Presentamos en la Galeria Joan Prats la exposición aire corrent de Jordi Alcaraz, que reúne una selección de obras de varios formatos realizadas en 2012.

Partiendo de la tradición clásica de la pintura y la escultura, Jordi Alcaraz reflexiona acerca del volumen, del lenguaje y del tiempo por medio de materiales, como el agua, el vidrio, los espejos, y también los libros.

En su lenguaje artístico predomina la trasgresión visual, el intercambio de miradas y la conjugación de transparencias y vacíos que permiten entrever espacios ocultos, mágicos. Sus obras establecen una relación inédita y metafórica con el mundo a través de su peculiar tratamiento de los materiales y sus juegos de palabras.

La voluntad de superar el plano rígido del soporte es el procedimiento destacado en la mayoría de sus obras. La superficie de su obra tiene un comportamiento plástico similar al de los líquidos, puede ser atravesada, maleada, impactada, y adquirir la consistencia del cristal. Sus planteamientos cuestionan la existencia de límites precisos, tanto en lo referente a los géneros –pintura, escultura, escritura-, como a conceptos como interior-exterior, realidad-representación, evidencia-evocación, presencia-ausencia, volumen-vacío, racional-poético.

En sus últimas obras, Jordi Alcaraz profundiza en la exploración, casi obsesiva, del trabajo del artista: dibujar, esculpir, pintar, centrándose en el proceso creativo, y no en la obra como fin de dicha acción.

Estas pinturas y esculturas están explícitamente destinadas a no relacionarse con ninguna teoría preconcebida, verbalización o intención específica; y exploran la idea de que algo una vez nombrado, empieza a desaparecer.

El resultado son obras en las que la ausencia es más importante que la evidencia, la ausencia de casi todo, el protagonismo de la desaparición de la obra, la permanencia de la acción. Podemos ver el espacio que ha quedado, el rastro del material utilizado, la huella de su antigua presencia en los agujeros de la superficie, o el color que queda atrapado en el bucle de papel, pero la ausencia de cualquier otra cosa es casi absoluta. Y a veces no vemos ni siquiera el material, el rastro, el reflejo…a veces vemos tan solo humo, o la esencia de algo tan frágil como una nube.

Jordi Alcaraz (*1963), nacido en Calella, Barcelona, inicia su trayectoria artística en el ámbito de la escultura y el grabado en los años 80. En los últimos años ha realizado exposiciones en Los Angeles Municipal Art Gallery (LAMAG), Los Angeles, USA (2011); LACMA, Los Angeles, USA (2011); Museum Der Bildenden Künste, Leipzig, Alemania (2010); Arts Santa Mònica, Barcelona (2010); Centre d’Art Tecla Sala, L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, (2008) o Fundación Telefónica, Madrid (2001), entre otros. Sus obras se encuentran en colecciones como Biedermann Museum, Donaueschingen, Alemania; Colección Fontanal Cisneros, Miami o Williams Collection, Nueva York, entre otras.

En 2013, Jordi Alcaraz participará en la exposición ‘Nuage‘ en el Musée Rattu de Arles, Francia.

El nuevo proyecto de Aleksandra Mir Local Library se sitúa en la intersección entre escultura y mobiliario, desde una librería a diversas combinaciones de estanterías con libros, llegando a expandirse en instalaciones del tamaño de una habitación con mesas y bancos, todas ellas de medidas flexibles, siendo obras únicas. La artista se refiere a sus objetos como “piezas de confort para la era digital” y los visualiza colocados en entornos que, de otra manera, podrían resultar fríos, como galerías, museos e incluso hogares, en coexistencia con modernos aparatos electrónicos de información: ordenadores, pantallas de plasma, teléfonos móviles y, por supuesto, lectores de libros digitales, como Ipads o Kindles.

En 2011, Amazon, la librería más importante del mundo, anunció que las ventas de libros digitales habían superado a las de papel, hecho muy lamentado pues supone que se ha impuesto, por encima de la calidez y tactilidad de los libros tradicionales, la eficiencia del libro digital, que permitiría llevar miles de títulos en el bolsillo. Así pues, Local Library señala un momento de reflexión, el momento en que vemos desaparecer el libro tal como lo conocíamos desde la invención de la imprenta en el siglo XV. Además, Aleksandra Mir invierte el proceso de realización del libro, volviendo al papel sin tratar, a través de su estado original, la madera.

En Local Library de Aleksandra Mir cada obra lleva el nombre de un autor o personaje literario, y por otra parte se inspira en la omnipresente estantería de IKEA Billy. En contraste con la producción masiva de esta librería, las estanterías de Local Library son esculturas únicas realizadas manualmente y que se vinculan con los nombres a los que se asocian.

