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Camila Cañeque

El próximo 26 de mayo inauguramos Hole In The Ground, una exposición colectiva que reúne obras de Cabrita, Camila Cañeque, Hannah Collins, Pablo del Pozo, Mercedes Pimiento y Fernando Prats.

 

El título de la exposición, inspirado en una canción de David Bowie, remite a la temática en torno a la que giran las piezas mostradas relacionada con el territorio y su materialidad. Algunas de las obras tratan las maneras de representar el suelo, entendido como la horizontalidad, tanto en la naturaleza como en el ámbito urbano. La actividad humana se pone así en el punto de mira, evidenciando aspectos como la pertenencia a un territorio, la memoria del lugar o la explotación agrícola y su impacto.

 

Mientras que algunos de los trabajos presentados hablan de sitios muy concretos, otros remiten al propio material que pisamos al caminar. Cabrita, en su obra Fingerprints, eleva un plano horizontal a la pared, convirtiendo así un simple tablero, un material humilde que seguramente fue usado como superficie de trabajo en su estudio, en un testimonio de su actividad artística. El artista nos ofrece una nueva mirada hacia un objeto cotidiano y una revisión también del lugar de creación.

 

La obra de Camila Cañeque ground on ground on ground muestra acumulaciones de capas históricas a través de los suelos. La obra de la artista aborda la pasividad y en esta instalación utiliza la noción de lo intermedio, creando un espacio que no está ni arriba ni abajo, ni antes ni después.

 

La obra de Hannah Collins Nomad 3 pone el énfasis en la superficie, en la piel, en lo exterior, mostrando el interés de la artista por los límites, especialmente los corporales. Con este retrato de un personaje al que no le vemos el rostro, la artista nos permite participar a través de la interpretación libre de la imagen. La artista trata lo histórico, lo social y lo político a través de imágenes cotidianas, como Floor of dreams. Esta obra, realizada en la Mina, forma parte de un extenso proyecto de la artista centrado en este barrio habitado principalmente por la comunidad gitana.

 

En la obra de Pablo del Pozo el interés por el territorio es una temática recurrente. En Tierra rojiza el artista utiliza el cerdo como símbolo de su comunidad autónoma, para crear una materialidad que remite a la visión estereotipada de Extremadura como un paisaje árido y seco.

 

La obra de Mercedes Pimiento se caracteriza por hacer visible la materialidad de la que depende nuestra sociedad pero que intentamos ocultar, convirtiendo en esculturas las estructuras que en la arquitectura se enconden, como tuberías, cableados y canalizaciones, a partir de materiales orgánicos o artificiales.

 

Fernando Prats se interesa por el territorio de Chile y de Sudamérica y su representación a través de mapas históricos o reinterpretados. En Territorio silenciado #2 propone una visión crítica hacia un continente condenado a ser explotado sin cesar. En Affatus, por otro lado, la tela se convierte en el territorio de la creación donde, subvirtiendo el gesto tradicional del pintor, los gusanos han dejado su propia huella. También presentamos un video inédito, Zonificación, acompañado de una obra sobre papel, compuesto a partir de la proyección de la acción registrada, y que establece un diálogo con la escalera de caracol del Macba, en un movimiento centrífugo que es acceso, salida, ascender y descender, el cuerpo y la arquitectura en conexión y amplificación con el edificio de Richard Meier.

 

 

Cabrita (Lisboa, 1956) vive y trabaja en Lisboa. Su trabajo ha recibido reconocimiento internacional y ha sido crucial para la comprensión de la escultura desde mediados de los años ochenta. En los últimos años destacan sus exposiciones individuales en CAC Málaga, Mudam Luxemburgo, CGAC Santiago de Compostela, Museo Serralves Oporto, Palacio Molina de Cartagena, México, Palazzo Fortuny, Venecia, Galeria Arte Moderna e Contemporânea, Lisboa, MAXXI Roma, The Arts Club of Chicago y Hôtel des Arts, Toulon, Francia. Ha participado en importantes exposiciones internacionales, como la Documenta IX en Kassel (1992), la 21 y 24 Bienal de São Paulo (1994 y 1998), la Bienal de Venecia (en 1997, en 2003 representando a Portugal y en 2013) y la 10 Bienal de Lyon (2009). Actualmente muestra la instalación escultórica Les Trois Grâces, en Jardin des Tuileries, París, y una instalación titulada Field en la 59 Bienal de Venecia.

