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El doble no existe, 2016

 

Detrás de todas nuestras acciones y voluntades siempre hay una sospecha. Alguien no deja de observarnos desde nosotros mismos. El que no descansa mientras dormimos, que se asoma en los lapsus y en los reflejos, que nos enjuicia constantemente, que nos toma como rehenes en estados alterados. ¿Quién es ese otro?

 

El doble es la crítica más incisiva a la autoproclamada integridad del yo. Provoca pugnas y discusiones en campos que van de lo filosófico a lo social. ¿El doble es una proyección del yo o una entidad con sus propias intenciones? ¿Quién gobierna al sujeto? ¿Es un efecto neuronal o una construcción simbólica? ¿Por qué ese doble nunca desaparece? ¿Es una cuestión mitológica? ¿Dicotomía o multiplicidad?

 

El proyecto de Erick Beltrán, que se mostrará en dos espacios, Galeria Joan Prats y Joan Prats Warehouse, reúne trabajos e investigaciones realizados entre 2014 y 2016, a modo de ensayo visual o “Bilder Atlas” (atlas icónico), un diálogo emulando el que se establece entre consciente e inconsciente.

 

Erick Beltrán (México DF, 1974) vive y trabaja en Barcelona. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de São Paulo (2014 y 2008), Of Bridges and Borders, Valparaíso, Chile (2013), Tapei Biennial (2012), Biennale de Lyon (2011), Manifesta 8, Murcia (2010) y Trienal de Puerto Rico (2009 y 2004). Entre sus exposiciones individuales recientes destacan The Fallen Tree, Kadist Art Foundation, San Francisco (2015), Atlas Eidolon, Museo Tamayo, México DF (2014), Piezas de juego, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Viena; The Witgenstein Archives/Gallery Volt, Bergen, Noruega (2013), La part abyssale, Centre d’art Contemporain La Synagogue, Delme, Francia (2012), The World Explained, Tropenmuseum, Ámsterdam (2012), Modelling Standard, FormContent, Londres (2010), Tolv/Zeigarnik effect, Malmö Konsthall, Suecia (2009), Ergo Sum, Museo Experimental El Eco, México DF (2006), Punch – Drunk, SMAK, Gante, Bélgica (2005). Ha expuesto en centros nacionales e internacionales como New Museum, Nueva York; CCA Watis, San Francisco; MALBA y Fundación Proa, Buenos Aires; Castello di Rivoli, Turín; WUK Kunsthalle Exhergasse, Viena; Bildmuseet, Umeå, Suecia; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Fundació Tàpies, Barcelona; MUSAC, León; cGac, Santiago de Compostela.

El doble no existe / El doble de las mil caras

Un chamán dejando escapar su alma en forma de un perro.

Un paciente observando como lo operan mientras levita en medio del quirófano.

El súcubo que no nos deja respirar durante el sueño

Una persona velando un espejo al morir alguien en casa.

El homúnculo operando desde un cuarto de control.

Mr. Hyde atacando al Dr. Jekyll.

El hombre lobo robando la próxima cosecha al demonio, para darla a los hombres.

El diablo componiendo una sinfonía a Tartini.

Policías destruyendo las matrices de billetes falsos.

Bonnet mirando unas mujeres de 10 cm de estatura peinadas estilo siglo XVI, entrando en su habitación.

Un artista pintando un cuarto secreto donde se pudre el rey.

Una mujer atacada por su propia mano.

El médico del rey tomando los signos vitales de un muñeco, al cual le da tratamiento.

Franco acariciando la mano de Santa Teresa.

Una piedra enterrada a cambio del marinero que nunca regresó.

Zeus metamorfoseándose en Anfitrión y Mercurio en su ayudante Sosias para seducir a una mortal inalcanzable.

Ese individuo que nos observa por detrás del hombro.

Unos perros jugando al póker y un sátiro tocando la flauta

Dos serpientes que son un cráneo humano, que es una diosa guerrera, que mata a sus 400 hermanos desde el vientre de su madre.

 

¿Qué es lo que hace mover nuestros órganos más allá de una decisión consciente?

