Muntadas es el artista con el que estrenaremos el nuevo espacio de Prats Nogueras Blanchard, a partir del 5 de abril 2024. La exposición se titula “PARATOPIAS” y presenta trabajos realizados en diversos momentos y contextos. Las piezas se reúnen alrededor de la paratopía, un término definido por el lingüista Dominique Maingueneau.
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C/ Méndez Núñez, 14, 08003 BARCELONA
Tenemos el placer de participar en LOOP FAIR 2023, que tendrá lugar en el Hotel Almanac Barcelona, del 21 al 23 de noviembre de 2023. Presentamos un trabajo reciente de Cabello/Carceller, Una película sin ninguna intención, 2022, una videoinstalación de 3 canales que cobrará una resonancia particular en la habitación del hotel.
“Una película sin ninguna intención se inspira en un breve fragmento, apenas unos segundos, de la película Les rendez-vous d’Anna (1978) de Chantal Akerman. La acción sitúa a la protagonista sola en una anodina habitación de hotel. Anna acaba de entrar, se dirige hacia las ventanas y, antes de abrir una de ellas, descorre un visillo para observar desde ahí una ciudad industrial. La escena no reprodujo el guión original de la película. Si hubiera sido fiel a lo escrito, ese mundo que la protagonista contempla desde la ventana le habría sido visualmente ofrecido al público; pero al final, en las imágenes tan solo podemos ver a la protagonista de espaldas mirando hacia el exterior.
Lo que más nos interesó de esta escena aparentemente nimia fue su capacidad para evocar la experiencia de vida de quienes, por diferentes circunstancias, no encajamos en el modelo convivencial hegemónico. Aislamiento, incomprensión, distancia, cuerpo. Anna sale de esa habitación para fingir que interactúa con los demás. En Una película sin ninguna intención, A. (una abreviatura polisémica en referencia al personaje K. de Franz Kafka, a quien también refiriera Akerman) ocupa un espacio indefinido frente a tres ventanas, un visillo y una cortina opaca. A diferencia de Anna, A. no sale nunca de ese espacio físico.”
Cabello/Carceller
El Born Centre de Cultura i Memòria, Barcelona
9/9 – 1/10/2023
Inauguració 8 de setembre, 17h
Aquest any El Born Centre de Cultura i Memòria commemora l’11 de setembre amb dues instal·lacions artístiques al conjunt arqueològic que reinterpreten dues derrotes que dialoguen en els temps i que representen alhora dues lluites: la derrota de la democràcia a Xile a causa del cop d’estat de l’11 de setembre de 1973 i la darrera defensa de Barcelona l’11 de setembre de 1714.
El cop d’estat va posar fi a la democràcia emparada per la Constitució xilena del 1925 i a la “via xilena al socialisme”. Va comportar persecucions, violència d’Estat i la inversió dels valors democràtics i republicans que fins aleshores havien sostingut la convivència dels xilens i la seva relació amb la justícia, la policia, les forces armades, les universitats, els municipis i el govern.
La instal·lació Dos minutos y medio para el mediodía del 11 de septiembre de 1973, de l’artista Fernando Prats, rememora el 50è aniversari d’aquells fets evocant els elements visuals i sonors que encapsulen la tragèdia: el bombardeig de la Casa de la Moneda de Santiago de Xile i la seva retransmissió radiofònica. La Casa de la Moneda en flames i el fum gris que va envoltar el palau després del bombardeig són els elements que pren l’artista com a metàfora en la seva instal·lació, que consisteix en nou pintures fumades ubicades al jaciment i la reproducció de la locució de Radio Balmaceda del periodista Ignacio González Camus, que relata els instants del cop. A més, a la balconada, el visitant pot veure fotografies històriques dels moments clau de l’atac, una sèrie de dibuixos i un seguit d’arxius que documenten el context polític xilè i les terribles conseqüències que va tenir el cop d’estat.
Instal·lació a cura de Ricardo Brodsky.
ARCOmadrid 2023
Galeria Joan Prats
Booth 9C06
Para nuestro stand en la feria de ARCOmadrid 2023 presentamos una selección de piezas de nuestros artistas, Erick Beltrán, Alfons Borrell, Cabello/Carceller, Victoria Civera, Luis Gordillo, Alicia Kopf, Lola Lasurt, Perejaume, Pablo del Pozo, Fernando Prats, Caio Reisewitz, José María Sicilia, Juan Uslé.
Por primera vez presentaremos una obra de la artista brasileña Tadáskía.
‘Digerir el món on és’
CaixaForum, Barcelona
Del 20 de juliol al 30 d’octubre de 2022
L’exposició planteja la possibilitat de produir sistemes que permetin llevar la supremacia antropocèntrica per reinventar noves maneres de viure. Inclou obres de Victoria Civera, Teresa Lanceta, Sue Williams, Inês Neto Dos Santos, Menchu Lamas, Tacita Dean i Mariana Silva, entre d’altres.
Comissariada per Alba Colomo
Els fongs, a diferència de la majoria d’organismes del planeta, no busquen menjar per ingerir i absorbir, sinó que es nodreixen a partir del miceli: una xarxa dinàmica subterrània que connecta les arrels de les plantes per compartir els nutrients. Les societats humanes estem íntimament relacionades amb els fongs, ja que la nostra supervivència com a espècie depèn indefugiblement de cohabitar comú.
En contra de la lògica capitalista, que promou l’individualisme i la superioritat de l’espècie humana sobre la natura, l’exposició aborda la necessitat de repensar-nos com a espècie animal i de situar-nos dins d’una xarxa interespècie, d’encarnar la col·lectivitat diversa per implicar-nos-hi de manera activa i, com diria l’antropòloga Yayo Herrero, de “fer-nos-en càrrec”.
“Digerir el món on és” entrellaça un seguit d’obres que s’han fet des dels anys 80 fins a l’actualitat, que reflecteixen la interdependència i les relacions tentaculars que ens travessen i que sostenen la vida, mentre s’aborden tant els límits físics i emocionals dels ecosistemes que habitem com la vulnerabilitat inherent a tots els éssers vius.
Premi de Pintura 2022, Fundació Vilacasas
Can Framis, Barcelona
05/07/2022 – 18/09/2022
Un any més, la Fundació Vila Casas ha convocat l’edició dels premis dedicats, de manera rotativa, a les disciplines de pintura, escultura i fotografia. Enguany és el torn del Premi de Pintura 2022 i el jurat –format per Gisela Chillida, Natàlia Chocarro, Marc Domènech, Conxita Oliver, Antonio Sagnier, Àlex Susanna i Antoni Vila Casas– ha seleccionat 30 obres finalistes que es podran veure en una exposició a Can Framis de Barcelona entre el 5 de juliol i el 18 de setembre.
Els 30 artistes finalistes són: Eladio Aguilera, Alejandra Atarés, Rafel G. Bianchi, Sara Bonache, Jose Bonell, Bernat Daviu, Gonzalo Elvira, Miquel Garcia, Elena Kervinen, Gala Knörr, Lola Lasurt, Pere Llobera, Francesca Llopis, Justine Lotus, Ariadna Mangrané, Irma Marco, Maria Mercader, Muma, Narotzky, José Luis Pascual, Jorge R. Pombo, Ignasi Prat Altimira, Francesc Ruiz Abad, Bea Sarrias, Manolo Sierra, Joan Soler, Ramon Surinyac, Guim Tió Zarraluki, Jordi Torrent i Clara Vidal.
Inauguració: dilluns 4 de juliol, a les 19 h
Badalona, 1991
Vive y trabaja en Barcelona
Marcel Rubio Juliana se expresa principalmente mediante el dibujo y la pintura, si bien su acercamiento a la creación tiene, a veces, ciertas similitudes con el ensayo literario.
Sus procesos de trabajos suelen ser de duración muy larga. Formaliza sus investigaciones estéticas principalmente en grandes formatos, lienzos al carboncillo, escenas épicas al óleo pero también miniaturas sobre vidrio.
La obra de Marcel Rubio Juliana se caracteriza por su interés en los referentes clásicos: la pintura renacentista, la escultura y la arquitectura italianas. Produce una iconografía, fruto de la observación al natural de modelos tanto humanos como animales, que recorre todas sus telas. Marcel no teme enfrentarse a grandes temas como el amor, la muerte, la resurrección, no obstante, elementos de la cotidianidad o de la cultura popular siempre pueden aparecer en sus pinturas.
Desde la alegoría, en la que se incluyen irónicamente representaciones grotescas contemporáneas, en sus propias palabras, su obra se construye en torno a un único propósito: “elevar el espíritu”.
Caixaforum, Barcelona
09.03 – 19.06.2022
L’exposició examina un terreny fluït, postcrisi i postpandèmia en què hackejar representa noves possibilitats en front de la realitat.
Comissariada per Bárbara Cueto, l’exposició s’emmarca en el programa Convocatòria de Comissariat i explora la idea del hack en tant que intervenció de perspectiva expandida.
El 1903, Guglielmo Marconi va voler presentar al públic londinenc el primer missatge enviat sense fil. Abans de començar, l’aparell receptor va emetre un missatge en codi morse que deia “Rates! ¡Rates! ¡Rates!”, seguit de diversos insults vers el científic i els que allà eren presents. La ràdio no era un canal privat com Marconi l’havia fet aparentar; els missatges sense fil podien ser interceptats i interferits. Aquest curt i intrusiu fragment va esdevenir el primer hack de la història.
