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Cabello/Carceller

Artium Museoa, Vitoria-Gasteiz

Inauguración 31 de marzo

 

Hau ‘este/esta/esto’ es, en euskera, el demostrativo que indica proximidad. Los demostrativos se utilizan para indicar la distancia entre quien habla y aquello de lo que se habla. En muchos idiomas, existen tres grados: esto que está aquí, eso que queda ahí y aquello que está allí. Esta distancia hace referencia no solo al espacio, sino también al tiempo. Cuando se usa para indicar una temporalidad, se refiere al momento en el que se lleva a cabo el discurso: ahora, hace un rato o ayer. Resulta fundamental hacer evidente desde dónde y cuándo se emite el mensaje, quién propone el punto de vista. Los demostrativos, en ese sentido, ayudan a situarse, ya que desvelan una posición.

 

Pero hau también tiene significados distintos en otros contextos, allí, lejos. Siguiendo el relato que el antropólogo francés Marcel Mauss recoge en su libro más conocido, Ensayo sobre el don. Forma y razón del intercambio en las sociedades arcaicas (1925), el hau es, en la cultura polinesia de los maoríes, el valor espiritual que se otorga a los objetos donados. Este hau es el alma de las cosas que se regalan, aquello que las anima y que es parte de una misma o uno mismo, y cuando se realiza un intercambio es lo que obliga al retorno o a la reproducción del don. La definición de un museo viene dada, históricamente, desde su colección, desde el carácter público de un fondo de obras —un don— que pertenece a todas y todos, y que contribuye a la producción de conocimiento, al tiempo que permite imaginar una comunidad.

 

Esta doble acepción funciona como preámbulo a una reordenación de los fondos de la colección del Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco que se inicia en la década de los cincuenta y llega hasta nuestros días, a partir de una serie de movimientos elementales que activan, del mismo modo que en la reordenación precedente, una narrativa siempre en construcción. Una presentación que reúne en las salas del museo más de un centenar de obras de arte, documentos y materiales de archivo, y provoca tensiones y encuentros entre manifestaciones artísticas surgidas en las cinco décadas que comprende la muestra.

 

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San Telmo Museoa, Donostia-San Sebastián

04/03 – 04/06/2023

 

Los nuevos 90, un ensayo expositivo de Nekane Aramburu, es una aproximación a los diversos colectivos artísticos que trabajaron en los años 90 (y unos años antes y después) y busca contribuir a la preservación y transmisión de aquel ecosistema cultural, recogiendo el espíritu de iniciativas y espacios.

 

La exposición Los nuevos 90 se podrá visitar en la sala de exposiciones temporales del museo, del 4 de marzo al 4 de junio de 2023.

 

Obras artísticas, video arte y vídeo documental, audios de diferentes entrevistas, documentos gráficos, ediciones alternativas, libros y revistas, fotografías de autor, fotografías-copias de exhibición, proyecciones y mobiliario componen el universo de este proyecto. En él se integran en torno a 140 creadores y colectivos. Se trata de una época crucial con el paso de lo analógico a lo digital, y la exposición recupera producciones que salen a la luz por primera vez, todas ellas desde la perspectiva de su sentido dentro de un engranaje coral donde lo participativo trasciende las individualidades.

 

La muestra, cuyo recorrido es cronológico, integra este devenir y apunta a los acontecimientos sociales paralelos. Comienza abordando la relevancia de la utilización de las entonces llamadas “Nuevas tecnologías”, que fundamentalmente se desarrollaron a partir de la investigación de las posibilidades del video-arte.

 

Se trata de la primera gran muestra sobre los años 90 en Europa que perfila algunas de las cuestiones esenciales a partir del contexto vasco, y abre nuevas historiografías futuras.

 

 

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Ulsan Art Museum, Ulsan, Republic of Korea

16.02 – 21.05.2023

 

Ulsan Museum of Art is concurrently holding three exhibitions under the theme of What is The Collection Now?, which examines the past, present and future of the collection itself. The screening exhibition of International Moving Image Collection: Art Fluidity is one of them.

 

As can be seen from the subtitle ‘Art Fluidity’, the exhibition presents a comprehensive overview of how the meaning of the collection has changed through the transition of the form and medium of the artwork, focusing on the fluidity of today’s immaterial digital works. Moreover, the exhibition shows the current state of contemporary (visual) art that vigorously engaged with other art genres or academic fields. This phenomenon informs us that today, the boundaries of ‘art’ are ambiguous and fluid.

