Després de la boira, primeres flors

Exposició col·lectiva amb obra de Muntadas

Del 26.04.2023 al 07.01.2024 a Casa Vicens.

Comissariada per Menene Gras

 

 

Casa Àsia i Casa Vicens presenten el projecte expositiu Després de la boira, primeres flors. Orient i els orientalismes, del modernisme a la modernitat. Aquesta exposició reuneix obra de 24 artistes espanyols, llatinoamericans i asiàtics contemporanis que aporten la creació personal en la interpretació de la representació floral.

 

L’exposició es podrà visitar des del 26 d’abril fins al 7 de gener del 2024 a la Casa Vicens, la primera casa d’Antoni Gaudí, on des de la seva concepció estableix un diàleg constant amb el jardí que l’envolta, i on destaca el programa ornamental de temàtica natural a tots els seus espais.

 

Es tracta d’una exposició única que congrega per primera vegada a Barcelona 24 artistes contemporanis que comparteixen un nexe comú, la temàtica floral, encara que cadascun elabora el seu propi discurs creatiu utilitzant diferents formats i suports, com són el dibuix, la pintura , la fotografia, el vídeo i la instal·lació. Aquest projecte expositiu posa en relació l’orientalisme del modernisme i la mundialització de l’art a dia d’avui.

 

 

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Pablo del Pozo

15 de junio, 19h: visita con el artista

20 de Julio, 19h: visita con el artista en conversación con Gisela Chillida

 

 

 

Antes de ayer mi cuerpo estaba inútil.
Ahora está desgarrándose en sus rincones cuadrados.
Anne Sexton, «El beso», Poemas de amor

 

Nos complace presentar la primera exposición individual de Pablo del Pozo en Galeria Joan Prats, titulada Mi boca florece como un corte, que incluye tapices y esculturas recientes de diferentes tejidos y formatos.

 

Tras su exposición Cuando iba, iba con ella, y cuando volvía, me encontré con ella (2018) en la galería con Aïda Andrés Rodrigálvarez – en la que Pablo del Pozo utilizó materiales como arcilla, yeso, pigmentos y objetos recuperados para generar una reflexión en torno a la precariedad de la vida como realidad cotidiana-, ahora el artista opta por una nueva línea de investigación en la que abraza temáticas y materiales inéditos en su obra.

 

El título de la exposición corresponde al primer verso del poema «El beso» de la escritora norteamericana Anne Sexton (1928-1974). El encuentro fortuito con este ejemplo de lírica, cuyo núcleo gira en torno a la idea de que las heridas también pueden provocar belleza, ha devenido un catalizador para tomar la Poesía -en mayúsculas- como forma de entendimiento, pasión y creación, sobre todo la escrita por autoras, entre las que destacan las poetas Anne Sexton, Emily Dickinson o Anne Carson.

 

Pablo del Pozo presenta en esta exposición un proyecto multidisciplinario, centrado en la germinación de la vida y la celebración del deseo en una nueva naturaleza, en un nuevo hábitat. Se trata de una investigación formal, principalmente escultórica, para la cual ha utilizado materiales textiles, desde la cuerda de guita y la tela de yute hasta la licra y la lana, y que ha trabajado a través de técnicas tradicionales, principalmente el ganchillo, y otras más modernas como el hand tufting. El artista ha realizado las obras manualmente, en un laborioso proceso que ha requerido de largo tiempo para confeccionarlas y que, a su vez, le ha permitido revalorizar las consideradas “labores femeninas”.

 

Las obras de Mi boca florece como un corte se caracterizan por sus formas orgánicas, que remiten a organismos como flores, plantas colgantes, pero también a vísceras o cuerpos húmedos, y cuya concepción se ha valido de ramas como la botánica y la zoología. Para las esculturas de lana, tela y cuerda, junto con los tapices, Pablo del Pozo se ha basado en las tramas microscópicas de células vegetales y humanas, que ha intentado replicar a través de los patrones de costura. A propósito de las piezas de licra, los pétalos se transfiguran en una textura que recuerda a una piel brillante en estado de transpiración, a un brillo que remite a la tela de disfraces y a la ropa de fiesta, al disfrute de la vida. La estructura de las flores – los órganos reproductivos de las plantas que atraen a la fauna para que esta se expanda y colonice por el territorio- nos conduce a la idea del deseo como uno de los puntos centrales de la exposición.

 

A partir de estas imágenes, Pablo del Pozo crea un entorno natural donde ofrecer un remanso que acerca la muerte y la vida. Y es que, como afirma la escritora y editora Patricia Castro, sobre el dispositivo, “la multiplicidad de lo vivo ataca las certezas de un mundo pavimentado donde las flores deben crecer a los márgenes de la carretera. Se les impide brotar. Planta, animal, hombre o mujer ya no significan lo mismo. El fin se acerca, ¿lo sentís? Abrazadlo. Y no tengáis miedo a lo desconocido. Bienvenidxs de nuevo a la vida.

