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Portico Quartet Ensemble with Hannah Collins.
Terrain: The Earth Beneath My Feet.
Barbican Centre, London.
29 Sep 2022, 8pm.

 

 

Hannah Collins is collaborating with London-based instrumental group Portico Quartet on an audio-visual work which will be performed at the Barbican Centre.

 

“Mercury Prize nominated Portico Quartet and Turner Prize nominated artist Hannah Collins present the world premiere performance of their new audio-visual work ‘Terrain: The Earth Beneath My Feet’.

 

In this profound, collaborative audio-visual performance of ‘Terrain: The Earth Beneath My Feet’, Hannah Collins’ sensitive, mesmerizing images of Las Campanas Observatory in the Atacama Desert in Chile, find a gently resonant dialogue with Portico Quartet’s 2021 album ‘Terrain’, a body of work that represents one of the most complex and beautiful pieces the band have composed, shifting through different musical worlds with an insistent pulse and horizontal movement.”

 

 


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the magic carpet

Documental: ‘La alfombra mágica. Voces para recordar a Joan de Muga’

 

La exposición ‘La alfombra mágica. Para Joan de Muga’ es un homenaje a Joan de Muga, fundador y director de la Galeria Joan Prats desde 1976, cuando se inauguró, y hasta el 2020. La exposición reunirá obra de artistas que han formado parte de la galería desde sus inicios hasta la actualidad, junto con fotografías, cartas, videos y documentación, para explicar la historia de la galería y también la de Polígrafa y otros proyectos de Joan de Muga como la Fundació Espai Poblenou.

 

Mostraremos obras de Juan Araujo, Francis Bacon, Alfons Borrell, Joan Brossa, Cabrita, Alexander Calder, Anthony Caro, Chillida, Christo & Jeanne-Claude, Victoria Civera, Hannah Collins, Helen Frankenthaler, Luis Gordillo, Guinovart, Hernández Pijuan, Wifredo Lam, Louise Lawler, Miralda, Joan Miró, Henry Moore, Muntadas, Pablo Palazuelo, Perejaume, Joan Ponç, Fernando Prats, Ràfols Casamada, Caio Reisewitz, Julião Sarmento, George Segal, José María Sicilia, Antoni Tàpies, Juan Uslé, Eulàlia Valldosera, Sue Williams

 

El título de la exposición se inspira en un dibujo que Joan Ponç dedicó a Joan de Muga, en el cual lo retrataba sobre una alfombra voladora. Esta imagen remite a su carácter emprendedor y soñador, su pasión por viajar y para imaginar nuevos proyectos.

 

La exposición la estamos organizando con la complicidad de Carles Guerra, quien escribirá el texto de la publicación que editaremos posteriormente.

Camila Cañeque

El próximo 26 de mayo inauguramos Hole In The Ground, una exposición colectiva que reúne obras de Cabrita, Camila Cañeque, Hannah Collins, Pablo del Pozo, Mercedes Pimiento y Fernando Prats.

 

El título de la exposición, inspirado en una canción de David Bowie, remite a la temática en torno a la que giran las piezas mostradas relacionada con el territorio y su materialidad. Algunas de las obras tratan las maneras de representar el suelo, entendido como la horizontalidad, tanto en la naturaleza como en el ámbito urbano. La actividad humana se pone así en el punto de mira, evidenciando aspectos como la pertenencia a un territorio, la memoria del lugar o la explotación agrícola y su impacto.

 

Mientras que algunos de los trabajos presentados hablan de sitios muy concretos, otros remiten al propio material que pisamos al caminar. Cabrita, en su obra Fingerprints, eleva un plano horizontal a la pared, convirtiendo así un simple tablero, un material humilde que seguramente fue usado como superficie de trabajo en su estudio, en un testimonio de su actividad artística. El artista nos ofrece una nueva mirada hacia un objeto cotidiano y una revisión también del lugar de creación.

 

La obra de Camila Cañeque ground on ground on ground muestra acumulaciones de capas históricas a través de los suelos. La obra de la artista aborda la pasividad y en esta instalación utiliza la noción de lo intermedio, creando un espacio que no está ni arriba ni abajo, ni antes ni después.

