio, 2023 – 30 Septiembre, 2023

MAC Parque Forestal, Santiago de Chile

 

Inauguración 13 de julio, 18h

 

 

La obra de Fernando Prats está determinada por su relación con la naturaleza y el territorio, enraizada en los vínculos que establece con Chile. A lo largo de su trayectoria ha acuñado el término “geologicidad pictórica”, que comprende la pintura como un agente movilizador, una superficie activa que funciona a través de capas que se abren a nuevos desplazamientos. De estos desplazamientos surge la utilización del humo, elemento primordial en su trabajo, pues permite capturar las huellas y pulsaciones de la pintura. 

 

El humo es un signo que anuncia un acontecimiento, y ha sido utilizado históricamente por las culturas en el mundo, evocando la memoria, lo ritual, lo insurrecto y las catástrofes. La historia de Chile está plagada de hechos que a través del humo permiten generar un relato político-simbólico, desde las culturas originarias hasta la reciente revuelta y para su exposición en MAC Parque Forestal, el artista plantea al museo como un soporte en sí mismo para la obra en términos arquitectónicos, políticos, geográficos y geológicos.

 

 

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que vienen las suecas

Dissabte 8 de juliol, 19.30h, a l’Antiga Farinera, Corçà: projecció comentada amb Muntadas.

 

L’Antiga Farinera. Ctra. C66, 304, 17121 Corçà, La Bisbal d’Empordà, Girona.

 

 

“En una recent visita i residència a Palma, a l’arxiu de Casa Planas, vaig trobar un material produït en els anys 50 i 60, una dedicació a la fotografia i la creació de postals d’aquest període a Palma de Mallorca summament interessant.

 

Veient aquests materials gràfics, evidentment van aparèixer imatges que em van fer recordar una situació que forma part del que jo he viscut. Es tracta de l’arribada a Espanya del turisme, especialment el turisme de masses. Aquests i aquestes turistes, que sobretot provenien ‘del nord’, buscaven el sol. Perseguien els diferents estereotips fomentats per la cultura oficial franquista: ‘lo español’… i el seu eslògan ‘Spain is different’”

 

 

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Annika Kahrs

Kunsthalle Wilhelmshaven

08.07 – 10.09.2023

 

Fluttering birds that appear harmlessly cute before they attack … Who doesn’t remember Alfred Hitchcock’s masterpiece The Birds? The film, which is still impressive today, shows the ambivalent fascination that feathered creatures exude – they are familiar yet mysterious, tame yet wild, beautiful but eerie. Whether in film, music, literature, painting, graphic art or photography, birds play an arguably greater role in the arts than any other animal. Their ability to fly evokes admiration and longing. By easily overcoming long distances, they escape human observation and lead mysterious double lives on different continents. Birds’ acoustic potential – from singing to speech imitation – is also impressive.

 

The exhibition CHIRPING. ART FROM A BIRD’S-EYE VIEW is dedicated to a range of encounters between birds and humans. It shows artistic perspectives from painting, graphics, sculpture, photography, video, music and performance in works that go far beyond a naturalistic depiction of the creatures. The exhibition deals with the human dream of flying, communication between humans and animals, the threat posed to birds by humankind, birdsong, hybrid beings and extinct species.

 

Marina Abramović | Ida Applebroog | Peter Bartoš | Anna Clyne & Yo-Yo Ma | Mark Dion | Gino de Dominicis | Valie Export | Matthias Garff | Annika Kahrs | Olga Karlíková | Eva Koťátková | Jochen Lempert | Diana Lelonek | Via Lewandowsky | Ana Mendieta | Karel Miler | Jan Mlčoch | Wolfgang Müller | Yoko Ono | Jan Ságl | Yehudit Sasportas | Julia Steiner

 

Curators: Pavlína Morganová | Petra Stegmann
In co-operation with Institute for Avian Research “Vogelwarte Helgoland”

 

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MUSAC, León

17/06/2023 – 07/01/2024

 

En el desarrollo de una exposición se dedica un enorme esfuerzo a determinar la ubicación de cada obra de arte en el espacio. ¿Qué sucede si partimos de un sistema codificado en el que el emplazamiento es determinado por unas reglas universales? ¿Cómo afectaría a las obras de arte? Durante el siglo XVIII esta cuestión fue resuelta en la Royal Academy (Londres) mediante el desarrollo del concepto de la línea, una traza imaginaria que estructura como se cuelgan los cuadros siguiendo una lógica de jerarquía vinculada a los géneros de la pintura.

 

Esta muestra de la colección MUSAC parte de este punto de reflexión para desarrollar una investigación más amplia en torno a los sistemas de montaje y cómo podemos abordar desde el estado actual este análisis. Esta lectura contemporánea del sistema del siglo XVIII se complica aún más al introducir reproducciones de esculturas de la Antigüedad Clásica procedentes del Museo Nacional de Escultura y entrar en diálogo con obras del siglo XX y XXI. En esta exhibición la arquitectura de Mansilla y Tuñón fuerza a adoptar estrategias del justificado de los procesadores de texto, produciendo distorsiones en este sistema de expositivo y estimulando la reacción exotérmica que da título a la muestra, como si se tratase de un gran generador.

 

Artistas: Eugenio Ampudia, Artists” Poster Committee of Art Workers Coalition [Coosje van Bruggen, Frazer Dougherty, Mary Frank, Jon Hendricks, Max Kozloff, Claes Oldenburg, Irving Petlin], Dan Attoe, Txomin Badiola, Antonio Ballester Moreno, Gabriele Basilico, Natividad Bermejo, Bleda y Rosa, Alán Carrasco, Gregory Crewdson, Philip-Lorca DiCorcia, Rineke Dijkstra, Marcel Dzama, Roland Fischer, Till Freiwald, Philipp Fröhlich, Alberto García-Alix, Anthony Goicolea, Piero Golia, Candida Höfer, Zhang Huan, Isaac Julien, Immo Klink, Ellen Kooi, Leonilson, Lisipo, Jen Liu, Marcos López, Cristina Lucas, Lovett/Codagnone, Josephine Meckseper, Julie Mehretu, Yasumasa Morimura, Zwelethu Mthethwa, Muntean/Rosenblum, Shirin Neshat, Tatiana Parcero, Concha Pérez, Policleto, Praxíteles, Gonzalo Puch, Caio Reisewitz, Thomas Ruff, Ixone Sádaba, Yinka Shonibare, Sam Taylor-Wood, Delhy Tejero, Belén Uriel, Xavier Veilhan, Nicola Verlato, Akram Zaatari.

Comisariado: Álvaro Rodríguez Fominaya

 

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Colecciones del museo CA2M y de la Fundación Arco

Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles

31/05/2023 – 07/01/2024

 

La atención a la diversidad de los cuerpos y los deseos ha sido un rasgo marcado de la programación del Museo Centro de Arte Dos de Mayo desde sus comienzos hace ya quince años. Las posibilidades de la performance de los cuerpos y las coreografías sociales inéditas a las que sus comunidades dan lugar es un rasgo fundamental de la institución. El tiempo ha hecho que esa fiesta de las diferencias y celebración de lo menor haya ido, poco a poco, permeando en sus colecciones.

 

Es importante comprender que esto no es simplemente un sesgo temático, sino un aspecto consustancial al cometido de esta institución. El régimen del arte contemporáneo nació a mediados de los años 60 al tiempo que se producía un cambio de paradigma en la forma de entender las políticas de género con la segunda oleada de feminismos y el movimiento de liberación LGTBI, con las revueltas de clase de Mayo del 68 y sus ecos internacionales, con la culminación de la independencia de los países que habían estado bajo el poder de los imperios europeos, con el consiguiente intercambio de poblaciones que supusieron el inicio de la multiculturalidad que caracteriza al presente inmediato. No es solo que el arte contemporáneo haya trabajado por dar representación y visibilidad a las diferencias de los cuerpos, sino que los procesos de cambio social en los últimos 70 años forman parte central de la transformación estética del mundo que constituye su programa.