Camila Cañeque (Barcelona, 1984) explora de diferentes maneras el tema de la resistencia al progreso a partir de la performance, del sonido, objetos, instalaciones y escritura. Ha expuesto en diversos centros de arte en Barcelona como La Virreina Centre de la Imatge, Blue Project Foundation, Fabra i Coats, Caixaforum, en el Museo Lázaro Galdiano, en Madrid y en Queens Museum of Art de Nueva York. Ha sido finalista del premio Miquel Casablancas y realizado residencias en Mana Contemporary, New Jersey, Fabra i Coats, Barcelona, Nida Art Colony, Lituania, ZKU, Berlín, Largo das Artes, Rio de Janeiro, entre otros.

Hannah Collins (Londres, 1956). Actualmente vive entre Londres y Almería. Entre 1989 y 2010, vivió en Barcelona, exponiendo en la Galeria Joan Prats desde 1992. Obtuvo la beca Fulbright, fue nominada al Premio Turner de 1993, y recibió el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, incluyendo exposiciones en Sprengel Museum de Hannover, Camden Art Centre de Londres y Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en SFMOMA de San Francisco; Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

Pablo del Pozo (Badajoz, 1994) vive y trabaja en Barcelona. Graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, fue seleccionado en la Bienal de Valls y ha ganado el Premio Guasch-Coranty, participando en la exposición en el Centre Tecla Sala, de l’Hospitalet de Llobregat. También participó en la Bienal Jeune Création Européenne con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas. Ha recibido el premio de creación de la Sala de arte Joven de la Generalitat de Cataluña, exponiendo en esta sala en 2018. Ha sido nominado al Premio Miquel Casablancas, y en 2019 expuso individualmente en la Fundación Arranz Bravo de l’Hospitalet de Llobregat.

Mercedes Pimiento (Sevilla, 1990) vive y trabaja en Barcelona, donde se está doctorando en Bellas Artes. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y Máster de Producción e investigación artística de la Universitat de Barcelona, ha sido seleccionada en programas y becas como INJUVE, el Programa de Formación Comunidad de Madrid – Open Studio, el Proyecto Kiosco del Centro José Guerrero, la Beca Fundación Guasch Coranty para la creación artística, el Programa de residencias de Sant Andreu Contemporani, o el Programa Iniciarte. Ha expuesto en museos y centros de arte como Centre Tecla Sala, de L’Hospitalet de Llobregat, CAAC Sevilla, Fabra i Coats de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Fundación Naturgy de A Coruña, Centro José Guerrero de Granada, entre otros.

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Su obra es conocida por las acciones emprendidas en su mayor parte en Chile, entre ellas Gran Sur, Isla Elefante, Antártida, Acción Lota, Géiser del Tatio, Salar de Atacama, Mina a Rajo Abierto o Congelación, Glaciar Collins y Antártida chilena. Ha participado en exposiciones como la Bienal de Venecia; Mediations Biennale, Poznan; Bienal de Canarias, Trienal de Chile, Espace Culturel Louis Vuitton, Paris, Fundació Joan Miró, Barcelona y Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile. Cuenta con obras significativas en el espacio público de Chile y una obra encargada por Barcelona. Actualmente presenta la exposición individual Aun tendría que haber luciérnagas, en Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria del Museo Nacional de Bogotá.