 

La obra de Hannah Collins Nomad 3 pone el énfasis en la superficie, en la piel, en lo exterior, mostrando el interés de la artista por los límites, especialmente los corporales. Con este retrato de un personaje al que no le vemos el rostro, la artista nos permite participar a través de la interpretación libre de la imagen. La artista trata lo histórico, lo social y lo político a través de imágenes cotidianas, como Floor of dreams. Esta obra, realizada en la Mina, forma parte de un extenso proyecto de la artista centrado en este barrio habitado principalmente por la comunidad gitana.

 

En la obra de Pablo del Pozo el interés por el territorio es una temática recurrente. En Tierra rojiza el artista utiliza el cerdo como símbolo de su comunidad autónoma, para crear una materialidad que remite a la visión estereotipada de Extremadura como un paisaje árido y seco.

 

La obra de Mercedes Pimiento se caracteriza por hacer visible la materialidad de la que depende nuestra sociedad pero que intentamos ocultar, convirtiendo en esculturas las estructuras que en la arquitectura se enconden, como tuberías, cableados y canalizaciones, a partir de materiales orgánicos o artificiales.

 

Fernando Prats se interesa por el territorio de Chile y de Sudamérica y su representación a través de mapas históricos o reinterpretados. En Territorio silenciado #2 propone una visión crítica hacia un continente condenado a ser explotado sin cesar. En Affatus, por otro lado, la tela se convierte en el territorio de la creación donde, subvirtiendo el gesto tradicional del pintor, los gusanos han dejado su propia huella. También presentamos un video inédito, Zonificación, acompañado de una obra sobre papel, compuesto a partir de la proyección de la acción registrada, y que establece un diálogo con la escalera de caracol del Macba, en un movimiento centrífugo que es acceso, salida, ascender y descender, el cuerpo y la arquitectura en conexión y amplificación con el edificio de Richard Meier.

 

 

Cabrita (Lisboa, 1956) vive y trabaja en Lisboa. Su trabajo ha recibido reconocimiento internacional y ha sido crucial para la comprensión de la escultura desde mediados de los años ochenta. En los últimos años destacan sus exposiciones individuales en CAC Málaga, Mudam Luxemburgo, CGAC Santiago de Compostela, Museo Serralves Oporto, Palacio Molina de Cartagena, México, Palazzo Fortuny, Venecia, Galeria Arte Moderna e Contemporânea, Lisboa, MAXXI Roma, The Arts Club of Chicago y Hôtel des Arts, Toulon, Francia. Ha participado en importantes exposiciones internacionales, como la Documenta IX en Kassel (1992), la 21 y 24 Bienal de São Paulo (1994 y 1998), la Bienal de Venecia (en 1997, en 2003 representando a Portugal y en 2013) y la 10 Bienal de Lyon (2009). Actualmente muestra la instalación escultórica Les Trois Grâces, en Jardin des Tuileries, París, y una instalación titulada Field en la 59 Bienal de Venecia.

Camila Cañeque (Barcelona, 1984) explora de diferentes maneras el tema de la resistencia al progreso a partir de la performance, del sonido, objetos, instalaciones y escritura. Ha expuesto en diversos centros de arte en Barcelona como La Virreina Centre de la Imatge, Blue Project Foundation, Fabra i Coats, Caixaforum, en el Museo Lázaro Galdiano, en Madrid y en Queens Museum of Art de Nueva York. Ha sido finalista del premio Miquel Casablancas y realizado residencias en Mana Contemporary, New Jersey, Fabra i Coats, Barcelona, Nida Art Colony, Lituania, ZKU, Berlín, Largo das Artes, Rio de Janeiro, entre otros.

Hannah Collins (Londres, 1956). Actualmente vive entre Londres y Almería. Entre 1989 y 2010, vivió en Barcelona, exponiendo en la Galeria Joan Prats desde 1992. Obtuvo la beca Fulbright, fue nominada al Premio Turner de 1993, y recibió el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, incluyendo exposiciones en Sprengel Museum de Hannover, Camden Art Centre de Londres y Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en SFMOMA de San Francisco; Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

Pablo del Pozo (Badajoz, 1994) vive y trabaja en Barcelona. Graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, fue seleccionado en la Bienal de Valls y ha ganado el Premio Guasch-Coranty, participando en la exposición en el Centre Tecla Sala, de l’Hospitalet de Llobregat. También participó en la Bienal Jeune Création Européenne con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas. Ha recibido el premio de creación de la Sala de arte Joven de la Generalitat de Cataluña, exponiendo en esta sala en 2018. Ha sido nominado al Premio Miquel Casablancas, y en 2019 expuso individualmente en la Fundación Arranz Bravo de l’Hospitalet de Llobregat.

