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Cabello/Carceller

 

Tenemos el placer de participar en LOOP FAIR 2023, que tendrá lugar en el Hotel Almanac Barcelona, del 21 al 23 de noviembre de 2023. Presentamos un trabajo reciente de Cabello/Carceller, Una película sin ninguna intención, 2022, una videoinstalación de 3 canales que cobrará una resonancia particular en la habitación del hotel.

 

“Una película sin ninguna intención se inspira en un breve fragmento, apenas unos segundos, de la película Les rendez-vous d’Anna (1978) de Chantal Akerman. La acción sitúa a la protagonista sola en una anodina habitación de hotel. Anna acaba de entrar, se dirige hacia las ventanas y, antes de abrir una de ellas, descorre un visillo para observar desde ahí una ciudad industrial. La escena no reprodujo el guión original de la película. Si hubiera sido fiel a lo escrito, ese mundo que la protagonista contempla desde la ventana le habría sido visualmente ofrecido al público; pero al final, en las imágenes tan solo podemos ver a la protagonista de espaldas mirando hacia el exterior.

 

Lo que más nos interesó de esta escena aparentemente nimia fue su capacidad para evocar la experiencia de vida de quienes, por diferentes circunstancias, no encajamos en el modelo convivencial hegemónico. Aislamiento, incomprensión, distancia, cuerpo. Anna sale de esa habitación para fingir que interactúa con los demás. En Una película sin ninguna intención, A. (una abreviatura polisémica en referencia al personaje K. de Franz Kafka, a quien también refiriera Akerman) ocupa un espacio indefinido frente a tres ventanas, un visillo y una cortina opaca. A diferencia de Anna, A. no sale nunca de ese espacio físico.”

 

 

Cabello/Carceller

 

inauguración 29 de marzo, 19.00 h, con la presencia de la artista

30.03.2023 – 20.05.2023

 

 

Nos complace presentar la primera exposición individual de Tadáskía (Rio de Janeiro, 1993) en Galeria Joan Prats.

 

rara ocellet (Pájaro raro) reúne una selección de los últimos trabajos de Tadáskía desarrollados durante su residencia en el Salzburger Kunstverein (Austria) y Barcelona entre finales de 2022 e inicio de 2023. La exposición rara ocellet presenta dibujos, telas, esculturas, fotografías y una vídeo instalación y está acompañada de un texto de Ingrid Blanco Díaz (La Habana, 1972), comisaria independiente e investigadora afincada en Barcelona.

 

Esta exposición es la puerta hacia el imaginario casi místico de la artista, donde no solo representa su trabajo, sino también su relación con el mundo. Las obras que mostraremos transportan a un universo vivo y colorista para ofrecernos los sueños de su infancia o la intimidad de su familia. En la muestra destaca la figura del pájaro. “Ocellets es una forma cariñosa de llamar a los pájaros en catalán. También es el nombre de la plaza de al lado de donde estuve en Barcelona por primera vez. Lo que me hizo pensar en la gente y en la comida de la misma manera que pienso en los pájaros que emigran de un lugar a otro, cambiando pronto de idioma y de convivencia” (Tadáskía).

 

En palabras de Ingrid Blanco: “rara ocellet reúne varios de los procesos narrativos a través de los cuales la artista nos devela las herramientas que despliega para imaginarse y agenciarse. Su trabajo es una constante investigación sobre su lugar en el mundo y cómo se vincula a él.  A través de sus performances, en su relación con los objetos, los materiales, las formas, las texturas y los colores, expresa su identidad y revela cuáles son las decisiones que toma para construirse y existir.  La comunidad, la familia, el cuerpo, los lazos afectivos, las formas de interconexión, las experiencias vitales, lo mágico y lo ancestral son algunos de los ejes que encauzan su quehacer.”