 

Esta exposición es una muestra de la diversidad de género, en las colecciones Museo CA2M y Fundación ARCO, desde las poéticas de visibilidad LGTBI a las recientes estéticas trans. Archipiélagos de lentejuelas ocupa el espacio más público del museo, su planta baja, para constituir una celebración de la diferencia, la misma que cada año a comienzos de julio se celebra en la fiesta más grande de la capital de España: el Orgullo LGTBI+.

 

Figuras pioneras fundamentales como George Tony Stoll o Andrés Senra, se suman a voces nuevas no binarias como Inês Zenha o Lucía C. Pino, y a la radicalidad transgénero de Manuel Solano. Como en el resto de nuestras colecciones, la presencia latina es importante también en este proyecto, con las argentinas Osías Yanov y La Chola Poblete, la brasileña Tadáskía o el colombiano Juan Pablo Echeverri. El título viene precisamente de un texto del teórico queer argentino de la generación de la crisis del sida, Néstor Perlongher: “Archipiélagos de lentejuelas, tocados de plumas iridiscentes (en cada vertebración de la cadera trepidante, las galas de cien flamencos que flotan en el aire tornado un polvo rosa), constelaciones de purpurinas haciendo del rostro una máscara más, toda una mampostería kitsch, de una impostada delicadeza, de una estridencia artificiosa se derrumba bajo el impacto (digámoslo) de la muerte”.

 

Juan Pablo Echeverri -que había participado en exposiciones fundamentales en la corta historia del Museo CA2M como Pop Politics- falleció prematuramente en 2022 y a él está dedicada esta muestra.

 

ARTISTAS PARTICIPANTES

Juan Pablo Echeverri
La Chola Poblete
Lucía C. Pino
Andrés Senra
Manuel Solano
George Tony Stoll
Tadáskía
Osías Yanov
Inês Zenha

 

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Museu de Arte Moderna de São Paulo

15.06 – 13.08.2023

 

No dia 15 de junho, às 19h, acontece a abertura da exposição “Elementar: fazer junto”, no Museu de Arte Moderna de São Paulo. A coletiva propõe reflexões acerca do que é essencial para se estabelecer uma relação com o outro. A mostra tem curadoria de Valquíria Prates, curadora convidada; Mirela Estelles, coordenadora do educativo do museu, e Cauê Alves, curador-chefe do MAM, e traz ao público a intersecção entre os acervos artístico e educativo do museu.

 

São apresentadas nesta exposição mais de 70 obras modernas e contemporâneas do acervo do MAM e também registros de experiências poéticas realizadas pelo educativo. A exposição convida o público a pensar nas barreiras a serem rompidas para se realizar coisas em comunhão, sejam elas sociais, culturais, políticas ou geográficas, dentre outras, em um exercício para se refletir questões como a alteridade e a liberdade.

 

A coletiva, que fica em cartaz até 13 de agosto, conta com obras de Anna Bella Geiger, Artur Lescher, Caio Reisewitz, Claudia Andujar, Chelpa Ferro – coletivo fundado pelos artistas Luiz Zerbini, Barrão e Sergio Mekler -, coletivo OPAVIVARÁ, Dora Longo Bahia, Edouard Fraipont & Cildo Meireles, Fausto Chermont, Frans Krajcberg, Franz Weissmann, German Lorca, Jac Leirner, Jarbas Lopes, José Leonilson, Julia Amaral, Laura Vinci, Leda Catunda, Lia Menna Barreto, Luiz Braga, Mabe Bethônico, Marcia Xavier, Marcius Galan, Marcos Piffer, Marcelo Cidade, Marcelo Nitsche, Marcelo Moscheta, Marcelo Zocchio, Maureen Bisilliat, Motta & Lima, Nelson Leirner, Paulo Bruscky, Pedro Motta, Pedro David, Regina Silveira, Rodrigo Andrade, Rodrigo Bueno, Rodrigo Braga, Rodrigo Matheus, Sandra Cinto, Sara Ramo, Shirley Paes Leme, Tarsila do Amaral, Tatiana Blass, Tadeu Jungle, Thomas Farkas e Vulcânica Pokaropa.

 

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Museu de l’Art de la Pell, Vic

03.06 – 27.08.2023

 

Al Programa d’Arts Visuals de la Diputació de Barcelona, més enllà de donar suport a les polítiques locals d’art contemporani de la nostra demarcació, i al Museu Nacional d’Art de Catalunya, més enllà de col·leccionar, estudiar conservar i exhibir els seus fons, tenim per missió connectar la ciutadania amb l’art per facilitar l’accés i la generació d’idees, la creativitat, l’educació i el coneixement. Amb «Història de les mans» volem compartir aquests objectius amb els ajuntaments que participen en la itinerància i els visitants de l’exposició. «Història de les mans» planteja un diàleg entre obres d’artistes contemporanis i obres de la col·lecció del MNAC. La comissària, Alexandra Laudo, articula el diàleg en nou àmbits temàtics —Les mans, l’autoritat, el poder; Les mans, la lectoescriptura, la història; Les mans, el control, la determinació; Les mans, el treball, les cures; Les mans, els diners, el valor; Les mans, els pits, el martiri; Les mans, la medicina, el cos malalt; Les mans, el desig, el pecat i Les mans, els inicis, els finals— i proposa una selecció de vint-i-cinc obres dels artistes Antoni Abad, Isabel Banal, Isabel Barios, Damià Campeny, Colita, Mirari Echávarri, Raquel Friera, Camille Henrot, Fermín Jiménez Landa, Claudi Lorenzale, Mestre de Cinctorres, Joan Morey, Antoni Muntadas, Levi Orta, Pasqual Ortoneda i María Sánchez, així com també obres anònimes dels segles XIII, XV, XVI i XVIII i monedes del segle XX.

 

L’exposició s’inaugurarà el 3 de juny, a les 12h, amb la participació de la seva comissària Alexandra Laudo.

 

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Agata como Brad Pitt, 2008

Centro Botín, Santander

20/5 – 15/10/2023

 

Enredos: Eva Fàbregas propone una relación intuitiva y visceral entre las esculturas y dibujos de Eva y una selección de obras de la colección de arte de la Fundación Botín. Los vínculos entre las obras crean un diálogo complejo, a menudo inesperado, en torno al deseo, lo corporal y lo lúdico, pero también lo amorfo, lo atrevido y lo perturbador. Este entrelazado de obras se ha concebido como un organismo vivo, a gran escala, que se adueña del espacio arquitectónico.

 

Esta exposición es el primer capítulo del nuevo programa expositivo Enredos cuyo objetivo es apoyar a los artistas que han disfrutado de una Beca de Arte de la Fundación Botín y vincularles de nuevo con la colección, el edificio y los públicos.

 

En esta ocasión, Eva ha seleccionado obras de artistas que, como ella, fueron becarios de la Fundación: Leonor Antunes, Nora Aurrekoetxea, David Bestué, Cabello/Carceller, Asier Mendizabal y Sara Ramo, así como del artista mexicano Gabriel Orozco.

