Presentamos en la Galería Joan Prats la exposición de Ferran Garcia Sevilla La Teoría de la Evolución, La Evolución de la Teoría.

La exposición reúne una selección de obras iniciadas a finales de los años sesenta. El conjunto inicial representa uno de los periodos menos conocidos del artista.

La exposición propone un recorrido para conocer y comprender diferentes momentos significativos y determinantes de su trayectoria que nos muestran la conexión existente desde su inicio conceptual y la continuidad de sus valores subyacentes, manteniendo una interrelación no formal a lo largo del tiempo y hasta su obra reciente.

Presentamos las obras,

Os 5, 2011, Técnica mixta sobre tela

Os 1, 2011, Técnica mixta sobre tela

Suc, 2010, Técnica mixta sobre tela

Tibo (selección), 1998, Impresión digital sobre papel

Imperi 20, 1983, Técnica mixta sobre tela

Respostes 3, 1974, Fotocopias

Ombra, 1974, Impresión digital sobre papel

Un centre i un altre centre i un altre centre…, 1972, Texto mecanografiado sobre papel

Meridià, cel amb sol, 1971, Fotografía, b/n

Accident, 1970, Estantería de cristal, vidrios rotos

Gran Tensió, 1969, Fotocopia e hilo

Buit, 1967, Huevos y paño

Ferran Garcia Sevilla, Palma 1949, reside en Barcelona. Las últimas exposiciones recientes han sido en IMMA Dublín y Seibu Tokio. Y ha participado en las exposiciones de grupo de la Colección Helga de Alvear de Cáceres, y Galerie Lelong de Zurich, entre otras. Participó en la Documenta 8, 1987 y en la XLII Bienal de Venecia, 1986.

Su última exposición en la Galería Joan Prats fue el año 2007.

Presentamos en la Galeria Joan Prats la exposición aire corrent de Jordi Alcaraz, que reúne una selección de obras de varios formatos realizadas en 2012.

Partiendo de la tradición clásica de la pintura y la escultura, Jordi Alcaraz reflexiona acerca del volumen, del lenguaje y del tiempo por medio de materiales, como el agua, el vidrio, los espejos, y también los libros.

En su lenguaje artístico predomina la trasgresión visual, el intercambio de miradas y la conjugación de transparencias y vacíos que permiten entrever espacios ocultos, mágicos. Sus obras establecen una relación inédita y metafórica con el mundo a través de su peculiar tratamiento de los materiales y sus juegos de palabras.

La voluntad de superar el plano rígido del soporte es el procedimiento destacado en la mayoría de sus obras. La superficie de su obra tiene un comportamiento plástico similar al de los líquidos, puede ser atravesada, maleada, impactada, y adquirir la consistencia del cristal. Sus planteamientos cuestionan la existencia de límites precisos, tanto en lo referente a los géneros –pintura, escultura, escritura-, como a conceptos como interior-exterior, realidad-representación, evidencia-evocación, presencia-ausencia, volumen-vacío, racional-poético.

En sus últimas obras, Jordi Alcaraz profundiza en la exploración, casi obsesiva, del trabajo del artista: dibujar, esculpir, pintar, centrándose en el proceso creativo, y no en la obra como fin de dicha acción.

Estas pinturas y esculturas están explícitamente destinadas a no relacionarse con ninguna teoría preconcebida, verbalización o intención específica; y exploran la idea de que algo una vez nombrado, empieza a desaparecer.

El resultado son obras en las que la ausencia es más importante que la evidencia, la ausencia de casi todo, el protagonismo de la desaparición de la obra, la permanencia de la acción. Podemos ver el espacio que ha quedado, el rastro del material utilizado, la huella de su antigua presencia en los agujeros de la superficie, o el color que queda atrapado en el bucle de papel, pero la ausencia de cualquier otra cosa es casi absoluta. Y a veces no vemos ni siquiera el material, el rastro, el reflejo…a veces vemos tan solo humo, o la esencia de algo tan frágil como una nube.

Jordi Alcaraz (*1963), nacido en Calella, Barcelona, inicia su trayectoria artística en el ámbito de la escultura y el grabado en los años 80. En los últimos años ha realizado exposiciones en Los Angeles Municipal Art Gallery (LAMAG), Los Angeles, USA (2011); LACMA, Los Angeles, USA (2011); Museum Der Bildenden Künste, Leipzig, Alemania (2010); Arts Santa Mònica, Barcelona (2010); Centre d’Art Tecla Sala, L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, (2008) o Fundación Telefónica, Madrid (2001), entre otros. Sus obras se encuentran en colecciones como Biedermann Museum, Donaueschingen, Alemania; Colección Fontanal Cisneros, Miami o Williams Collection, Nueva York, entre otras.

En 2013, Jordi Alcaraz participará en la exposición ‘Nuage‘ en el Musée Rattu de Arles, Francia.

El nuevo proyecto de Aleksandra Mir Local Library se sitúa en la intersección entre escultura y mobiliario, desde una librería a diversas combinaciones de estanterías con libros, llegando a expandirse en instalaciones del tamaño de una habitación con mesas y bancos, todas ellas de medidas flexibles, siendo obras únicas. La artista se refiere a sus objetos como “piezas de confort para la era digital” y los visualiza colocados en entornos que, de otra manera, podrían resultar fríos, como galerías, museos e incluso hogares, en coexistencia con modernos aparatos electrónicos de información: ordenadores, pantallas de plasma, teléfonos móviles y, por supuesto, lectores de libros digitales, como Ipads o Kindles.