Si bé hackejar normalment fa referència a infiltrar-se en un entorn informàtic, qualsevol domini de la natura pot introduir una mostra de virtualitat, entès això com un element que té presència aparent i no pas real. Per tant, tot pot ser hackejat. Un hack és una manera d’intervenir dins d’aquesta natura i revelar tant els poders productius com els destructius. El hacking provoca un estat de possibilitat i fa visible un acte d’imaginació. Inevitablement aquest gest es converteix en polític, si es considera que obre una finestra cap a noves demandes, expectatives i desitjos.
L’exposició “Rates! Rates! Rates!” pren el hack com a acte poètic i gest polític a partir d’una selecció d’obres que representen múltiples procediments i diverses generacions diferents d’artistes. Entre d’altres hi figuren Antoni Muntadas, Eve Sussman, Elena Asins i Gordon Matta-Clark, que irrompen amb gramàtiques virtuals per fer veure un espai liminar en què poder imaginar alternatives als relats hegemònics i formular històries en una realitat substituta. En conseqüència, la mostra es transforma en una estructura de relectura política que proposa un exercici a través d’evocar poèticament l’alteritat, la sensibilitat del codi digital i els lèxics tecnològics dissidents.
Inauguración jueves 2 de diciembre, 17-21h, con la presencia de la artista
Visita guiada jueves, 3 de marzo, a las 19h. Por favor, confirmar asistencia: galeria@galeriajoanprats.com
Visita guiada con Victoria Civera en el Balcón Foyer del Liceu, viernes 3 de diciembre, a las 11h. Reserva previa a galeria@galeriajoanprats.com
‘En el estudio, cuando preparo una exposición empiezo de cero, desde la necesidad de escribir una pequeña frase, un texto mínimo a modo de poema. Me gusta proceder de esta manera, sintiendo libertad, nadando en un mar abierto.
Sentir es pensar. Pensar es sentir, con mi mano y mente unidas. Siento, analizo, determino dibujando, también pintando, construyendo una pieza, me descubro, descifro mis sentimientos, en la densidad que los percibo.
En 1997 utilicé como portada de un catálogo, una imagen de mariposas, con el título ‘Madre luna’…Siento que las mariposas nos dan suerte.
Cuando éramos pequeños, mi padre nos solía regalar a mis hermanas, hermano y a mí, una caja de zapatos con capullos de seda en la fase embrionaria. Nos enseñaba como alimentarlas y, para ello, recolectábamos hojas de morera para que así pudieran cumplir su ciclo. Fue una gran lección. Así, con fragilidad, empezamos a respetar la vida y a entenderla como evolución y transformación. También, lo que significa adquirir un compromiso, día a día.’ Victoria Civera
El próximo 2 de diciembre inauguramos la segunda exposición individual de Victoria Civera en Galeria Joan Prats, titulada ‘Ocelo’, con presencia de la artista.
La exposición reúne sus obras más recientes, y muestra la variedad de su producción: objeto instalación, fotografía, vídeo, dibujo y pintura, realizados el último año entre Saro, Cantabria, y Nueva York.
Encontramos en las piezas presentadas las temáticas que ha trabajado Victoria Civera a lo largo de su trayectoria, como el cuerpo, el universo femenino, lo personal, el entorno individual y lo doméstico. En constante diálogo entre el mundo figurativo y el mundo abstracto, su obra es una búsqueda conceptual de imaginarios personales.
Ocelo hace referencia al ojo, a la pupila, al macro mundo interior del ojo humano. La imagen del círculo, recurrente en su obra, alude también al tiempo como movimiento circular. En el vídeo titulado Ocelo, una serie corta de fotogramas muestra el revoloteo de una mariposa enganchada por sus alas en el limpiaparabrisas de un coche en marcha en la autopista. Nos habla de la belleza en transformación y de la impotencia, de lo inasible y la fragilidad permanente.
La obra de Civera parte de lugares emocionales, de parcelas de su entorno presente y de recuerdos de su infancia. Se mezclan a su vez, en el momento actual, sentimientos comunes debido al aislamiento, la incertidumbre, el cambio, la extrañeza, el miedo, como expresa en sus grandes instalaciones tituladas Horizontal versátil y Torre, N.Y. en blanco y negro, confinamiento.
En una de las salas de exposición encontramos dos largas mesas con obras de aluminio pintadas de diferentes colores, tituladas Entropía (Saro). Sobre ellas, diversas fibras naturales y artificiales de acumulación de polvo han sido formadas y recogidas como residuo de lavado y secado de la ropa usada en Saro. En su amontonamiento casual, al recolectarlas, van adquiriendo formas irregulares irreversibles parecidas a las alas de mariposas, con una textura áspera y aterciopelada. Las piezas parten del cero absoluto del que habla Victoria, hacia la evolución y transformación, entre el ojo y la forma, dando validez a la infinita diversidad fragmentaria.
Otros fragmentos de paisajes se muestran en la serie Tablets, pinturas de pequeño formato sobre metal y madera, que incorporan también tejidos naturales y otros materiales. Se trata de pequeñas cartografías de percepciones o intuiciones, donde la expresividad de lo cromático toma importancia.
La dimensión poética de la obra de Victoria Civera se nos abre a la hora de interpretar sus piezas. Su proceso creativo implica un estado permanente de receptividad al entorno y convida al espectador a relacionarse con su obra con un ritmo pausado, mientras nos incita a prestar atención a los más mínimos detalles que la componen.
Victoria Civera (Port de Sagunt, Valencia, 1955) vive y trabaja entre Nueva York y Saro, Cantabria. Su trayectoria se inició en los años setenta, trabajando principalmente el fotomontaje e introduciendo la pintura en la década siguiente. A mediados de los ochenta, Victoria Civera se traslada a Nueva York e incluye el objecto instalación a su práctica artística. Su obra, de contenido onírico y basada en el universo femenino, se ha movido entre las piezas de gran escala y piezas de una poética comedida y sugerente, incorporando a menudo objetos de la vida doméstica.
Entre sus exposiciones individuales destacan Inasible, Real Casa de la Moneda, Madrid (2019), Every Day. Ni la palabra ni el silencio, Centro de Arte Alcobendas (2017), Sueños inclinados, IVAM, Valencia (2011), Atando el cielo, CAC, Málaga (2010), Túnel eterno, Palacio de los Condes de Gabia, Granada (2006), y Bajo la piel, Espacio 1, MNCARS, Madrid (2005).
También ha participado en exposiciones en centros de arte como CGAC de Santiago de Compostela, MAS de Santander, Bombas Gens de Valencia, Museum Boijmans Van Beuningen, de Rotterdam, Caixaforum de Barcelona, Mumok- Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena, MACBA de Barcelona, The Rose Art Museum, Massachusetts, Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole, The New Museum of Modern Art, Nueva York. Su obra forma parte de colecciones de instituciones y museos como MACBA, MNCARS, IVAM, CAC Málaga, Es Baluard de Palma, Artium de Vitoria-Gasteiz, Colección Banco de España, Colección “la Caixa”, Patio Herreriano de Valladolid o Colección Banco Europeo.
Hasta el 20 de diciembre expone en el Balcón Foyer del Liceu de Barcelona una serie de 40 dibujos de la Temporada de Ópera del Liceu. En 2022 presentará una exposición retrospectiva en el Museo Patio Herreriano de Valladolid.
Gran Teatre del Liceu, Barcelona
20.10.2021 – 20.12.2021
Temporada d’òpera 2021-2022, VICTORIA CIVERA.
Inauguració de l’exposició de les obres del llibre “Temporada d’òpera 2021-2022”
Gran Teatre del Liceu, Barcelona
Dimecres, 20 d’octubre a les 19.30h
Presentem una sèrie d’obres sobre paper, realitzades per Victoria Civera entre València i Nova York en el 2021, per a la present temporada d’òpera del Liceu.
Seduïda per la idea de treballar el món de l’òpera, que li porta records d’infància (“la gran emoció que em va produir la veu de Maria Callas quan la vaig sentir per primera vegada, mentre dibuixava a la meva habitació, tindria uns nou anys”) i dels seus començaments a Nova York (“anàvem a un petit teatre entranyable que ja no existeix, Amato Opera, espai reduït però excepcional”), Victoria Civera parteix dels sentits que són, com en la vida, un component primordial per a transmetre i percebre emocions i per a enriquir l’experiència vital, sense separar l’emoció del compromís i una actitud vinculant amb la vida.
L’artista rep l’encàrrec com un repte, deixant-se portar per la seva pròpia mà, i decidint alhora que els dibuixos siguin il·lustratius de cada òpera. Realitzats a partir d’un treball intens, amb ritme, traç solt, l’artista es deixa portar pel drama i, alhora, s’enfronta a aquest amb molt d’humor, considerant l’humor necessari per a revitalitzar les experiències fortes.
En un procés que comença amb l’escolta, lectura i visionat de les òperes, gaudint de la música i de l’aprenentatge de les trames, Victoria Civera ha realitzat conjunts de quatre dibuixos per a cada òpera, als quals ha donat tempos diferenciats, però que en el seu conjunt formen una globalitat d’expressió i execució. Interessada per l’actualitat dels temes de les òperes, l’artista elucubra amb la possibilitat de realitzar una única Òpera a partir dels fragments de cadascuna de les òperes, amb amors, desamors, traïcions, desgreuges i matances bastant actuals.
Victoria Civera considera que les obres neixen a través d’experimentar amb els sentits, després, es forma l’emoció i la nostra consciència ens permet editar conceptualment aquestes experiències i emocions per a formalitzar una obra amb un carisma particular. Com en les partitures, les paraules escrites són també els nostres dibuixos mentals. “Crec que en el meu treball es dona amb freqüència la cerca d’una experiència global, que parteix de la combinació d’experiències sensorials diferenciades”.
