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hernandez-pijuan-1977-2005

Presentamos Hernández Pijuan 1977-2005, una exposición dedicada a los 28 años de colaboración y complicidad de Joan Hernández Pijuan con la Galeria Joan Prats. Las obras seleccionadas corresponden al período 1977-2005, con especial énfasis en los últimos años de su trayectoria.  

 

La exposición no tiene un carácter retrospectivo, aunque la selección de obras intenta ser una muestra de un largo periodo de la producción pictórica del artista.

 

Presentamos obras sobre tela y papel en distintas técnicas y formatos, así como una selección del archivo del artista, fotografías y esbozos, permitiendo descubrir su entorno creativo y algunos de sus proyectos o procesos de trabajo.

 

Esta exposición quiere ser un homenaje al artista, una expresión de gratitud y de amistad, de reconocimiento a su trabajo, y una muestra de una obra que hoy sigue siendo tan contemporánea como el primer día.

 

 

Joan Hernández Pijuan (1931-2005) ha sido uno de los artistas catalanes contemporáneos más reconocidos internacionalmente. Ha participado en exposiciones en centros de arte internacionales y ha recibido numerosos premios, como el Premio Nacional de Arte Gráfico en reconocimiento a su trayectoria (2005), el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Plásticas (2004) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981).

 

Entre sus exposiciones más destacadas están la participación en la 51 Bienal de Venecia (2005); Tornant a un lloc conegut… Hernández Pijuan 1972-2002 en el MACBA, Barcelona (2003), que itineró por el Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, la Konstshalle Malmö y la Galleria d’Arte Moderna de Bolonia; Hernández Pijuan-drawings 1972-1999, en el Rupertinum Museum de Salzburgo (2000) y Espacios de silencio 1972-1992 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1993), que se presentó también en el Museo de Monterrey, México.

 

Recientemente su obra se ha mostrado en una retrospectiva en el Moscow Museum of Modern Art; en la exposición Farben der erde, en el Altana Kulturstiftung de Bad Homburg, Alemania y en la exposición La distancia del dibujo, itinerante por el Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca, el Museu de Montserrat y el Museu d’Art Espanyol Contemporani, Palma de Mallorca.

 

perejaume-condensacions

Siguiendo una línea de investigación de largo recorrido acerca de la relevancia de producir obras de arte, Perejaume propone un experimento minimalista, con dos obras nuevas.

 

A lo largo de su producción artística, Perejaume siempre ha cuestionado el espacio dedicado a las obras de arte. El espacio, entendido como lugar físico, como puede ser el espacio exterior o el lugar de exhibición -galería, museo- pero también el espacio mental. Dejar espacio a las obras de arte remite también a una noción temporal: ¿cuánto tiempo dedicamos a contemplar las obras? ¿Qué lugar ocupan en nuestras vidas?

 

La exposición se puede considerar como una representación íntima y teatralizada en dos tiempos.  

 

La antesala, de paredes oscuras, nos introduce en la galería con la frase: “¿No os parece que las obras empiezan a ser tan valiosas como el lugar que ocupan? ¿No oís que, de tantas como hay, las obras dicen y redicen, tanto al que las visita como al que las hace: “No cabemos, hacednos sitio”?

 

La primera sala está dedicada a una única fotografía en blanco y negro, realizada a partir de la exposición de 140 fotogramas de la película “El Ball de l’Espolsada”, que fue rodada en 1902. La filmación se encargó al estudio Napoleón de Barcelona cuando, a inicios del siglo XX, este baile popular fue objeto de recuperación tras cincuenta años en el olvido. La restauración de este material permitió redescubrir la coreografía original. La película, que es una de las filmaciones más antiguas de Cataluña, pertenece al Museo Etnológico de Barcelona y está depositada en la Filmoteca de la Generalitat de Catalunya.