Mercedes Pimiento (Sevilla, 1990) vive y trabaja en Barcelona, donde se está doctorando en Bellas Artes. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y Máster de Producción e investigación artística de la Universitat de Barcelona, ha sido seleccionada en programas y becas como INJUVE, el Programa de Formación Comunidad de Madrid – Open Studio, el Proyecto Kiosco del Centro José Guerrero, la Beca Fundación Guasch Coranty para la creación artística, el Programa de residencias de Sant Andreu Contemporani, o el Programa Iniciarte. Ha expuesto en museos y centros de arte como Centre Tecla Sala, de L’Hospitalet de Llobregat, CAAC Sevilla, Fabra i Coats de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Fundación Naturgy de A Coruña, Centro José Guerrero de Granada, entre otros.

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Su obra es conocida por las acciones emprendidas en su mayor parte en Chile, entre ellas Gran Sur, Isla Elefante, Antártida, Acción Lota, Géiser del Tatio, Salar de Atacama, Mina a Rajo Abierto o Congelación, Glaciar Collins y Antártida chilena. Ha participado en exposiciones como la Bienal de Venecia; Mediations Biennale, Poznan; Bienal de Canarias, Trienal de Chile, Espace Culturel Louis Vuitton, Paris, Fundació Joan Miró, Barcelona y Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile. Cuenta con obras significativas en el espacio público de Chile y una obra encargada por Barcelona. Actualmente presenta la exposición individual Aun tendría que haber luciérnagas, en Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria del Museo Nacional de Bogotá.

Estar a la lluna

FONTETA – Bombon · Joan Prats · NoguerasBlanchard

Capítol II: Estar a la lluna 

 

Inauguración: 7 de agosto, 12-21h.

Exposición hasta el 26 de septiembre

c/ Empordà, 10, Fonteta, Girona

 

Agosto: lunes a domingo, 17-21h

Septiembre: viernes a domingo, 17-21h

Otros horarios con cita previa en el teléfono  (+34) 644 524 969

 

 

Presentamos el segundo capítulo del proyecto conjunto de Bombon, Galeria Joan Prats y NoguerasBlanchard en Fonteta, un pequeño pueblo del Empordà.

 

La exposición, concebida en dos capítulos (el primero se inaugurará el 19 de junio y el segundo el 7 de agosto) reúne artistas de las tres galerías y de diferentes generaciones, en una propuesta que parte del concepto ampurdanés Parar la Fresca (Tomar el fresco), descrito por Josep Pla en el libro “Las Horas”.

 

 

Texto de Gabriel Ventura

 

 

“Quizás porque durante tantos siglos ha sido inalcanzable, ha despertado los sueños más fantásticos, los más pasionales y recónditos. Su encanto siempre estará de parte de la noche, de lo oculto y la intuición, de la clandestinidad y el exceso. La luna, que dilata y empequeñece los ojos de los gatos, que hace subir y bajar mareas, que infla y desinfla las ranas, nos sigue fascinando con el mismo fervor de los primeros tiempos, aunque ya la hemos pisado tímidamente y algunos emprendedores iluminados planean construir hoteles con vistas galácticas. Pero no nos engañemos: las ansias colonizadoras de Jeff Bezos y la compañía no conseguirán acercar o hacer más comprensible el misterio de la Liebre Blanca o la Mujer Araña.

 

Eternamente distante, la luna ha sido adorada por brujas y vampiros, por poetas y adivinos. Por más que la ciencia intente conquistarla, su luz mercurial nos proyecta al mismo tiempo hacia remotos y futuros inescrutables, y nos invita a reflexionar sobre las sombras y los mitos de la condición humana. A lo largo de la historia la hemos vinculado a la fertilidad y al inconsciente, a la muerte y la resurrección, a la repetición de los ciclos de la vida. Las primeras anotaciones inscritas sobre artefactos y utensilios, en la era del Paleolítico, consisten en registros lunares. De hecho, es muy probable que antes de la aparición de la agricultura las sociedades se organizasen de acuerdo con un ciclo temporal lunar, tal y como han demostrado las investigaciones de Alexander Marshack en The Roots of Civilization.