 

Pablo del Pozo (Badajoz, 1994) vive y trabaja en Barcelona. Se graduó en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona (2017). Ha sido seleccionado en la Bienal de Valls, Premio Guasch-Coranty (2017), por lo que ha formado parte de la exposición en el Centre Tecla Sala de l’Hospitalet de Llobregat (2018). Ha formado parte del circuito de la Bienal Jeune Création Européenne (2017-9) con exposiciones en museos de varias ciudades europeas: Montrouge, Francia (2017); Hjørring, Dinamarca; Cēsis, Letonia; Cluj, Rumania (2018); Como, Italia; Figueres y Amarante, Portugal (2019). También ha recibido el premio de creación de la Sala d’Art Jove de la Generalitat de Cataluña (2017) y ha expuesto en la colectiva de la sala en junio de 2018. Ha sido nominado al Premio Miquel Casablancas (2019), su obra se ha expuesto en Fabra i Coats y en la individual Al muerto, tiempo encima, comisariada por Jordi Garrido, en la Fundación Arranz Bravo de l’Hospitalet de Llobregat.

 

Video de la exposición

Art Brussels 2023

Art Brussels 2023 | Galeria Joan Prats,

Stand 5A 26 con NOGUERASBLANCHARD

 

Programa Rediscovery, una selección de obras de

JOAN BROSSA

PEREJAUME

 

Art Brussels preview:  ENG    FR

 

Visita la selección en Artsy

 

 

La propuesta de Joan Prats y Nogueras Blanchard para Art Brussels 2023 presenta un diálogo entre la obra de Joan Brossa (Barcelona, 1919 – 1998) y Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957). En 1975, Perejaume quedó fascinado por el primer estudio monográfico de la obra poética de Brossa. El interés era mutuo, ya que Brossa estaba asombrado por la combinación entre surrealismo y romanticismo representada en las primeras obras de Perejaume. Siendo artistas de diferentes generaciones, Brossa y Perejaume cruzaron caminos en su peculiar enfoque de la poesía a través de objetos, gestos y representaciones visuales.

 

Para Art Brussels presentamos una selección de obras históricas –desde 1980 hasta 1990– un momento clave para ambos, Brossa y Perejaume. Durante este periodo, Brossa produjo principalmente los “poemas-objeto”; obras de arte en las que combina objetos del día a día que él descontextualiza de su función original para ampliar su naturaleza crítica. Así mismo, Perejaume pasó de “pintar pintura” a “despintar”. Como Brossa, Perejaume solía manipular sus materiales y símbolos de una forma que no siempre indica un punto de vista concreto, sino que más bien se aproxima al estado de la imagen a través de inversiones de significado.

 

Estas obras de Brossa y Perejaume quieren realzar la afinidad entre sus maneras de ver la poesía y la influencia. Para Perejaume, pintar es un ejercicio de ocultación, de tapar con una sucesión de capas. Metamorfosador atiende a esta lógica señalando el origen. Al cubrir el bastidor con un lienzo, Perejaume revela la expresión pictórica del trasfondo. La transformación potencial de los objetos y su ocultación también se reflejan en los poemas-objeto de Brossa. Eclipsi o Puzzle dejan de ser objetos para convertirse en artefactos poéticos que nacen como un juego irónico que genera desconcierto en el espectador. Así mismo, Projeccions, de Perejaume, y Sense paisatge, de Brossa, esconden, muestran y superponen puntos de vista, imágenes y objetos para rebelarse contra los estrictos significados.

 

VICTORIA CIVERA

Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español, Valladolid

 

22.04 – 17.09.2023

 

Inauguración 22 de abril a las 12h

 

 

“El tiempo es circular en el silencio” es una exposición de gran escala dedicada a la obra de Victoria Civera (Puerto de Sagunto, Valencia, 1955), una de las artistas españolas más relevantes de las últimas décadas. 

 

Bien conocida por su pintura de carácter figurativo, la artista valenciana, afincada entre Cantabria y Nueva York, ha venido no obstante desplegando una obra abierta y heterogénea que trasciende cualquier clasificación, pues en su obra conviven la pintura, la escultura, la fotografía, el vídeo y la instalación. 

 

El título de la muestra, tomado de una expresión de la propia Civera, apela a la circularidad como opuesto de la linealidad, de la que siempre ha huido y de la que ha hecho su principal seña de identidad. La exposición ocupará las salas 3, 4, 5 y 8 de la segunda planta del museo y en ella se verán obras de todas las épocas procedentes de colecciones institucionales y privadas de toda España que harán especial hincapié en los años noventa, fundamentales para conocer el trabajo de la creadora valenciana y su inscripción en las prácticas artísticas en nuestro país.