 

La producción de Tadáskía puede agruparse en lo que la comisaria Clarissa Diniz (Recife, Brasil, 1985) denominó “familias”, conjuntos de obras con características similares que crean una relación entre ellas como la relación que une una familia. A la artista le interesa presentar el espíritu de las cosas, en un procedimiento situado entre la figuración y la abstracción; donde lo sencillo llega a ser místico. En sus dibujos de cualidades volátiles y sensibles, a menudo realizados con materiales simples, como papel reciclado, lápices de colores o esmaltes de uñas, conviven agrupaciones a veces complementarias, a veces disidentes. Dependiendo de dónde nos encontremos, puede haber transformaciones en la forma, el color, la línea.” (Tadáskía)

 

Tadáskía es una artista visual, escritora, trans y negra. Su imaginario está respaldado por cosas visibles e invisibles. Ya sea en dibujos, fotografías, instalaciones, trabajos textiles o “apariciones”, Tadáskía establece una relación con la materia que puede surgir del encuentro, creando a su alrededor imaginarios afrodiaspóricos y una espiritualidad sincrética.  En sus obras, la artista sugiere otras nociones de tiempo y espacio frente a los binarismos, planteando también interrogantes en los campos de la forma, la línea y el color.

 

 

Tadáskía (Rio de Janeiro, Brasil, 1993) vive y trabaja entre Río de Janeiro y São Paulo. Es licenciada en Artes Visuales por la UERJ (2012-2016) y tiene un Máster en Educación por la UFRJ (2019-2021). En 2022 realizó su primera exposición individual noite e dia en Sé, São Paulo, y también en Europa, durante su residencia en Homesession, Barcelona. Ha participado en exposiciones colectivas recientes en MAM, São Paulo, 2022; ISLAA, Nueva York; Triangle Astérides, Marsella; Framer Framed, Ámsterdam; Madragoa, Lisboa; Casa de Cultura do Parque, São Paulo; Casa Zalszupin, São Paulo (2022); Pivô, São Paulo; Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo; Galeria Luisa Strina, São Paulo; Casa da Cultura da Comporta; EAV Parque Lage (2021); Museu de Arte do Rio de Janeiro (2020-21); Paço Imperial, Rio de Janeiro; EAV Parque Lage, Rio de Janeiro (2019-2020). En 2023 ha estado en residencia en Salzburger Kunstverein, Salzburgo.

 

Agradecimientos a Loop, Homesession

 

CASA ÁRABE MADRID. Hassan Fathy: a contracorriente

 

28/01 – 16/05/2021

 

 

 

A partir del 28 de enero, Casa Árabe ofrece en Madrid la exposición Hassan Fathy: a contracorriente, comisariada por José Tono Martínez, en la que se recogen planos, maquetas, fotografías y libros del conocido como “el arquitecto de los pobres”. En este marco, se presentarán algunas obras de Hannah Collins y su visión personal del arquitecto, incluyendo el video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head.

 

 

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As of January 28, Casa Árabe offers in Madrid the exhibition Hassan Fathy: a contracorriente (against the current), curated by José Tono Martínez, in which plans, models, photographs and books by the “architect of the poor” are collected. In this context, some works by Hannah Collins will be presented, along with her personal vision of the architect, including the video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head

 

 

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MoMA PS1 now screening “Political Advertisement X: 1952–2020 (2020)” at the MOMA Magazine.

 

From 19.01 til 31.01.2021, you can watch the film “Political Advertisement X: 1952–2020 (2020)” by Muntadas and Marshall Reese online, along with Artur Żmijewski’s “Democracies” (2009) and Bani Abidi’s “RESERVED” (2006).

 

Drawn primarily from MoMA’s collection, and looking ahead to the forthcoming exhibition “Signals: The Politics of Video”, the selection of works takes on the newly omnipresent impact of video on politics, on the cusp of world change.

 

Artists have created some of the most prescient and perceptive takes on this media transformation. Here, in this limited screening series, we present an international selection of artists’ experiments that feel uncannily relevant to our relationship with video today.

 

 

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¿Para qué sirven las canciones? 

La Casa Encendida. 