UGO (Volli – n.1942, semiólogo italiano)

ASTRID (Lindgren – n.1907, autora sueca de literatura infantil)

ERICH (Kästner – n.1899, autor alemán de literatura infantil)

EMIL (de los relatos de Kästner) e IDA (de los relatos de Lindgren)

MERCÈ (Rodoreda – n.1908, novelista, poeta y escritora de cuentos y teatro catalana)

GRIMM (hermanos – n.1785/86, filólogos alemanes y escritores de cuentos de la literatura popular europea)

UMBERTO (Eco – n.1932, semiólogo, ensayista, filósofo, crítico literario, y novelista italiano)

CHARLOTTE-ROSE (de Caumont de La Force – n.1654, novelista y poeta francesa)

TERENCI (Moix – n.1942, escritor catalán de novela y de ensayo)

RAPUNZEL (del cuento de los hermanos Grimm, adaptación de Persinette de De Caumont de La Force)

MAXIM (Gorki – n.1868, autor, activista político ruso y soviético)

LEO (Tolstói – n.1828, novelista y dramaturgo ruso)

ANNA (Ajmátova – n.1889, poeta vanguardista rusa y soviética)

OLGA (Ivanovna Obukhova – n.1941, periodista, escritora de ciencia ficción y traductora rusa)

ALLA (Nazimova – n.1879, actriz, guionista y productora cinematográfica y teatral ruso-estadounidense)

MASHA (Gessen – n.1967, periodista, autora y activista política ruso-estadounidense)

Existen más de 50.000 especies de madera en el mundo, con casi 200 tipos disponibles comercialmente, así no es de extrañar la gran variedad de texturas y colores. Toda la madera en la obra de Aleksandra Mir muestra su color natural: los verdes oscuros, morados, amarillos y marrones que compondrían el rico espectro de la paleta de un pintor, y sin embargo no se ha usado ningún tipo de tinte o pintura, tan solo un aceite neutro para la preservación y realce de sus cualidades orgánicas naturales. Las primeras piezas se han realizado manualmente a partir de más de 20 especies de madera natural, profundizando en las conexiones entre la naturaleza, la historia y el sentido de la ubicación en su obra.

Local Library también puede percibirse como biblioteca de otra lectura, pues la superficie, la textura y el color de cada uno de los bloques de madera cuenta la historia dramática de un tiempo y un lugar como lo haría una novela. Los colores se oscurecerán o aclararán con el tiempo, debido a procesos orgánicos dependientes de la luz y las condiciones climáticas. Lo que se presenta actualmente sin duda cambiará en el futuro. La belleza del proceso de envejecimiento pasará a un primer plano a la vez que la historia continuará narrando estas obras.

Aleksandra Mir (*1967), nacida en Polonia, es ciudadana Sueco-Americana en la actualidad residente en Londres. Estudió Media Arts en la School of Visual Arts y Antropología Cultural en The New School for Social Research en Nueva York (1989-1996). Ha presentado exposiciones individuales en Kunsthaus, Zurich (2006), Printed Matter, NY (2007), Mary Boone Gallery, NY (2007/2008), Saatchi Gallery, Londres (2008), Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2009), The Whitney Museum of American Art, NY (2011) y su participación en exposiciones colectivas internacionales incluye la 53 Bienal de Venecia, Venecia (2009), Print/OUT, MoMA, NY (2012), ARTandPRESS, Martin-Gropius-Bau, Berlin (2012). Actualmente está preparando una exposición individual retrospectiva en Museum Leuven, Leuven, Bélgica (2013) sobre 15 años de su trabajo sobre la exploración del espacio.

Local Library es la tercera exposición individual de la artista en la Galeria Joan Prats en Barcelona.

Nos complace anunciar la primera exposición en Galería Joan Prats de Joaquim Chancho, en la que presentamos obra reciente del artista, óleos sobre tela de gran formato.

La trayectoria de Joaquim Chancho, vinculada a la abstracción, se define por un intenso estudio que parte del silencio, la geometría y los ciclos naturales, y por un trabajo siempre guiado por una sintaxis voluntariamente parca. De esta manera, el título de la exposición, Deixeu-me tancar la finestra, es una referencia a una serie de obras anteriores del artista, realizadas durante la década de los noventa.

La selección de obras de la exposición tiene como característica el uso de la reiteración y el ritmo. De este trabajo pictórico surgen las formas zigzagueantes que protagonizan las composiciones. El artista se deja llevar por los sistemas de equilibrio que rigen el mundo, creando un diálogo intenso con la geometría, y centrándose en la superficie del cuadro como pura abstracción. Los paralelismos, las repeticiones, los cambios de ritmo remiten al ejercicio de la poesía y dan forma a una nueva métrica. El protagonismo cromático y su interrelación alejan estas pinturas de la severidad y conforman un riguroso lenguaje pictórico.

