asenseofwonder

Fabra i Coats – Centre d’Art Contemporani de Barcelona

4.5 – 22.7.2018

 

A Sense of Wonder és una proposta expositiva que reuneix els projectes més recents de l’artista Carles Congost. Es tracta de treballs en vídeo que es poden interpretar individualment però que mantenen moltes connexions temàtiques habituals en la seva pràctica artística (la música, el món de l’art, la cultura pop…) o en la manera de formalitzar-la (l’acurada posada en escena i el sentit de l’humor). En relació amb la seva trajectòria, es constata una sensible evolució en l’articulació dels elements que utilitza i una major atenció al propi llenguatge cinematogràfic. Perviu, per damunt de tot, la capacitat d’utilitzar aspectes propers, quotidians i sovint associats a subgèneres, per fer-los servir de punt de partida i abordar –sense grandiloqüència ni subratllats– aspectes més centrals i genèrics de la condició humana. L’autor ens proposa fer ús d’una sèrie de referents que ens pertanyen per transcendir-los i veure fins a quin punt ens representen o ens expliquen millor del que ens imaginàvem.

 

A Sense of Wonder és un projecte generat a partir d’una coproducció entre el Bòlit, Centre d’Art Contemporani. Girona i el Centre d’Art la Panera de Lleida, que al Centre d’Art Contemporani de Barcelona – Fabra i Coats es completa amb vídeos inèdits i una creació específica per a l’ocasió. Un total de vuit obres avalades per una bona acollida del públic i per distincions com la segona edició del Premi de Videocreació (impulsat per LOOP Barcelona, la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya i l’Arts Santa Mònica) o una beca de la Fundación Botín, a més de la presència en escenaris internacionals com la Manifesta 11 –celebrada a la ciutat de Zuric, l’any 2016– o la sala Komplot de Brussel·les.

 

+ info

estacio-muntadas

La Galeria Joan Prats i l’estació us conviden a la presentació del núm. 8 de l’estació en el marc de l’exposició de MUNTADAS EDICIONS II

Divendres 27 d’abril del 2018, 19h
Presentació del núm. 8 de la revista l’estació que compta amb
les col·laboracions d’Antonio Gamoneda i Antoni Muntadas.

Esdeveniment amb la presència d’Antoni Muntadas, Manuel Guerrero, Frederic Amat i Aurelio Major.

+ info

3w3a0094w

Inauguración 21 de junio, 19:00 h        22/06/2018 – 14/09/2018

 

Galeria Joan Prats presenta Footprints, la primera exposición del arquitecto Josep Lluís Mateo.

 

 

A través de una selección de obras realizadas y proyectos, la exposición quiere acercarse a la trayectoria de Mateo de un modo no cronológico, buscando formas de narrar la arquitectura desde las temáticas inherentes a su práctica. La arquitectura de Mateo se caracteriza por una herencia de la modernidad, que se interesa por la búsqueda de la luz, un intenso diálogo con el contexto, y una conexión entre la idea y el material. Sus proyectos son reflexivos y estratégicos, hablan del espacio y cuidan la relación entre lo mineral y lo vegetal.

 

Maquetas, fotografías, vídeos, collage y esbozos permiten aprehender la complejidad de su proceso creativo y constructivo. Encontramos, por ejemplo, materiales históricos de proyectos tan emblemáticos como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, maquetas que materializan la evolución de un concepto constructivo, como es el caso de la fachada del Centro de Convenciones Internacional de Barcelona, o fotografías que muestran la interacción de la obra con su entorno.

 

‘Un recorrido, una trayectoria, se compone de una sucesión de puntos, de pasos, de huellas… que, miradas en su conjunto, nos indican una dirección, nos revelan (o no) su sentido.

Aquí, sin voluntad de trazar la línea, enseñaremos unos cuantos puntos, algunas huellas de nuestro trayecto.

Así otros podrían trazarla.