 

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Galeria Joan Prats, Barcelona

19.05.2023 11-20h, 20.05.2023 11-19h

 

Els col·leccionistes Marisa Cortell i José Ángel Sanz Esquide portaran a la Galeria Joan Prats quatre obres recentment afegides a la seva col·lecció. Les peces d’Esther Ferrer, Gilda Mantilla & Raimond Chaves, Jorge Satorre i Perejaume, conviuran durant dos dies amb l’exposició de Tadáskía, “rara ocellet”.

The Collector is Present és una nova cita en les galeries de Barcelona Gallery Weekend, una agenda especial fruit de la col·laboració entre col·leccionistes i galeristes.

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Los coleccionistas Marisa Cortell y José Ángel Sanz Esquide traerán a la Galeria Joan Prats cuatro obras recientemente añadidas a su colección. Las piezas de Esther Ferrer, Gilda Mantilla & Raimond Chaves, Jorge Satorre y Perejaume, convivirán durante dos días con la exposición de Tadáskía, “rara ocellet”.

The Collector is Present es la nueva cita en las galerías de Barcelona Gallery Weekend, que durante un fin de semana ofrecerán una agenda especial fruto de la colaboración entre coleccionistas y galeristas.

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The collectors José Ángel Sanz Esquide and Marisa Cortell will bring to Galeria Joan Prats four works recently added to their collection. The pieces by Esther Ferrer, Gilda Mantilla & Raimond Chaves, Jorge Satorre and Perejaume, will coexist for two days with the exhibition of Tadáskía, “rara ocellet”.

The Collector is Present is a new appointment in the galleries of Barcelona Gallery Weekend, which during a weekend will offer a special agenda as a result of the collaboration between collectors and gallery owners.

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La Casa Encendida, Madrid

19/05/2023 – 07/01/2024

 

La Casa Encendida presenta la exposición Picasso: Sin Título, un proyecto de La Casa Encendida y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA), comisariado por Eva Franch i Gilabert, dentro del marco de la Celebración Picasso 1973-2023, la conmemoración de los cincuenta años de la muerte de Pablo Picasso.

 

Como dice Bernard Ruiz-Picasso “Picasso casi nunca puso nombre a sus obras; sus amigos, agentes y comisarios lo hicieron por él”. Partiendo de esta premisa, las cincuenta obras presentadas en la exposición, con un título y una descripción nueva propuesta por cada uno de los artistas invitados, se transforma, interroga y resignifica a través de historias paralelas que nos ofrecen una perspectiva radicalmente contemporánea sobre el trabajo de Picasso. Los nuevos títulos y cartelas, algunos producidos a través de procesos especulativos y otros a través de interpretaciones poéticas o políticas, construyen colectivamente un retrato compuesto de nuestras percepciones actuales y del legado y la influencia de Picasso.

 

A diferencia de las primeras cinco décadas, la obra tardía de Pablo Picasso no ofrece lecturas políticas o formales inmediatas. Condenada académicamente por críticos occidentales – quizás por cuestiones más ideológicas que estéticas- y celebrada por artistas en busca de nuevas libertades, la obra del último Picasso está abierta a múltiples interpretaciones. Siendo la más próxima a nosotros y sin embargo la más desconocida, esta etapa es sometida en esta exposición a un proceso de diálogo con artistas contemporáneos que han sido invitados a renombrar sus obras como forma de reivindicar este periodo para situarlo en un espacio presente y también futuro.

 

Como diría el filósofo Jacques Derrida, renombrar es un acto de amor. Renombrar es también un acto político. La exposición Picasso: Sin Título, nos invita a ver -que también es pensar- la obra de Picasso más allá de títulos conocidos y lecturas representacionales. El proyecto nos invita a jugar con Picasso abriendo espacios a cuestiones latentes en su trabajo y presentes en nuestra mirada como ideas sobre raza, clase, género, identidad, antropocentrismo o empoderamiento.

 

La exposición invita al visitante a desarrollar una actitud activa, a interrogar aspectos de nuestra percepción de la obra de Picasso y, al mismo tiempo, de nosotros mismos, de nuestros valores y de nuestra contemporaneidad.

 

Los 50 artistas invitados que participan en la exposición son: Adrián Villar Rojas, Agnieszka Kurant, Ahmet Öğüt, Albert Serra, Alejandro Cesarco, Antoni Muntadas, Asunción Molinos Gordo, Black Quantum Futurism, Cabello/Carceller, Camille Henrot, Christine Sun Kim, Christopher Kulendran Thomas, DIS, El Conde de Torrefiel, Emilie Baltz, Erwin Wurm, Esther Ferrer, Frida Orupabo, Holly Herndon, Isabel Coixet, Iván Argote, Janaina Tschäpe, Jill Magid, Joy Harjo, Johanna Hedva, Jumana Manna, Klára Hosnedlová, Leonor Serrano-Rivas, Lydia Ourahmane, Maria Hassabi, Mercedes Azpilicueta, Niño de Elche, OMSK Social Club, ORLAN, Pauline Curnier Jardin, Pedro Neves Marques, Pol Taburet, Revital Cohen & Tuur Van Balen, Roméo Mivekannin, Ryan Gander, Sara Ramo, Simon Denny, Simon Fujiwara, Sissel Tolaas, Tala Madani, Taryn Simon, The Otolith Group, Trevor Paglen, Tuan Andrew Nguyen y Tyra Tingleff.

 

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EINA Sentmenat, Barcelona

09.05 – 09.06.2023

 

L’exposició Ensenyar és aprendre és un homenatge a Albert Ràfols Casamada i a Maria Girona, dos dels pintors catalans més destacats de la seva generació, humanistes i pedagogs i fundadors d’EINA.

 

Aquesta mostra commemora el centenari del naixement dels dos artistes, i és una iniciativa que forma part del conjunt d’activitats organitzades per la Fundació EINA, la Fundació Bassat i la Fundació Vila Casas.

 

L’exposició se centra en la seva aportació pedagògica des de la direcció i el patronat de la Fundació d’EINA entre els anys 1967 i 2009. Es posa èmfasi en les matèries que van impartir en els estudis de Disseny, així com a través dels estudis d’Art.

 

La mostra aplega les obres procedents del fons d’art de la Fundació EINA, així com una extensa mostra de material de l’Arxiu d’EINA que sintetitza les performances, exposicions, iniciatives pedagògiques mitjançant fotografies, documents manuscrits, cartells i audiovisuals.

 

En paral·lel a l’exposició es realitzaran un conjunt d’activitats:

Dissabte 20 de maig
11h – Visita guiada a l’exposició amb Josep Aregall
11.30h – Visita guiada al fons d’art amb Rubén Alcaraz
12h – ‘El meu jardí a la mà’: demostració d’art floral en homenatge a Maria Girona i Albert Ràfols a càrrec d’Alfons Tost i Roser Bofill

 

Dissabte 27 de maig
11h – Visita guiada a l’exposició amb Xavier Olivé
11.30h – Visita guiada al fons d’art amb Miquel Molins
12h – Classe de dibuix al natural en homenatge a Francesc Artigau, professor de dibuix d’EINA, coordinada per Mar Saiz i lliurament del premi Amic d’EINA a Francesc Artigau, a càrrec de Miquel Molins

 

Dissabte 3 de juny
10.30h – Mostra de documents originals del fons d’arxiu amb Rubén Alcaraz
11h – Visita guiada a l’exposició amb Xavier Olivé i Josep Aregall
11.30h – Visita guiada al fons d’art amb Victoria Combalía
12.30h – Visita guiada al fons d’art amb Jordi Colomer
13h – Mostra de documents originals del fons d’arxiu amb Rubén Alcaraz

 

Inscripcions a les activitats

 

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Antoni Muntadas

Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon

05.05 – 18.09.2023

 

In the year that marks the 40th anniversary of the Calouste Gulbenkian Foundation’s Modern Art Centre (Centro de Arte Moderna – CAM), Histórias de uma Coleção [Histories of a Collection] is an opportunity to revisit some of the most significant works from the CAM Collection, acquired by the Gulbenkian Foundation since the late 1950s, and to get to know its lesser-known or previously unseen works.