 

En la segunda sala, nos encontramos un imponente proyector de cine que presenta la Projecció cinematogràfica del llegat Cambó. El legado Cambó es un fondo de cincuenta y dos pinturas de los grandes maestros europeos de entre los siglos XIV y XIX (Veronese, Tintoretto, El Greco, Rubens, Metsys, Gainsborough, Le Brun, Goya, Fragonard, Quentin de la Tour, Lucas Cranach, Tiepolo…). Es la aportación desinteresada de más valor que ha recibido el MNAC y proviene del político y mecenas Francesc Cambó (1876-1947). En la proyección, el legado fluye vertiginosamente como una fulguración cromática.

 

 

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Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957) ha recibido premios como el Premio Nacional de Arte Gráfico de la Real Academia de Bellas Artes, el Premio de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya. Recientemente ha comisariado la exposición Maniobra de Perejaume en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. Ha mostrado su obra en exposiciones como ¡Ay Perejaume, si vieras la acumulación de obras que te rodea, no harías ninguna más!, La Pedrera, Barcelona; Imágenes proyectadas, CAB Centro de Arte Caja Burgos, Burgos; Amidament de Joan Coromines, Es Baluard, Palma de Mallorca, La Pedrera, Barcelona; Retrotabula, Palacio de los Condes de Gabia, Granada, Artium Vitoria. Ha participado en bienales internacionales como Prospect 1 New Orleans (2008), Art Unlimited, Basel (2006), 51 Bienal de Venecia (2005). Ha publicado recientemente Mareperlers i Ovaladors, Edicions 62, Barcelona (2014) y Paraules Locals, Tushita edicions, Barcelona (2015).

Prova rebutjada (Tout va bien)

 

Prova rebutjada (Tout va bien) propone un recorrido a través de obras unidas por su carácter de umbral y por la forma poética en que determinan su posición política, hilo común de su método de resistencia.

 

El nombre de la exposición combina los títulos de dos obras que se presentan en la muestra: Prova rebutjada, de Joan Brossa, y Tout va bien, de Muntadas. Mientras el primero afirma con rigor administrativo una realidad sin desvelar que no tiene escapatoria, Tout va bien aporta un consuelo inmediato, pero proyectando una precariedad sarcástica. Este enunciado, encerrado en los signos de su ambigüedad, arroja una luz irónica sobre estos lemas triunfalistas de los años 2000, lemas que no dudaban en relacionar la efervescencia económica con promesas de felicidad. La exposición reúne, en esta línea, obras que movilizan estrategias y espacios micropolíticos para cuestionar discursos hegemónicos. Frente a la aparente coherencia de los relatos dominantes, la mayoría de las obras optan por una yuxtaposición de ideas y una estructura breve que recuerdan a la forma del haiku.

 

Prova rebutjada (tout va bien) remite al ritmo de los gestos que se presentan en las obras: gestos vitales modestos y contenidos que, en vez de reivindicar su alcance, inciden en tácticas críticas frente a las narrativas establecidas. 

 

Artistas:
Joan Brossa, Cabello/Carceller, Hannah Collins, Carles Congost, Ariadna Guiteras, Lola Lasurt, Mariokissme, Muntadas, Javier Peñafiel, Perejaume.

 

 

Comisariada por: Olivier Collet & Patricia de Muga

solid surface, 2015

 

Galeria Joan Prats presenta solid surface, la primera exposición de Annika Kahrs en Barcelona, que reúne sus videos más recientes.

 

Annika Kahrs trabaja principalmente con video, performance y fotografía. Se interesa por las construcciones sociales y científicas, y por las relaciones orgánicas evolucionadas como las que se establecen entre humanos y animales. En su obra, Annika Kahrs examina representación e interpretación. Sus películas oscilan entre puestas en escena obvias y la observación estilo documental; una característica distintiva de sus películas es que la artista nunca se esconde en el film, incluso si su presencia sólo se revela en una breve mirada de un actor o actriz hacia la directora. Esto muestra un acercamiento particular al entorno que parece casi guiado por un proceso matemático.

