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21.06 – 13.10.2019

FUNDACIÓ ANTONI TÀPIES

 

Conversación / Conversation 20.06, 19.00h / 7pm

Conversación con Hannah Collins y Anna Puigjaner en el auditorio de la Fundació Tàpies, 20.06, 19.00h  /  Conversation with Hannah Collins and Anna Puigjaner at the Fundació Tàpies auditorium, 20.06, 7 p.m.

 

Hannah Collins, artista, y Anna Puigjaner, doctora en arquitectura, cofundadora de MAIO arquitectos y autora de Kitchenless City, conversarán sobre arquitectura, colectivismo y sostenibilidad durante la presentación de la exposición que pone el foco en la figura arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900-1989).

Hannah Collins, artist, and Anna Puigjaner, Ph.D. in architecture, co-founder of MAIO architects and author of Kitchenless City, will talk about architecture, collectivism and sustainability during the presentation of the exhibition that focuses on Egyptian architect Hassan Fathy (1900-1989).

 

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06.06.2019, 18h30

CCCB, Barcelona

 

 

Chema Madoz, Premio Nacional de Fotografía, ha creado una fotografía inspirada en la física cuántica a través de un diálogo con Ignacio Cirac, director del Instituto Max Planck de Óptica Cuántica en Múnich, uno de los mayores expertos mundiales en computación cuántica. En esta mesa redonda se analizará el proceso de creación de esta pieza y el papel de la filantropía en la investigación científica.

 

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Guangdong Museum of Art, Guangzhou, China

15.12.2017 – 8.3.2018

 

Simultaneous Eidos — Guangzhou Image Triennial 2017 will be held from December 15, 2017 to March 8, 2018 at Guangdong Museum of Art. The predecessor of Simultaneous Eidos — Guangzhou Image Triennial was Guangzhou International Photography Biennial Exhibition hosted by the Guangdong Museum of Art, which was one of the major international photography biennials in China. Its basic purpose is to uphold the humanistic standpoint with international horizon and sociology of images and participate and promote the development of contemporary photography and culture in China. Reviewing the past three photography biennials (in 2005, 2007 and 2009), each exhibition established a theme and academic orientation focused on the history of photographic photography in order to showcase contemporary photographic practices. At the same time, the passion of national art museums for photography research and collection is ignited.

 

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Paris Photo 2017

Galeria Joan Prats presenta, en Paris Photo 2017, obras de Hannah Collins (Londres, 1956) y de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942).

 

El método utilizado por Collins en The interior and the exterior, Noah Purifoy, 2015, rinde homenaje a Walker Evans, a través de la documentación fotográfica de las esculturas del artista afroamericano Purifoy (1917-2004). Las fotografías vienen acompañadas de grabaciones de entrevistas.

 

Muntadas, investiga sobre los lugares de poder con Architektur / Räume / Gesten II, 2017. En estos 10 trípticos, Muntadas reúne imágenes de archivo, poniendo en relación lugares de poder con gestos de decisión. El artista resalta así la forma en que los elementos arquitectónicos cristalizan los gestos y las decisiones de poder.

 

PARIS PHOTO Stand D15.
Grand Palais. 09-12 NOV 2017

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Phoenix Art Museum, Arizona

01.09 – 31.12.2017

 

Coming September 1 to Phoenix Art Museum, Past/Future/Present: Contemporary Brazilian Art from the Museum of Modern Art, São Paulo presents a rare panorama of the most innovative art produced in Brazil from the 1990s to the 2010s. The exhibition will be the first major presentation of artworks from the collection of the Museum of Modern Art, São Paulo (MAM-SP) in the United States. Premiering on September First Friday, Past/Future/Present will feature 70 artworks created by 59 artists in diverse media, including painting, sculpture, installation, photography, video, and performance.

 

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Vegetal animal, 2018-2020

Sevilla, 1934

Vive y trabaja en Madrid

 

 

Luis Gordillo inicia su trayectoria en los años cincuenta cuando viaja a París y entra en contacto con el arte europeo de entonces, en especial con autores como Wols, Dubuffet, Michaux y Fautrier. En sus primeras obras se puede apreciar la influencia del surrealismo y de Tàpies, para más tarde incorporar una iconografía que lo asocia a principios de los años 70 con el pop art.

 

Gordillo será uno de los pintores permanentemente renovadores del lenguaje pictórico y uno de los artistas que a principios de los setenta reintroducirá la figuración. Es asimismo en ese momento cuando empieza a trabajar con imágenes fotográficas que introduce de una forma u otra en el proceso de creación de sus pinturas.