Del 08 de octubre al 10 de enero de 2021. 

 

 

La Casa Encendida dedica esta exposición a mostrar la obra más reciente de Carles Congost en la que a su vez presenta su nuevo trabajo ‘¿Para qué sirven las canciones?’, creado específicamente para este proyecto.

 

‘¿Para qué sirven las canciones?’ es la nueva pieza realizada por el artista, que articula un relato juvenil de carácter urbano en el que establece una serie de preguntas acerca de las nuevas generaciones, su inconformismo, las vías de resistencia individual ante las imposiciones sistémicas, la precarización y los sueños o ideales frustrados en el contexto actual de continua crisis del modelo capitalista.

 

La exposición acoge, además, cuatro de sus últimas obras: ‘Simply the Best’, ‘Wonders’, ‘Abans de la casa’ y ‘Paradigm’, que compartirán espacio en formato de vídeo instalaciones.

 

 

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Annika Kahrs

Inauguración: 14.11.2019 de 18 a 21h

Exposición: 20 y 21.11.2019 de 11 a 20h y hasta el 30.11.2019 con cita previa (t. 932160290 o galeria@galeriajoanprats.com)

Lugar: Joan Prats Warehouse. Passatge Saladrigas, 5 Barcelona. Metro Poblenou

 

 

Con motivo del Festival de Loop, presentamos en nuestro espacio Joan Prats Warehouse una selección de vídeos y una instalación sonora recientes de las artistas Alicia Kopf, Annika Kahrs y Teresa Solar que vinculan historias o reflexiones personales con la exploración espacial, la tecnología y la ciencia.

 

El título de la exposición, 26 mil años luz, hace referencia a la distancia que nos separa de Sagittarius A* (Sgr A*), un agujero negro supermasivo situado en el centro de la Vía Láctea, cuya observación parece confirmar que los agujeros negros crecen absorbiendo otros menores y estrellas. La especulación científica entorno al espacio exterior a menudo se acerca a la ciencia ficción, tal y como aparece en las obras que presentamos.

 

El vídeo de Alicia Kopf Speculative Intimacy: An Understanding Of Control, 2019, propone una perspectiva de ciencia ficción emocional para originar nuevos relatos alrededor de las interacciones entre los cuerpos, humanos y no-humanos. La película se sitúa en un futuro cercano donde las fronteras de lo público y lo privado han desaparecido, las vidas transcurren en continua exposición. Michelle, su protagonista, investiga un concepto en crisis: ¿Qué es la intimidad? y dialoga con su compañero no-humano sobre este concepto.

 

Annika Khars presenta dos obras. El vídeo solid surface, with hills, valleys, craters and other topographic features, primarily made of ice, 2014, muestra un planetario donde se proyecta un cielo estrellado en cuyo centro se ve una luz circular que parece la luna pero que resulta ser un foco. En esta obra de 2014, la artista recorre a imagen y narración para hacer un retrato de Plutón, cuya visión estaba a punto de cambiar ya que New Horizons, una misión no tripulada de la NASA, se estaba dirigiendo hacia su órbita. Finalmente lo sobrevoló el 14 de julio de 2015 y pudo, por primera vez, fotografiarlo de cerca. Hasta el momento, las ilustraciones científicas del planeta se basaban en la especulación.

 

La otra obra de Annika Kahrs es la instalación sonora think about two black holes colliding, then brush your teeth and go to bed, 2019, que está dividida en dos partes y que explora las ondas gravitacionales. En 2015, el observatorio de ondas gravitacionales LIGO anunció la primera observación directa de estas ondas durante la colisión de dos agujeros negros. En la primera parte, utilizando un cepillo de dientes como instrumento, Annika Kahrs recrea el sonido de su detección junto a los datos de audio cortesía de LIGO. En la segunda parte, Annika Kahrs ha registrado entrevistas entre el Dr. Keith Thorne de LIGO y algunas personas que provienen de diferentes ámbitos.