¿Por qué no podemos controlar nuestros sueños?

¿Por qué existe la sensación de que nuestra consciencia habita dentro de un cuerpo y no es el cuerpo?

¿Por qué al morir algo queda y algo se va?

¿Quién es el que habla durante estados alterados de consciencia?

¿Por qué podemos escuchar una voz dentro de nuestra mente?

¿La duplicación de algo implica la falsificación de un original?

¿Por qué lo único representa un valor de verdad?

¿Cómo se construye la idea de oficialidad?

¿Cómo permean estos órdenes conceptuales a una organización de personas?

¿Cómo es que la concentración de verdad implica fuerza física en el mundo?

¿Qué es lo que define el límite de una unidad?

¿Qué sucede cuando un cuerpo habita otro cuerpo?

¿Qué pasa cuando un cuerpo no se sujeta a la narrativa temporal?

¿Por qué es que el más allá se nos aparece en forma de espectros, demonios e infiernos?

¿Bajo qué circunstancias nos podemos ver a nosotros mismos fuera de nosotros mismos?

¿Cuándo el hombre se percibe a sí mismo como una unidad?

¿Cuándo es que el hombre se convierte en lector del universo?

¿Cómo es que se pueden hacer viajes extra-corporales?

¿Qué relación tienen las hadas, las brujas, los zombies, los vampiros, con el mundo del doble?

¿Se puede hacer callar a los dobles?

 

El yo del hombre es la unidad bajo la cual todo se ordena y clasifica. Sin embargo dentro de esa psique siempre queda una duda, una fractura que hace asomar otra cosa un poco más allá, es algo que niega su independencia e inefabilidad.

 

La forma que tiene la unidad para entender al universo en toda multiplicidad es la de la creación de un alter ego que le regrese la mirada.

 

Erick Beltrán

Comisariado por Ramón Castillo

 

 

 

La exposición Habitar el vacío, comisariada por Ramón Castillo, reúne por primera vez a cuatro artistas chilenos,

 

Alfredo Jaar, Iván Navarro, Fernando Prats y Raúl Zurita, en la Galeria Joan Prats de Barcelona.

 

Los cuatro artistas, desde distintas aproximaciones conceptuales, sensibilidades e ideologías estéticas, realizan obras de denuncia o crítica ante tragedias humanas sucedidas en distintas partes del mundo, con un lenguaje que fuerza el límite de lo visual y textual, a través de distintos dispositivos editoriales, materiales y tecnológicos. Esta dimensión extrema de sus investigaciones se convierte en la metáfora del título Habitar el vacío: el arte como forma de superar el aislamiento o la falta de empatía entre las personas.

 

Sus obras confluyen en la generación de un estado de alerta del espectador-lector frente a los asuntos territoriales, económicos, políticos y sociales que afectan a los habitantes de distintos lugares del planeta donde la esperanza se convierte en un gesto revolucionario. Presentamos la investigación visual y textual de los cuatro artistas que desafían el sinsentido y lo informe de la experiencia contemporánea.

 

Raúl Zurita (Santiago de Chile, 1950) vive y trabaja en Santiago de Chile. Su obra se ve marcada por la Dictadura Militar, durante la cual fue detenido y torturado. La poesía, la performance y las intervenciones urbanas forman parte de un repertorio de acciones que desarrolló de forma crítica, creativa e interdisciplinar. Raúl Zurita alterna su trabajo literario, recitales poéticos y su trabajo docente en la Universidad Diego Portales y en Harvard. Ha obtenido importantes reconocimientos como el Premio Nacional de Literatura de Chile, el Premio Pablo Neruda, el Premio Pericle d’Oro de Italia, las becas Guggenheim y DAAD, entre otros.

 

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de Venecia, representando a Chile (2011); Mediations Biennale, Poznan (2012); Bienal de Canarias (2009); Trienal de Chile, (2009) y Exposición Universal del Agua, Zaragoza (2008). Ha expuesto su obra en centros de arte internacionales como Espace Culturel Louis Vuitton, París, Fundació Miró, Barcelona o Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.