 

A diferencia del sol, el astro omnipotente y constante, la luna pasa por fases, crece y decrece, mengua, se encorva, se transforma. Por esta razón hemos tendido a representar lo inmutable con el sol (Dios) y aquello cambiante y material con la luna (recordamos el reino sublunar y mortal de Platón, el territorio de la duda y las sombras). Inevitablemente, durante milenios, la especie humana ha encontrado su correlato en el drama de la luna: nacer, crecer, reproducirse (la barriga de la luna llena), morir. Si la sintaxis solar divide y jerarquiza – W.B. Yeats acusaba al sol de ofrecer verdades «complejas y artificiosas»– la sintaxis lunar mezcla y confunde las formas, es evasiva, emocional, fluida. Simbólicamente, la luna evoca el mundo imaginativo, contingente y ambiguo de la existencia, en contraste con los absolutos solares del mundo ideal del ser. Imposible mirar el sol de cara, imposible dialogar con su presencia deslumbrante. La luna, en cambio, enciende los caminos desde el margen del cielo y, en palabras de Lorca, nos muestra sin vergüenza sus «cien caras idénticas». La ilusión, el delirio, la quimera, la locura, el caos, la dispersión («estar en la luna»): los atributos de la reina de la noche sugieren la transgresión de las normas diurnas.

 

Lilas y azules eléctricos, amarillos llamativos y rojos rabiosos, verdes fluorescentes que brotan de la oscura como un grito que se clava en la conciencia. Los colores de la noche afilan los nervios y el ojo, nos vuelven desconfiados, sentimos el latido intermitente del peligro.

 

Un temblor nos recorre la espalda: ¿es real, eso que hemos visto? ¿Podemos creer en las imágenes y las palabras que aparecen bajo la luz fría de Selene? Quizás, en el fondo, estar en la luna es una de las formas más fecundas y perplejas de estar en la Tierra, de no dar nada por seguro, de continuar sospechando y levantando la mirada hacia los secretos insondables del universo.”

 

Gabriel Ventura

 

 

* Capítol I: Parar la fresca

FONTETA – Bombon · Joan Prats · NoguerasBlanchard

Capítol I: Parar la fresca 

 

Inauguración: 18-19 de junio. Exposición hasta el 3 de agosto

c/ Empordà, 10, Fonteta, Girona

 

Junio y septiembre: viernes a domingo, 17-21h

Julio y agosto: lunes a domingo, 17-21h

Otros horarios con cita previa en el teléfono  (+34) 644 524 969

 

Texto de Gabriel Ventura

 

Presentamos un proyecto conjunto de Bombon, Galeria Joan Prats y NoguerasBlanchard. Siguiendo la tendencia de otros proyectos colaborativos en los que algunas galerías se unen para abrir espacios temporales deslocalizados, apartados de las grandes ciudades y de sus galerías de origen, las tres galerías se alían, de junio a septiembre, para presentar una exposición en Fonteta, un pequeño pueblo del Empordà.

 

La exposición, concebida en dos capítulos (el primero se inaugurará el 19 de junio y el segundo el 7 de agosto) reúne artistas de las tres galerías y de diferentes generaciones, en una propuesta que parte del concepto ampurdanés Parar la Fresca (Tomar el fresco), descrito por Josep Pla en el libro “Las Horas”.

 

Parar la fresca, como dice Pla, es la costumbre estival de sacar la silla a la calle o a la azotea cuando el sol empieza a caer y, así, pasar el rato. Parar la fresca tiene pretensiones modestas, básicamente echar una cabezada bajo el firmamento, ignorando la maravilla que el cielo nos ofrece, los sonidos que emanan del atardecer, del calor estival. Según argumenta Pla, no hay nada más placentero ni amable que dormirse tomando el fresco crepuscular. Pero, ¿y qué sucede si uno no tiene el sueño fácil?

 

A partir de este interrogante, se han seleccionado obras de artistas que transitan temas como la naturaleza, el paisaje, el tiempo, la contemplación, el universo … Y se han dividido en dos momentos: Parar la fresca y Estar a la lluna, dos capítulos de una misma exposición con artistas como Antoni Tàpies, Ana Mendieta, Joan Brossa, Hernández Pijuan, Alicia Kopf, Rosa Tharrats, Perejaume, Teresa Solar, Jordi Mitjà, Marine Hugonnier, Josep Maynou, Aldo Urbano, Chema Madoz, Bernat Daviu, Mari Eastman, Hannah Collins, Enric Farrés Duran, Wilfredo Prieto o Juan Uslé… entre otros. Así mismo, se realizarán acciones específicas de algunos de los artistas vinculados al Empordà.