Juntament amb els dibuixos, trobem l’obra “Sudario”, de 1998, un teixit de llana i cotó de 450 x 300 cm que va formar part de la seva exposició ‘El trance de las tijeras’ al Palacete del Embarcadero de Santander. És una peça reivindicativa, on una sèrie de mantes militars, masculines, cosides entre elles, tenen bordats una infinitat d’insults qualificatius que l’artista i les dones en general han rebut. Aquesta violència cap a la dona està present a la Òpera i als dibuixos de Victoria Civera.
* Es prega confirmació al 93 317 73 78 o a l’adreça: anna@amicsliceu.com
Seminari COHABITAR LA BELLESA
En el marc de l’exposició LA TRANSFORMACIÓ SENSIBLE.
Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani
28, 29 i 30 de setembre, a les 17h.
La bellesa inconfessable, la bellesa intencional i la bellesa postestètica, tres perspectives, tres temptatives de revisar com la bellesa queda avui en dia implicada en projectes artístics que busquen incidir en contextos socials i assolir rellevància política.
En el marc de l’exposició LA TRANSFORMACIÓ SENSIBLE.
Seminari conduït per Oriol Fontevila, estructurat en tres sessions:
La bellesa inconfessable. 28/9. Amb Nuria Guell i Patrícia Esquivias.
La bellesa intencional. 29/9. Amb Amica Dall (Assemble) i Julia Ramírez-Blanco.
La bellesa postestètica. 30/9. Amb Javier Peñafiel i Rita Rakosnik.
Inscripcions gratuïtes a activitats-centredart@bcn.cat
Visita con la artista el 2 de septiembre, 18h30. Con cita previa a galeria@galeriajoanprats.com
En el marco de Artnou, Galeria Joan Prats presenta la exposición Compulsión, de Julia Varela (Madrid, 1986).
En el panorama contemporáneo digital y mediado por los dispositivos tecnológicos, la percepción de las imágenes se promueve a través de la condición visible de las mismas. Esta visibilidad es lo que otorga a la imagen su condición performativa y la posibilidad de ser, su reconocimiento social y legal. La serie de obras propuestas para la exposición y sus intrahistorias abordarán una serie de cuestiones alrededor de este y otros temas.
Julia Varela es una artista que trabaja sobre el medio y la materialidad de las imágenes en la era de las tecnologías digitales. Su investigación se centra en los estados adoptados por lo irrepresentable, lo que se resiste a ser representado.
La forma física de sus obras analiza la globalización de las industrias, la materia tecnológica y el concepto de visualidad. Su trabajo intensifica nuestra interacción física con los dispositivos y sus mecanismos, brindando una comprensión alternativa de nociones cómo el contexto y el deseo.
Julia ha formado parte del programa de investigación Critical Images en Kungl. Konsthögskolan Royal Institute of Art, Estocolmo, Suecia. Es Licenciada en Bellas Artes y ha realizado un Máster en Arts Sculpture en el Royal College of Art Londres. Sus últimas exposiciones han tenido lugar en: Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque, Madrid; Fundació Suñol, Barcelona; Somerset House, Londres; Belgrade Cultural Centre BCC, Belgrado; Listost Gallery, Praga; Decad, Berlín; Yamakiwa Gallery, Japón; KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki; Galleri Mejan, Estocolmo; Resartis, Melbourne; La Casa Encendida, Madrid; Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, Berlín; CUL DE SAC Gallery, Londres.
En la actualidad es artista residente en HANGAR, Centre de producció i recerca d’arts visuals, Barcelona.
FONTETA – Bombon · Joan Prats · NoguerasBlanchard
Capítol I: Parar la fresca
Inauguración: 18-19 de junio. Exposición hasta el 3 de agosto
c/ Empordà, 10, Fonteta, Girona
Junio y septiembre: viernes a domingo, 17-21h
Julio y agosto: lunes a domingo, 17-21h
Otros horarios con cita previa en el teléfono (+34) 644 524 969
Presentamos un proyecto conjunto de Bombon, Galeria Joan Prats y NoguerasBlanchard. Siguiendo la tendencia de otros proyectos colaborativos en los que algunas galerías se unen para abrir espacios temporales deslocalizados, apartados de las grandes ciudades y de sus galerías de origen, las tres galerías se alían, de junio a septiembre, para presentar una exposición en Fonteta, un pequeño pueblo del Empordà.
La exposición, concebida en dos capítulos (el primero se inaugurará el 19 de junio y el segundo el 7 de agosto) reúne artistas de las tres galerías y de diferentes generaciones, en una propuesta que parte del concepto ampurdanés Parar la Fresca (Tomar el fresco), descrito por Josep Pla en el libro “Las Horas”.
Parar la fresca, como dice Pla, es la costumbre estival de sacar la silla a la calle o a la azotea cuando el sol empieza a caer y, así, pasar el rato. Parar la fresca tiene pretensiones modestas, básicamente echar una cabezada bajo el firmamento, ignorando la maravilla que el cielo nos ofrece, los sonidos que emanan del atardecer, del calor estival. Según argumenta Pla, no hay nada más placentero ni amable que dormirse tomando el fresco crepuscular. Pero, ¿y qué sucede si uno no tiene el sueño fácil?
A partir de este interrogante, se han seleccionado obras de artistas que transitan temas como la naturaleza, el paisaje, el tiempo, la contemplación, el universo … Y se han dividido en dos momentos: Parar la fresca y Estar a la lluna, dos capítulos de una misma exposición con artistas como Antoni Tàpies, Ana Mendieta, Joan Brossa, Hernández Pijuan, Alicia Kopf, Rosa Tharrats, Perejaume, Teresa Solar, Jordi Mitjà, Marine Hugonnier, Josep Maynou, Aldo Urbano, Chema Madoz, Bernat Daviu, Mari Eastman, Hannah Collins, Enric Farrés Duran, Wilfredo Prieto o Juan Uslé… entre otros. Así mismo, se realizarán acciones específicas de algunos de los artistas vinculados al Empordà.
En palabras de Pla, “la bóveda celeste invita, según dicen, a pensar. Es cierto. Pero, ¿a pensar en qué?” Concluye el célebre ampurdanés que “las personas que poseen sentido del ridículo piensan, ante el firmamento, que no saben nada de nada”.
Fabra i Coats Centre d’art contemporani, Barcelona
19.6 – 23.10.2021
Assemble, Patricia Esquivias, Javier Peñafiel & Rita Rakosnik, Julia Ramírez-Blanco & Paula García-Masedo.
Projecte a cura d’Oriol Fontdevila
La bellesa és un servei públic? Un dret social? Quin valor polític té la bellesa en el moment actual?
La transformació sensible es pregunta pel rol que exerceix la bellesa en el marc de les pràctiques artístiques i socials, i presenta diferents propostes amb què podem cohabitar la bellesa i fer-nos-la nostra com a pràctica vital.
Contràriament a la idea que es tracta d’una qüestió de gust individual o d’estetització de sistemes socials i de pensament, en aquest projecte la bellesa és entesa com a principi organitzatiu i com a força motriu de coneixement. La bellesa forma part de la naturalesa de les coses: no és als ulls de qui la mira, sinó que busca alterar per complet la percepció, i per tant conté implícitament un procés de mobilització social i polític.
La bellesa és una disposició que assegura la vida en comú amb espècies i agents de diferents tipus, però alhora és un atemptat contra qualsevol presumpció d’independència. El plaer sensual propicia el contacte entre els cossos. Aquesta és la via per la qual accedim i ens relacionem amb l’alteritat, encara que això ens faci irremeiablement dependents i, per tant, vulnerables: una vegada s’ha despertat el desig cap a l’altre, no hi ha autonomia que valgui.
El poeta i dramaturg Friedrich Schiller va proporcionar a la bellesa una primera significació política: tot i que el pensament il·lustrat l’havia deixat al marge, Schiller va assenyalar la bellesa com un component que és indispensable per a l’emancipació social enfront de l’escenari de terror en què va degenerar la Revolució francesa. Amb les Cartes sobre l’educació estètica de l’home (1795), la seva proposta es va concretar en una idealització de la bellesa, la qual el poeta emplaçava en un punt de sincronització perfecte entre l’acció dels sentits i la de l’enteniment.
Amb La transformació sensible, seguim pensant la bellesa com a condició necessària per a la consecució d’un món comú, malgrat que la síntesi schilleriana ja no s’estima avui en dia plausible: la bellesa facilita l’acció col·lectiva en tant que la desdobla, és un multiplicador de la libido, de l’energia afectiva, així com inclús de les possibilitats cognitives. Una política del comú haurà de reconèixer la bellesa en la mesura que és base material i un actor indispensable per a la vida, però sense que s’hagi de procedir, per aquesta raó, a la seva captura segons una forma de l’enteniment o ni tan sols una estètica política. Una política del comú ha de garantir, contràriament, la multiplicació exponencial dels modes de bellesa i, així, fer-ho també amb els d’existència.
COHABITAR LA BELLESA
Seminari conduït per Oriol Fontdevila amb la col·laboració dels artistes de La transformació sensible i Núria Güell.
28 setembre, 2021 – 17:00 Amb Núria Güell i Patrícia Esquivias.
29 setembre, 2021 – 17:00 Amb Amica Dall (Assemble) i Julia Ramírez-Blanco & Paula García-Masedo.
30 setembre, 2021 – 17:00 Amb Javier Peñafiel & Rita Rakosnik.
