how to live

Annika Kahrs

how to live in the echo of other places

a project by IMAGINE THE CITY

01 Jun–04 Sep 2022

 

Opening

01 Jun 2022, 7.30 pm

 

Schuppen 29, Baakenhöft, 22457 Hamburg

 

Free entry

 

 

Now open to the public for the first time since 2017: in HafenCity’s last unrenovated warehouse building, Annika Kahrs presents how to live in the echo of other places, a two-part exhibition that alternates a ‘concert within the space’ and a large complementary video projection on the façade. Throughout the summer, the artist will use the special atmosphere of Schuppen 29 at Baakenhöft to make other people’s fleeting experiences palpably accessible to visitors. Referencing personal stories she explores the peculiarities of acoustic and visual recollections and how they relate to particular places. For this spatial installation, ten Hamburg musicians have composed their own works in dialogue with Annika Kahrs. To this end, each musician spoke at length with someone to whom they felt a particular attachment about places with personal memories. Short pieces were created on this basis, which Kahrs then translated into a spatial arrangement with the assistance of composer Louis d’Heudières.

 

 

With Ferdinand Försch, Douniah, Louis d’Heudières, TINTIN PATRONE, Tam Thi Pham, Jesseline Preach, Carlos Andrés Rico, Freja Sandkamm, Nika Son and Derya Yıldırım.

 

 

The video installation is based on short texts about memories of a particular place during a sunset, which musicians, friends and colleagues sent in to Kahrs for the purposes of this work. The artist, for her part, looks at the question of whether and how intense visual impressions can be bound to specific locations in our memories. The anonymised material is projected word for word onto a digitally created sunset in a non-specific location. In the course of the loop, the scenes – some of them special, others all too quotidian – are gradually assembled in the minds of the viewers.

 

 

OPENING HOURS:

Sound installation: 

Thu and Fri 5 pm to 8 pm

Sat and Sun 2 pm to 8 pm

for different opening hours imaginethecity.de

 

Video installation:

Thu–Sun from sunset to sunrise

 

 

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Daniel de la Barra

Inauguración jueves 30 de junio, 17-21h

Conversación entre el artista Daniel de la Barra y la comisaria Alicia Chillida, jueves 30 de junio, 19h. Confirmen asistencia en galeria@galeriajoanprats.com

 

En el marco de Art Nou presentamos en Galeria Joan Prats la exposición de Daniel de la Barra Destierro, comisariada por Alicia Chillida.

 

Los habitantes de las Terres de l’Ebre conviven en un territorio amenazado. La primera visita de Daniel de la Barra al corazón del Delta del Ebro, en 2021, es invitado por el Centre Lo Pati a realizar una residencia artística en Balada, junto a la antropóloga María Faciolince. El proyecto se plantea como una reconstrucción de la narrativa del paisaje que sostiene y perpetúa prácticas de extracción desde la industria. Es un registro de imágenes sobre la violencia socioambiental de carácter político e histórico, con reminiscencias en las expediciones botánicas que consolidaron formas de mirar el hecho natural como tierra de conquista. Como referentes, los libros ilustrados de las expediciones botánicas, la pintura de los artistas viajeros en América Latina y el paisaje romántico de los siglos XVIII y XIX.

La exhibición en Galeria Joan Prats es el resultado de esta investigación traducida en una instalación que aúna diversos medios: pintura, escultura, poemas, música, video, documentos… Un nuevo ecosistema recreado desde el espacio del arte. La representación surge como una necesidad de respuesta a un escenario complejo dominado por las fuerzas políticas, sociales y económicas que lo (des) estructuran. Este territorio le subyugó entonces y no ha cesado de profundizar en él a través de su piel, lo más profundo. Ha explorado sus tierras e, inmerso en ellas, surge el encuentro fundamental con sus gentes. Prueba de ello, la estrecha colaboración con Josep Pinyol, la composición e interpretación musical de Lluís Martínez, en el órgano de la iglesia de Santa Bárbara, y los poemas recitados por Miquel Curto, en Tivenys.

 

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Con la colaboración de Real Academia de España en Roma, Fundació Sorigué, Lo Pati Centre d’Art Terres de l’Ebre y Sala d’Art Jove de la Generalitat de Catalunya

 

 

Daniel de la Barra. Lima, Perú, 1992. Vive y trabaja en Roma y Barcelona

 

Daniel de la Barra se mueve entre la pintura, la instalación y la intervención pública, centrando su obra en la reconstrucción de narrativas en las sociedades dentro de la homogeneización del paisaje público y la imposición jerárquica de poderes de dominación en el marco del capitalismo colonial.

Comienza sus estudios en 2012 la Escuela de Arte Contemporáneo Corriente Alterna de Lima hasta que en 2014 se traslada a Madrid a continuar sus estudios de pintura.