 

La muestra contará además con un importante conjunto de obras sobre papel, menos conocidas, y muy relevantes en el proceso creativo de la artista.

 

 

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Maison Diez Company, San Miguel Chapultepec, Ciudad de México

18/04 – 13/05/2023

 

Brooms, mattresses, sheets and birds, una exposición colectiva con obras de Emilio Gómez Ruíz, Arturo Hernández Alcázar, Annika Kahrs, Chantal Peñalosa y Martin Soto Climent.

 

Organizado por Andrea Bustillos y Polina Stroganova como parte del programa satélite del Festival TONO (CDMX 2023). Con el apoyo de Maison Diez Company.

 

Pensemos en lo poético del polvo; un colchón que se ha vuelto instrumento; los sonidos intentando ser imágenes; pájaros escuchando música y una danza en medio de la tormenta. Imaginemos una exposición íntima que se enfoca en el potencial de lo efímero y conjuga a cinco artistas cuyo trabajo se conecta a través de la sensibilidad de lo performativo: la complejidad de una simple acción, lo escultural del movimiento, la evocación de lo imaginario.

 

— Andrea Bustillos y Polina Stroganova

 

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Sesc Sorocaba, Brazil

20.04 – 17.09.2023

 

Sob as cinzas, brasa (Under the Ashes, Embers)—the choice of title for the 37º Panorama da Arte Brasileira (37th Panorama of Brazilian Art) involves multiple layers. There is a heat that burns and endures even though something has been consumed by the fire and turned to ashes; the embers bear the possibility—or the hope—of revived fire.

 

The Panorama of Brazilian Art was conceived in 1969 by the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM) and went on to become one of the most relevant shows in Brazil’s art circuit. In its 37th edition, held between July 2022 and January 2023, the show’s embers were ablaze at a peculiar moment in Brazilian history—during an electoral cycle disputed by widely different political projects, while the country was still reeling from the impacts of the Covid-19 pandemic. Other layers of that period include the country’s reconception based on memories brought to light by the bicentennial of the proclamation of its independence (1822) and by the centennial of the Modern Art Week (1922).

 

In 2023, the exhibition is being rekindled through a partnership between Sesc São Paulo and MAM. Traveling to São Paulo state’s countryside, the Panorama is gaining a new run between April and September at Sesc Sorocaba. The curatorship is shared by the art researchers, historians and critics Cauê Alves, Claudinei Roberto da Silva, Cristiana Tejo and Vanessa Davidson, who have brought together 26 artists and groups from different generations.

 

Brazilian art is presented at this Panorama based not only on regional cross-sections—relevant in a country of continental dimensions—but also in view of diversities in ethnic-racial profile, gender and background, with academically trained or self-taught artists, along with urban productions, made in the streets.

 

While Brazil’s colonial past and its reverberations in the also violent present time serve as fuel for the show, another common thread is the proposal of artistic solutions. The Panorama investigates how artists from Brazilian roots poetically manifest the confrontation of historical and current problems: racism, social inequality, urban violence, the competition between different narratives at play in the never-ending construction of the nation’s collective memories. In the show, art asks and responds to an essential question: what incites the embers that burn under the ashes?

 

List of artists
Ana Mazzei (São Paulo, 1980—lives in São Paulo)
André Ricardo (São Paulo, 1985—lives in São Paulo)
Bel Falleiros (São Paulo, 1983—lives in New York)
Camila Sposati (São Paulo, 1972—lives in Vienna)
Celeida Tostes (Rio de Janeiro, 1929—1995)
Davi de Jesus do Nascimento (Pirapora, Minas Gerais, 1997—lives in Pirapora)
Éder Oliveira (Timboteua, Pará, 1983—lives in Belém)
Eneida Sanches (Salvador, Bahia, 1962—lives in São Paulo, SP) and Tracy Collins (New Yor, 1963—lives in New York) (LAZYGOATWORKS)
Erica Ferrari (São Paulo, 1981—lives in São Paulo)
Giselle Beiguelman (São Paulo, 1962—lives in São Paulo)
Glauco Rodrigues (Bagé, Rio Grande do Sul, 1929—Rio de Janeiro, 2004)
Gustavo Torrezan (Piracicaba, 1984—lives between Piracicaba and São Paulo)
Jaime Lauriano (São Paulo, 1985—lives between São Paulo and Porto, Portugal)
Lais Myrrha (Belo Horizonte, Minas Gerais, 1974—lives in São Paulo)
Laryssa Machada (Porto Alegre, Rio Grande do Sul, 1983—lives in Salvador, Bahia)
Lidia Lisbôa (Guaíra, Paraná, 1970—lives in São Paulo)
Luiz 83 (São Paulo, 1983—lives in São Paulo)
Marcelo D’Salete (São Paulo, 1979—lives in São Paulo)
Maria Laet (Rio de Janeiro, 1982—lives in Rio de Janeiro)
Marina Camargo (Maceió, Alagoas, 1980—lives in Berlin)
Nô Martins (São Paulo, 1987—lives in São Paulo)
RODRIGUEZREMOR (Denis Rodriguez [São Paulo, 1977—lives in Igatu, Bahia] and Leonardo Remor [Estação, Rio Grande do Sul, 1987—lives in Igatu, Bahia])
Sérgio Lucena (João Pessoa, Paraíba, 1963—lives in São Paulo)
Sidney Amaral (São Paulo, 1973—2017)
Tadáskía (Rio de Janeiro, 1993—lives between Rio de Janeiro and São Paulo)
Xadalu Tupã Jekupé (Alegrete, Rio Grande do Sul, 1985—lives in Porto Alegre, Rio Grande)