 

The Calouste Gulbenkian Foundation acquired its first works of modern art in the late 1950s, with the intention of including them in temporary travelling exhibitions organised by the institution. It also purchased works from its grant holders, in the context of the support for artists set up immediately after its creation, in 1956. The Modern Art Centre Collection thus began to take shape, now boasting around twelve thousand works.

 

During the 1960s, the first groups of works purchased for the Collection included works by key figures in the national and international art scene, such as Amadeo de Souza Cardoso, José de Almada Negreiros and Maria Helena Vieira da Silva. The British artworks were mostly acquired between 1960 and 1965, featuring major players such as David Hockney and Bridget Riley.

 

The desire to build a space to house this burgeoning collection of modern art, which now included a significant number of national and international artists, was made official in 1979. The Modern Art Centre opened on 20 July 1983 with an innovative programme making up for the lack of a museum in Portugal dedicated to the promotion of 20th-century art.

 

The Collection grew exponentially from then on, leading to the purchase of works by a diverse range of artists in a plethora of media and supports. Built up over more than 60 years, the CAM Collection is the result of various encounters, intimacies, rifts, aesthetic relationships and contrasting artistic languages.

 

With an innovative presentation, Histórias de uma Coleção aims to bring together a wide spectrum of works covering different eras, geographies and artistic dynamics, underpinned by new narratives and interpretations. Key moments that explore the constitution of the CAM Collection will be highlighted, accompanied by a catalogue, with essays by the exhibition curators, among others, as well as a parallel programme to the exhibition that will seek to open space for reflection on what the CAM Collection represents and on models of collecting, allowing the public to comes closer to the works in the Collection and the stories they have to tell.

 

Curators
Ana Vasconcelos
Leonor Nazaré
Patrícia Rosas
Rita Fabiana

 

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Després de la boira, primeres flors

Exposició col·lectiva amb obra de Muntadas

Del 26.04.2023 al 07.01.2024 a Casa Vicens.

Comissariada per Menene Gras

 

 

Casa Àsia i Casa Vicens presenten el projecte expositiu Després de la boira, primeres flors. Orient i els orientalismes, del modernisme a la modernitat. Aquesta exposició reuneix obra de 24 artistes espanyols, llatinoamericans i asiàtics contemporanis que aporten la creació personal en la interpretació de la representació floral.

 

L’exposició es podrà visitar des del 26 d’abril fins al 7 de gener del 2024 a la Casa Vicens, la primera casa d’Antoni Gaudí, on des de la seva concepció estableix un diàleg constant amb el jardí que l’envolta, i on destaca el programa ornamental de temàtica natural a tots els seus espais.

 

Es tracta d’una exposició única que congrega per primera vegada a Barcelona 24 artistes contemporanis que comparteixen un nexe comú, la temàtica floral, encara que cadascun elabora el seu propi discurs creatiu utilitzant diferents formats i suports, com són el dibuix, la pintura , la fotografia, el vídeo i la instal·lació. Aquest projecte expositiu posa en relació l’orientalisme del modernisme i la mundialització de l’art a dia d’avui.

 

 

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VICTORIA CIVERA

Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid

 

22.04 – 17.09.2023

 

Inauguración 22 de abril a las 12h

 

 

“El tiempo es circular en el silencio” es una exposición de gran escala dedicada a la obra de Victoria Civera (Puerto de Sagunto, Valencia, 1955), una de las artistas españolas más relevantes de las últimas décadas. 

 

Bien conocida por su pintura de carácter figurativo, la artista valenciana, afincada entre Cantabria y Nueva York, ha venido no obstante desplegando una obra abierta y heterogénea que trasciende cualquier clasificación, pues en su obra conviven la pintura, la escultura, la fotografía, el vídeo y la instalación. 

 

El título de la muestra, tomado de una expresión de la propia Civera, apela a la circularidad como opuesto de la linealidad, de la que siempre ha huido y de la que ha hecho su principal seña de identidad. La exposición ocupará las salas 3, 4, 5 y 8 de la segunda planta del museo y en ella se verán obras de todas las épocas procedentes de colecciones institucionales y privadas de toda España que harán especial hincapié en los años noventa, fundamentales para conocer el trabajo de la creadora valenciana y su inscripción en las prácticas artísticas en nuestro país.

 

La muestra contará además con un importante conjunto de obras sobre papel, menos conocidas, y muy relevantes en el proceso creativo de la artista.

 

 

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Maison Diez Company, San Miguel Chapultepec, Ciudad de México

18/04 – 13/05/2023

 

Brooms, mattresses, sheets and birds, una exposición colectiva con obras de Emilio Gómez Ruíz, Arturo Hernández Alcázar, Annika Kahrs, Chantal Peñalosa y Martin Soto Climent.

 

Organizado por Andrea Bustillos y Polina Stroganova como parte del programa satélite del Festival TONO (CDMX 2023). Con el apoyo de Maison Diez Company.

 

Pensemos en lo poético del polvo; un colchón que se ha vuelto instrumento; los sonidos intentando ser imágenes; pájaros escuchando música y una danza en medio de la tormenta. Imaginemos una exposición íntima que se enfoca en el potencial de lo efímero y conjuga a cinco artistas cuyo trabajo se conecta a través de la sensibilidad de lo performativo: la complejidad de una simple acción, lo escultural del movimiento, la evocación de lo imaginario.

 

— Andrea Bustillos y Polina Stroganova

 

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Sesc Sorocaba, Brazil

20.04 – 17.09.2023

 

Sob as cinzas, brasa (Under the Ashes, Embers)—the choice of title for the 37º Panorama da Arte Brasileira (37th Panorama of Brazilian Art) involves multiple layers. There is a heat that burns and endures even though something has been consumed by the fire and turned to ashes; the embers bear the possibility—or the hope—of revived fire.

 

The Panorama of Brazilian Art was conceived in 1969 by the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM) and went on to become one of the most relevant shows in Brazil’s art circuit. In its 37th edition, held between July 2022 and January 2023, the show’s embers were ablaze at a peculiar moment in Brazilian history—during an electoral cycle disputed by widely different political projects, while the country was still reeling from the impacts of the Covid-19 pandemic. Other layers of that period include the country’s reconception based on memories brought to light by the bicentennial of the proclamation of its independence (1822) and by the centennial of the Modern Art Week (1922).

 

In 2023, the exhibition is being rekindled through a partnership between Sesc São Paulo and MAM. Traveling to São Paulo state’s countryside, the Panorama is gaining a new run between April and September at Sesc Sorocaba. The curatorship is shared by the art researchers, historians and critics Cauê Alves, Claudinei Roberto da Silva, Cristiana Tejo and Vanessa Davidson, who have brought together 26 artists and groups from different generations.

 

Brazilian art is presented at this Panorama based not only on regional cross-sections—relevant in a country of continental dimensions—but also in view of diversities in ethnic-racial profile, gender and background, with academically trained or self-taught artists, along with urban productions, made in the streets.

 

While Brazil’s colonial past and its reverberations in the also violent present time serve as fuel for the show, another common thread is the proposal of artistic solutions. The Panorama investigates how artists from Brazilian roots poetically manifest the confrontation of historical and current problems: racism, social inequality, urban violence, the competition between different narratives at play in the never-ending construction of the nation’s collective memories. In the show, art asks and responds to an essential question: what incites the embers that burn under the ashes?