 

En palabras de Pla, “la bóveda celeste invita, según dicen, a pensar. Es cierto. Pero, ¿a pensar en qué?” Concluye el célebre ampurdanés que “las personas que poseen sentido del ridículo piensan, ante el firmamento, que no saben nada de nada”.

 

 

* Capítol II: Estar a la lluna 

Flamenca Barcelona. ZUMZEIG. 

 

Un ciclo que explora la relación del género con la ciudad a través del cine. Director del ciclo: Pedro G. Romero

 

El ciclo incluye dos obras de Hannah Collins, que se verán en Zumzeig Barcelona, el sábado, 5 de junio, a las 12 h.

 

La Mina (2001-04) Hannah Collins, 36 min.

Historia Actual (2007) Hannah Collins, 52 min.

 

Contarán con presentación de María García Ruiz, artista e investigadora sobre las territorialidades (y la desterritorializaciones) del flamenco.

 

 

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ARCO E-xhibitions 3. HANNAH COLLINS

 

 

Para la tercera E-xhibition presentamos una selección de obras de la artista Hannah Collins.

 

‘Family’ (1988), una obra de primera época de la artista, es una imagen en blanco y negro de un grupo de altavoces que permanecen en silencio y que se utilizaban habitualmente para la música de calle, sobre todo reggae, creada por antillanos de Londres, pero que se fotografiaron en el estudio de la artista.

 

‘Grapes’ (1989) forma parte de una serie de obras realizadas por Hannah Collins a partir de 1989, en las que aparece la exploración de la cuestión del lienzo y de su contenido de un modo lúdico, con motivos cuyo artificio es a la vez evidente y oculto. ‘Grapes’ es un “trompe-l’œil” que contesta la objetividad fotográfica y cualquier otra noción constitutiva de una historia oficial de la fotografía: no hay nada menos verdadero que esas uvas, que de hecho son globos de goma, nada más construido que esas imágenes imponentemente iluminadas, de formas engañosas, “asentadas” y expuestas durante mucho tiempo.

 

‘In the Course of Time (19)’ (1996) pertenece a una serie de obras resultado de los Viajes a Polonia y Bielorussia que la artista Hannah Collins realizó desde 1994 a 1996. Ambos países fueron ocupados por los nazis y formaron parte de la Unión Soviética. Estas obras son una meditación sobre el tiempo, la identidad y los efectos en las vides de las persones y en los paisajes de las circunstancias históricas, sociales y políticas.

 

La obra de Hannah Collins destaca por la poesía de sus inquietantes imágenes, por la evocadora e infinita asociación de ideas y conceptos en torno a la que se construye, y por la delicadeza de una visión del mundo entendida como una reflexión sobre el paso del tiempo y las huellas de la historia sobre los paisajes, las personas y los objetos.

 

Su obra se desarrolla principalmente en torno a la fotografía y al uso de un formato vinculado a la pantalla cinematográfica, tanto por las panorámicas a las que a menudo recurre, como por la textura de sus imágenes transferidas a lino, tratando la relación entre el imaginario y las convenciones pictóricas, arquitecturales y cinematográficas, relación sobre la que constantemente se cuestiona.

 

 

Descubre nuestro stand en 2D y en 3D 

CASA ÁRABE MADRID. Hassan Fathy: a contracorriente

 

28/01 – 16/05/2021

 

 

 

A partir del 28 de enero, Casa Árabe ofrece en Madrid la exposición Hassan Fathy: a contracorriente, comisariada por José Tono Martínez, en la que se recogen planos, maquetas, fotografías y libros del conocido como “el arquitecto de los pobres”. En este marco, se presentarán algunas obras de Hannah Collins y su visión personal del arquitecto, incluyendo el video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head.