 

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Federation Hall, The University of Melbourne

18.04.2023, 6-7pm

 

We are thrilled to invite you to a lecture by internationally renowned artist Antoni Muntadas on recent works on translation.
An artist with an incredible legacy of postconceptual works that offer provocative and poetic engagement at the interstices of social, political and communication frameworks, it would be hard to find someone that Muntadas’ thinking is not relevant to.

 

Working across mediums and in diverse spaces, Muntadas has exhibited extensively, including the Museum of Modern Art in New York, the Berkeley Art Museum in California, the Musée Contemporain de Montreal, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, the Museo de Arte Moderno in Buenos Aires, the Museu de Arte Moderna in Rio de Janeiro, the Musée Jeu de Paume in Paris and the Museu d’Art Contemporani de Barcelona, among others. In addition, his works have been presented in different international events: VI and X editions of Documenta Kassel (1977, 1997), the Whitney Biennal of American Art (1991), the 51st Venice Biennial (1976, 2005) and those in São Paulo, Lyon, Taipei, Gwangju, Istanbul and La Havana. 

 

 

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Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, Comunidad de Madrid

14/04- 16/07/2023

 

Los museos de la Comunidad de Madrid abordan “Las tácticas barrocas”, XXX edición del programa “Mutaciones”, comisariado en esta ocasión por Sergio Rubira.

 

El programa es una reinterpretación en clave contemporánea de estos lugares históricos y sus colecciones con el fin de facilitar el acercamiento del público a nuevas formas creativas.

 

Los artistas seleccionados para intervenir en la Casa Museo Lope de Vega son Elena Alonso, Cabello/Carceller, Paula García-Masedo, Alicia Martín, Asunción Molinos Gordo, Víctor Santamarina, Adrian Schindler/Aisha Trinidad y weecolors.

 

Todos ellos tienen en común el haber reflexionado sobre lo barroco o el haber asumido en su producción estrategias (el artificio, la sustitución, la proliferación, la condensación, la parodia, la intertextualidad, el palíndromo, la intratextualidad, la tautología), que pueden asociarse al concepto de barroco.

 

Parte, por tanto, este proyecto de exposición de la idea de unir el barroco como época y la idea de lo barroco.

 

Las intervenciones que componen “Mutaciones” están concebidas expresamente para cada uno de los espacios participantes: el Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, el Museo Picasso–Colección Eugenio Arias y el Centro de Interpretación de Nuevo Baztán.

 

 

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Antoni Muntadas

UNSW Art & Design, Sydney

A101 (Upstairs A Block – The Old Library)

Thursday, 13 April, 2023, 1-2pm

 

Antoni Muntadas is an artist and professor at the Istituto Universitario di Architettura di Venezia, until 2016 he was also professor at the School of Architecture, Massachusetts Institute of Technology (MIT). Through his work he addresses social, political and communication issues such as the relationship between public and private space, and investigates media and the way they may be used to censor or promulgate ideas. His work has been exhibited in numerous museums, including MoMA (New York), Berkeley Art Museum, Musée Contemporain de Montreal and Museo Nacional Reina Sofía (Madrid). He has also presented works in international events like the Documenta Kassel, the Whitney Biennial of American Art and the Venice Biennial.

Emoção de lidar

Group show at Quadra Galeria (São Paulo, Brasil)

Curated by Clarissa Diniz

With works by Tadáskía

March 4 – April 29, 2023

 

Read the text by Clarisse Diniz

 

List of artists:

Ana Cláudia Almeida, Ana Matheus Abbade, Anna Maria Maiolino, Arorá, Carla Santana, Celeida Tostes, Cyshimi, Diambe, Flora Rebollo, Iagor Peres, Josi, Nise da Silveira and Leon Hirszman, Pablo Lobato, Pedro Victor Brandão, Tadáskía