 

List of artists
Ana Mazzei (São Paulo, 1980—lives in São Paulo)
André Ricardo (São Paulo, 1985—lives in São Paulo)
Bel Falleiros (São Paulo, 1983—lives in New York)
Camila Sposati (São Paulo, 1972—lives in Vienna)
Celeida Tostes (Rio de Janeiro, 1929—1995)
Davi de Jesus do Nascimento (Pirapora, Minas Gerais, 1997—lives in Pirapora)
Éder Oliveira (Timboteua, Pará, 1983—lives in Belém)
Eneida Sanches (Salvador, Bahia, 1962—lives in São Paulo, SP) and Tracy Collins (New Yor, 1963—lives in New York) (LAZYGOATWORKS)
Erica Ferrari (São Paulo, 1981—lives in São Paulo)
Giselle Beiguelman (São Paulo, 1962—lives in São Paulo)
Glauco Rodrigues (Bagé, Rio Grande do Sul, 1929—Rio de Janeiro, 2004)
Gustavo Torrezan (Piracicaba, 1984—lives between Piracicaba and São Paulo)
Jaime Lauriano (São Paulo, 1985—lives between São Paulo and Porto, Portugal)
Lais Myrrha (Belo Horizonte, Minas Gerais, 1974—lives in São Paulo)
Laryssa Machada (Porto Alegre, Rio Grande do Sul, 1983—lives in Salvador, Bahia)
Lidia Lisbôa (Guaíra, Paraná, 1970—lives in São Paulo)
Luiz 83 (São Paulo, 1983—lives in São Paulo)
Marcelo D’Salete (São Paulo, 1979—lives in São Paulo)
Maria Laet (Rio de Janeiro, 1982—lives in Rio de Janeiro)
Marina Camargo (Maceió, Alagoas, 1980—lives in Berlin)
Nô Martins (São Paulo, 1987—lives in São Paulo)
RODRIGUEZREMOR (Denis Rodriguez [São Paulo, 1977—lives in Igatu, Bahia] and Leonardo Remor [Estação, Rio Grande do Sul, 1987—lives in Igatu, Bahia])
Sérgio Lucena (João Pessoa, Paraíba, 1963—lives in São Paulo)
Sidney Amaral (São Paulo, 1973—2017)
Tadáskía (Rio de Janeiro, 1993—lives between Rio de Janeiro and São Paulo)
Xadalu Tupã Jekupé (Alegrete, Rio Grande do Sul, 1985—lives in Porto Alegre, Rio Grande)

 

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Federation Hall, The University of Melbourne

18.04.2023, 6-7pm

 

We are thrilled to invite you to a lecture by internationally renowned artist Antoni Muntadas on recent works on translation.
An artist with an incredible legacy of postconceptual works that offer provocative and poetic engagement at the interstices of social, political and communication frameworks, it would be hard to find someone that Muntadas’ thinking is not relevant to.

 

Working across mediums and in diverse spaces, Muntadas has exhibited extensively, including the Museum of Modern Art in New York, the Berkeley Art Museum in California, the Musée Contemporain de Montreal, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, the Museo de Arte Moderno in Buenos Aires, the Museu de Arte Moderna in Rio de Janeiro, the Musée Jeu de Paume in Paris and the Museu d’Art Contemporani de Barcelona, among others. In addition, his works have been presented in different international events: VI and X editions of Documenta Kassel (1977, 1997), the Whitney Biennal of American Art (1991), the 51st Venice Biennial (1976, 2005) and those in São Paulo, Lyon, Taipei, Gwangju, Istanbul and La Havana. 

 

 

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Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, Comunidad de Madrid

14/04- 16/07/2023

 

Los museos de la Comunidad de Madrid abordan “Las tácticas barrocas”, XXX edición del programa “Mutaciones”, comisariado en esta ocasión por Sergio Rubira.

 

El programa es una reinterpretación en clave contemporánea de estos lugares históricos y sus colecciones con el fin de facilitar el acercamiento del público a nuevas formas creativas.

 

Los artistas seleccionados para intervenir en la Casa Museo Lope de Vega son Elena Alonso, Cabello/Carceller, Paula García-Masedo, Alicia Martín, Asunción Molinos Gordo, Víctor Santamarina, Adrian Schindler/Aisha Trinidad y weecolors.

 

Todos ellos tienen en común el haber reflexionado sobre lo barroco o el haber asumido en su producción estrategias (el artificio, la sustitución, la proliferación, la condensación, la parodia, la intertextualidad, el palíndromo, la intratextualidad, la tautología), que pueden asociarse al concepto de barroco.

 

Parte, por tanto, este proyecto de exposición de la idea de unir el barroco como época y la idea de lo barroco.

 

Las intervenciones que componen “Mutaciones” están concebidas expresamente para cada uno de los espacios participantes: el Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, el Museo Picasso–Colección Eugenio Arias y el Centro de Interpretación de Nuevo Baztán.

 

 

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Antoni Muntadas

UNSW Art & Design, Sydney

A101 (Upstairs A Block – The Old Library)

Thursday, 13 April, 2023, 1-2pm

 

Antoni Muntadas is an artist and professor at the Istituto Universitario di Architettura di Venezia, until 2016 he was also professor at the School of Architecture, Massachusetts Institute of Technology (MIT). Through his work he addresses social, political and communication issues such as the relationship between public and private space, and investigates media and the way they may be used to censor or promulgate ideas. His work has been exhibited in numerous museums, including MoMA (New York), Berkeley Art Museum, Musée Contemporain de Montreal and Museo Nacional Reina Sofía (Madrid). He has also presented works in international events like the Documenta Kassel, the Whitney Biennial of American Art and the Venice Biennial.

Emoção de lidar

Group show at Quadra Galeria (São Paulo, Brasil)

Curated by Clarissa Diniz

With works by Tadáskía

March 4 – April 29, 2023

 

Read the text by Clarisse Diniz

 

List of artists:

Ana Cláudia Almeida, Ana Matheus Abbade, Anna Maria Maiolino, Arorá, Carla Santana, Celeida Tostes, Cyshimi, Diambe, Flora Rebollo, Iagor Peres, Josi, Nise da Silveira and Leon Hirszman, Pablo Lobato, Pedro Victor Brandão, Tadáskía

Cabello/Carceller

Artium Museoa, Vitoria-Gasteiz

Inauguración 31 de marzo

 

Hau ‘este/esta/esto’ es, en euskera, el demostrativo que indica proximidad. Los demostrativos se utilizan para indicar la distancia entre quien habla y aquello de lo que se habla. En muchos idiomas, existen tres grados: esto que está aquí, eso que queda ahí y aquello que está allí. Esta distancia hace referencia no solo al espacio, sino también al tiempo. Cuando se usa para indicar una temporalidad, se refiere al momento en el que se lleva a cabo el discurso: ahora, hace un rato o ayer. Resulta fundamental hacer evidente desde dónde y cuándo se emite el mensaje, quién propone el punto de vista. Los demostrativos, en ese sentido, ayudan a situarse, ya que desvelan una posición.

 

Pero hau también tiene significados distintos en otros contextos, allí, lejos. Siguiendo el relato que el antropólogo francés Marcel Mauss recoge en su libro más conocido, Ensayo sobre el don. Forma y razón del intercambio en las sociedades arcaicas (1925), el hau es, en la cultura polinesia de los maoríes, el valor espiritual que se otorga a los objetos donados. Este hau es el alma de las cosas que se regalan, aquello que las anima y que es parte de una misma o uno mismo, y cuando se realiza un intercambio es lo que obliga al retorno o a la reproducción del don. La definición de un museo viene dada, históricamente, desde su colección, desde el carácter público de un fondo de obras —un don— que pertenece a todas y todos, y que contribuye a la producción de conocimiento, al tiempo que permite imaginar una comunidad.