Estos momentos se explican con los materiales que los produjeron.

Aunque la arquitectura es un fenómeno complejo en su resultado (atiende a la materia, al espacio, al uso, a la economía…), en su producción, hay un momento inicial de síntesis en donde se genera la energía necesaria para su desarrollo.

También hay algún momento final que sintetiza, en un segundo, como un flash, todo el esfuerzo realizado.

Mostrar estos materiales iniciales, que condensan la idea, y algunos documentos finales, que iluminan la realidad, es el objetivo de esta exposición.’

Josep Lluís Mateo

 

 

La exposición destaca el trabajo de fotógrafos que acompañan la visión de Josep Lluís Mateo como Aldo Amoretti, Gabriele Basilico, Jordi Bernadó, Jan Bitter, Luc Boegly, Ferran Freixa, Adrià Goula, Albert Masias y Xavier Ribas.

 

 

Josep Lluís Mateo es arquitecto por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (ETSAB) y doctor “cum laude” por la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC). Desde 2002, es catedrático de Arquitectura y Diseño en la ETH-Eidgenössische Technische Hochscule Zürich. Ha impartido conferencias y cursos en las principales instituciones académicas y profesionales del mundo, entre otras: académico invitado en el J.P. Getty Center en Los Ángeles, profesor invitado en Harvard University-GSD y en AHO Oslo.

 

En su carrera, galardonada con el Premio A+2011 a la mejor trayectoria profesional, destacan obras como la urbanización del pueblo medieval de Ullastret, Girona (Premio Bienal de Santander 1991); el plan de ordenación de la zona deportiva de la Universitat Autònoma de Barcelona (mención especial Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo 1993); el complejo de viviendas en el muelle de Borneo en Ámsterdam (Premio CEOE 2001); la vivienda unifamiliar en Mallorca (Premio a la Mejor Obra en el Apartado de vivienda unifamiliar 1997-2001 otorgado por el Colegio Oficial de Arquitectos de las Islas Baleares); el Centro de Convenciones Internacional de Barcelona – CCIB (Premio Top International Purpose 2009 – C&ITE Magazine y Oro al Mejor Centro de Convenciones en el Extranjero 2010 – M&IT Industry Awards); la Sede Central del Deutsche Bundesbank en Chemnitz (2004, Alemania); el Colegio Mayor Sant Jordi en Barcelona (Trofeo Archizinc 2008); el edificio WTC Almeda Park de Cornellà, Barcelona (Premio A+ a la arquitectura para el trabajo 2010); La Factory, edificio de oficinas en Boulogne-Billancourt, París (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2010); la Sede Central de la compañía PGGM en Zeist, Holanda (Premio NAN Arquitectura y Construcción 2011); la Filmoteca de Catalunya (2012, Barcelona); el Centro de Cultura Contemporânea, como pieza culminante de la renovación del centro histórico de Castelo Branco (2013, Portugal); y Bayonne. Entrée de ville, remodelación urbanística del frente urbano del río Adour, incluyendo proyecto edificatorio (2016, Francia). Su obra ha sido extensamente publicada y expuesta, entre otros lugares, en el MoMA (Nueva York, 2006), en el Pavillon de l’Arsenal (París, 2009), en la Bienal de Venecia (2012) y en la Galerie d’Architecture (París, 2013).

 

 

Para facilitaros más información e imágenes, contactad con galeria@galeriajoanprats.com

suenodelaocoonte

La Tallera, Cuernavaca, México

 

Inauguración 14.4.2018 – 12h, conferencia 12.30h

Exposición 14.4 – 15.7.2018

 

En su trayectoria, Erick Beltrán ha desarrollado un lenguaje en el entrecruce de las construcciones del discurso cultural, político y económico. Sus cartografías de los sistemas de pensamiento parten de la recopilación de información de la Filosofía y de la Historia del Arte Universal, pero también de los medios de comunicación y las imágenes políticas actuales, creando así su propio archivo iconológico, a través del cual, el artista descubre una repetición de patrones a lo largo de la Historia.