 

Tanto la idea de proceso y de construcción continua como los recursos de acumulación son elementos que incorporará en su obra de forma permanente.

The Interior and the Exterior - Noah Purifoy, 2014

Londres, 1956

Vive y trabaja entre Londres y Níjar (Almería, España)

 

 

Hannah Collins es una de las artistas pioneras en la utilización del gran formato en la disciplina de la fotografía. Se dio a conocer en la escena internacional a principios de los años 90.

 

Si bien el tamaño de las piezas era monumental, a menudo el tema retratado era de naturaleza íntima y próxima al espectador, incorporando una reflexión en torno a la fugacidad del tiempo presente y su pervivencia a través de la memoria de los lugares.

 

En cuanto a la utilización del video y de las instalaciones de múltiples pantallas que ha iniciado en los últimos años, Collins persiste y amplía su interés por aquellos lugares y gentes que habitan en los límites, en los márgenes de la sociedad. En este sentido los movimientos migratorios o las comunidades gitanas han sido algunos de los temas explorados recientemente en sus trabajos. Aquí, la imagen resultante se sitúa entre el documental y un trabajo actoral preciso.

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Helena Cabello (París, 1963) y Ana Carceller (Madrid, 1964)

Viven y trabajan en Madrid

 

 

La obra de Cabello/Carceller se sitúa en un territorio desde el cual cuestionan, reflexionan y/o fracturan los roles y estereotipos asociados al género. Entienden la identidad como algo que se construye en conflicto o en consonancia con un entorno social, cultural, político y económico. Señalar un `yo´ que se halla siempre en relación a los `otros´ es una idea que vertebra su producción.

 

En sus obras se revisan los patrones que se vinculan de forma estática tanto a los roles masculinos como femeninos. De esta manera, en sus piezas se subvierten imágenes, códigos de comportamiento y actitudes, asociadas a aquello que se considera comúnmente como masculino o femenino.

 

La relectura que desde su trabajo estas dos artistas ejercen de dichos modelos sitúa al espectador ante múltiples prejuicios, valores asumidos y contradicciones que logran desestabilizar de forma efectiva una visión unívoca de la realidad.

Fotografía B/N sobre papel baritado, virado al sulfuro, ed. de 7

Madrid, 1958
Vive y trabaja en Madrid

 

La obra de Chema Madoz, cercana a la poesía visual, muestra una inclinación constante hacia lo simbólico, mediante imágenes que se caracterizan por un sutil juego de paradojas y metáforas.

 

Respetando las convenciones de la ‘naturaleza muerta’, sus fotografías muestran objetos que encierran ‘vida’ y descubren una nueva dimensión de significados a través de la descontextualización, recolocación o yuxtaposición de las apariencias habituales y cotidianas. De esta manera, Chema Madoz da forma a un imaginario que pone en duda nuestra credulidad en la fotografía, y en la existencia de una realidad intangible.

 

El motiu, 1994

Sant Pol de Mar, 1957

Vive y trabaja en Sant Pol de Mar

 

 

Perejaume comenzó a exponer su obra a finales de los años setenta y desde entonces la ha ido desarrollado de forma paralela tanto en disciplinas visuales como en una extensión literaria.

 

El paisaje es un tema recurrente que analiza y explora su obra, retomando y reevaluando la presencia que ha tenido sobre todo en la producción literaria y pictórica. A través de esta aproximación, la relación con el paisaje se examina desde diversos puntos de vista no exentos de ironía. Puntos de vista que toman forma a través de la pintura, la escultura, la fotografía, la instalación, el vídeo o la misma intervención en el entorno natural.

 

Para Perejaume el hombre forma parte del paisaje, no es ajeno a él, es un agente más en su conformación y evolución, como si se hubiese acelerado el tiempo geológico.

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Santiago de Chile, 1967

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

En sus obras Fernando Prats “pinta” o, mejor dicho, recrea la naturaleza; trata de registrar huellas, de hacer visible lo invisible, de dar voz e imagen a lo que estaba ahí pero pasaba desapercibido.

 

Utilizando sismógrafos, calcos, fotografías, vídeos… registra el palpitar de diferentes realidades sobre soportes ahumados, desde el vuelo de aves hasta el surtidor salvaje de un géiser, el carbón profundo de unas minas o las poderosas olas que rompen contra el acantilado. De esta manera, Fernando Prats mantiene una relación poco ortodoxa con la pintura, tanto por la elección de sus instrumentos, como por la intervención del azar.