 

Annika Kahrs presenta solid surface, with hills, valleys, craters and other topographic features, primarily made of ice, su último video sobre Plutón. La acción de esta película se sitúa en un planetario donde se proyecta un cielo estrellado en el centro del cual aparece una luz circular que identificamos con la luna, tras mirarlo detenidamente, este cuerpo celestial resulta ser un foco que muestra la ilusión de nocturnidad al revelar el blanco de la pantalla. En esta obra, la artista recurre a imagen y narración para hacer un retrato de Plutón, cuya visión pronto cambiará pues una misión de la NASA va a llegar a su órbita y podrá, por primera vez, fotografiarlo de cerca. Hasta el momento, las ilustraciones científicas del planeta se basaban en la especulación; este cambio de la imagen imaginaria al retrato real es lo que convierte a Plutón en el protagonista ideal de la obra de    Annika Kahrs.

 

La relación entre ficción y realidad también juega un papel importante en el video Sunset-Sunrise. En esta película, el espectador cree estar observando una puesta de sol, al ver el astro rojo brillando en el horizonte. Gradualmente la imagen se aclara, un velo reluciente se desplaza a través de la imagen desde abajo, hasta que la proyección se vuelve blanca. El enigma se soluciona cuando la cámara se aleja y nos permite descubrir que estamos en un aula. Por lo tanto, no hemos sido testigos de un extraño fenómeno natural, sino que se trataba de una proyección de un atardecer que se disuelve lentamente en la luz real al abrir las persianas de la sala.

 

En études cliniques ou artistiques, Annika Kahrs filma una mujer que adopta diversas posturas que parecen ser ejercicios gimnásticos o de yoga. Sin embargo, es la artista la que da instrucciones a la performer, siguiendo el modelo de fotografías del hospital psiquiátrico parisino de La Salpêtrière que muestran las posturas de “grandes ataques de histeria”, término creado por Charcot. En esta película Annika Kahrs deconstruye la mirada masculina a la vez que desenmascara la fotografía como medio de manipulación más que como documentación.

 

 

Annika Kahrs (Achim, Alemania, 1984) vive y trabaja en Hamburgo. Ha recibido diversos premios y becas, entre los cuales destaca el premio George-Maciunas-Förderpreis en 2012, donación de René Block. En 2011 ganó el primer premio de la 20 Bundeskunstwettbewerb del Ministerio de Educación e Investigación de Alemania.  Annika Kahrs ha participado en exposiciones celebradas en museos y centros de arte internacionales como Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlín(2015), Kunsthalle Bremerhaven (2015), exposición On the Road, en Santiago de Compostela (2014), la Bienal de Curitiba, Brasil (2013), Hamburger Kunsthalle (2013), KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2012), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn(2011), Goldsmiths University, Londres (2011), y el festival Velada de Santa Lucia en Maracaibo, Venezuela (2010). Participará en la 5ª Tessaloniki Biennale of Contemporary Art el próximo mes de junio.

Nidal

Presentamos Nidal, la primera exposición de Victoria Civera en Galeria Joan Prats, que reúne una serie de objetos y dibujos realizados durante los últimos años por la artista.

 

Nidal* describe simbólicamente el modo de pensamiento de Victoria Civera en su proceso de trabajo, aportando un orden de ritmo y movimiento a sus piezas, que crecen lenta y azarosamente, tejiendo una infinita membrana, hecha de materiales, objetos, superficies, color y pieles diferenciadoras, como si se tratara de palabras aisladas.

 

Su desarrollo es una reflexión sin pausa, entre silencios y susurros, donde Civera parece invitarnos a un viaje, a una experiencia concéntrica, fundamentada en una lógica de pensamiento poético, donde la artista se encamina al encuentro de la frase, suceso, sujeto y obra. Mezclando vocabularios e hibridando lúdicamente sintaxis, exponiendo quebraduras donde figuración y abstracción desbordan sus fronteras convencionales, su obra crece hilvanando fricciones y sentidos, enfrentándose a su infancia y recreándola, con reflexión, drama y humor.