 

Esta doble acepción funciona como preámbulo a una reordenación de los fondos de la colección del Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco que se inicia en la década de los cincuenta y llega hasta nuestros días, a partir de una serie de movimientos elementales que activan, del mismo modo que en la reordenación precedente, una narrativa siempre en construcción. Una presentación que reúne en las salas del museo más de un centenar de obras de arte, documentos y materiales de archivo, y provoca tensiones y encuentros entre manifestaciones artísticas surgidas en las cinco décadas que comprende la muestra.

 

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San Telmo Museoa, Donostia-San Sebastián

04/03 – 04/06/2023

 

Los nuevos 90, un ensayo expositivo de Nekane Aramburu, es una aproximación a los diversos colectivos artísticos que trabajaron en los años 90 (y unos años antes y después) y busca contribuir a la preservación y transmisión de aquel ecosistema cultural, recogiendo el espíritu de iniciativas y espacios.

 

La exposición Los nuevos 90 se podrá visitar en la sala de exposiciones temporales del museo, del 4 de marzo al 4 de junio de 2023.

 

Obras artísticas, video arte y vídeo documental, audios de diferentes entrevistas, documentos gráficos, ediciones alternativas, libros y revistas, fotografías de autor, fotografías-copias de exhibición, proyecciones y mobiliario componen el universo de este proyecto. En él se integran en torno a 140 creadores y colectivos. Se trata de una época crucial con el paso de lo analógico a lo digital, y la exposición recupera producciones que salen a la luz por primera vez, todas ellas desde la perspectiva de su sentido dentro de un engranaje coral donde lo participativo trasciende las individualidades.

 

La muestra, cuyo recorrido es cronológico, integra este devenir y apunta a los acontecimientos sociales paralelos. Comienza abordando la relevancia de la utilización de las entonces llamadas “Nuevas tecnologías”, que fundamentalmente se desarrollaron a partir de la investigación de las posibilidades del video-arte.

 

Se trata de la primera gran muestra sobre los años 90 en Europa que perfila algunas de las cuestiones esenciales a partir del contexto vasco, y abre nuevas historiografías futuras.

 

 

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Museo Marino Marini, Firenze

31.03 – 29.05.2023

Opening 31.03.2023, 6pm

 

From March 31 to May 29, 2023, Museo Marino Marini in Florence is pleased to present Watching and Waiting: Enrique Martínez Celaya Selected Sculptures 2005-2023, the first exhibition in Italy by Cuban-born and Los Angeles-based artist Enrique Martínez Celaya. Trained as a painter, in over thirty years of artistic practice, Martínez Celaya has also explored sculpture, photography, video and writing, investigating through all these media the fundamental relationships between human beings and the world. His figurative language takes root in nature, using common and familiar images such as trees, flowers, rivers, skies, the sea, but also animals and human figures. The initial simplicity of this imagery, however, gives way to a deeper, opaque and unstable experience that lies beneath the surface.

 

Museo Marino Marini in Florence, dedicated to the famous Tuscan artist, has 183 works by Marini in its permanent collection, including many sculptures, some of them monumental. Watching and Waiting, curated by Giorgio Verzotti,therefore pays specific attention on Martínez Celaya’s sculpture, in dialogue with the rooms that host it. For the first time in this exhibition, the artist transforms the flickering images of his paintings into concrete objects in bronze, cement, wax or wood, which share space with the viewer and intensify his personal engagement. Sculpture thus becomes a powerful medium through which Martínez Celaya explores highly personal and intimate concepts that shape the emotional journey of life, such as memory, loss, vulnerability, strength of spirit, the ephemeral and hope.

 

Martínez Celaya’s sculptures appear as fragments of a story or poem that, in their materiality, occupy the space in which the visitor moves. They seem to be a permanent version of what is usually a fleeting act: weeping, sitting, raising an arm, sheltering. They play the function of witnesses, intensified by their immobility. Immobility that does not want to be impassibility, but rather resistance, determination, waiting and patience, as the title of the exhibition, Watching and Waiting, underlines.

 

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Ateneo Art Gallery, Manila

25.03 – 29.07-2023

 

Renowned conceptual artist Antoni Muntadas collaborated with Ateneo Art Gallery (AAG) and Centro Adaluz de Art Contemporáneo (CAAC) in Sevilla at the height of the pandemic, between 2020 and 2021, for the exhibit Muntadas: Exercises on Past and Present Memories. This year, Ateneo Art Gallery (AAG) remounts the exhibit which will be launched on March 25, Saturday with the featured artist in attendance.

 

Muntadas (b. 1942) presents three projects that translate memories and histories of the Philippines and Spain and its relevance to contemporary history. He is considered as one of the pioneers of multimedia installations and urban interventions. With his art practice spanning over four decades, Muntadas develops projects through collaborative research to create site-specific works that resonate with local issues and experiences. He first visited Manila in 2019 and his brief encounter of the city led him to further investigate the past and present of Spain’s former colony.

 

The idea of movement from the themes of globality and transnationality are central to the works of Muntadas. These concepts can be observed as early as the 16th century, during the height of the Manila – Acapulco Galleon trade, where and when mobility and travel were necessary for commerce and economic development.

 

Starting in Seville in 1565, the galleons stopped by Mexico City and Acapulco for overland trade before sailing to reach the port of Manila. The route also linked Manila with China, and by extension, with other parts of Asia such as Japan and India. The Manila Galleon trade brought about the economic and cultural exchanges between the East and West, a system that has been considered to be the beginning of globalization.

 

Using the Manila Galleon trade as framework for the exhibition, Muntadas developed three projects based on goods that were originally part of this commercial circuit: the mantón de Manila or “Manila Shawl” which was originally made in China then traveled to Manila, and later adapted and appropriated to the Spanish culture; coins and medallions; and ceramic tradeware from Sevilla. Contemporary versions of these goods, which Muntadas refers to as presentes, act as repositories of memories; they are intended as metaphors for historical, political, social, and cultural narratives relevant to Philippine society.

 

The Mantones, locally embroidered in Lumban, Laguna, are fifteen shawls that feature images that represent different points in Philippine history, current events, and popular culture. Malas Hierbas are a set of ceramic plates manufactured in Sevilla which bear botanical drawings of invasive plant species brought in from the Americas, alluding to the effect of colonization. The medallions fabricated in Sevilla are called Portable Monuments to Emigrant Anonymous Workers; they are conceived as a tribute to unrecognized Filipinos living overseas.

 

These projects are contextualized by archival photographs as well as artifacts loaned from the Rizal Library of the Ateneo de Manila University and the Intramuros Administration. Manuel Ocampo also contributes his version of the Murillo Velarde – Nicolás de la Cruz Bagay map that depicts critical points in Philippine colonial history.

 

As with all his previous works, this exhibition was a result of a long research process by Muntadas in collaboration with research and design teams in Manila and Barcelona. Concept development and design were all facilitated virtually. Through the collective effort of both teams in recovering memories, Muntadas was able to draw his interpretations of these narratives to produce representative objects that would resonate with audiences in the Philippines and Spain. As described by writer José Díaz Cuyás in his essay Ideas on Voyages, Routes and Detours on the exhibition, “It does not have to do with reconstructing the memory of both nations, and narrating the evolution of their cultural identities, of what they are about. On the contrary, it is about bringing to the present some of the things that moved between one country and the other, and in doing so, bring both together.”