 

 

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As of January 28, Casa Árabe offers in Madrid the exhibition Hassan Fathy: a contracorriente (against the current), curated by José Tono Martínez, in which plans, models, photographs and books by the “architect of the poor” are collected. In this context, some works by Hannah Collins will be presented, along with her personal vision of the architect, including the video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head

 

 

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JORDI ALCARAZ, PAULINE BASTARD, ERICK BELTRÁN, ALFONS BORRELL, CABELLO/CARCELLER, CABRITA, VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, CARLES CONGOST, LUIS GORDILLO, ANNIKA KAHRS, LOLA LASURT, FABIAN MARCACCIO, ENRIQUE MARTÍNEZ CELAYA, MUNTADAS, JAVIER PEÑAFIEL, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, FERNANDO PRATS, CAIO REISEWITZ, MARCEL RUBIO JULIANA, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ 

 

 

“Escric amb rius i turons / sobre el paper de les planes”    Perejaume*

 

La primavera ha estado marcada por una transformación radical de nuestras maneras de desplazarnos, relacionarnos e intercambiar. De repente, todo ha cambiado. Nuestra percepción de las cosas cotidianas y también de las más relevantes se ha visto cuestionada. Lo que nos parecía esencial pasa a no serlo. Nos hemos percatado de la precariedad de la vida, hemos conocido la importancia de la solidaridad, de la familia, de nuestros seres queridos, de nuestro entorno. También la naturaleza y el medio ambiente han tomado un protagonismo que antes no tenían.

 

Delante de esto, nos hemos atrevido a pedir a los artistas de la galería que participen en esta exposición que ahora presentamos, con trabajos que han realizado durante este tiempo de aislamiento social. Son respuestas diversas a una misma pregunta, tienen en común el uso del papel como soporte, habitual para algunos –como Victoria Civera o Perejaume– e inédito para otros –como Hannah Collins o Annika Kahrs–.

 

La realización de estas obras ha podido convertirse en una vía de escape, una herramienta para continuar trabajando pese a las dificultades y, a la vez, permiten al público introducirse en la intimidad de los estudios y de las cabezas de sus creadores. Son, en gran parte de los casos, obras hechas en casa, con las herramientas de casa, testimonios de un momento único y, esperamos, irrepetible.

 

‘Piensa en el tamaño del universo, después lávate los dientes y ve a dormir’ toma el título de una obra de la artista Annika Kahrs. A partir del humor, nos invita a reflexionar sobre el equilibrio entre los niveles micro y macro y sobre la búsqueda de sentido y de identidad dentro del universo insondable del que formamos parte, reflexiones todas ellas que devienen fundamentales en el contexto actual.

 

El resultado de esta exposición ha sido una serie de obras diversas. En algunos casos, vemos que las temáticas que preocupaban a los artistas, antes de la pandemia, han mantenido su protagonismo o, incluso en otros, muestran fragmentos de su proceso de trabajo y están vinculados a proyectos futuros.

 

En otros casos, encontramos propuestas que hablan directamente del momento actual: reflexiones sobre las relaciones personales, la situación política, los mensajes de los medios de comunicación o los colectivos vulnerables como los niños y la gente mayor.

 

Por último, encontraríamos también un tercer grupo de trabajos que se centran en la observación del entorno más cercano y la naturaleza.

 

Para facilitaros más información e imágenes, contacten con galeria@galeriajoanprats.com

 

 

* “Escribo con ríos y colinas / sobre el papel de las llanuras” Perejaume

Turner Contemporary, Kent

7.2 – 3.5.2020

Opening 6.2.2020, 18 – 20h, Speeches 18.30

 

The exhibition is curated by Hannah Collins and Paul Goodwin with Turner Contemporary.

 

From 7 February 2020, Turner Contemporary will showcase the work of artists and makers from the Alabama and surrounding states in We Will Walk – Art and Resistance in the American South.

We Will Walk – Art and Resistance in the American South is the first exhibition of its kind in the UK and reveals a little-known history shaped by the Civil Rights period in the 1950s and 60s.

It will bring together sculptural assemblages, paintings and quilts by more than 20 African American artists from Alabama and surrounding states. The artists represented in the exhibition lived through the Civil Rights struggle and its aftermath, often in conditions of poverty.  This art is characterised by the remaking and reuse of materials through necessity, custom, culture and innovation as well as a vital connection to place and nature.The exhibition also features Civil Rights music and documentary photographs that reveal the links between the art and its context.

Some works are in direct dialogue with this era of protest, while others evidence the longstanding impact of segregation and racial terror. Produced from the mid-20th century to the present, many of the artworks will be coming to Europe for the first time. In an era of worldwide protest on the streets, We Will Walk addresses issues of race, class and resistance through a diverse range of works developed outside of the mainstream.