Activitat gratuïta, amb inscripció prèvia a: activitats-centredart@bcn.cat
Inauguración sábado 15 de mayo, 2021, 11-14h.
17/06, 18h30: Visita con lxs artistas. + info
El próximo 15 de mayo presentamos, por primera vez, una exposición en colaboración entre los artistas Lola Lasurt y Javier Peñafiel, titulada Desde hace tiempo que nuestras comunicaciones no vienen de un lugar reconocible.
‘Una a una, línea de traslado.
Lola y Javier llevan mucho tiempo invertido en imaginar, dibujar, describir, reportar coreografías.
El miedo al contagio ha reducido los contactos, el miedo reduce y paraliza.
Imaginar coinmunidades es la señal de ayuda.
De eso trata esta exposición, del momento anterior a un traslado. Cuando los lugares en la memoria parecen no tan pasivos, el recuerdo los agita. La memoria de cualquier lugar no necesita de lo cuántico para desdoblarse.
Vamos a presentar una frase/friso construida con diferentes trabajos realizados, que no será una síntesis sino un desdoblamiento, precisamente, no somos uno.
Lola pasó un tiempo dedicada a coreografiar en el agua. Sincronizando. El agua es siempre un lugar de coreografías. Javier, con sus problemas óseos, nada una especie de chi kung acuático, disciplinadamente.
La conversación entre los dos ha ido por ahí, traslados, figuras en repetición, ideas singulares, bailes personales, señales de teatro, y la insumisión de los contextos.
Javier tiene una frase de hace mucho tiempo, para ese suceder en el mundo que es el despatrimonial, el cambio, la mudanza, el porvenir. Se refiere a ese paso como Desactivo Domicilios, el momento antes de explotar, la prevención de la catástrofe, el capítulo que no va a ser seriado.
Una frase/friso de trabajos consecutivos de Lola y Javier se extiende a lo largo de la galería a modo de línea coreografiada.
En el centro de la sala grande, algunos trabajos y vídeos se acumulan, dispuestos para una partida, no podemos decir cuándo ni con qué velocidad, ni las condiciones de salida, ni los protocolos de envío.
Los objetos son más enigmáticos cuando están en tránsito.
Recuerdo cuando un cambio de morada significaba un traslado de línea (de teléfono), desde hace tiempo que nuestras comunicaciones no vienen de un lugar reconocible.
Por fin, todas transitivas.’
Lola Lasurt y Javier Peñafiel
Lola Lasurt (Barcelona, 1983) vive y trabaja en Barcelona. La galería colabora con la artista desde su exposición individual Exercici de Ritme, que tuvo lugar en 2014.
Se licenció en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona en 2005 y realizó dos másters en Producciones artísticas e investigación (2009-2010). Además, se formó entre 2016 y 2019 en el Royal College of Art (RCA). Ha expuesto en la Biennal d’Art de Valls (2009); Note Book, KKKB, Barcelona (2010); Bienal de intervenciones site-specific. Alcontar, Almeria (2011); Auberge Espagnole, Anneessens Palace, Brussel·les (2013); Red Dawn, HISK, Gant (2014); Young Belgian Art Prize, Bozar, Brussel·les (2015); Foot Foraine, La Villette, París (2016); Daybreak, Royal College of Art, Londres (2017) o Generación 2018, La Casa Encendida, Madrid.
Entre sus exposiciones individuales destacan Doble Autorització, Espai13, Fundació Miró, Barcelona (2014); Flag Dancing Moves, ornothing, Bruselas (2015); Donació, Biblioteca Pública Arús, Barcelona (2016); Emissió Periòdica Definitiva, santcorneliarts(2), Cardedeu (2017) y Joc d’infants, La Capella, Barcelona. Actualmente presenta un proyecto titulado Cardiograma, en el IVAM de València.
La artista recibió la beca de intercambio entre Hangar y Greatmore Art Studios, Sudáfrica (2012); la beca de investigación Sala d’Art Jove de la Generalitat de Catalunya con el colectivo Leland Palmer (2012); el Premi Miquel Casablancas, finalista modalidad edición (2013) y modalidad proyecto (2015); la Beca para formación y el perfeccionamiento en el ámbito de las artes de la Generalitat de Catalunya (2014); el premio Generación 2018, Fundación Montemadrid, La Casa Encendida, Madrid y el tercer premio de la 15ª Muestra de Arte Naturgy, MAC, A Coruña (2018).
Javier Peñafiel (Zaragoza, 1964). Ha vivido en Barcelona desde 1993 hasta el 2020. Ha colaborado con nuestra galería desde 2004 cuando presentó su primera exposición con el vídeo Confianza quería penetrar. En 2008 mostramos su obra en la exposición No verbal. Todo por escrito y en 2013 en la exposición Latido Antecedente.
Tras haber estudiado filosofía, en los años ochenta, Javier Peñafiel se implicó en diversos movimientos de crítica al sistema. Su formación artística se desarrolló en estructuras no universitarias. En 1994, Manel Clot, comisario en La Capella de l’Antic Hospital de la Santa Creu de Barcelona, le ofreció la primera oportunidad de presentar su obra en una muestra individual.
Desde entonces, el artista ha expuesto tanto a nivel nacional como internacional: Conferencia performativa, MUSAC, León (2013); Languages and Aesthetics of Spanish Video Art: Ten Years of Critical Practices, Videotage, Hong Kong (2015); VÍDEO-RÉGIMEN. Coleccionistas en la era audiovisual, Museo Lázaro Galdiano, Madrid (2015); Cómo hacer arte con palabras, MUSAC, León (2016); Discursos Premeditats, Centre del Carme, València; Bibliotecas insólitas, La Casa Encendida, Madrid (2017); Walkabout #01, Fondazione La Fabbrica del Cioccolato, Torre-Dangio in Valle di Blenio, Suiza (2018).
Además, ha expuesto individualmente en Puente, continúa, Pabellón Puente, Zaragoza (2013); Egolactante, Sala Anilla, MAC Museo de Arte Contemporáneo. Universidad de Chile, Santiago (2014); Pánico Esnob, etHALL, Barcelona (2015); Agència en avenir – No tots visibles res transparent, Arts Santa Mònica, Barcelona (2017), ¡Más que palabras, obras!, Instituto Cervantes, Burdeos (2019), o Alrededores exentos de adultocentrismo, Casal Solleric, Palma (2020).
L’exposició Joc d’infants de Lola Lasurt parteix de la retrospectiva Miró. Barcelona 1968-69, la primera mostra d’art contemporani presentada a La Capella. A través d’una nova sèrie de pintures, fotografies, vídeos i ceràmiques, Lasurt aborda l’agitació sociopolítica de finals de la dècada de 1960 tot apropiant-se d’imatges relacionades amb la infantesa publicades a la premsa nacional durant els tres mesos de l’estat d’excepció que es va declarar pocs dies després que acabés l’exposició de Miró. Lasurt relaciona així dues formes de transició: un període d’excepció tant des del punt de vista del desenvolupament polític com personal. El títol remet a l’obra dels Ballets russes de Monte-Carlo Jeux d’enfants, composta per Boris Kochno, amb decorat i vestuari de Miró, i inaugurada al Liceu l’any 1933.
Acció. Una història provisional dels 90.
MACBA. Exposició col·lectiva. Del 10 de juliol de 2020 al 7 de febrer de 2021
Si la dècada de 1980 va representar a Europa un retorn a l’ordre, a la reivindicació d’una certa formalitat en l’art, als formats convencionals de la pintura i l’escultura àmpliament acceptats pel mercat, la de 1990 va reprendre bona part de les experiències conceptuals de dècades anteriors. D’aquesta manera, es van recuperar pràctiques relacionades amb el cos humà que conjuntament anomenem art d’acció. A l’Estat espanyol, aquestes pràctiques encara van tenir més rellevància, amb iniciatives múltiples que han exercit un immens impacte en l’art fins avui dia. Sovint aquest art d’acció s’expressava en forma de performances ‒que acostumaven a circular en àmbits molt restringits, en festivals o trobades‒ i la seva expressió més heterogènia, el que anomenem performativitat.
A través de diversos nodes, Acció recorrerà aquesta època i en rastrejarà algunes de les obres fonamentals. A més, inclourà documentació i material audiovisual majoritàriament inèdit que recupera aquelles experiències. El resultat és una exposició densa, amb múltiples extensions històriques i contemporànies, que ajudarà a interpretar d’una manera molt més precisa l’art del nostre temps.
Exposició comissariada per Ferran Barenblit, amb obres de Cabello/Carceller, entre d’altres.
Inauguración, 25 de junio, 17-20h.
Exposición 25/06 – 17/10/2020
Visita con cita previa a través del Formulario
(T. 93 216 02 84 – galeria@galeriajoanprats.com)
Joan Prats Warehouse. Passatge Saladrigas, 5 Barcelona.
En el marco de Artnou, Galeria Joan Prats presenta la exposición ‘El retorn a Ripollet’ de Marcel Rubio Juliana (Barcelona, 1991), que reúne un amplio conjunto de obras realizadas entre 2018 y 2019.
Marcel Rubio Juliana se expresa principalmente mediante el dibujo y la pintura, si bien su acercamiento a la creación tiene que ver con el ensayo literario. Grandes lienzos al carboncillo y miniaturas al óleo confieren el ritmo de un relato fragmentado que desarrolla una historia aparentemente lineal, con unidad de tiempo y lugar. Podríamos ver ciertas analogías con el “nouveau roman”, donde se adoptan puntos de vista distintos a la visión única del narrador y donde la propia escritura adquiere autonomía al margen de lo que está escrito. El guión de cine Dogma podría ser otra referencia: ambos utilizan localizaciones reales, huyen de artificios superfluos y buscan un realismo crudo, creando una serie de reglas a seguir y, a veces, a transgredir.