 

Su trabajo se formaliza en acciones que él mismo registra, y que muestran los procesos creativos intrínsecos a su obra. Las pinturas de Fernando Prats son objetos-tiempo, pues condensan en su forma acabada una historia, la de su creación, cuyos tiempos a menudo nada tienen que ver con los del artista, sino con los ritmos naturales.

 

Rio São Francisco II, 2015

São Paulo, 1967

Vive y trabaja en São Paulo

 

 

El registro de una naturaleza que cambia a gran velocidad es uno de los temas que articula la obra fotográfica de Caio Reisewitz y en este sentido sus imágenes se sitúan en una tradición en la que el medio fotográfico es testigo y captura realidades efímeras. La actividad del hombre en el planeta, y en ciertas zonas en particular, modifica de manera radical la fisonomía del paisaje.

 

Sus fotografías, de gran formato la mayoría de ellas, se caracterizan por su frontalidad y por una nitidez espectacular que muestra la naturaleza de manera exuberante, y de una belleza irreal utópica. En una ocasión él mismo comentaba: ‘a veces estas imágenes no parecen reales, de utópicas que son, pero son ciertas, es la pura realidad’.

Broken Alice, 2014

Lisboa, 1948

Vive y trabaja en Estoril, Portugal

 

 

Desde principios de los años setenta, Julião Sarmento ha explorado las posibilidades de la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación y el vídeo. En sus obras existe un proceso de ocultación sugerente y sitúa al espectador no solamente como observador sino que lo hace partícipe de su narrativa.

 

La mujer es un motivo recurrente en sus obras y parte de ella para elaborar conceptos vinculados a la sexualidad, el deseo o la seducción. Las relaciones que evoca de latente tensión, violencia, obsesión o misterio se obtienen a partir de una meticulosa dinámica entre los agentes que participan en el espacio físico, en el caso de las instalaciones, en la edición, películas y videos. Las obras resultantes desencadenan toda la intriga que se desprende de las imágenes en constante suspense y tensión.

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Siguiendo una línea de investigación de largo recorrido acerca de la relevancia de producir obras de arte, Perejaume propone un experimento minimalista, con dos obras nuevas.

 

A lo largo de su producción artística, Perejaume siempre ha cuestionado el espacio dedicado a las obras de arte. El espacio, entendido como lugar físico, como puede ser el espacio exterior o el lugar de exhibición -galería, museo- pero también el espacio mental. Dejar espacio a las obras de arte remite también a una noción temporal: ¿cuánto tiempo dedicamos a contemplar las obras? ¿Qué lugar ocupan en nuestras vidas?

 

La exposición se puede considerar como una representación íntima y teatralizada en dos tiempos.  

 

La antesala, de paredes oscuras, nos introduce en la galería con la frase: “¿No os parece que las obras empiezan a ser tan valiosas como el lugar que ocupan? ¿No oís que, de tantas como hay, las obras dicen y redicen, tanto al que las visita como al que las hace: “No cabemos, hacednos sitio”?

 

La primera sala está dedicada a una única fotografía en blanco y negro, realizada a partir de la exposición de 140 fotogramas de la película “El Ball de l’Espolsada”, que fue rodada en 1902. La filmación se encargó al estudio Napoleón de Barcelona cuando, a inicios del siglo XX, este baile popular fue objeto de recuperación tras cincuenta años en el olvido. La restauración de este material permitió redescubrir la coreografía original. La película, que es una de las filmaciones más antiguas de Cataluña, pertenece al Museo Etnológico de Barcelona y está depositada en la Filmoteca de la Generalitat de Catalunya.

 

En la segunda sala, nos encontramos un imponente proyector de cine que presenta la Projecció cinematogràfica del llegat Cambó. El legado Cambó es un fondo de cincuenta y dos pinturas de los grandes maestros europeos de entre los siglos XIV y XIX (Veronese, Tintoretto, El Greco, Rubens, Metsys, Gainsborough, Le Brun, Goya, Fragonard, Quentin de la Tour, Lucas Cranach, Tiepolo…). Es la aportación desinteresada de más valor que ha recibido el MNAC y proviene del político y mecenas Francesc Cambó (1876-1947). En la proyección, el legado fluye vertiginosamente como una fulguración cromática.