 

Since Einstein, quantum physicists have come up with the theory that the ultimate factor defining existence is not the material but the immaterial. It is an overturning of the existing physics theory that the source of what we call reality is matter. In other words, objective figures and quantities do not define existence, but the relative spirituality beyond matter becomes the force that supports matter. Now, mankind is living in an era in which the smallest unit constituting the universe has been converted from atoms to bits, the so-called “digital transformation era.” The same is true for artistic creation. It has been a long time since the way of existence of the work has been converted from material to non-material form. Even in the distribution system of works, immaterial works floating online can be viewed transcending time and space.

This immaterial worldview and the way works exist also affect the meaning and institutions of the collection. Today, the collection goes beyond the meaning of private collectors and public museums purchasing works in material form and sharing them with the public in a finite space. In other words, the meaning of the collection is changing from ‘possessing’ to ‘sharing’, and from sharing to ‘disseminating’.

 

Hence, Ulsan Art Museum uses the video archives shared from the leading institutions’ collection (VDB, HAMACA, CASA ASIA and ZKM). On view are the selected works from moving image practices, from the late 1960s to the present: experimental videos with media, such as performances, electro-intermediate installations, and so on, as well as documentary videos on socio-political issues, and narrative videos. The exhibition will serve as an opportunity to understand the fluidity of art, presenting works from analog moving images of 1960s to digital moving images today.

 

 

Curator: Jeong Seon Huh

 

Artists: Sónia Vaz Borges/ Filipa César, Nam June Paik, Bill Viola, Bruce Nauman, Gary Hill, Hermine Freed, Videofreex, Max Almy, Han Breder, Vali Export & Peter weibel, Albert Merino, Marisa González, Iván Marino, Carles Congost, Cabello/Carceller, Aimar Gómez Gil, Ryo Hirano, Yuan Keru, etc.

 

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Cabello / Carceller solo exhibition at Regelbau 411. Kunsthal for international samtidskunst. Thyholm, Denmark.

 

Opening Dec. 14 at 2pm.

Exhibition: December 14 2019 – February 16 2020.

 

 

Helena Cabello and Ana Carceller have been working together for three decades to exploring how particular body ideals and particular notions dominate our visual culture, how these notions create special kinds of representation, and how to offer alternatives to these notions.

 

The two bunkers in Regelbau 411 each present a video work that has been transformed into two site-specific video and text installations. The artists visited the art centre on Thyholm this summer and have since developed this special exhibition design.

 

 

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feminismos-cccb

19.07 – 01-12.2019

CCCB, Barcelona

 

¡FEMINISMOS! reúne las exposiciones «La Vanguardia Feminista de los años 70. Obras de la VERBUND COLLECTION, Viena» y «Coreografías del género» y un extenso programa de actividades para poner de manifiesto el diálogo, las continuidades y las rupturas entre el feminismo radical de los años setenta y los feminismos actuales.

 

Los años setenta marcaron un punto de inflexión en el movimiento feminista. Una nueva generación irrumpió en la vida pública para dar la vuelta al mundo y sacudir el orden simbólico establecido a través de múltiples prácticas y representaciones culturales. El arte que surgió entonces fue rompedor, tanto por el uso de los lenguajes y las formas como por su desafío de las construcciones de género, la reivindicación del derecho a decidir sobre el propio cuerpo y la denuncia de las violencias machistas, o el descubrimiento crucial de que lo personal también es político.

 

La explosión de libertad y creatividad del feminismo de los setenta ha sido una fuente de inspiración constante para los feminismos actuales, que han estallado en una riqueza y pluralidad sin precedentes, pero también para muchos otros movimientos de emancipación colectiva. En el contexto actual de auge del conservadurismo y de regresión de los derechos, el proyecto ¡FEMINISMOS! quiere reivindicar la aportación capital de las luchas por la igualdad y la diversidad de los feminismos que han cambiado definitivamente nuestra manera de entender el mundo.

 

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Cabello/Carceller

Helena Cabello (Paris, 1963) and Ana Carceller (Madrid, 1964)

Live and work in Madrid

 

 

Cabello/Carceller’s work is set in a territory from which they question, reflect and/or fracture the roles or stereotypes associated to gender. They understand identity as something built in conflict or in consonance with a social, cultural, political and economic environment. They point at an `I´ that is always found according to the `others´, this idea vertebrates their production.

 

In their works the patterns, which are linked in a static way to either masculine or feminine roles, are revised. In this way, images are subverted in their works along with behavioral codes and attitudes, associated to that which is commonly considered as masculine or feminine.

 

The rereading that Cabello/Carceller’s work forms in the mentioned models, position the spectator facing multiple prejudice, assumed values and contradictions that manage to effectively destabilize a univocal vision of reality.