 

Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956) vive y trabaja en Nueva York desde 1982. Este artista, arquitecto y cineasta ha expuesto su obra en centros de arte de todo el mundo y ha participado en bienales como la Bienal de Venecia (1986, 2007, 2009 y representando a Chile en 2013), la Bienal de São Paulo (1987, 1989, 2010) y la Documenta de Kassel (1987 y 2002). Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en el New Museum de Nueva York, la Whitechapel gallery de Londres, el MACRO Museo d’Arte Contemporanea Roma, el Moderna Museet de Estocolmo, y el Museum of Contemporary Art de Chicago. Es premio nacional de arte de Chile.

 

Iván Navarro (Santiago de Chile, 1972) vive y trabaja en Nueva York desde 1997. Ha participado en exposiciones internacionales como Bienal de Venecia, representando a Chile (2009), Prospect2 de New Orleans (2011), bienal de la Habana (2012) y The Disappeared/Los Desaparecidos, exposición organizada por North Dakota Museum of Art y que itineró por Norte y Sudamérica desde 2005 hasta 2009. Entre sus exposiciones individuales destacan las realizadas en Matucana 100, de Santiago de Chile (2015 y 2007), Museum of Contemporary Art, Aukland, Nueva Zelanda y Sydney, Australia (2015), Frost Art Museum de Miami (2012).

 

En la inauguración contaremos con la presencia de los artistas.

Se ha editado un catálogo con motivo de la muestra.

 

 

Alex

 

Alex es un personaje ficticio creado por la artista Pauline Bastard. Con la ayuda de una antropóloga, un abogado, una psicoanalista, una estilista, una decoradora y una guionista, Alex ha sido imaginado y seguido durante más de un año en su proceso de inserción en la vida real, enfrentado a la construcción de su existencia social, administrativa, afectiva…

 

El montaje expositivo evoca un interior doméstico, donde se disponen mobiliario y objetos personales de Alex, junto a seis videos que narran la vida del personaje, desde su génesis a sus ‘primeros pasos’.

 

El casting para escoger a Alex, las reuniones del equipo de profesionales, los momentos de la construcción de un personaje sin pasado… asistimos a fragmentos del inicio de una existencia, el proceso de creación, no de un avatar, sino de una persona de carne y hueso y sus pasos para afrontar las relaciones sociales urbanas. El resultado es un experimento fílmico, ni ficción, ni documental, decenas de horas de película son las pruebas de la existencia de Alex.

 

Con este proyecto Pauline Bastard plantea una serie de preguntas.

¿Cómo manipular la forma creativa? ¿Cómo manipular lo natural y lo sobrenatural sin caer en el caos?

Alex habla de la construcción de la identidad, de nuestra sociedad. ¿Quién es Alex?

 

Pauline Bastard crea narrativas complejas desarrolladas a través de instalaciones, películas y esculturas que contienen y se refieren a sus experimentos. A través de colaboraciones con diferentes profesionales, cuestiona la construcción del yo y su lugar en el mundo contemporáneo. Pauline Bastard crea historias, hace que sucedan, utilizando situaciones como tema y tomando experiencias aparentemente irrealizables como material para su producción.

 

Alex ha sido galardonado por el Audi Talent Award y ha recibido el apoyo del CNAP, Centre National des Arts Plastiques, (2015).

 

Pauline Bastard (París, 1982) ha participado en exposiciones individuales y colectivas internacionales entre las que destacan Supernaturel, Fondation Ricard, París (2014), The Imminence of Poetics, 30 Bienal de São Paulo (2012), 8ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2011). Se formó en la escuela de Bellas Artes de París y en MFA Studio Art, New York University.

 

Presentamos en Galeria Joan Prats la nueva exposición de Fabian Marcaccio New Paintant Family-Group-Cluster-Swarm, con su obra reciente, pintura tridimensional que se comporta como escultura e instalación.

 

Como punto de partida de la exposición, Marcaccio investiga el significado de familia, grupo, clúster y enjambre en la sociedad, así como en la pintura misma. El espectador se introduce, en la primera sala, en una instalación pictórica en forma de enjambre hasta acceder a la sala principal, donde una familia, grupo, clúster de obras en 3D y de pinturas sobre cuerda parecen explicar una historia.