 

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firmamentos interiores

Firmamentos interiores: Luis Gordillo / Grandes Formatos 2002-2020

23.03 – 10.09.2023

 

Inauguración de la exposición en Dormitorio Alto, Espacio Santa Clara, Sevilla. Jueves 23 de marzo, a las 13.30h.

 

Si hasta ahora las diferentes exposiciones de Luis Gordillo que ha acogido la sala dedicada a su obra habían sondeado en los recursos gráficos del maestro, en esta ocasión el espacio da cuenta de   uno de los campos más prolíficos y plenos de su obra: el gran formato.

 

En Firmamentos interiores: Luis Gordillo / Grandes Formatos 2002-2020 se muestra una veintena de obras, no expuestas en Sevilla hasta el momento y que han sido realizadas en distintos periodos del siglo XXI. La exposición se articula en un trabajo bien diferenciado del artista en el que se da paso a una forma diferente de trabajar respecto a lo mostrado anteriormente en la Sala Luis Gordillo.

 

La muestra se completa con una videoproyección realizada ex profeso para la misma, ubicada en el espacio final de la sala. En esta presentación, realizada a modo de bucle continuo, se muestran las imágenes fotográficas tomadas por el propio artista durante unos meses de 2014 donde a modo de diario se muestran imágenes de su entorno cotidiano  junto con imágenes del proceso de realización de diversas obras y que, como es su práctica habitual, formarán parte en trabajos posteriores y así sucesivamente.

 

 

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Puntuacions, 2017

Centre Cultural el Casino, Manresa

25.03 – 21.05.2023

Inauguració 24.03.2023, 19h

 

Història de les mans és una exposició itinerant organitzada pel Programa d’Arts Visuals de l’Àrea de Cultura la Diputació de Barcelona, amb la col·laboració del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) i el Centre Cultural el Casino de Manresa

L’exposició planteja un diàleg entre obres d’artistes contemporanis i obres de la col·lecció del MNAC. La comissària, Alexandra Laudo, articula el diàleg en nou àmbits temàtics —Les mans, l’autoritat, el poder; Les mans, la lectoescriptura, la història; Les mans, el control, la determinació; Les mans, el treball, les cures; Les mans, els diners, el valor; Les mans, els pits, el martiri; Les mans, la medicina, el cos malalt; Les mans, el desig, el pecat i Les mans, els inicis, els finals— i proposa una selecció de vint-i-cinc obres dels artistes Antoni Abad, Isabel Banal, Isabel Barios, Damià Campeny, Colita, Mirari Echávarri, Raquel Friera, Camille Henrot, Fermín Jiménez Landa, Claudi Lorenzale, Mestre de Cinctorres, Joan Morey, Antoni Muntadas, Levi Orta, Pasqual Ortoneda i María Sánchez, així com també obres anònimes dels segles XIII, XV, XVI i XVIII i monedes del segle XX.

Història de les mans convida els espais expositius participants en la itinerància a incorporar una obra local o vinculada al municipi. L’obra proposada per Manresa és Ànima del purgatori (segle XVII), d’autor desconegut, de la col·lecció del Museu de Manresa.

 

Activitats vinculades:

Dimarts 2 de maig a les 19h. Tacte-intacte. Sessió de cinema i vídeo d’autor. A càrrec d’Albert Alcoz, cineasta, teòric i comissari de cinema i Alexandra Laudo, comissària de l’exposició.

Dissabte 6 de maig, a les 11 h. Taller de frottage. A càrrec de Marc Larré, artista. Per a públic familiar amb nens/es a partir de 6 anys (preferiblement)

Divendres 12 de maig, a les 19 h. Visita comentada a l’exposició.
A càrrec d’Alexandra Laudo, comissària de l’exposició

 

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Perejaume

Conversa amb Perejaume

 

Cicle Conferències d’Art contemporani a les col·leccions de l’Ateneu Barcelonès

 

16/03/2023 – 18:30h

 

Sala d’actes Oriol Bohigas, Ateneu de Barcelona

 

Entrada oberta

 

 

Perejaume és el protagonista d’aquesta darrera sessió del cicle de conferències sobre l’art contemporani a les col·leccions de l’Ateneu Barcelonès.

 

Perejaume inicia la seva trajectòria artística a mitjan dècada dels setanta. Parteix d’una personal forma d’expressió pictórica que s’ha vinculat al surrealisme. Tanmateix és el paisatge, com a fet que dóna continuïtat a la tradició de la cultura catalana, el que pot ser considerat l’eix central de la seva obra. L’any 2005 va ser guardonat amb el Premi Nacional d’Arts Visuals, concedit per la Generalitat de Catalunya. L’any 2006 va rebre el Premi Nacional d’Arts Plàstiques concedit pel Ministeri de Cultura d’Espanya.

 

Amb la seva obra Pa d’or, ubicada al vestíbul de la segona planta, l’artista ha volgut plasmar la geometria del pa d’or mitjançant el blanc sobre un fons fosc, exigint a l’espectador una observació més atenta. Aquesta obra és un exemple de com algunes de les obres de Perejaume s’aproximen a la poesia visual de Joan Brossa.

 

A càrrec de Perejaume i Anna Maluquer, directora de la Fundació Palau.

 

 

Acte enregistrat i retransmès en directe aquí.

 

 

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Joan Brossa

Fundació Joan Brossa, Barcelona 

15.03 – 16.07.2023

 

Aquest projecte és una recerca que pren la forma d’instal·lació expositiva per explicar la intensa dedicació que va mostrar Joan Brossa al que ell anomenava el “parateatre”, la poesia en escena, la poesia en directe. Segons Joan M. Minguet, comissari d’aquesta mostra, el mateix Brossa va conrear aquesta disciplina escènica que, en comptes de centrar-se en la tradició literària del teatre, ha buscat des de temps immemorials el contacte amb l’espectador a través de la fascinació, de la sorpresa, de l’ocurrència, de tot allò que succeeix a un escenari (o a una pista circense, o a un carrer o una plaça) que no té que veure amb l’argument i la narració. O, en tot cas, que no suposen l’eix vertebrador de l’acció o de l’obra.

 

Brossa sempre va sentir-se admirat pel transformista Fregoli, personatge que podem considerar estendard d’aquesta mirada oberta que el poeta tenia cap a camps tan variats com la màgia, la pantomima, el circ, els pallassos, el cinema dels primers temps (amb aquelles pel·lícules on tot era trucatge), el teatre visual més contemporani. I entremig de tots els personatges i accions que van captivar Brossa, mostrarem la seva producció (visual, literària, teatral) a la llum d’aquesta poètica de l’encís.

 

Però Fregoli no serà l’únic personatge que tindrem convidat a la Brossa, sinó que s’abordarà la seva relació i col·laboracions amb una constel·lació d’artistes contemporanis (i d’altres generacions): Hausson, Christa Lem, Pep Bou o Tortell Poltrona però també iniciatives com la Fira del Teatre de Tàrrega o el Festival de Pallassos Charlie Rivel de Cornellà de Llobregat. D’aquesta manera, el llibre també serà una visió panoràmica del sistema parateatral català d’un moment determinat.