Luis Gordillo

Inauguración jueves 10 de marzo, a partir de las 17h

Encuentro con el artista el miércoles 20 de abril a las 19h
Aforo limitado. Cita previa a galeria@galeriajoanprats.com

Presentamos la sexta exposición de Luis Gordillo en Galeria Joan Prats, titulada ‘Re/Encuentro’, en la que mostraremos obras recientes del artista, pintura, dibujo y grandes polípticos de impresiones digitales.

Con motivo de la exposición, Ignasi Aballí ha escrito un texto titulado ‘Subinsconciente’, que rinde homenaje a la obra de Luis Gordillo

ARCOmadrid 2022

Galeria Joan Prats

Stand 9C06 y stand 7B19 (ARCO 40+1)

 

 

Para nuestro stand en la feria de ARCOmadrid 2022 presentamos una selección de piezas de nuestros artistas, con un protagonismo de la pintura -Luis Gordillo, Lola Lasurt, Alfons Borrell y Juan Uslé- y otras situadas en el límite del lenguaje pictórico -José María Sicilia, Fernando Prats-, o que reflexionan sobre el género, como Perejaume. Dialogando con estas obras, ocupará un lugar especial una pieza de Muntadas con una visión más conceptual en torno a la pintura.

 

También presentamos por primera vez obras de Alicia Framis, iniciando nuestra colaboración con la artista.

 

La Galeria Joan Prats ha sido seleccionada para el programa especial 40+1, sección comisariada por María Inés Rodríguez, Francesco Stocchi y Sergio Rubira que celebra el 40 aniversario de la feria. Presentaremos en esta sección obras emblemáticas de tres artistas que han sido muy importantes para la historia de nuestra galería, como son Hernández Pijuan, Ràfols Casamada y Perejaume.

 

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Victoria Civera

Inauguración jueves 2 de diciembre, 17-21h, con la presencia de la artista

 

Visita guiada jueves, 3 de marzo, a las 19h. Por favor, confirmar asistencia:  galeria@galeriajoanprats.com

 

Visita guiada con Victoria Civera en el Balcón Foyer del Liceu, viernes 3 de diciembre, a las 11h. Reserva previa a galeria@galeriajoanprats.com

 

‘En el estudio, cuando preparo una exposición empiezo de cero, desde la necesidad de escribir una pequeña frase, un texto mínimo a modo de poema. Me gusta proceder de esta manera, sintiendo libertad, nadando en un mar abierto.

Sentir es pensar. Pensar es sentir, con mi mano y mente unidas. Siento, analizo, determino dibujando, también pintando, construyendo una pieza, me descubro, descifro mis sentimientos, en la densidad que los percibo.

 

En 1997 utilicé como portada de un catálogo, una imagen de mariposas, con el título ‘Madre luna’…Siento que las mariposas nos dan suerte.

Cuando éramos pequeños, mi padre nos solía regalar a mis hermanas, hermano y a mí, una caja de zapatos con capullos de seda en la fase embrionaria. Nos enseñaba como alimentarlas y, para ello, recolectábamos hojas de morera para que así pudieran cumplir su ciclo. Fue una gran lección. Así, con fragilidad, empezamos a respetar la vida y a entenderla como evolución y transformación. También, lo que significa adquirir un compromiso, día a día.’      Victoria Civera

 

 

El próximo 2 de diciembre inauguramos la segunda exposición individual de Victoria Civera en Galeria Joan Prats, titulada ‘Ocelo’, con presencia de la artista.

 

La exposición reúne sus obras más recientes, y muestra la variedad de su producción: objeto instalación, fotografía, vídeo, dibujo y pintura, realizados el último año entre Saro, Cantabria, y Nueva York.

 

Encontramos en las piezas presentadas las temáticas que ha trabajado Victoria Civera a lo largo de su trayectoria, como el cuerpo, el universo femenino, lo personal, el entorno individual y lo doméstico. En constante diálogo entre el mundo figurativo y el mundo abstracto, su obra es una búsqueda conceptual de imaginarios personales.