 

Fabian Marcaccio ha sido uno de los pioneros de la pintura digital, en un intento de redefinir el género pictórico, ampliando sus parámetros temporales y espaciales, y rastrear la integración de lo que está hecho a mano y lo que está hecho a máquina. En los noventa, trabajó la composición y la impresión digitales y, más adelante, la impresión en 3D, para crear obras pictóricas que denomina Paintants, neologismo a partir de las palabras inglesas pintura, painting, y mutante, mutant. Marcaccio considera la pintura como una constelación de contenido cambiante, que a veces toma forma de configuraciones en 3D, de animaciones o de arte ambiental. 

 

Fabian Marcaccio nació en Rosario, Argentina, en 1963, y vive y trabaja en Nueva York desde 1986. Ha participado en exposiciones en centros y museos internacionales. Entre sus exposiciones recientes destacan Paintant Stories en Casa Daros de Rio de Janeiro (2014), Variants en el Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM de Las Palmas de Gran Canaria (2013), Some USA Stories en el Museen Haus Lange / Haus Esters de Krefeld, Alemania (2012), The Structural Canvas Paintants en el Lehmbruck Museum de Duisburg, Alemania (2012) y en el Georg Kolbe Museum de Berlín (2011). En el 2011 recibió el premio de escultura Bernhard Heiliger.

 

 

Teresa Solar

Madrid, 1985

Vive y trabaja en Madrid

 

 

El trabajo de Teresa Solar gira en torno a prácticas heterogéneas que se materializan en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan. No obstante, durante los últimos años, su práctica artística se ha decantado más por el dibujo y por la escultura, con materiales como la cerámica o el barro, que han sido usados, desde el principio de la humanidad y hasta la actualidad, por sus propiedades de aislamiento, resistencia y dureza.

 

A partir de estos elementos, la obra de Teresa Solar ahonda en la autobiografía, aludiendo a los viajes cotidianos por el subsuelo en el metro de Madrid o lesiones de su propio cuerpo, a la preocupación por el habla y los órganos de fonación, y, a la vez, reflexiona sobre temas de gran alcance, por ejemplo vinculados a la zoología, la geología o a la exploración espacial.

 

Junto al interés por la materialidad del barro y de la tierra, aparece en la obra de Teresa Solar otro lenguaje figurativo que se mueve entre el detallismo de las ilustraciones científicas y las representaciones pedagógicas de los museos de historia natural, y el brillante colorido de las atracciones de feria, que ha dado como resultado obras como Cabalga, Cabalga, Cabalga o Línea de Flotación. Se trata de grandes instalaciones de esculturas, que forman familias con piezas de diferentes tamaños, algunas de ellas monumentales. Al mismo tiempo, Teresa Solar es una ávida dibujante que trabaja esta técnica para expresar sus emociones de manera más directa.

Vilafranca del Penedès, Barcelona, 1963

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

Desde 1990, Eulàlia Valldosera está desarrollando una obra multidisciplinar a partir del trabajo con tinta, fotografía, performance, instalación y vídeo.

 

Se sirve de luz, sombra, reflexión y movimiento para crear momentos centrados en arquetipos femeninos: el entorno doméstico, objetos cotidianos y los lugares específicos que crean esta intimidad, la maternidad, el cuerpo y la mirada masculina. En respuesta a la posición del objeto de arte como parte de la economía de mercado, emplea su propio cuerpo como punto de partida para sus creaciones. Eulàlia Valldosera cree que existen tabúes entorno a la corporalidad, particularmente en Europa.

 

El cuerpo femenino sirve como medio de identificación, un tema de belleza, de reproducción, contaminación y decadencia. Pero también es una máquina carnosa que tiene que ser limpiada y alimentada.

 

El enfoque también puede cambiar del cuerpo a los objetos que lo rodean.