 

En el vídeo de Teresa Solar Ground Control, 2017, la artista se transforma en la bola de arcilla que gira sobre el torno. El cuerpo girando es acompañado por narraciones fragmentadas que relacionan el accidente del transbordador espacial Columbia estallando en pedazos debido a un fallo en su escudo protector, con las lesiones personales sufridas por la propia artista. El título Ground Control tiene un doble significado: hace una alusión directa a la tierra o arcilla y la presión que se ejerce sobre ella para trabajarla en el torno y también remite al centro de operaciones desde el cual se monitoriza el desarrollo del vuelo de una nave espacial. A través del título, esta experiencia mínima de comunicación y equilibrio conflictivo entre sujeto y materia aumenta de escala, vinculándose con los viajes espaciales.

 

 

 

Alicia Kopf (Girona, 1982) vive y trabaja en Barcelona. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Teoría literaria y Literatura Comparada. Ha expuesto en museos y centros de arte como Accademia Di Spagna, Roma (2019), MAC La Coruña en la 15ª muestra de arte Naturgy (2018); Sala Mendoza, Caracas, Mazcul, Maracaibo (2017); CCCB, Barcelona, Museo de Antioquía, Medellín, Colombia (2015); Goethe Institute, La Capella y MACBA, Barcelona (2014); Fundació Tàpies, Barcelona (2013); Bòlit La Rambla, Girona (2011) o CaixaForum, Barcelona (2009). Recientemente ha expuesto en Azkuna Centroa, Bilbao, dibujos de la serie ‘Conquest drawings’, dentro de la exposición ‘Nunca real/Siempre verdadero’ comisariada por Iván de la Nuez. Como novelista, destaca su obra ‘Hermano de hielo’, publicada el 2015, con la que ganó el Premio Documenta 2015, el Premio Llibreter 2016, el Premio Ojo Crítico 2016 y el Cálamo Otra Mirada 2017.

 

Annika Kahrs (Achim, Alemania, 1984) vive y trabaja en Hamburgo. Ha recibido diversos premios y becas, entre los cuales destaca el Max-Pechstein-Förderpreis–Stipendium, de Zwickau, en 2019 y George-Maciunas-Förderpreis en 2012, donación de René Block. En 2011 ganó el primer premio de la 20 Bundeskunstwettbewerb del Ministerio de Educación e Investigación de Alemania. Annika Kahrs ha participado en exposiciones celebradas en museos y centros de arte internacionales como la Kunstverein de Kassel (2018), Kunsthalle Lingen (2017), Cité International des Arts (2016), Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlín(2015), Kunsthalle Bremerhaven (2015), exposición On the Road, en Santiago de Compostela (2014), la Bienal de Curitiba, Brasil (2013), Hamburger Kunsthalle (2013), KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2012), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn(2011), Goldsmiths University, Londres (2011), y el festival Velada de Santa Lucia  en Maracaibo, Venezuela (2010).

 

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente (ARCOmadrid 2017) y del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Actualmente, presenta a Index, Estocolmo Ride, Ride, Ride, una exposición individual que había estado en Matadero, Madrid (febrero, 2018) con el título de Cabalga, Cabalga, Cabalga. Recientemente ha mostrado Flotation Line en Der Tank, Basel (junio, 2018) y dentro del programa Composicions del Barcelona Gallery Weekend (septiembre, 2018) y ha formado parte de la expedición de 2018 “The Current” organizada por TBA21 -Academy. Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012) y ha participado en exposiciones colectivas en Haus der Kunst, Munich (marzo, 2018), en Kunstverein Braunschweig (junio, 2018), en la sección de “El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer” en ARCOmadrid (febrero, 2018), en Kunstverein München, Munich (2017), en Fundación Marcelino Botín, Santander (2016) y en Macro, Roma (2015), entre otros.

CAT

En el marc de FIAC, Cinéphémère es presenta un vídeo de Perejaume, programa comissariat per Carolina Ciuti.