 

Ocelo hace referencia al ojo, a la pupila, al macro mundo interior del ojo humano. La imagen del círculo, recurrente en su obra, alude también al tiempo como movimiento circular. En el vídeo titulado Ocelo, una serie corta de fotogramas muestra el revoloteo de una mariposa enganchada por sus alas en el limpiaparabrisas de un coche en marcha en la autopista. Nos habla de la belleza en transformación y de la impotencia, de lo inasible y la fragilidad permanente.

 

La obra de Civera parte de lugares emocionales, de parcelas de su entorno presente y de recuerdos de su infancia. Se mezclan a su vez, en el momento actual, sentimientos comunes debido al aislamiento, la incertidumbre, el cambio, la extrañeza, el miedo, como expresa en sus grandes instalaciones tituladas Horizontal versátil y Torre, N.Y. en blanco y negro, confinamiento.

 

En una de las salas de exposición encontramos dos largas mesas con obras de aluminio pintadas de diferentes colores, tituladas Entropía (Saro). Sobre ellas, diversas fibras naturales y artificiales de acumulación de polvo han sido formadas y recogidas como residuo de lavado y secado de la ropa usada en Saro. En su amontonamiento casual, al recolectarlas, van adquiriendo formas irregulares irreversibles parecidas a las alas de mariposas, con una textura áspera y aterciopelada. Las piezas parten del cero absoluto del que habla Victoria, hacia la evolución y transformación, entre el ojo y la forma, dando validez a la infinita diversidad fragmentaria.

 

Otros fragmentos de paisajes se muestran en la serie Tablets, pinturas de pequeño formato sobre metal y madera, que incorporan también tejidos naturales y otros materiales. Se trata de pequeñas cartografías de percepciones o intuiciones, donde la expresividad de lo cromático toma importancia.

 

La dimensión poética de la obra de Victoria Civera se nos abre a la hora de interpretar sus piezas. Su proceso creativo implica un estado permanente de receptividad al entorno y convida al espectador a relacionarse con su obra con un ritmo pausado, mientras nos incita a prestar atención a los más mínimos detalles que la componen.

 

 

Victoria Civera (Port de Sagunt, Valencia, 1955) vive y trabaja entre Nueva York y Saro, Cantabria. Su trayectoria se inició en los años setenta, trabajando principalmente el fotomontaje e introduciendo la pintura en la década siguiente. A mediados de los ochenta, Victoria Civera se traslada a Nueva York e incluye el objecto instalación a su práctica artística. Su obra, de contenido onírico y basada en el universo femenino, se ha movido entre las piezas de gran escala y piezas de una poética comedida y sugerente, incorporando a menudo objetos de la vida doméstica.

 

Entre sus exposiciones individuales destacan Inasible, Real Casa de la Moneda, Madrid (2019), Every Day. Ni la palabra ni el silencio, Centro de Arte Alcobendas (2017), Sueños inclinados, IVAM, Valencia (2011), Atando el cielo, CAC, Málaga (2010), Túnel eterno, Palacio de los Condes de Gabia, Granada (2006), y Bajo la piel, Espacio 1, MNCARS, Madrid (2005).

 

También ha participado en exposiciones en centros de arte como CGAC de Santiago de Compostela, MAS de Santander, Bombas Gens de Valencia, Museum Boijmans Van Beuningen, de Rotterdam, Caixaforum de Barcelona, Mumok- Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena, MACBA de Barcelona, The Rose Art Museum, Massachusetts, Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole, The New Museum of Modern Art, Nueva York. Su obra forma parte de colecciones de instituciones y museos como MACBA, MNCARS, IVAM, CAC Málaga, Es Baluard de Palma, Artium de Vitoria-Gasteiz, Colección Banco de España, Colección “la Caixa”, Patio Herreriano de Valladolid o Colección Banco Europeo.

 

Hasta el 20 de diciembre expone en el Balcón Foyer del Liceu de Barcelona una serie de 40 dibujos de la Temporada de Ópera del Liceu. En 2022 presentará una exposición retrospectiva en el Museo Patio Herreriano de Valladolid.