 

Los objetos se convierten en `mediadores sociales´ en sus instalaciones: hablan sobre la cultura, el deseo, las emociones y la vida cotidiana de las personas que los adquieren. La luz implica también un lado oscuro, el significado oculto de los objetos. En el mundo de Eulàlia Valldosera, las sombras, como anti-objetos, hacen referencia a un subconsciente colectivo.

Enrique Martínez Celaya

Palos, Cuba, 1964

Vive y trabaja en Los Angeles

 

 

Enrique Martínez Celaya trabaja la pintura, que desarrolla desde la perspectiva del pensamiento científico, filosófico, poético e intelectual.

 

Su obra revela un interés constante en la experiencia y su representación, es una respuesta al mundo que le rodea, en especial a la naturaleza, al entorno del ser, y su percepción a través de temas que aparecen una y otra vez: el niño, el mar, árboles, montañas, animales, aves.

 

Enrique Martínez Celaya muestra en sus obras las posibilidades y las limitaciones de la propia representación. Sus pinturas son una vía poética que exploran nociones como el hermetismo, el simbolismo, el desplazamiento, la fragmentación, la integridad, el tiempo, la memoria y la identidad.

Fabian Marcaccio

Rosario, Argentina, 1963

Vive y trabaja en Nueva York

 

 

Fabian Marcaccio ha sido uno de los pioneros de la pintura digital, en un intento de redefinir el género pictórico, ampliando sus parámetros temporales y espaciales, y rastrear la integración de lo que está hecho a mano y lo que está hecho a máquina.

 

En los noventa, trabajó la composición y la impresión digitales y, más adelante, la impresión en 3D, para crear obras pictóricas que denomina Paintants, neologismo a partir de las palabras inglesas pintura, painting, y mutante, mutant. Marcaccio considera la pintura como una constelación de contenido cambiante, que a veces toma forma de configuraciones en 3D, de animaciones o de arte ambiental.

Lola Lasurt

Barcelona, 1983

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

Lola Lasurt centra su actividad artística en la pintura y el video, muchas veces a partir de procesos colaborativos que aportan, a sus trabajos de carácter personal, una proyección universal.

 

El trabajo sobre el ‘des-tiempo’, entendido como el análisis y el cuestionamiento de un periodo temporal anterior al propio, es uno de los ejes vertebradores de su obra que, frecuentemente, toma como punto de partida elementos de la cultura material y estética reveladores de pautas de comportamiento y parámetros ideológicos de una época determinada.

 

Sus obras giran en torno a las temáticas de la memoria y el olvido, de la nostalgia y de la necesidad de amnesia. Lola Lasurt se interesa por el tiempo histórico individual y su relación con las directrices de la cultura hegemónica y la construcción de símbolos colectivos.

Alicia Kopf

Gerona, 1982

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

A partir del ejercicio del dibujo y la escritura, Alicia Kopf reflexiona en torno a temáticas aparentemente individuales que se han convertido en preocupaciones generacionales.

 

La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Literatura Comparada, formación que le permite acercarse a temas tan diversos como la precariedad de la vivienda o la épica de las exploraciones polares desde una posición que combina admiración y distancia irónica.

 

La obra de Alicia Kopf parte de una metáfora, que le permite realizar un ejercicio de análisis que conducirá finalmente a diferentes asociaciones. De esta manera, en su proyecto Articantàrtic, a partir de la apropiación y reelaboración de documentos gráficos y narrativos de exploradores de los polos, Alicia Kopf convierte un relato histórico en un relato en primera persona sobre la resistencia, la obsesión y la idea de conquista.

Annika Kahrs

Achim, Alemania, 1984

Vive y trabaja en Berlin

 

 

Annika Kahrs es una artista residente en Hamburgo que trabaja principalmente con video, performance y fotografía.

 

En su obra, Annika Kahrs examina representación e interpretación, interesándose en las construcciones sociales y científicas, y en las relaciones orgánicas evolucionadas como las que se establecen entre humanos y animales. Sus películas oscilan entre puestas en escena obvias y la observación estilo documental; una característica distintiva de sus películas es que la artista nunca se esconde en el film, incluso si su presencia sólo se revela en una breve mirada de un actor o actriz hacia la directora. Esto muestra un acercamiento particular al entorno que parece casi guiado por un proceso matemático.