 

Las palabras del poeta Paul Valéry podrían acercarnos al eco de la obra de Victoria Civera: “Poeta: no es una imagen determinada lo que deseo, sino el grupo maravilloso de todas las posibles.”

 

 

* Creación, deseo, ilusión; principio, fundamento, motivo de que suceda o prosiga algo: creencia.

Refugio, interior, casa, pensamiento, introspección, doble espejo.

 

 

Victoria Civera (Port de Sagunt, Valencia, 1955) vive y trabaja entre Nueva York y Saro, Cantabria. Entre sus exposiciones individuales destacan Sueños inclinados, IVAM, Valencia (2011), Atando el cielo, CAC, Málaga (2010), Túnel eterno, Palacio de los Condes de Gabia, Granada (2006), y Bajo la piel, Espacio 1, MNCARS, Madrid (2005). También ha participado en exposiciones en centros de arte como CGAC de Santiago de Compostela, MAS de Santander, Caixaforum de Barcelona, Mumok- Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena, MACBA de Barcelona. Su obra forma parte de colecciones de instituciones y museos como MNCARS, IVAM, CAC Málaga, Es Baluard de Palma, Artium de Vitoria-Gasteiz, Colección Banco de España, Colección “la Caixa” o Patio Herreriano de Valladolid.

Altamira

Presentamos Altamira, la tercera exposición de Caio Reisewitz en Galería Joan Prats, con obra reciente, fotografías, collages y vídeo.

 

Altamira alude a un municipio brasileño, donde el bosque llamado Belo Monte, bordeado por el río Xingú, desaparecerá a causa de la construcción de la tercera central hidroeléctrica más grande del mundo. Este proyecto ha sido muy criticado ya que supondrá un gran impacto medioambiental y pondrá en peligro la supervivencia de diversos pueblos indígenas.

 

La obra de Caio Reisewitz profundiza en la explotación del ecosistema por parte de los seres humanos y la destrucción que conlleva. Paradójicamente, en sus fotografías, vemos una naturaleza intacta, donde la presencia humana parece borrada. El artista, a menudo, registra el vertiginoso intento de su país por conseguir el desarrollo económico, y detalla los problemas ecológicos globales que se derivan de la destrucción indiscriminada de los bosques brasileños, dejando un espacio para la esperanza de que naturaleza y cultura humana puedan compartir los mismos intereses algún día.

 

Como trasfondo a la exposición está la reciente divulgación en Brasil de diversos escándalos relacionados con la corrupción, como una gran operación organizada por la policía federal llamada del “lavado de coches” (Operação Lava Jato) que ha afectado a diversas personalidades públicas, y a la vez un estado de anestesia y de fantasía, una conjunción emocional que impregna las obras presentadas.

 

 

Caio Reisewitz (São Paulo, 1967) vive y trabaja en São Paulo. Recientemente ha presentado su primera gran exposición individual en los Estados Unidos en el ICP – International Center of Photography de Nueva York. Ha participado en la bienal Daegu Photo, Corea del Sur (2014), en la bienal de Curitiba, Brasil (2013), en el proyecto LARA Latin American Roaming Artist, Colombia (2013), en la bienal de Nanjing (2010), en la Bienal del Fin del Mundo de Ushuaia, Argentina (2009 y 2007), en la bienal de Venecia (2005) representando a Brasil, y en la bienal de São Paulo (2004). Su obra ha sido expuesta en centros de arte de Europa y de América latina, como Museu de Arte Contemporanea de Goiás, Goiânia, Casa da Imagem OCA de São Paulo, Museu de Arte do Rio de Janeiro, Grand Palais de París, Centro de Arte Huarte de Navarra, Somerset House de Londres. En 2015 presentará una exposición individual en el Huis Marseille Museum voor fotografie de Amsterdam y en la Maison Européenne de la Photographie de París.