Joaquim Chancho (Riudoms, Tarragona, 1943) vive y trabaja en Barcelona y El Pla de Santa Maria, Tarragona. Joaquim Chancho es profesor emérito de la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en el MACBA, Barcelona; National Museum of Contemporary Art of Korea, Seúl; Fundació Suñol, Barcelona; Foundation Maeght, Saint Paul de Vence, Francia; Art Center Berlin Friedrichstrasse, Berlín; Fundació Joan Miró, Barcelona; Casal Solleric, Palma de Mallorca; Museo Rufino Tamayo, México.

Nos complace anunciar la exposición de Hannah Collins, Begin Anywhere (John Cage), en la que presentamos obra reciente, fotografía y vídeo.

La selección de fotografías que configuran la exposición refleja el interés de la artista por la modernidad y su viaje a través del siglo XX, centradas en el atelier de Brancusi, el cual se cedió a París con la condición de que la disposición interna siguiese igual que cuando él vivía. El viaje de Brancusi a París, las propias imágenes de su trabajo y sus objetos, y sus obras inconclusas están colocadas como si hubiese abandonado el espacio momentáneamente y sin embargo, el contexto es el espacio de un arquitecto en cuya trayectoria destacan edificios todavía en funcionamiento.

Estas imágenes se presentan junto a una película en time-lapse grabada en una fábrica textil abandonada del norte de Francia, cerca de París, que alcanzó su apogeo de producción durante el siglo XX. Con el telón de fondo del lapso de 24 horas en el interior de la fábrica de La Tossée, rodado durante dos noches y dos días, los residentes de Roubaix reviven sus sueños. Todos los soñadores tienen alguna conexión con Argelia y en sus sueños a menudo viajan a lugares inalcanzables en la vida cotidiana –mientras un hombre se ve a sí mismo volando sobre su casa en Argelia, otro soñador se convierte en el Presidente de Francia, capaz de alterar y cambiar el país a voluntad. Los sueños nos son revelados desde la intimidad nocturna mientras vemos la fábrica descuidada y abandonada. A medida que la noche deja paso al día, el sonido, que es la única acción, nos guía a través de nuestras reacciones sobre el cambio lento del tiempo.

Hannah Collins (Londres, 1956) vive y trabaja en Londres y Barcelona. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en Centre Pompidou París; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Fundación La Caixa, Madrid; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; VOX image contemporaine, Montreal; CAC, Málaga. En la actualidad, presenta su proyecto ‘The Fragile Feast’ simultáneamente en Deutsche Bank 60 Wall Gallery, Nueva York; y Fundación Valentin Madariaga, Sevilla. Además, participa en diversas exposiciones como ‘Singulier (s)/Pluriel’, LaM, Lille; ‘Midnight Party’, Walker Art Center Minneapolis; y ‘Le Grand Atelier’, Musée des arts contemporaines – Site du Grand-Hornu, Bélgica. Hannah Collins expone en Galería Joan Prats desde el año 1992.

Nos complace anunciar la primera exposición en Barcelona de Enrique Martínez Celaya, El cielo de invierno, en la que presentamos obra reciente del artista, pinturas de gran formato y acuarelas.

La selección de obras que configuran la exposición trata un imaginario vinculado a la naturaleza y los elementos; frío, hielo, nieve y también el fuego conviven con la presencia humana, que hace su aparición en el paisaje. Imágenes de calma y pureza, o bien paisajes quemados que rebelan la inestabilidad subyacente, figuras de un niño recorren las obras, a través de su mirada consigue reconstruir la representación de los fenómenos y misterios de la naturaleza.

Enrique Martínez Celaya se define como pintor, aún habiendo trabajado la escultura, la fotografía, la escritura y también el vídeo. Su aproximación a la pintura pretende restaurar, desde la práctica científica, su vínculo con la observación, la experiencia, la conciencia y los procesos cognitivos. La pintura de Enrique Martínez Celaya no es figurativa en el sentido convencional, pues de ella surge un diálogo entre lo que la pintura representa y la realidad física de la pintura en sí.

Enrique Martínez Celaya (Palos, Cuba, 1964) vive y trabaja en Delray Beach, Florida y Los Ángeles, California. Ha expuesto en museos y centros internacionales, Museum der bildenden Künste Leipzig, Berliner Philharmonie Berlín, Museum of Biblical Art New York, Fundación Canal Madrid, Yerba Buena Center for the Arts San Francisco, Emory Visual Arts Gallery Atlanta, The Rubin Museum of Art New York, Loyola University Museum of Art Chicago, Fowler Museum at UCLA Los Angeles, Miami Art Museum, Boca Raton Museum of Art Florida, Oakland Museum of California, Brauer Museum of Art Valparaiso University, Indiana. Entre sus proyectos destaca The Master, Hermitage, San Petersburgo, Rusia (2012).