 

Los videos de Annika Kahrs son como coreografías compuestas. La música a menudo juega un papel importante, no sólo representada pictóricamente o en la banda sonora, sino que convertida en imagen; a través de su selección y los ajustes realizados durante el proceso de edición en que la partitura se hace cine y, posteriormente, la película como partitura puede convertirse en otra película en la mente del espectador.

Hernández Pijuan

Barcelona, 1931-2005

 

 

Joan Hernández Pijuan empezó a pintar en los años sesenta con un estilo próximo al expresionista. Sin embargo, a lo largo de los años setenta el espacio vacío empezó a ganar protagonismo en sus pinturas así como las figuras geométricas. Tal y como él mismo comentó `el espacio´ se convirtió en el objetivo de su obra: `diría que una preocupación constante es y ha sido encontrar un espacio como protagonista total del cuadro. (…) Un espacio como un elemento vivo del cuadro y no como un fondo sobre el cual uno dibuja o se sitúa.´

 

El paisaje de su infancia en la población de Folquer se convirtió en motivo pictórico en su edad adulta: Hernández Pijuan recurre al paisaje de su memoria para recrearlo de forma sintética en el cuadro.

 

El objetivo de este pintor nunca fue lograr una pintura descriptiva o narrativa, sino enfatizar a través del monocromo la técnica pictórica.

Luis Gordillo

Sevilla, 1934

Vive y trabaja en Madrid

 

 

Luis Gordillo inicia su trayectoria en los años cincuenta cuando viaja a París y entra en contacto con el arte europeo de entonces, en especial con autores como Wols, Dubuffet, Michaux y Fautrier. En sus primeras obras se puede apreciar la influencia del surrealismo y de Tàpies, para más tarde incorporar una iconografía que lo asocia a principios de los años 70 con el pop art.

 

Gordillo será uno de los pintores permanentemente renovadores del lenguaje pictórico y uno de los artistas que a principios de los setenta reintroducirá la figuración. Es asimismo en ese momento cuando empieza a trabajar con imágenes fotográficas que introduce de una forma u otra en el proceso de creación de sus pinturas.

 

Tanto la idea de proceso y de construcción continua como los recursos de acumulación son elementos que incorporará en su obra de forma permanente.

Carles Congost

Olot,1970

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

La obra de Carles Congost se sitúa en torno a la construcción de la personalidad y los códigos de conducta y se caracteriza por la re-elaboración de estereotipos cinematográficos, fotográficos, musicales, etc. Su trabajo se desarrolla de forma acorde en diferentes disciplinas –fotografía, vídeo, sonido, y dibujo- incorporando a su vez un tratamiento clásico e irónico de la imagen.

 

El mundo del arte constituye una de las temáticas que Congost ha incorporado en su obra reciente, a partir de puestas en escena muy teatralizadas que cuestionan los mecanismos, dinámicas, estereotipos, etc. del propio ámbito artístico.

Hannah Collins

Londres, 1956

Vive y trabaja entre Londres y Níjar (Almería, España)

 

 

Hannah Collins es una de las artistas pioneras en la utilización del gran formato en la disciplina de la fotografía. Se dio a conocer en la escena internacional a principios de los años 90.

 

Si bien el tamaño de las piezas era monumental, a menudo el tema retratado era de naturaleza íntima y próxima al espectador, incorporando una reflexión en torno a la fugacidad del tiempo presente y su pervivencia a través de la memoria de los lugares.

 

En cuanto a la utilización del video y de las instalaciones de múltiples pantallas que ha iniciado en los últimos años, Collins persiste y amplía su interés por aquellos lugares y gentes que habitan en los límites, en los márgenes de la sociedad. En este sentido los movimientos migratorios o las comunidades gitanas han sido algunos de los temas explorados recientemente en sus trabajos. Aquí, la imagen resultante se sitúa entre el documental y un trabajo actoral preciso.