 

La exposición que presenta en La Tallera, establece el diálogo entre el mito del Laocoonte y el presente, a través de diversas figuras míticas del Ciclo Troyano. Propone una instalación hecha a partir del collage, el fotomontaje y diagramas conceptuales creando principalmente telones monumentales que por su tamaño evocan a los murales de Siqueiros. En estas piezas crea un atlas icónico sobre la figura del oráculo, el testigo y otras fábulas afines, con los que genera cuestionamientos tales como: ¿Quiénes son los oráculos olvidados condenados a ser devorados por serpientes en el mundo contemporáneo? ¿Cómo utilizar el flujo de imágenes para retratar el territorio? ¿Cómo leer el presente en la corriente eterna de información?

 

 

tba21academy

Expedition #1: To Find The Vegan Lion: March 9–24, Participants: Julieta Aranda; Claudia Comte; Francesca von Habsburg; Eduardo Navarro; Ingo Niermann; Markus Reymann; Albert Serra; Teresa Solar. Cameraman: Roman Bayarri

North Islands, New Zealand

Convening #1: To Find The Vegan Lion: September 28–29

Venice, Italy

 

Curated by Chus Martínez

I decided to name this three-year cycle on artistic intelligence, philosophy, science and nature the Spheric Ocean. The Ocean is spherical because it is not beside the earth nor below it, but all around it. Its form is not what our eyes see, or not only. Its reality cannot be separated nor told apart from anything else on the lived earth, and therefore it poses a demand on us: the need for a philosophy to help us exercise the Ocean. It is difficult to describe what we are aiming for. I would say we are aiming for a philosophy more than anything else. It would be wrong to think that when one says “Ocean,” one is naming a “subject.” One could be as radical as stating that to say “Ocean” is, today, to say “art.” Art without the burden of institutional life, without the ideological twists of cultural politics, art as a practice that belongs and should belong to the artists, art facing the urgency of socializing with all those that care about life. Or, in other words, to say “Ocean” is to replace the historical notion of the avant-garde with a code that is not determined by form and the invention of new gestures, but by an investigation of the substance of life, identifying this as the mission of art.

At first sight there are “things” that can only be described in positive terms, like the Ocean. It is beautiful how some experiences of nature—of the Ocean—remind us that to live means first and foremost to feel the world around us. But sensibility is not just a faculty, sensibility is much more than that: it is an organ that both senses ourselves and others, and our life is through and through a sensible life. So, being at sea, I cannot but think of the many ways we need to—we must—rehabilitate sensible existence from its marginalization at the hands of modern philosophy, art, and politics and that the only way to do so is to create the conditions for philosophy, art, and politics by defining the ontological status of experience, of organic and inorganic intelligence.

The Ocean is making me aware of its philosophical status. Being at sea is being in an atmosphere, and being in an atmosphere is a very powerful image of thought, one that immediately calls for a challenge of the distribution of disciplines in the human sciences and humanities. I imagine a philosophy of the Ocean, a philosophy of plants, a philosophy of animals, as part of a philosophy of life that will, then, be entangled with all the developments in the philosophy of consciousness. I know that many think action is first, but how can we act differently if we are unable to deeply think/sense differently? Logically speaking, no real difference can emerge from a doing that only perpetuates or corrects and reforms past doing. Also, how can doing be separated from Modernity’s stubborn pretension to see the human spirit as achieved only through the material production of objects and their exchange, that is, material culture? So, doing cannot survive without an Ocean of conditions for biological existence… I see all this water and feel a monstrous urge to reunite all thinkers and artists to meet here and start this new school of sensing intelligence.

And the next question arises: is the Ocean an art space? Or a future space within the arts? We will be addressing this paradoxical question at The Current Convening and Summer School we are organizing in Venice, in the last week of September.