Ha sido artista residente en La Escocesa Fabrica de creació, Piramidon Centre d’art Contemporani, Homesession, en Barcelona, donde ha vivido 7 años, y en The Nerdrum School (Suecia). Ha desarrollado diversos proyectos e intervenciones como “Próxima Obertura” en el Castillo de Montjuic, Barcelona, “Esc-Out” en Fabra i Coats Centre d’Art Contemporani, Barcelona, “Ruta de los Indianos – Consideraciones de la Ciudad Moderna” en Lo Pati, en la Bienal de Amposta, “Paisajes Deseados” en el Arts Santa Mònica, Barcelona, “SUBVERSIÓ! Manifestacions perifèriques per a una història reversible” en el Born CCM, Barcelona o “Invation 30230” en el Museo Central de Lima. En 2018 y 2019 ha recibido Beca de Investigación y experimentación de La Escocesa, el Premio de Arte Joven de Cataluña 2019 (Sala d’Art Jove), y en 2021 ha desarrollado su proyecto “Real Expedición Botánica” en colaboración con La Panera de Lleida y el Centre d’Art Lo Pati, Amposta.

Camila Cañeque

El próximo 26 de mayo inauguramos Hole In The Ground, una exposición colectiva que reúne obras de Cabrita, Camila Cañeque, Hannah Collins, Pablo del Pozo, Mercedes Pimiento y Fernando Prats.

 

El título de la exposición, inspirado en una canción de David Bowie, remite a la temática en torno a la que giran las piezas mostradas relacionada con el territorio y su materialidad. Algunas de las obras tratan las maneras de representar el suelo, entendido como la horizontalidad, tanto en la naturaleza como en el ámbito urbano. La actividad humana se pone así en el punto de mira, evidenciando aspectos como la pertenencia a un territorio, la memoria del lugar o la explotación agrícola y su impacto.

 

Mientras que algunos de los trabajos presentados hablan de sitios muy concretos, otros remiten al propio material que pisamos al caminar. Cabrita, en su obra Fingerprints, eleva un plano horizontal a la pared, convirtiendo así un simple tablero, un material humilde que seguramente fue usado como superficie de trabajo en su estudio, en un testimonio de su actividad artística. El artista nos ofrece una nueva mirada hacia un objeto cotidiano y una revisión también del lugar de creación.

 

La obra de Camila Cañeque ground on ground on ground muestra acumulaciones de capas históricas a través de los suelos. La obra de la artista aborda la pasividad y en esta instalación utiliza la noción de lo intermedio, creando un espacio que no está ni arriba ni abajo, ni antes ni después.

 

La obra de Hannah Collins Nomad 3 pone el énfasis en la superficie, en la piel, en lo exterior, mostrando el interés de la artista por los límites, especialmente los corporales. Con este retrato de un personaje al que no le vemos el rostro, la artista nos permite participar a través de la interpretación libre de la imagen. La artista trata lo histórico, lo social y lo político a través de imágenes cotidianas, como Floor of dreams. Esta obra, realizada en la Mina, forma parte de un extenso proyecto de la artista centrado en este barrio habitado principalmente por la comunidad gitana.

 

En la obra de Pablo del Pozo el interés por el territorio es una temática recurrente. En Tierra rojiza el artista utiliza el cerdo como símbolo de su comunidad autónoma, para crear una materialidad que remite a la visión estereotipada de Extremadura como un paisaje árido y seco.

 

La obra de Mercedes Pimiento se caracteriza por hacer visible la materialidad de la que depende nuestra sociedad pero que intentamos ocultar, convirtiendo en esculturas las estructuras que en la arquitectura se enconden, como tuberías, cableados y canalizaciones, a partir de materiales orgánicos o artificiales.

 

Fernando Prats se interesa por el territorio de Chile y de Sudamérica y su representación a través de mapas históricos o reinterpretados. En Territorio silenciado #2 propone una visión crítica hacia un continente condenado a ser explotado sin cesar. En Affatus, por otro lado, la tela se convierte en el territorio de la creación donde, subvirtiendo el gesto tradicional del pintor, los gusanos han dejado su propia huella. También presentamos un video inédito, Zonificación, acompañado de una obra sobre papel, compuesto a partir de la proyección de la acción registrada, y que establece un diálogo con la escalera de caracol del Macba, en un movimiento centrífugo que es acceso, salida, ascender y descender, el cuerpo y la arquitectura en conexión y amplificación con el edificio de Richard Meier.

 

 

Cabrita (Lisboa, 1956) vive y trabaja en Lisboa. Su trabajo ha recibido reconocimiento internacional y ha sido crucial para la comprensión de la escultura desde mediados de los años ochenta. En los últimos años destacan sus exposiciones individuales en CAC Málaga, Mudam Luxemburgo, CGAC Santiago de Compostela, Museo Serralves Oporto, Palacio Molina de Cartagena, México, Palazzo Fortuny, Venecia, Galeria Arte Moderna e Contemporânea, Lisboa, MAXXI Roma, The Arts Club of Chicago y Hôtel des Arts, Toulon, Francia. Ha participado en importantes exposiciones internacionales, como la Documenta IX en Kassel (1992), la 21 y 24 Bienal de São Paulo (1994 y 1998), la Bienal de Venecia (en 1997, en 2003 representando a Portugal y en 2013) y la 10 Bienal de Lyon (2009). Actualmente muestra la instalación escultórica Les Trois Grâces, en Jardin des Tuileries, París, y una instalación titulada Field en la 59 Bienal de Venecia.