Much of the work in We Will Walk draws on the tradition of the ‘Yard Show’, temporary outdoor environments made from salvaged materials. This includes the root sculptures of Bessie Harvey and Emmer Sewell’s iconic sculpture created outside her home in Marion County. The exhibition will see a series of quilts from the isolated hamlet of Gee’s Bend (known today as Boykin) in Alabama go on display in the UK for the first time. These world-famous quilts have a distinctive style, and are often made from recycling old clothing such as blue jeans. The exhibition also features guitars by Freeman Vines, including one made from the wood of an old hanging tree.  These artists turned impossible circumstances into innovative artworks.

 

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August 31, 2019 – January 5, 2020

SFMOMA

 

 

This presentation brings together still photography and an immersive video installation exploring the work of Egyptian Modernist architect Hassan Fathy. Searching for models that might address the urgent contemporary problems of housing, poverty, and environmental sustainability, Collins reconsiders Fathy’s mid-twentieth-century utopian experiments in sustainable architecture and rural community building at New Gourna and New Baris in Egypt.

 

Her installation underscores the visual and philosophical connections between the ancient Egyptian structures and Fathy’s historically grounded, forward-looking designs, and prompts us to meditate on the past as well as contemplate new solutions for the future.

 

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Dijous 19.09.19, a les 19h, al Centre Cultural Terrassa.

 

Closing de les exposicions de la Col·lecció Josep Maria Civit.

 

Civit ens convida a entendre diferents formes de pensar i de dialogar amb el present. El compromís cultural, l’experimentació amb la imatge i la pràctica d’una aventura mental són els trets distintius de la col·lecció. Tot això en l’intent de compartir una mirada més enllà de la retiniana.

 

Obres de Jordi Alcaraz, Joan Brossa, Hannah Collins, Muntadas, Pablo del Pozo, Fernando Prats, Teresa Solar, entre d’altres.

 

 

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21.06 – 13.10.2019

FUNDACIÓ ANTONI TÀPIES

 

Conversación / Conversation 20.06, 19.00h / 7pm

Conversación con Hannah Collins y Anna Puigjaner en el auditorio de la Fundació Tàpies, 20.06, 19.00h  /  Conversation with Hannah Collins and Anna Puigjaner at the Fundació Tàpies auditorium, 20.06, 7 p.m.

 

Hannah Collins, artista, y Anna Puigjaner, doctora en arquitectura, cofundadora de MAIO arquitectos y autora de Kitchenless City, conversarán sobre arquitectura, colectivismo y sostenibilidad durante la presentación de la exposición que pone el foco en la figura arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900-1989).

Hannah Collins, artist, and Anna Puigjaner, Ph.D. in architecture, co-founder of MAIO architects and author of Kitchenless City, will talk about architecture, collectivism and sustainability during the presentation of the exhibition that focuses on Egyptian architect Hassan Fathy (1900-1989).

 

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I will make up a song (desert entrance-1), 2018

 

Inauguración 14 de marzo, 19h | Exposición marzo – mayo 2019

 

El próximo jueves 14 de marzo inauguramos la sexta exposición de Hannah Collins en Galeria Joan Prats, donde presentaremos su trabajo más reciente I will make up a song, 2018; junto con el proyecto The Fertile Forest, 2013-5 y la fotografía Family, 1988.

 

El título de la exposición es parte del título de la nueva película de Hannah Collins, I will make up a song and sing it in a theatre with the night air above my head, creada con el músico Duncan Bellamy, que se presentará en la Fundació Tàpies el próximo mes de junio.

 

I will make up a song habla del trabajo del arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900-1989), quien recurrió a la tradición constructiva de adobe para crear las nuevas ciudades de New Gurna y New Baris. Fathy intentó encontrar nuevas vías a través de prácticas sostenibles, utilizando materiales naturales, y crear un nuevo contexto en el cual un teatro formaría parte de la vida cotidiana, en un entorno rural enraizado en la Antigüedad. Sus ideas devienen una urgencia hoy en día, cuando estamos buscando un futuro sostenible. A través de estas fotografías, Hannah Collins explora la relación entre el cuerpo humano, la escala y la historia y muestra lo significativo de los materiales modestos que encontró al trabajar en el desierto egipcio.

 

La búsqueda de nuevos caminos es uno de los temas centrales de la exposición de Hannah Collins, creada en un momento en que, globalmente, surgen múltiples opciones y fuerzas en la realidad contemporánea occidental.