Victoria Civera

Port de Sagunt, Valencia, 1955

Vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria)

 

 

La trayectoria de Victoria Civera se inició en los años setenta, trabajando principalmente el fotomontaje. A lo largo de la década siguiente se centró en la pintura, en un primer momento abstracta, aunque luego incorporó la figuración. Es a mediados de esta década cuando Victoria Civera se traslada a Nueva York e incluye fotografía y escultura a su práctica artística, y se produce un cambio en su obra, que deviene más introspectiva.

 

Por la iconografía de su obra, centrada en el universo femenino, y por su contenido onírico, Victoria Civera ha conseguido un lenguaje personal y repleto de matices. Se ha movido entre las piezas de gran escala, en las cuales opta por materiales industriales, y piezas de una poética comedida y sugerente, incorporando a menudo objetos de la vida doméstica.

Cabello/Carceller

Helena Cabello (París, 1963) y Ana Carceller (Madrid, 1964)

Viven y trabajan en Madrid

 

 

La obra de Cabello/Carceller se sitúa en un territorio desde el cual cuestionan, reflexionan y/o fracturan los roles y estereotipos asociados al género. Entienden la identidad como algo que se construye en conflicto o en consonancia con un entorno social, cultural, político y económico. Señalar un `yo´ que se halla siempre en relación a los `otros´ es una idea que vertebra su producción.

 

En sus obras se revisan los patrones que se vinculan de forma estática tanto a los roles masculinos como femeninos. De esta manera, en sus piezas se subvierten imágenes, códigos de comportamiento y actitudes, asociadas a aquello que se considera comúnmente como masculino o femenino.

 

La relectura que desde su trabajo estas dos artistas ejercen de dichos modelos sitúa al espectador ante múltiples prejuicios, valores asumidos y contradicciones que logran desestabilizar de forma efectiva una visión unívoca de la realidad.

Alfons Borrell

Barcelona, 1931 – Sabadell, 2020

 

Alfons Borrell es uno de los más destacados representantes de la abstracción lírica en Cataluña.

 

Tras frecuentar el estudio de Anglada Camarasa y estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, Alfons Borrell inició su trayectoria pictórica en los años cincuenta, dentro de la figuración en un primer momento. Su obra evolucionó hacia el expresionismo abstracto y, ya en la década de los sesenta, hacia la pintura gestual.

 

A mediados de los setenta desarrolló el estilo que le es propio, desligado de etiquetas, caracterizado por un monocromatismo sobrio que se desvinculaba conscientemente de la corriente matérica del informalismo. En su pintura, el color se impone a la forma, a partir de un lenguaje que renuncia a cualquier ansia referencial y que busca la contención y el rigor.

Pauline Bastard

París, 1982

Vive y trabaja en París, Francia

 

Pauline Bastard crea narrativas complejas desarrolladas a través de instalaciones, películas y esculturas que contienen y se refieren a sus experimentos. A través de colaboraciones con diferentes profesionales, cuestiona la construcción del yo y su lugar en el mundo contemporáneo.

 

Pauline Bastard crea historias, hace que sucedan, utilizando situaciones como tema y tomando experiencias aparentemente irrealizables como material para su producción.

Calella, Barcelona, 1963

Vive y trabaja en Calella, Barcelona

 

La obra de Jordi Alcaraz es una reflexión acerca del volumen, del lenguaje artístico y del tiempo a través de una manipulación lírica de los materiales. Una abstracción que es fruto de la batalla contra las limitaciones y convenciones del formato.

 

Su trabajo parte de la tradición clásica de la pintura y la escultura para alterar el sentido de las bases reconocibles de la realidad objetual, hacia nuevas génesis de significado y continente.

 

Jordi Alcaraz transgrede superficies y materiales, otorga usos inverosímiles a sus piezas y replantea la lógica de marcos y de metacrilatos, de piedras y de escayolas, de espejos y de maderas, de sombras y de metales; modificando las percepciones y tratamientos convencionales.

 

Ha realizado diferentes ediciones de bibliófilo como “El Viatge a Tokushima”, con texto de Joaquim Sala-Sanahuja, o “Diorames”, realizado junto a Joan Brossa, Alfons Borrell, Perejaume y Jordi Rosés.