 

 

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Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957) ha recibido premios como el Premio Nacional de Arte Gráfico de la Real Academia de Bellas Artes, el Premio de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya. Recientemente ha comisariado la exposición Maniobra de Perejaume en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. Ha mostrado su obra en exposiciones como ¡Ay Perejaume, si vieras la acumulación de obras que te rodea, no harías ninguna más!, La Pedrera, Barcelona; Imágenes proyectadas, CAB Centro de Arte Caja Burgos, Burgos; Amidament de Joan Coromines, Es Baluard, Palma de Mallorca, La Pedrera, Barcelona; Retrotabula, Palacio de los Condes de Gabia, Granada, Artium Vitoria. Ha participado en bienales internacionales como Prospect 1 New Orleans (2008), Art Unlimited, Basel (2006), 51 Bienal de Venecia (2005). Ha publicado recientemente Mareperlers i Ovaladors, Edicions 62, Barcelona (2014) y Paraules Locals, Tushita edicions, Barcelona (2015).

solid surface, 2015

 

Galeria Joan Prats presenta solid surface, la primera exposición de Annika Kahrs en Barcelona, que reúne sus videos más recientes.

 

Annika Kahrs trabaja principalmente con video, performance y fotografía. Se interesa por las construcciones sociales y científicas, y por las relaciones orgánicas evolucionadas como las que se establecen entre humanos y animales. En su obra, Annika Kahrs examina representación e interpretación. Sus películas oscilan entre puestas en escena obvias y la observación estilo documental; una característica distintiva de sus películas es que la artista nunca se esconde en el film, incluso si su presencia sólo se revela en una breve mirada de un actor o actriz hacia la directora. Esto muestra un acercamiento particular al entorno que parece casi guiado por un proceso matemático.

 

Annika Kahrs presenta solid surface, with hills, valleys, craters and other topographic features, primarily made of ice, su último video sobre Plutón. La acción de esta película se sitúa en un planetario donde se proyecta un cielo estrellado en el centro del cual aparece una luz circular que identificamos con la luna, tras mirarlo detenidamente, este cuerpo celestial resulta ser un foco que muestra la ilusión de nocturnidad al revelar el blanco de la pantalla. En esta obra, la artista recurre a imagen y narración para hacer un retrato de Plutón, cuya visión pronto cambiará pues una misión de la NASA va a llegar a su órbita y podrá, por primera vez, fotografiarlo de cerca. Hasta el momento, las ilustraciones científicas del planeta se basaban en la especulación; este cambio de la imagen imaginaria al retrato real es lo que convierte a Plutón en el protagonista ideal de la obra de    Annika Kahrs.

 

La relación entre ficción y realidad también juega un papel importante en el video Sunset-Sunrise. En esta película, el espectador cree estar observando una puesta de sol, al ver el astro rojo brillando en el horizonte. Gradualmente la imagen se aclara, un velo reluciente se desplaza a través de la imagen desde abajo, hasta que la proyección se vuelve blanca. El enigma se soluciona cuando la cámara se aleja y nos permite descubrir que estamos en un aula. Por lo tanto, no hemos sido testigos de un extraño fenómeno natural, sino que se trataba de una proyección de un atardecer que se disuelve lentamente en la luz real al abrir las persianas de la sala.

 

En études cliniques ou artistiques, Annika Kahrs filma una mujer que adopta diversas posturas que parecen ser ejercicios gimnásticos o de yoga. Sin embargo, es la artista la que da instrucciones a la performer, siguiendo el modelo de fotografías del hospital psiquiátrico parisino de La Salpêtrière que muestran las posturas de “grandes ataques de histeria”, término creado por Charcot. En esta película Annika Kahrs deconstruye la mirada masculina a la vez que desenmascara la fotografía como medio de manipulación más que como documentación.

 

 

Annika Kahrs (Achim, Alemania, 1984) vive y trabaja en Hamburgo. Ha recibido diversos premios y becas, entre los cuales destaca el premio George-Maciunas-Förderpreis en 2012, donación de René Block. En 2011 ganó el primer premio de la 20 Bundeskunstwettbewerb del Ministerio de Educación e Investigación de Alemania.  Annika Kahrs ha participado en exposiciones celebradas en museos y centros de arte internacionales como Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlín(2015), Kunsthalle Bremerhaven (2015), exposición On the Road, en Santiago de Compostela (2014), la Bienal de Curitiba, Brasil (2013), Hamburger Kunsthalle (2013), KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2012), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn(2011), Goldsmiths University, Londres (2011), y el festival Velada de Santa Lucia en Maracaibo, Venezuela (2010). Participará en la 5ª Tessaloniki Biennale of Contemporary Art el próximo mes de junio.