 

The Fertile Forest es una obra que trata también la tradición y la necesidad de establecer nuevas relaciones con nuestro entorno. Es un proyecto en curso en el que Hannah Collins ha documentado como los miembros de diversas tribus del Amazonas contribuyen a la preservación del bosque, concibiéndolo como jardín, ya que utilizan las plantas que lo forman para su bienestar cotidiano. La artista fotografió, a lo largo del mes que pasó con la tribu Cofán, en la cuenca amazónica colombiana, las plantas según sus enseñanzas. Los textos que acompañan a las fotografías son el resultado de las conversaciones de Hannah Collins con el jefe de la tribu bajo la influencia del yagé (ayahuasca). El fondo dorado de las vitrinas se convierte en un espejo de oro que nos refleja a través de las plantas.

 

Family, una obra de primera época de la artista, es una imagen en blanco y negro de un grupo de altavoces que permanecen en silencio y que se utilizaban habitualmente para la música de calle, sobre todo reggae, creada por antillanos de Londres, pero que se fotografiaron en el estudio de la artista.

 

La exposición presenta una visión ansiosa y a la vez optimista de nuestros tiempos y de nuestra necesidad de salvaguardar el conocimiento y crear puentes a escala global. Todas las obras se centran en el acto de la comunicación y el deseo de poesía y belleza. Los trabajos de Collins hacen visible la necesidad de preservación del saber y de la naturaleza, ambos amenazados por su invisibilidad.

 

 

Hannah Collins (Londres, 1956). Entre 1989 y 2010, vivió y trabajó en Barcelona, exponiendo en Galeria Joan Prats desde 1992, y actualmente vive entre Londres y Almería. Además de haber obtenido la beca Fulbright y de haber sido nominada al Premio Turner de 1993, recientemente ha recibido el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, otorgado por la Fundación de la Baja Sajonia, que incluía una exposición en Sprengel Museum, que después itineró al Camden Art Centre de Londres y al Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

 

Para más información e imágenes, contacten con galeria@galeriajoanprats.com

Arco 2019

ARCOmadrid 

27/02/2019 – 03/03/2019

Stand 9C09

 

AÏDA ANDRÉS RODRIGÁLVAREZ, PEDRO CABRITA REIS, VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, HERNÁNDEZ PIJUAN, FABIAN MARCACCIO, MUNTADAS, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, CAIO REISEWITZ, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ

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CAIO REISEWITZ Encuentro con el artista y firma del libro Altamira

Jueves 28 de febrero a las 18h en nuestro stand de ARCOmadrid 2019

Paris Photo 2017

Galeria Joan Prats presenta, en Paris Photo 2017, obras de Hannah Collins (Londres, 1956) y de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942).

 

El método utilizado por Collins en The interior and the exterior, Noah Purifoy, 2015, rinde homenaje a Walker Evans, a través de la documentación fotográfica de las esculturas del artista afroamericano Purifoy (1917-2004). Las fotografías vienen acompañadas de grabaciones de entrevistas.

 

Muntadas, investiga sobre los lugares de poder con Architektur / Räume / Gesten II, 2017. En estos 10 trípticos, Muntadas reúne imágenes de archivo, poniendo en relación lugares de poder con gestos de decisión. El artista resalta así la forma en que los elementos arquitectónicos cristalizan los gestos y las decisiones de poder.

 

PARIS PHOTO Stand D15.
Grand Palais. 09-12 NOV 2017

Hannah Collins

Londres, 1956

Vive y trabaja entre Londres y Níjar (Almería, España)

 

 

Hannah Collins es una de las artistas pioneras en la utilización del gran formato en la disciplina de la fotografía. Se dio a conocer en la escena internacional a principios de los años 90.

 

Si bien el tamaño de las piezas era monumental, a menudo el tema retratado era de naturaleza íntima y próxima al espectador, incorporando una reflexión en torno a la fugacidad del tiempo presente y su pervivencia a través de la memoria de los lugares.

 

En cuanto a la utilización del video y de las instalaciones de múltiples pantallas que ha iniciado en los últimos años, Collins persiste y amplía su interés por aquellos lugares y gentes que habitan en los límites, en los márgenes de la sociedad. En este sentido los movimientos migratorios o las comunidades gitanas han sido algunos de los temas explorados recientemente en sus trabajos. Aquí, la imagen resultante se sitúa entre el documental y un trabajo actoral preciso.