Camila Cañeque (Barcelona, 1984) explora de diferentes maneras el tema de la resistencia al progreso a partir de la performance, del sonido, objetos, instalaciones y escritura. Ha expuesto en diversos centros de arte en Barcelona como La Virreina Centre de la Imatge, Blue Project Foundation, Fabra i Coats, Caixaforum, en el Museo Lázaro Galdiano, en Madrid y en Queens Museum of Art de Nueva York. Ha sido finalista del premio Miquel Casablancas y realizado residencias en Mana Contemporary, New Jersey, Fabra i Coats, Barcelona, Nida Art Colony, Lituania, ZKU, Berlín, Largo das Artes, Rio de Janeiro, entre otros.

Hannah Collins (Londres, 1956). Actualmente vive entre Londres y Almería. Entre 1989 y 2010, vivió en Barcelona, exponiendo en la Galeria Joan Prats desde 1992. Obtuvo la beca Fulbright, fue nominada al Premio Turner de 1993, y recibió el Premio Internacional de Fotografía SPECTRUM 2015, incluyendo exposiciones en Sprengel Museum de Hannover, Camden Art Centre de Londres y Baltic Centre de Newcastle. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en SFMOMA de San Francisco; Centre Pompidou París; FRAC Bretagne; Fotomuseum Winterthur; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; VOX image contemporaine, Montreal; Walker Art Center, Minneapolis; Fundación La Caixa, Madrid y Barcelona; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; CAC, Málaga.

Pablo del Pozo (Badajoz, 1994) vive y trabaja en Barcelona. Graduado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, fue seleccionado en la Bienal de Valls y ha ganado el Premio Guasch-Coranty, participando en la exposición en el Centre Tecla Sala, de l’Hospitalet de Llobregat. También participó en la Bienal Jeune Création Européenne con exposiciones en museos de diversas ciudades europeas. Ha recibido el premio de creación de la Sala de arte Joven de la Generalitat de Cataluña, exponiendo en esta sala en 2018. Ha sido nominado al Premio Miquel Casablancas, y en 2019 expuso individualmente en la Fundación Arranz Bravo de l’Hospitalet de Llobregat.

Mercedes Pimiento (Sevilla, 1990) vive y trabaja en Barcelona, donde se está doctorando en Bellas Artes. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y Máster de Producción e investigación artística de la Universitat de Barcelona, ha sido seleccionada en programas y becas como INJUVE, el Programa de Formación Comunidad de Madrid – Open Studio, el Proyecto Kiosco del Centro José Guerrero, la Beca Fundación Guasch Coranty para la creación artística, el Programa de residencias de Sant Andreu Contemporani, o el Programa Iniciarte. Ha expuesto en museos y centros de arte como Centre Tecla Sala, de L’Hospitalet de Llobregat, CAAC Sevilla, Fabra i Coats de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Fundación Naturgy de A Coruña, Centro José Guerrero de Granada, entre otros.

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1967) vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Su obra es conocida por las acciones emprendidas en su mayor parte en Chile, entre ellas Gran Sur, Isla Elefante, Antártida, Acción Lota, Géiser del Tatio, Salar de Atacama, Mina a Rajo Abierto o Congelación, Glaciar Collins y Antártida chilena. Ha participado en exposiciones como la Bienal de Venecia; Mediations Biennale, Poznan; Bienal de Canarias, Trienal de Chile, Espace Culturel Louis Vuitton, Paris, Fundació Joan Miró, Barcelona y Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile. Cuenta con obras significativas en el espacio público de Chile y una obra encargada por Barcelona. Actualmente presenta la exposición individual Aun tendría que haber luciérnagas, en Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria del Museo Nacional de Bogotá.

Museu Coleção Berardo

Abstracto, Branco, Tóxico e Volátil.

Julião Sarmento

Museu Coleção Berardo, Lisbon, Portugal

Opening 11.05.2022

 

 

The Museu Coleção Berardo have the pleasure of opening Julião Sarmento’s exhibition Abstracto, Branco, Tóxico e Volátil, on Wednesday, 11 May, from 5 to 9 p.m., with free admission. 

 

 

The exhibition Abstracto, Branco, Tóxico e Volátil brings together a very significant selection of works which is the result of a close collaboration between the artist and the curator Catherine David.

 

 

Julião Sarmento (1948–2021) was one of the most internationally recognised Portuguese artists, having developed an artistic career that was immensely coherent, rich, and intense. Constantly renewing himself, closely connected with the artistic practices of his time, and strongly influenced by the culture of English-speaking countries and the themes and images of literature and film, he employed a diverse range of methods and techniques to establish a concise vocabulary of ambiguous images. His work has a performative and theatrical dimension, which accumulates through the constant evocation of timeless themes and representations—such as the woman, sexuality, transgression, memory, duality, home, the word—which operate as structural axes of his work.

 

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