 

CAST

En el marco de FIAC, Cinéphémère se presenta un video de Perejaume, programa comisariado por Carolina

 

ENG

In the framework of FIAC, Cinéphémère presents a video of Perejaume, a program curated by Carolina Ciuti.

 

 

Perejaume

Surar, 2009, 9 min 50

 

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Episodes of the series  “Alex” by Pauline Bastard
Now online on forde.ch

 

A good Story never started with a Glass of Milk’ is a polyphonic exhibition based around the idea of the anecdote. Instead of works of art, this show will gather oral material through a serie of public live meetings with the artists. However, it will not be a question of « telling » or « describing » pieces instead of showing them, nor is it about art at all. Maybe it’s not exactly an exhibition, but since art has always been about telling stories, it still counts.The anecdote is an archaic that gathered people together around the fire, around a meal. Brief and exemplary, the anecdote is a story that comes after the fact, that interprets reality and delivers a meaning, a secret. A collection of sensations, affects, reflections, images, it punctuates the language of the philosopher who uses it to reveal the complexity of a thought; it is a « savoir-dire », a theory in action, a mnemonic. (Definition borrowed from Claire de Ribaupierre, Anecdotes, JRP 2007)

 

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21.06 – 13.10.2019

FUNDACIÓ ANTONI TÀPIES

 

Conversación / Conversation 20.06, 19.00h / 7pm

Conversación con Hannah Collins y Anna Puigjaner en el auditorio de la Fundació Tàpies, 20.06, 19.00h  /  Conversation with Hannah Collins and Anna Puigjaner at the Fundació Tàpies auditorium, 20.06, 7 p.m.

 

Hannah Collins, artista, y Anna Puigjaner, doctora en arquitectura, cofundadora de MAIO arquitectos y autora de Kitchenless City, conversarán sobre arquitectura, colectivismo y sostenibilidad durante la presentación de la exposición que pone el foco en la figura arquitecto egipcio Hassan Fathy (1900-1989).

Hannah Collins, artist, and Anna Puigjaner, Ph.D. in architecture, co-founder of MAIO architects and author of Kitchenless City, will talk about architecture, collectivism and sustainability during the presentation of the exhibition that focuses on Egyptian architect Hassan Fathy (1900-1989).

 

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Sammlung Falckenberg

Deichtorhallen Hamburg

13.04 – 03.11.2019

 

Exhibition with :

Vito Acconci, Gabor Altorjay, John Bock, Claus Böhmler, Öyvind Fahlström, Harun Farocki, Jeanne Faust, Lee Friedlander, Gintersdorfer/Klaßen, Rosanna Graf, Britta Gröne/Peter Piller, Romeo Grünfelder, Christian Jankowski, Volko Kamensky, Naho Kawabe, Mike Kelley, Jon Kessler, Nina Könnemann, Till Krause, Vlado Kristl, Lene Markusen, Paul McCarthy, Aurelia Mihai, Ernst Mitzka, Vanessa Nica Mueller, Karina Nimmerfall, Wolfgang Oelze, Tony Oursler, Nam June Paik, Stefan Panhans Rotraut Pape/Raskin, reproducts, Rainer Korsen/Gerd Roscher, Oliver Ross, Gerhard Rühm, Swen Erik Scheuerling, Corinna Schnitt, Paul Spengemann, Hans Stützer, Mike Mandel/Larry Sultan, Inga Svala Thorsdottir, Helena Wittmann, Steffen Zillig

 

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Teresa Solar

Madrid, 1985

Vive y trabaja en Madrid

 

 

El trabajo de Teresa Solar gira en torno a prácticas heterogéneas que se materializan en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan. No obstante, durante los últimos años, su práctica artística se ha decantado más por el dibujo y por la escultura, con materiales como la cerámica o el barro, que han sido usados, desde el principio de la humanidad y hasta la actualidad, por sus propiedades de aislamiento, resistencia y dureza.