 

Tot l’edifici de La Seca, situat al bell mig del Born de Barcelona i amb una important identitat patrimonial i arquitectònica en ser una antiga fàbrica de moneda, serà transformat a través d’aquesta mirada brossiana i parateatral de la mà de Javier Morera, qui signa el disseny d’espais. El públic podrà transitar per diferents recons de l’edifici que, a través de la màgia i la instal·lació, es transformaran gràcies a la mirada del poeta. S’inclouran obres visuals (poemes objecte, poemes visuals, llibres d’artista) que Brossa va dedicar al món de l’imaginari teatral (o parateatral); reculls fotogràfics i documentals de la col·laboració de Brossa amb artistes de l’escena; documents i obres que acostaran el públic a l’imaginari del transformisme, la màgia, el circ, al cinema de trucatge o l’streptease. Joan M. Minguet, curador de l’exposició, fragmentarà el relat que es repartirà per tot l’edifici, trencant fronteres disciplinàries i jugant amb tot allò que sembla i no és.

 

ACTIVITATS RELACIONADES

 

Encara hi ha altres Brosses: Visita guiada a l’exposició a cura del comissari Joan Maria Minguet. Aquesta sessió forma part de l’etapa de formació del programa PIC.
Dates: 22 de març, 17 de maig, 14 de juny | Hora: 18 h. Reservar 

 

Muntar Brossa sense Brossa? Conversa entre Teresa Grandas i Joan Maria Minguet a propòsit de la curadoria d’exposicions sobre Joan Brossa.
Data: 28 de març | 18 h. Reservar 

 

Sobre les teatralitats de Brossa i altres xafarderies: Lectura dramatitzada de la taula rodona pseudoficcionalitatzada d’Eduard Olesti i presentació del llibre Altres Brosses.
Data: 14 d’abril | 18 h

 

Parateatralitats contemporànies: Transformismes de cos i espai amb Frau Diamanda. Aquesta sessió forma part de l’etapa de formació del programa PIC.
Data: 26 d’abril | 18 h
Entrades a 3 €. Reservar

 

Projecció del documental Music-Hall a Catalunya (1983), enregistrat al Teatre Arnau el 9 de març del 1983 amb la participació de Joan Brossa, Pep Bou, Tortell Poltrona, Christa Leem, Selvin, Hausson, Manel Barceló i Kirman.
Data: 25 de maig | 18 h
Entrades a a 3 €. Reservar

 

Violència i disrupció del fet parateatral: L’afora també és una espècie de dins amb projecte g0-g0 i performance de Kha. Aquesta sessió forma part de l’etapa de formació del programa PIC.
Data: 8 de juny | 18 h
Entrades a 3 €. Reservar

 

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Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo – MAC USP, São Paulo

a partir de 18.03.2023

 

No programa curatorial do MAC USP, o 7o e o 6o andares são destinados à exibição da coleção permanente. Nesta exposição, o visitante pode compreender as principais características do acervo, ao mesmo tempo em que a coleção pode ser revisitada e atualizada a partir de questões contemporâneas. Com duração de cinco anos, a mostra permite ao Museu cumprir seu papel universitário, tornando-se espaço de formação em vários níveis e de debate crítico sobre a história das artes visuais.

 

Para a comemoração dos 60 anos do MAC USP, esta nova exposição propõe uma reflexão sobre quais obras e quais artistas presentes no acervo contam sobre a experiência histórico-político-social dos séculos 20 e 21, vivida a partir do Brasil. De modo crítico, nesse itinerário, a própria formação do acervo está imersa nessa narrativa.

 

A mostra, concebida por um grupo de seis curadores, em diálogo com um comitê consultivo, apresenta três eixos norteadores que se entrelaçam, em sete agrupamentos, divididos nos dois andares expositivos. Esses eixos, de certo modo, costuram as várias partes da exposição: a institucionalização do Museu, a arte como experiência coletiva e a arte como experiência subjetiva. Dentre os três eixos, apenas um deles está identificado por uma sinalização diferente: trata-se do eixo institucional, que nada mais é do que o conjunto das 13 obras doadas pelo magnata estadunidense Nelson Rockefeller para a criação de museus de arte moderna em São Paulo e no Rio de Janeiro. Essa doação foi considerada a base inicial das coleções do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP), transferidas para a USP em 1963 – dando origem ao MAC USP. Os outros dois eixos se pautam, respectivamente, pelas experiências coletivas (as lutas políticas e os movimentos sociais) na história dos últimos 150 anos e pelas experiências subjetivas, tais como as relações entre o eu e os outros. Os sete agrupamentos são: Inconsciente (não) livre, Guerra fria, Resistência e Êxodo (7o andar); e Retrato, Apropriação e Violência (6o andar). Eles expressam como essas experiências coletivas ou subjetivas aparecem na coleção do MAC USP.

 

O visitante verá que algumas obras e/ou conjunto de obras possuem em suas etiquetas um QR Code que leva a textos curtos sobre essas proposições. Por fim, a exposição empresta seu título da coletânea de ensaios do historiador Eric Hobsbawm, publicada em 2013, um ano após a morte desse intelectual que atravessou duas guerras mundiais e viu a ascensão dos regimes totalitários no continente europeu. Hobsbawm teve sua vida marcada pelo exílio e sempre enfrentou a árdua tarefa de indagar o futuro.

 

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Lumbung Press

Presentació Lumbung Press

12 de març, 12h

Hangar Barcelona

 

 

El diumenge 12 de març a les 12 h se celebra la presentació de Lumbung Press a Hangar. La impremta col·laborativa que ha format part de l’última edició de documenta arriba a Barcelona i s’integra com a projecte en residència a Hangar gràcies a l’acord de col·laboració entre Hangar, Macba i l’Institut de Cultura de Barcelona-Fàbriques de Creació. La trobada comptarà amb la participació de Tim Rudolph, Fred Hansen i Erick Beltrán com a membres de Lumbung Press, qui faran impressió de cartells en directe. A més, hi haurà una xerrada amb ruangrupa i Madeyoulook i projeccions de Subversive Film i Sebastián Díaz Morales, així com documentació diversa en vídeo de documenta 15.

 

Lumbung Press és una pràctica col·lectiva d’impressió basada en la tradició indonèsia del lumbung —dipòsit dels recursos comuns per redistribuir-los en benefici a llarg termini dels membres d’una comunitat—, el concepte guia de documenta 15, probablement la cita més important d’art contemporani que té lloc cada 5 anys a Kassel, Alemanya. El projecte, desenvolupat i gestionat col·lectivament per artistes de lumbung, va funcionar a l’espai de la documenta Halle durant els cent dies de durada de l’última edició de l’exposició, que va tenir lloc de juny a setembre de 2022.

 

 

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Political Advertisement

MoMA, New York

05.03 – 08.07.2023

 

Video is everywhere today—on our phones and screens, defining new spaces and experiences, spreading memes, lies, fervor, and power. Shared, sent, and networked, it shapes public opinion and creates new publics. In other words, video has transformed the world. Bringing together a diverse range of work from the past six decades, Signals reveals the ways in which artists have posed video as an agent of global change—from televised revolution to electronic democracy.

The exhibition highlights over 70 media works, drawn primarily from MoMA’s collection, with many never before seen at the Museum. Featured artists include Muntadas, John Akomfrah, Gretchen Bender, Dara Birnbaum, Tony Cokes, Amar Kanwar, New Red Order, Nam June Paik, Sondra Perry, Martine Syms, Stan VanDerBeek, and Ming Wong. Signals enables audiences to experience video art’s wildly varied formats, settings, and global reach, from closed-circuit surveillance to viral video, from large-scale installation to social networks.

With this broad range of forms and media, artists have championed and questioned the promise of video. Some have hoped to create entirely new networks of communication, democratic engagement, and public participation. Others have protested the rise of commercial and state control over information, vision, and truth itself. Signals focuses on the ways in which artists have used video to ask urgent questions about society and propose new models of public life.

 

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