Aludiendo a sus propias vivencias y deseos, el artista evoca un día de verano en el que un desconocido se convierte, sin saberlo, en el protagonista de un relato singular. Situadas en una ciudad costera cercana a Barcelona, distintas secuencias nos invitan a realizar un recorrido en el que, siguiendo un método fenomenológico, la contemplación, la deriva y el enamoramiento ofrecen una descripción precisa del entorno.
La narración sigue los pasos de un joven, desde la estación de tren hasta el centro de la ciudad, pasando por la playa, el Club Náutico y diversas calles comerciales, creando un registro cinematográfico de los lugares evocados. Nos muestra también cuerpos disfrutando del agua, la vista del sol sobre el mar, un quiosco, la fachada de un teatro, manchas de humedad en la pared, una flor, un grupo de amigos en la terraza de un bar… todo está allí, presente en el recuerdo, aunque todo podría ser imaginado.
Marcel Rubio Juliana (Barcelona, 1991) estudió en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Pau Gargallo (Badalona), donde se graduó en 2007, para posteriormente cursar el grado de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, que finalizó en 2013.
Desde entonces, ha presentado su obra en las siguientes exposiciones: Surfeit, Fundación Arranz-Bravo, l’Hospitalet de Llobregat, Barcelona (2018); Swab, Barcelona, representado por la galería Passatge Studio (2016); Los músculos de Zarathustra (con el escritor Victor Balcells Matas), Passatge Studio, Barcelona (2016); La Puntual de Mercantic, Sant Cugat, Barcelona (2016); Carles Boïges, ciclo de exposiciones, con la colaboración de Tom Carr y su equipo, TCTeamWork, Badalona, (2014); Facultad de Bellas Artes, Barcelona (2014); Dibujando la noche (exposición colectiva), Galería Anquin, Reus, Tarragona (2014).
Ha sido nominado a diferentes premios: Bienal Torres Garcia, Mataró, con la obra Espectro, 2016; Fundación Ynglada-Guillot, con el dibujo Geschlagen, 2015, expuesto en Espacio Volart, Barcelona; Premio de dibujo de la Fundació Güell, expuesto en el Palau Güell, Barcelona, 2015-16; Bienal de Arte: Premio Tapiró de pintura, Tarragona, con el dibujo What time is it?, 2013.
En 2021 presentará una exposición en el Espai 13 de la Fundació Miró, en un ciclo comisariado por Pere Llobera.
Festival de videocreació (amb projeccions, videoinstal·lacions, actuacions i col·loquis)
Santa Mònica, Barcelona
10.12.2019 – 05.01.2020
Catorzena edició del festival de vídeo d’autor FLUX, caracteritzat des dels seus inicis per focalitzar el protagonisme en els autors vinculats a la ciutat de Barcelona que treballen en el camp del vídeo de creació (videoart, documental de creació, videoinstal·lacions, etc.).
Presentem la videoinstal·lació col·lectiva FLUX VIDEOCAPSA, on s’experimenta amb formats alternatius d’exhibició de les obres videogràfiques, integrada per vídeos inèdits dels autors Paula Ábalos, Marina Barsy Janer & Isil Sol Vil, Rosó Cusó, Jesús Etxart, Aurora Gasull, Gonzalo Marcuzzi, Xavi Moreno, Jaume Parera, Javier Peñafiel i Pere Portabella.
Inauguración: 14.11.2019 de 18 a 21h
Exposición: 20 y 21.11.2019 de 11 a 20h y hasta el 30.11.2019 con cita previa (t. 932160290 o galeria@galeriajoanprats.com)
Lugar: Joan Prats Warehouse. Passatge Saladrigas, 5 Barcelona. Metro Poblenou
Con motivo del Festival de Loop, presentamos en nuestro espacio Joan Prats Warehouse una selección de vídeos y una instalación sonora recientes de las artistas Alicia Kopf, Annika Kahrs y Teresa Solar que vinculan historias o reflexiones personales con la exploración espacial, la tecnología y la ciencia.
El título de la exposición, 26 mil años luz, hace referencia a la distancia que nos separa de Sagittarius A* (Sgr A*), un agujero negro supermasivo situado en el centro de la Vía Láctea, cuya observación parece confirmar que los agujeros negros crecen absorbiendo otros menores y estrellas. La especulación científica entorno al espacio exterior a menudo se acerca a la ciencia ficción, tal y como aparece en las obras que presentamos.
El vídeo de Alicia Kopf Speculative Intimacy: An Understanding Of Control, 2019, propone una perspectiva de ciencia ficción emocional para originar nuevos relatos alrededor de las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos. La película se sitúa en un futuro cercano donde las fronteras de lo público y lo privado han desaparecido, las vidas transcurren en continua exposición. Michelle, su protagonista, investiga un concepto en crisis: ¿Qué es la intimidad? y dialoga con su compañero no-humano sobre este concepto.
Annika Khars presenta dos obras. El vídeo solid surface, with hills, valleys, craters and other topographic features, primarily made of ice, 2014, muestra un planetario donde se proyecta un cielo estrellado en cuyo centro se ve una luz circular que parece la luna pero que resulta ser un foco. En esta obra de 2014, la artista recorre a imagen y narración para hacer un retrato de Plutón, cuya visión estaba a punto de cambiar ya que New Horizons, una misión no tripulada de la NASA, se estaba dirigiendo hacia su órbita. Finalmente lo sobrevoló el 14 de julio de 2015 y pudo, por primera vez, fotografiarlo de cerca. Hasta el momento, las ilustraciones científicas del planeta se basaban en la especulación.
La otra obra de Annika Kahrs es la instalación sonora think about two black holes colliding, then brush your teeth and go to bed, 2019, que está dividida en dos partes y que explora las ondas gravitacionales. En 2015, el observatorio de ondas gravitacionales LIGO anunció la primera observación directa de estas ondas durante la colisión de dos agujeros negros. En la primera parte, utilizando un cepillo de dientes como instrumento, Annika Kahrs recrea el sonido de su detección junto a los datos de audio cortesía de LIGO. En la segunda parte, Annika Kahrs ha registrado entrevistas entre el Dr. Keith Thorne de LIGO y algunas personas que provienen de diferentes ámbitos.
En el vídeo de Teresa Solar Ground Control, 2017, la artista se transforma en la bola de arcilla que gira sobre el torno. El cuerpo girando es acompañado por narraciones fragmentadas que relacionan el accidente del transbordador espacial Columbia estallando en pedazos debido a un fallo en su escudo protector, con las lesiones personales sufridas por la propia artista. El título Ground Control tiene un doble significado: hace una alusión directa a la tierra o arcilla y la presión que se ejerce sobre ella para trabajarla en el torno y también remite al centro de operaciones desde el cual se monitoriza el desarrollo del vuelo de una nave espacial. A través del título, esta experiencia mínima de comunicación y equilibrio conflictivo entre sujeto y materia aumenta de escala, vinculándose con los viajes espaciales.
Alicia Kopf (Girona, 1982) vive y trabaja en Barcelona. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Teoría literaria y Literatura Comparada. Ha expuesto en museos y centros de arte como Accademia Di Spagna, Roma (2019), MAC La Coruña en la 15ª muestra de arte Naturgy (2018); Sala Mendoza, Caracas, Mazcul, Maracaibo (2017); CCCB, Barcelona, Museo de Antioquía, Medellín, Colombia (2015); Goethe Institute, La Capella y MACBA, Barcelona (2014); Fundació Tàpies, Barcelona (2013); Bòlit La Rambla, Girona (2011) o CaixaForum, Barcelona (2009). Recientemente ha expuesto en Azkuna Centroa, Bilbao, dibujos de la serie ‘Conquest drawings’, dentro de la exposición ‘Nunca real/Siempre verdadero’ comisariada por Iván de la Nuez. Como novelista, destaca su obra ‘Hermano de hielo’, publicada el 2015, con la que ganó el Premio Documenta 2015, el Premio Llibreter 2016, el Premio Ojo Crítico 2016 y el Cálamo Otra Mirada 2017.
Annika Kahrs (Achim, Alemania, 1984) vive y trabaja en Hamburgo. Ha recibido diversos premios y becas, entre los cuales destaca el Max-Pechstein-Förderpreis–Stipendium, de Zwickau, en 2019 y George-Maciunas-Förderpreis en 2012, donación de René Block. En 2011 ganó el primer premio de la 20 Bundeskunstwettbewerb del Ministerio de Educación e Investigación de Alemania. Annika Kahrs ha participado en exposiciones celebradas en museos y centros de arte internacionales como la Kunstverein de Kassel (2018), Kunsthalle Lingen (2017), Cité International des Arts (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlín(2015), Kunsthalle Bremerhaven (2015), exposición On the Road, en Santiago de Compostela (2014), la Bienal de Curitiba, Brasil (2013), Hamburger Kunsthalle (2013), KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2012), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn(2011), Goldsmiths University, Londres (2011), y el festival Velada de Santa Lucia en Maracaibo, Venezuela (2010).
Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente (ARCOmadrid 2017) y del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Actualmente, presenta a Index, Estocolmo Ride, Ride, Ride, una exposición individual que había estado en Matadero, Madrid (febrero, 2018) con el título de Cabalga, Cabalga, Cabalga. Recientemente ha mostrado Flotation Line en Der Tank, Basel (junio, 2018) y dentro del programa Composicions del Barcelona Gallery Weekend (septiembre, 2018) y ha formado parte de la expedición de 2018 “The Current” organizada por TBA21 -Academy. Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012) y ha participado en exposiciones colectivas en Haus der Kunst, Munich (marzo, 2018), en Kunstverein Braunschweig (junio, 2018), en la sección de “El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer” en ARCOmadrid (febrero, 2018), en Kunstverein München, Munich (2017), en Fundación Marcelino Botín, Santander (2016) y en Macro, Roma (2015), entre otros.
Itinerant performance
10 – 13 Oct 2019
COMPOSICIONS
Comisariado por / curated by
Juan Canela
10, 11, 12 Oct: 12-14h (Eixample, Pl. Universitat, Pl. Catalunya) – 17-20h (Ciutat Vella, Parc de la Ciutadella)
13 Oct: 11-14h (Eixample, Pl. Universitat, Pl. Catalunya)
visitas guiadas:
10 oct: 12-14h Hotel Sir Victor – Passatge Mercader.
11 oct : 12h Bolsa de Barcelona Passeig de Gràcia 19
12 oct: 17h30 Edifici UB, plaça Universitat
13 oct: 12h Bolsa de Barcelona Passeig de Gràcia 19
ESP
En 1507 el barbero Joerg Schan condensa la tradición del personaje de “ninguno” o “nadie” en un panfleto repartido en las calles de Estrasburgo que decía: “Nadie es mi nombre, soporto la culpa de Todos”. Este personaje aparece como sobrenombre del responsable de los trastos rotos y herramientas perdidas en la casa, del tonto del pueblo, o del vendedor de mercachifles y trucos. Pero también de aquel que no se muerde la lengua para hacer críticas, de quien se enfrenta a un poder que ve transitorio o de quien ve el alma de las cosas.
Erick Beltrán recupera estas dos figuras – ninguno y alguno – para crear un cabezudo que distribuye un periódico con distintos análisis sobre la especulación en la ciudad de Barcelona, cuyas páginas recogen un ensayo visual sobre cómo este tipo de prácticas especulativas definen el territorio, los objetos, los sujetos, o las pertenencias. Los personajes recorren distintas zonas de la ciudad repartiendo los periódicos e interactuando con turistas y residentes.
ENG
In 1507 the barber Joerg Schan condensed the tradition of the character of “none” or “no one” in a pamphlet distributed in the streets of Strasbourg that said: “No one is my name, I bear everyone’s guilt”. This character appears as the nickname of the person responsible for the broken things and tools lost in the house, of the fool, or of the peddler who sells trinkets and tricks. But also of the one who does not bite his tongue to make criticisms, of the one who faces a power that sees transitory or of the one who perceives the soul of things.
Erick Beltrán recovers these two figures – none and some – to create a bigheaded character that distributes a newspaper with different analyses of speculation in the city of Barcelona, whose pages include a visual essay on how this type of speculative practice defines territory, objects, subjects or belongings. The characters travel through different areas of the city distributing newspapers and interacting with tourists and residents.
Inauguració dimarts 4 de juny, 20h.
Universitat Pompeu Fabra.
Sala de graus Albert Calsamiglia (campus Ciutadella de la UPF)
A les Lliçons Haas 2019, dedicades al tema: “Ombres i miralls”, la UPF presenta l’obra titulada: He aquí las espaldas del que me ve, 2000 – 2019, de l’artista xilè Fernando Prats. L’obra i el pensament d’Antoni Tàpies han estat un referent molt significatiu en la trajectòria de Prats i amb aquesta instal·lació, es vol establir un intens diàleg entre els dos artistes.
Obra visible fins al 17/06/2019, amb cita prèvia.
Macba, Barcelona
Exposición permanente
On Subjectivity, obra de Antoni Muntadas, presente en la exposición Un siglo breve: colección Macba.
Esta nueva muestra presenta un recorrido cronológico a través de la Colección MACBA desde 1929 hasta el presente. En 1929 Barcelona acogió la Exposición Universal, para la que Mies van der Rohe diseñó el Pabellón Alemán o Pabellón Barcelona junto con Lilly Reich. Por iniciativa de Josep Lluís Sert y Josep Torres i Clavé, se fundó el GATCPAC (Grupo de Arquitectos y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea). André Breton escribió el Segundo manifiesto surrealista y, en París, un grupo de artistas abstractos, liderados por Joaquín Torres-García y Michel Seuphor, fundó Cercle et Carré. Aquel mismo año se inauguró el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y Virginia Woolf publicó su ensayo feminista Una habitación propia.
Badajoz, 1994
Vive y trabaja en Barcelona
Las obras de Pablo del Pozo tienen un marcado carácter autobiográfico, vinculado a las experiencias y vivencias del artista. El sentimiento de pertenencia a un lugar, el desplazamiento y la nostalgia son temáticas que le preocupan. A partir de las características propias de los materiales que utiliza (barro, escayola, pigmentos y también objetos recuperados), busca hablar de la precariedad de la vida, generando así una reflexión en torno a la realidad cotidiana.
Fundació Antoni Tàpies, Barcelona
4.12.2018, 19h
Presentació del nou llibre de Perejaume, Treure una marededéu a ballar, i de les reedicions d’Obreda i Pagèsiques, a càrrec dels editors Jordi Cornudella Martorell (Edicions 62) i Joan Tarrida (Galaxia Gutenberg), del doctor en filosofia i catedràtic d’estètica Amador Vega Esquerra, i de l’artista i poeta Perejaume. L’acte conclourà amb una intervenció musical a càrrec de Neus Borrell i Miquel Escuer.
Sales d’art modern del Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona
14.12.2018 – 3.2.2019
Comissariat:
Ángel Calvo Ulloa i Nuria Enguita
Projectes d’artista: un projecte d’Archivo F.X. amb Pedro G. Romero i la col·laboració de Lola Lasurt, Patricia Gómez & María Jesus González i Álvaro Perdices.
A les sales dedicades a la Guerra Civil, a la col·lecció d’art modern, s’exposaran els treballs d’Archivo F. X. al voltant de les anomenades txeques psicotècniques d’Alphonse Laurencic instal·lades als temples dels carrers Vallmajor i Zaragoza de Barcelona i al convent de Santa Úrsula de València entre 1937 i 1939.
La instal·lació inclourà material documental, fotografies, films i bibliografia que n’expliquen la funció i el significat.
Habitació és el fruit de la col·laboració de tres institucions afins que aborden el pensament crític actual des de diferents posicionaments: el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunitat de Madrid, el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València i el Museu Nacional d’Art de Catalunya.
Caixaforum, Barcelona
19.7 – 21.10.2018
Al llarg de la història els artistes s’han demanat de què és capaç l’art. Aquesta exploració de la potència de l’art com a eina transformadora segueix vigent avui dia. Els artistes treballen amb representacions de la realitat que, de manera més o menys poètica, manifesten la seva visió sobre la vida que els envolta, i generen obres amb el poder d’una turbulència, és a dir, com un detonant capaç d’obrir els ulls de la societat davant de realitats desconegudes.
La mostra presenta vint artistes de generacions, cosmovisions i maneres de fer diferents, com a reflex de la diversitat de la Col·lecció “la Caixa” d’Art Contemporani, reunida al llarg de més de trenta anys, amb l’objectiu de promoure la crítica, el debat i la reflexió activa sobre el món que vivim i construïm.
Comissària Nimfa Bisbe
JOAN PRATS warehouse, Passatge Saladrigas 5, Barcelona
Con cita previa al 932 160 284
Exposición: 05/09/2018 – 26/10/2018
En el marco de artnou, Galeria Joan Prats presenta el trabajo de dos jóvenes artistas, Aïda Andrés Rodrigálvarez (Barcelona, 1985) y Pablo del Pozo (Badajoz, 1994).
Sus trabajos tratan la relación que se establece entre el individuo y el espacio que le rodea desde un punto de vista cotidiano. El territorio y la nostalgia, la búsqueda de un refugio, el paso del tiempo son temas importantes en su obra, junto con el medioambiente. Mostraremos instalaciones de los dos artistas, obras realizadas a partir de objectos encontrados y de materiales expuestos a los elementos.
Aïda Andrés Rodrigálvarez se interesa por la huella que la luz, el entorno y el paso del tiempo retienen sobre el papel. Las técnicas de la litografía y la fotografía estenopeica le permiten trabajar con una temporalidad dilatada, además de investigar el color. En su práctica artística, papel y tejidos son dejados a merced de los elementos, deveniendo así materiales fotosensibles.
Por su parte, las obras de Pablo del Pozo tienen un marcado carácter autobiográfico, vinculado a las experiencias y vivencias del artista. El sentimiento de pertenencia a un lugar, el desplazamiento y la nostalgia son temáticas que le preocupan. A partir de las características propias de los materiales que utiliza (barro, escayola, pigmentos y también objetos recuperados), busca hablar de la precariedad de la vida, generando así una reflexión en torno a la realidad cotidiana.