 

A partir de estos elementos, la obra de Teresa Solar ahonda en la autobiografía, aludiendo a los viajes cotidianos por el subsuelo en el metro de Madrid o lesiones de su propio cuerpo, a la preocupación por el habla y los órganos de fonación, y, a la vez, reflexiona sobre temas de gran alcance, por ejemplo vinculados a la zoología, la geología o a la exploración espacial.

 

Junto al interés por la materialidad del barro y de la tierra, aparece en la obra de Teresa Solar otro lenguaje figurativo que se mueve entre el detallismo de las ilustraciones científicas y las representaciones pedagógicas de los museos de historia natural, y el brillante colorido de las atracciones de feria, que ha dado como resultado obras como Cabalga, Cabalga, Cabalga o Línea de Flotación. Se trata de grandes instalaciones de esculturas, que forman familias con piezas de diferentes tamaños, algunas de ellas monumentales. Al mismo tiempo, Teresa Solar es una ávida dibujante que trabaja esta técnica para expresar sus emociones de manera más directa.

Lola Lasurt

Barcelona, 1983

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

Lola Lasurt centra su actividad artística en la pintura y el video, muchas veces a partir de procesos colaborativos que aportan, a sus trabajos de carácter personal, una proyección universal.

 

El trabajo sobre el ‘des-tiempo’, entendido como el análisis y el cuestionamiento de un periodo temporal anterior al propio, es uno de los ejes vertebradores de su obra que, frecuentemente, toma como punto de partida elementos de la cultura material y estética reveladores de pautas de comportamiento y parámetros ideológicos de una época determinada.

 

Sus obras giran en torno a las temáticas de la memoria y el olvido, de la nostalgia y de la necesidad de amnesia. Lola Lasurt se interesa por el tiempo histórico individual y su relación con las directrices de la cultura hegemónica y la construcción de símbolos colectivos.

Alicia Kopf

Gerona, 1982

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

A partir del ejercicio del dibujo y la escritura, Alicia Kopf reflexiona en torno a temáticas aparentemente individuales que se han convertido en preocupaciones generacionales.

 

La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Literatura Comparada, formación que le permite acercarse a temas tan diversos como la precariedad de la vivienda o la épica de las exploraciones polares desde una posición que combina admiración y distancia irónica.

 

La obra de Alicia Kopf parte de una metáfora, que le permite realizar un ejercicio de análisis que conducirá finalmente a diferentes asociaciones. De esta manera, en su proyecto Articantàrtic, a partir de la apropiación y reelaboración de documentos gráficos y narrativos de exploradores de los polos, Alicia Kopf convierte un relato histórico en un relato en primera persona sobre la resistencia, la obsesión y la idea de conquista.

Carles Congost

Olot,1970

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

La obra de Carles Congost se sitúa en torno a la construcción de la personalidad y los códigos de conducta y se caracteriza por la re-elaboración de estereotipos cinematográficos, fotográficos, musicales, etc. Su trabajo se desarrolla de forma acorde en diferentes disciplinas –fotografía, vídeo, sonido, y dibujo- incorporando a su vez un tratamiento clásico e irónico de la imagen.

 

El mundo del arte constituye una de las temáticas que Congost ha incorporado en su obra reciente, a partir de puestas en escena muy teatralizadas que cuestionan los mecanismos, dinámicas, estereotipos, etc. del propio ámbito artístico.

Cabello/Carceller

Helena Cabello (París, 1963) y Ana Carceller (Madrid, 1964)

Viven y trabajan en Madrid

 

 

La obra de Cabello/Carceller se sitúa en un territorio desde el cual cuestionan, reflexionan y/o fracturan los roles y estereotipos asociados al género. Entienden la identidad como algo que se construye en conflicto o en consonancia con un entorno social, cultural, político y económico. Señalar un `yo´ que se halla siempre en relación a los `otros´ es una idea que vertebra su producción.

 

En sus obras se revisan los patrones que se vinculan de forma estática tanto a los roles masculinos como femeninos. De esta manera, en sus piezas se subvierten imágenes, códigos de comportamiento y actitudes, asociadas a aquello que se considera comúnmente como masculino o femenino.