–Chus Martínez

 

TBA21–Academy, founded by Francesca von Habsburg in 2011, and drawing on her experience as a producer of cross-disciplinary art installations and socially engaged cultural programming, leads artists, scientists, and thought-leaders on expeditions of collaborative discovery. TBA21A–Academy under the directorship of Markus Reymann is guided by its mission to foster a deeper understanding of the ocean through the lens of art and a belief in the power of exchange between disciplines to engender solutions for the ocean’s most pressing issues. Chus Martinez will envision three expeditions of The Current ’s second cycle. The Current is TBA21–Academy’s three-year field study programme for artists, cultural agents and scientists. Its aim is to value the crucial role artistic intelligence plays in understanding the radical reality of our climate, as well as to help us engage emotionally and cognitively with the ocean and all who inhabit it.

 

+ info

walkabout

Fondazione La Fabbrica del Cioccolato, Torre-Dangio in Valle di Blenio, Svizzera

7.4 – 20.5.2018

 

Questa avventura nasce dall’incontro di due progetti, Walkabout e Foreignness con un luogo, la Fabbrica del Cioccolato e la Valle di Blenio, due progetti autonomi ma accomunati dall’interesse per la traduzione e il territorio.

 

Artisti invitati:

Simona Barbera, Sergio Breviario, Umberto Cavenago, Gianluca Codeghini, Ermanno Cristini, Carlo Dell’Acqua, Hannes Egger, Elena El Asmar, Ronny Faber Dahl, Gabriela Hess, Michele Lombardelli, M+M, Angelo Mosca, Giancarlo Norese, Luca Pancrazzi, Javier Peñafiel, Luca Scarabelli, Ivana Spinelli, Giovanni Termini, Enzo Umbaca, Alejandro Vidal.

 

Oggi il destino dell’opera d’arte è caratterizzato da un inevitabile “rotolamento” attraverso i media e i formati, dando luogo a un processo di continua codifica e transcodifica, o meglio di traduzione. Anche il territorio con la sua storia è soggetto a percorsi di trasformazione culturale, oltre che funzionale-economica, i quali mutandone progressivamente l’identità innescano una successione di atti di traduzione.

 

Ma ogni traduzione è un’interpretazione, e lo è nel momento in cui fallisce come semplice atto di transcodifica nutrendosi del “malinteso”, in quanto condizione di elezione della traduzione a testimonianza.

 

Agire le testimonianze è il timone del nostro avventurarsi in questo luogo, la Fabbrica del Cioccolato e la sua valle, un luogo che induce all’incanto. Ad esercitare il rapimento sono il suo sovradimensionamento, la sua storia di transizione lungo usi diversi — da centrale idroelettrica a fabbrica di birra a fabbrica del cioccolato a centro per l’arte contemporanea — e il suo essere in mezzo alle montagne, come un corpo che appare in forma di improvvisa deviazione, imponendosi allo stupore dello sguardo.

 

Le opere, attraverso l’intreccio dei linguaggi, vogliono richiamarsi per suggestione, pungere e condizionare il sentimento, ovvero mettere in errore, l’errore che decentra in profondità alterando le certezze consolatorie dell’abitudine.

 

Si tratta di un rapporto con lo spazio e con il territorio, oltre che tra i linguaggi e gli artisti; il suo fine è aprirsi alla vertigine del limite e delle trasformazioni; una vertigine pronta per essere accolta dagli occhi di un testimone a fondare la tappa successiva.

 

Parole chiave per l’imbarco:

 

TESTIMONIANZA / TRADUZIONE / TERRITORIO / FRONTIERA / DIVERSITÀ / INTEGRAZIONE / ESTRANEITÀ / CONTRASTI / TRANSIZIONE / PASSAGGIO / SCARTO / ESASPERAZIONE / INCANTAMENTO

 

+ info