Aïda Andrés Rodrigálvarez vive y trabaja en Barcelona. Ha realizado el máster de producción e investigación artística (2015-6). Se licenció en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2014) y en Arquitectura por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (2010). Ha expuesto individualmente en la Fundació Arranz-Bravo de L’Hospitalet de Llobregat (2017), en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell (2016) y en Tinta Invisible, Barcelona (2014). Ha recibido varios reconocimientos como las becas del Institut Ramon Llull para la bienal Jeune Création Européenne, de producción Felicia Fuster (2018), Guasch-Coranty (2016) y el premio Arranz-Bravo (2017)
Pablo del Pozo vive y trabaja en Barcelona. Es graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2017). Ha sido seleccionado en la Biennal de Valls, Premi Guasch-Coranty (2017), por lo que expondrá en el Centre Tecla Sala de L’Hospitalet de Llobregat (julio, 2018), y también por la Bienal Jeune Création Européenne (2017-9) con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas: Montrouge, Francia (2017); Hjørring, Dinamarca; Cēsis, Letonia; Cluj, Rumanía (2018); Como, Italia; Figueres y Amarante, Portugal (2019). También recibió el premio de creación de la Sala d’art Jove de la Generalitat (2017), por lo que participará en la exposición en dicha sala en junio de 2018.
Fabra i Coats – Centre d’Art Contemporani de Barcelona
4.5 – 22.7.2018
A Sense of Wonder és una proposta expositiva que reuneix els projectes més recents de l’artista Carles Congost. Es tracta de treballs en vídeo que es poden interpretar individualment però que mantenen moltes connexions temàtiques habituals en la seva pràctica artística (la música, el món de l’art, la cultura pop…) o en la manera de formalitzar-la (l’acurada posada en escena i el sentit de l’humor). En relació amb la seva trajectòria, es constata una sensible evolució en l’articulació dels elements que utilitza i una major atenció al propi llenguatge cinematogràfic. Perviu, per damunt de tot, la capacitat d’utilitzar aspectes propers, quotidians i sovint associats a subgèneres, per fer-los servir de punt de partida i abordar –sense grandiloqüència ni subratllats– aspectes més centrals i genèrics de la condició humana. L’autor ens proposa fer ús d’una sèrie de referents que ens pertanyen per transcendir-los i veure fins a quin punt ens representen o ens expliquen millor del que ens imaginàvem.
A Sense of Wonder és un projecte generat a partir d’una coproducció entre el Bòlit, Centre d’Art Contemporani. Girona i el Centre d’Art la Panera de Lleida, que al Centre d’Art Contemporani de Barcelona – Fabra i Coats es completa amb vídeos inèdits i una creació específica per a l’ocasió. Un total de vuit obres avalades per una bona acollida del públic i per distincions com la segona edició del Premi de Videocreació (impulsat per LOOP Barcelona, la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya i l’Arts Santa Mònica) o una beca de la Fundación Botín, a més de la presència en escenaris internacionals com la Manifesta 11 –celebrada a la ciutat de Zuric, l’any 2016– o la sala Komplot de Brussel·les.
Espai Residència, Arts Santa Mònica, Barcelona
20.06 – 23.07.2017
Invertint l’exhibicionisme de la mostra personal, “Agència en avenir” planteja un exercici de recuperació i d’agençament del treball de Javier Peñafiel, en què assaig i biografia s’hibriden, centrant l’atenció en els característics «enigmes» que l’habiten. A través d’aquestes frases, radicals en la seva ambigüitat i que amaguen autèntics assajos crítics sobre la contemporaneïtat, l’exposició reflexiona sobre l’avenir que ens ocupa.
In the words of Niels van Tomme
What have we learned from Muntadas? After having had the honour to experience a body of work that has grown expansively throughout a more than four decades long career devoted to detecting and decoding the mechanisms of control and power through which hegemonic ways of perception are constructed, what is it that makes us return time and time again to the politically apt works of Muntadas?
There is an old-age idiom that goes “seeing is believing”, but if there is one thing to be absorbed from Muntadas’ insightful practice, it is the fact that seeing can never be straightforwardly aligned with believing. For Muntadas the media-saturated ways in which we experience the world are always already ideologically, politically and socially coded. In order to see properly we need a proper “translation”, a moment that allows the passive stance of seeing to transform into the more active act of knowing, which is the becoming aware of the very mechanisms of mediation itself. These are the tools Muntadas’ multidimensional media practice provides. “Warning: Perception Requires Involvement” goes the artist’s well-known 1999 slogan, thereby highlighting the multifaceted relationships between seeing, transcribing, perceiving and knowing, which are key to understanding his work. We cannot think the world without acting within, and becoming actively part of that world. And so Muntadas’ practice, besides offering a constructive way in which to perceive the media fabric around us, primarily makes us involved and active participants within the reality that surrounds us.
Muntadas’ early video works shift impressively from merely documentation of ‘actions’ towards a more complex investigation of the medium’s intrinsic political and ideological framings. Even though the work often looks scientifically detached, the emphasis lies not in following the protocols of documentary media production, but on forging new ways of seeing. It is a seeing that makes us aware of the intricate ways in which media filter and reshape the events we watch, or, conversely, how we are shaped by the manifold mediations that persistently take place right before our eyes. Once you see this, there is no way to unsee it.
A través de esculturas cerámicas, vídeos y fotografías, la artista traza una narración discontinua que, partiendo de su propio cuerpo, se vincula con la exploración espacial. Precisamente, las obras de la exposición giran en torno a la relación del cuerpo de la artista con sus materiales de trabajo, esencialmente la cerámica. A través del vínculo performativo y de doble sentido que se establece entre sujeto y material, entre estructura y masa, Teresa Solar reflexiona acerca de conceptos como el control, la resistencia, cierto equilibrio definitivamente precario del sentido y el accidente.
El título de la exposición, Ground Control, tiene un doble significado. Por una parte, es una alusión directa al material, la tierra o arcilla, y la presión que se ejerce sobre ella al trabajarla en el torno. El cuerpo de la artista adopta una posición de resistencia para controlar el material, que es plástico y dinámico, este esfuerzo hace que el cuerpo funcione como una estructura estática, como objeto, como materia. A través del título, esta experiencia mínima de comunicación y equilibrio conflictivo entre sujeto y materia aumenta de escala, vinculándose con los viajes espaciales: “Ground Control” es el centro de operaciones desde el que se monitoriza el desarrollo del vuelo de una nave espacial. Sirviendo los dos al propósito de una expedición exitosa, uno no puede existir sin la otra y viceversa, son parte de un mismo mecanismo, un solo sujeto dividido en dos cuerpos.
La idea de equilibrio tenso entre uno mismo y el mundo se encuentra presente en los vídeos de la exposición. En Being a person you didn’t know you were, vemos una marioneta que adopta el papel de adulto desdoblado, de una entidad desconocida que nace en nosotros mismos y que nos mira desde el exterior, que nos coloca como extranjeros en nuestro propio cuerpo. Siguiendo la idea de sujeto desdoblado, en el vídeo Ground Control, la artista se transforma en la pella de barro que gira sobre el torno. El cuerpo girando es acompañado por narraciones fragmentadas que relacionan el accidente del transbordador espacial Columbia estallando en pedazos debido a un fallo en su escudo protector, con las lesiones personales sufridas por la propia artista.
Esta doble relación está presente también en las esculturas de la serie Crushed by pressure. La presión de las barras metálicas y las cuerdas repite el proceso de creación de las cerámicas, recordando a los amasijos de un accidente, en el que la cerámica se convierte en el cuerpo del sujeto, controlado y estabilizado a través de las estructuras que lo deforman. La cerámica permite enfatizar el contraste entre el primitivismo de un material y una técnica milenaria, con la sofisticación tecnológica de las pieles cerámicas que recubren las naves espaciales.
En las piezas Pie de foto: Masa y Chamber, Breath, la artista graba en el torno de alfarero lenguaje de signos sobre las pellas de barro blanco, creando palabras que luego son compactadas y deformadas por su propio peso, formando un lenguaje que existe en el espacio físico. En Pie de foto: Masa, las columnas cerámicas sostienen la fotografía de un hueso mientras que las propias estrías grabadas significan “masa”; el cuerpo desaparecido es completado a través del texto que lo soporta.
Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012). Recientemente ha sido seleccionada finalista para el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente durante ARCOmadrid 2017. Próximamente expondrá en la Haus der Kunst y en la Kunstverein München, de Munich.
Nos complace anunciar la nueva exposición de Alfons Borrell en la Galería Joan Prats, el próximo jueves 15 de diciembre.
Tras la exposición que le dedicó el pasado 2015 la Fundació Miró, que recogía sesenta años de práctica artística, presentamos la obra más reciente de este creador singular, que concibe la pintura como un espacio de relación con el mundo y, a la vez, como un impulso, una emoción y que se ha mantenido alejado de las modas y las corrientes preponderantes a lo largo de su trayectoria.
Su obra se caracteriza por la importancia del color y se debate entre la sutilidad y la intensidad, entre la apertura hacia la naturaleza y el recogimiento introspectivo. Vinculado desde 1955 al lenguaje de la abstracción, ha sido influenciado en diferentes momentos de su vida por Anglada Camarasa y Brossa, dos artistas que, más allá de una estética, le aportaron una actitud vital y ética delante del arte. El trabajo de Borrell ha sido y es actualmente intenso y constante, moviéndose siempre en unos parámetros que va repitiendo con rigor y dedicación.
El color en la obra de Alfons Borrell es un agente invasor que se mueve y fluctúa, el artista lo define como una extensión de la persona, que te mimetiza con el entorno, “si caminas por un bosque lleno de abetos te vuelves verde, si pudieras sumergirte en el mar saldrías de color azul…” Afirma “me gustaría ser pintura”. Se trata de una visión propia del color y la pintura, ligada al concepto, al pensamiento, y también a la vivencia. Borrell utiliza solo cinco pigmentos extraídos de la tierra, verde, azul, naranja, ocre y gris; mientras que el blanco, de la superficie de la tela, emerge como una aparición de la luz.