 

La relectura que desde su trabajo estas dos artistas ejercen de dichos modelos sitúa al espectador ante múltiples prejuicios, valores asumidos y contradicciones que logran desestabilizar de forma efectiva una visión unívoca de la realidad.

Perejaume

Sant Pol de Mar, 1957

Vive y trabaja en Sant Pol de Mar

 

 

Perejaume comenzó a exponer su obra a finales de los años setenta y desde entonces la ha ido desarrollado de forma paralela tanto en disciplinas visuales como en una extensión literaria.

 

El paisaje es un tema recurrente que analiza y explora su obra, retomando y reevaluando la presencia que ha tenido sobre todo en la producción literaria y pictórica. A través de esta aproximación, la relación con el paisaje se examina desde diversos puntos de vista no exentos de ironía. Puntos de vista que toman forma a través de la pintura, la escultura, la fotografía, la instalación, el vídeo o la misma intervención en el entorno natural.

 

Para Perejaume el hombre forma parte del paisaje, no es ajeno a él, es un agente más en su conformación y evolución, como si se hubiese acelerado el tiempo geológico.

Javier Peñafiel

Zaragoza, 1964

Vive y trabaja en Mallorca

 

 

Los dibujos, videos, textos y esculturas de Javier Peñafiel conforman un sistema lingüístico paralelo a la realidad pero ajeno a él.

 

A lo largo de su carrera, Peñafiel ha construido un universo poblado de personajes; de frases que funcionan de forma autónoma, como sentencias que tienen la función de incordiar el apacible y rutinario uso de la lengua por parte del espectador; o videos en donde se combinan diversos elementos en forma de tableaux, compartiendo el espacio pero manteniendo a su vez su identidad separada.

 

Los trabajos de Peñafiel reflejan la necesidad y la dificultad en la comunicación directa. Sus obras indagan en la doble identidad –como obstáculo y como puente– que representa el lenguaje en esa comunicación.

Fernando Prats

Santiago de Chile, 1967

Vive y trabaja en Barcelona

 

 

En sus obras Fernando Prats “pinta” o, mejor dicho, recrea la naturaleza; trata de registrar huellas, de hacer visible lo invisible, de dar voz e imagen a lo que estaba ahí pero pasaba desapercibido.

 

Utilizando sismógrafos, calcos, fotografías, vídeos… registra el palpitar de diferentes realidades sobre soportes ahumados, desde el vuelo de aves hasta el surtidor salvaje de un géiser, el carbón profundo de unas minas o las poderosas olas que rompen contra el acantilado. De esta manera, Fernando Prats mantiene una relación poco ortodoxa con la pintura, tanto por la elección de sus instrumentos, como por la intervención del azar.

 

Su trabajo se formaliza en acciones que él mismo registra, y que muestran los procesos creativos intrínsecos a su obra. Las pinturas de Fernando Prats son objetos-tiempo, pues condensan en su forma acabada una historia, la de su creación, cuyos tiempos a menudo nada tienen que ver con los del artista, sino con los ritmos naturales.

 

Julião Sarmento

Lisboa, 1948 – Estoril, 2021

 

 

Desde principios de los años setenta, Julião Sarmento ha explorado las posibilidades de la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación y el vídeo. En sus obras existe un proceso de ocultación sugerente y sitúa al espectador no solamente como observador sino que lo hace partícipe de su narrativa.

 

La mujer es un motivo recurrente en sus obras y parte de ella para elaborar conceptos vinculados a la sexualidad, el deseo o la seducción. Las relaciones que evoca de latente tensión, violencia, obsesión o misterio se obtienen a partir de una meticulosa dinámica entre los agentes que participan en el espacio físico, en el caso de las instalaciones, en la edición, películas y videos. Las obras resultantes desencadenan toda la intriga que se desprende de las imágenes en constante suspense y tensión.