A este trabajo del color, que ha utilizado reiteradamente por sus connotaciones simbólicas, se le suma la percepción de presencias y ausencias a partir de una particular experiencia de límites. En sus pinturas, líneas verticales recorren la superficie designando simbólicamente una presencia, líneas horizontales remiten al horizonte, y la imposibilidad de contener la materia de color, que, en ocasiones, desborda los márgenes marcados, nos muestra la experiencia de lo ilimitado.
La obra de Borrell pide una contemplación activa por parte del espectador, que establece una relación de tensión con las obras. Su experimentación no depende de códigos de interpretación o conocimientos previos sino que su pintura parece dirigirse directamente al observador, interpelándolo, pero dejando siempre un espacio de libertad como posibilidad para habitar su lenguaje.
Alfons Borrell (Barcelona, 1931) vive y trabaja en Sabadell. Tras una primera etapa de formación en la pintura figurativa, se inició en la abstracción en 1955, con obras próximas al informalismo. Alejado de la academia, formó parte del Grup Gallot, grupo iconoclasta y revolucionario vinculado a la pintura gestual. Esta experiencia radical le permitió encontrar su propio camino, de sobriedad y silencio, a lo largo de los 60. A partir de 1976, empezó a titular sus obras con la fecha exacta de su finalización, a modo de diario, el mismo año que participó en la colectiva Pintura 1, en la recientemente inaugurada Fundació Joan Miró de Barcelona, donde volvería a exponer en solitario dos años más tarde y, en 2015, con una gran retrospectiva. Entre las exposiciones en los últimos años, destaca la realizada en 2006 en el Centre Cultural Santa Tecla, L’Hospitalet de Llobregat, que itineró al Museu de Sabadell, la antológica de obra sobre papel realizada en 2011 en la Fundació Palau de Caldes d’Estrac y la realizada el mismo año en la Fundació Vila Casas. Ha participado en exposiciones colectivas en el MNAC, el Centre Cultural Tecla Sala, el MACBA, el CCCB y el Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, el Museo Rufino Tamayo, México DF, el Flanders Contemporary Art, Minneapolis, y el Museum of Contemporary Art, Filadelfia. En 2014 recibió el premio GAC, un galardón honorífico en reconocimiento a su larga trayectoria.
A sense of wonder
Comisario: David Santaeulària
Del 27 de enero al 30 de abril de 2017
Bòlit La Rambla, Sala Fidel Aguilar y Bòlit St Nicolau
A sense of wonder (un sentido de la maravilla o la capacidad de maravillarse) es una propuesta expositiva que reúne los trabajos más recientes del artista Carles Congost. Se trata de una coproducción entre el Bòlit, Centro de Arte Contemporáneo. Girona y el Centro de Arte La Panera, Lleida, donde se podrá ver del 18 de mayo al 15 de octubre de 2017. Se presentan cuatro trabajos en vídeo que se pueden interpretar individualmente pero que mantienen muchas conexiones temáticas habituales en la su práctica artística (la música, el mundo del arte, la cultura pop…) o en el modo de formalizarlo (la cuidada puesta en escena y el sentido del humor). En relación con su trayectoria, se constata una sensible evolución en la articulación de los elementos que utiliza y una mayor atención al propio lenguaje cinematográfico. Pervive, por encima de todo, la capacidad de utilizar aspectos cercanos, cotidianos y a menudo asociados a subgéneros, para hacerlos servir de punto de partida y abordar -sin grandilocuencia ni subrayados- aspectos más centrales y genéricos de la condición humana. El autor utiliza una serie de referentes que nos pertenecen para trascenderlos y ver hasta qué punto nos representan o nos explican mejor de lo que imaginábamos. Nos propone, en definitiva, una capacidad de maravillarnos.
Sala Alcalá 31.
Del 21 de febrero al 16 de abril de 2017.
La exposición presenta una amplia selección de la colección Hochschild, una de las principales de Perú y la única que, hasta el momento, se ha dedicado casi en exclusiva a la producción artística moderna y contemporánea del país andino.
“Próxima parada: artistas peruanos en la colección Hochschild” reúne obra de un conjunto de alrededor de cuarenta artistas y ofrece una visión representativa de los fondos de esta colección privada, así como de las creaciones de los artistas peruanos contemporáneos.
Esta muestra sobre la colección Hochschild representa una oportunidad inmejorable para comprender el arte de las últimas décadas de Perú, un país cuya cultura incaica o barroca es bien conocida internacionalmente, pero no así su arte más contemporáneo.
La exposición está compuesta por obras realizadas sobre distintos soportes, desde pinturas, esculturas, dibujos y fotografías hasta videoproyecciones, instalaciones y proyectos multidisciplinarios de diferentes corrientes artísticas; desde el surrealismo hasta la abstracción geométrica, pasando por el arte popular o el informalismo. Entre los artistas que conforman la muestra se encuentran algunas figuras reconocidas internacionalmente como Milagros de la Torre, Martín Chambi, Fernando Bryce, Sandra Gamarra o Mario Testino junto a nombres más desconocidos para el público español como José Carlos Martinat, Maya Watanabe, Eduardo Moll o Giancarlo Scaglia.
Sin duda, la colección Hochschild representa un empeño personal por ser parte del esfuerzo de conservadores de museos, curadores, galerías, críticos, académicos y artistas peruanos que están contribuyendo a hacer del arte del Perú nuestra “próxima parada”.
Comisario: Octavio Zaya
Organiza: Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid
Rosario, Argentina, 1963
Vive y trabaja en Nueva York
Fabian Marcaccio ha sido uno de los pioneros de la pintura digital, en un intento de redefinir el género pictórico, ampliando sus parámetros temporales y espaciales, y rastrear la integración de lo que está hecho a mano y lo que está hecho a máquina.
En los noventa, trabajó la composición y la impresión digitales y, más adelante, la impresión en 3D, para crear obras pictóricas que denomina Paintants, neologismo a partir de las palabras inglesas pintura, painting, y mutante, mutant. Marcaccio considera la pintura como una constelación de contenido cambiante, que a veces toma forma de configuraciones en 3D, de animaciones o de arte ambiental.
Barcelona, 1983
Vive y trabaja en Barcelona
Lola Lasurt centra su actividad artística en la pintura y el video, muchas veces a partir de procesos colaborativos que aportan, a sus trabajos de carácter personal, una proyección universal.
El trabajo sobre el ‘des-tiempo’, entendido como el análisis y el cuestionamiento de un periodo temporal anterior al propio, es uno de los ejes vertebradores de su obra que, frecuentemente, toma como punto de partida elementos de la cultura material y estética reveladores de pautas de comportamiento y parámetros ideológicos de una época determinada.
Sus obras giran en torno a las temáticas de la memoria y el olvido, de la nostalgia y de la necesidad de amnesia. Lola Lasurt se interesa por el tiempo histórico individual y su relación con las directrices de la cultura hegemónica y la construcción de símbolos colectivos.
Gerona, 1982
Vive y trabaja en Barcelona
A partir del ejercicio del dibujo y la escritura, Alicia Kopf reflexiona en torno a temáticas aparentemente individuales que se han convertido en preocupaciones generacionales.
La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Literatura Comparada, formación que le permite acercarse a temas tan diversos como la precariedad de la vivienda o la épica de las exploraciones polares desde una posición que combina admiración y distancia irónica.
La obra de Alicia Kopf parte de una metáfora, que le permite realizar un ejercicio de análisis que conducirá finalmente a diferentes asociaciones. De esta manera, en su proyecto Articantàrtic, a partir de la apropiación y reelaboración de documentos gráficos y narrativos de exploradores de los polos, Alicia Kopf convierte un relato histórico en un relato en primera persona sobre la resistencia, la obsesión y la idea de conquista.
Barcelona, 1931-2005
Joan Hernández Pijuan empezó a pintar en los años sesenta con un estilo próximo al expresionista. Sin embargo, a lo largo de los años setenta el espacio vacío empezó a ganar protagonismo en sus pinturas así como las figuras geométricas. Tal y como él mismo comentó `el espacio´ se convirtió en el objetivo de su obra: `diría que una preocupación constante es y ha sido encontrar un espacio como protagonista total del cuadro. (…) Un espacio como un elemento vivo del cuadro y no como un fondo sobre el cual uno dibuja o se sitúa.´
El paisaje de su infancia en la población de Folquer se convirtió en motivo pictórico en su edad adulta: Hernández Pijuan recurre al paisaje de su memoria para recrearlo de forma sintética en el cuadro.
El objetivo de este pintor nunca fue lograr una pintura descriptiva o narrativa, sino enfatizar a través del monocromo la técnica pictórica.
Sevilla, 1934
Vive y trabaja en Madrid
Luis Gordillo inicia su trayectoria en los años cincuenta cuando viaja a París y entra en contacto con el arte europeo de entonces, en especial con autores como Wols, Dubuffet, Michaux y Fautrier. En sus primeras obras se puede apreciar la influencia del surrealismo y de Tàpies, para más tarde incorporar una iconografía que lo asocia a principios de los años 70 con el pop art.
Gordillo será uno de los pintores permanentemente renovadores del lenguaje pictórico y uno de los artistas que a principios de los setenta reintroducirá la figuración. Es asimismo en ese momento cuando empieza a trabajar con imágenes fotográficas que introduce de una forma u otra en el proceso de creación de sus pinturas.
Tanto la idea de proceso y de construcción continua como los recursos de acumulación son elementos que incorporará en su obra de forma permanente.