En 2011, Amazon, la librería más importante del mundo, anunció que las ventas de libros digitales habían superado a las de papel, hecho muy lamentado pues supone que se ha impuesto, por encima de la calidez y tactilidad de los libros tradicionales, la eficiencia del libro digital, que permitiría llevar miles de títulos en el bolsillo. Así pues, Local Library señala un momento de reflexión, el momento en que vemos desaparecer el libro tal como lo conocíamos desde la invención de la imprenta en el siglo XV. Además, Aleksandra Mir invierte el proceso de realización del libro, volviendo al papel sin tratar, a través de su estado original, la madera.

En Local Library de Aleksandra Mir cada obra lleva el nombre de un autor o personaje literario, y por otra parte se inspira en la omnipresente estantería de IKEA Billy. En contraste con la producción masiva de esta librería, las estanterías de Local Library son esculturas únicas realizadas manualmente y que se vinculan con los nombres a los que se asocian.

UGO (Volli – n.1942, semiólogo italiano)

ASTRID (Lindgren – n.1907, autora sueca de literatura infantil)

ERICH (Kästner – n.1899, autor alemán de literatura infantil)

EMIL (de los relatos de Kästner) e IDA (de los relatos de Lindgren)

MERCÈ (Rodoreda – n.1908, novelista, poeta y escritora de cuentos y teatro catalana)

GRIMM (hermanos – n.1785/86, filólogos alemanes y escritores de cuentos de la literatura popular europea)

UMBERTO (Eco – n.1932, semiólogo, ensayista, filósofo, crítico literario, y novelista italiano)

CHARLOTTE-ROSE (de Caumont de La Force – n.1654, novelista y poeta francesa)

TERENCI (Moix – n.1942, escritor catalán de novela y de ensayo)

RAPUNZEL (del cuento de los hermanos Grimm, adaptación de Persinette de De Caumont de La Force)

MAXIM (Gorki – n.1868, autor, activista político ruso y soviético)

LEO (Tolstói – n.1828, novelista y dramaturgo ruso)

ANNA (Ajmátova – n.1889, poeta vanguardista rusa y soviética)

OLGA (Ivanovna Obukhova – n.1941, periodista, escritora de ciencia ficción y traductora rusa)

ALLA (Nazimova – n.1879, actriz, guionista y productora cinematográfica y teatral ruso-estadounidense)

MASHA (Gessen – n.1967, periodista, autora y activista política ruso-estadounidense)

Existen más de 50.000 especies de madera en el mundo, con casi 200 tipos disponibles comercialmente, así no es de extrañar la gran variedad de texturas y colores. Toda la madera en la obra de Aleksandra Mir muestra su color natural: los verdes oscuros, morados, amarillos y marrones que compondrían el rico espectro de la paleta de un pintor, y sin embargo no se ha usado ningún tipo de tinte o pintura, tan solo un aceite neutro para la preservación y realce de sus cualidades orgánicas naturales. Las primeras piezas se han realizado manualmente a partir de más de 20 especies de madera natural, profundizando en las conexiones entre la naturaleza, la historia y el sentido de la ubicación en su obra.

Local Library también puede percibirse como biblioteca de otra lectura, pues la superficie, la textura y el color de cada uno de los bloques de madera cuenta la historia dramática de un tiempo y un lugar como lo haría una novela. Los colores se oscurecerán o aclararán con el tiempo, debido a procesos orgánicos dependientes de la luz y las condiciones climáticas. Lo que se presenta actualmente sin duda cambiará en el futuro. La belleza del proceso de envejecimiento pasará a un primer plano a la vez que la historia continuará narrando estas obras.

Aleksandra Mir (*1967), nacida en Polonia, es ciudadana Sueco-Americana en la actualidad residente en Londres. Estudió Media Arts en la School of Visual Arts y Antropología Cultural en The New School for Social Research en Nueva York (1989-1996). Ha presentado exposiciones individuales en Kunsthaus, Zurich (2006), Printed Matter, NY (2007), Mary Boone Gallery, NY (2007/2008), Saatchi Gallery, Londres (2008), Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2009), The Whitney Museum of American Art, NY (2011) y su participación en exposiciones colectivas internacionales incluye la 53 Bienal de Venecia, Venecia (2009), Print/OUT, MoMA, NY (2012), ARTandPRESS, Martin-Gropius-Bau, Berlin (2012). Actualmente está preparando una exposición individual retrospectiva en Museum Leuven, Leuven, Bélgica (2013) sobre 15 años de su trabajo sobre la exploración del espacio.

Local Library es la tercera exposición individual de la artista en la Galeria Joan Prats en Barcelona.

Nos complace anunciar la primera exposición en Galería Joan Prats de Joaquim Chancho, en la que presentamos obra reciente del artista, óleos sobre tela de gran formato.

La trayectoria de Joaquim Chancho, vinculada a la abstracción, se define por un intenso estudio que parte del silencio, la geometría y los ciclos naturales, y por un trabajo siempre guiado por una sintaxis voluntariamente parca. De esta manera, el título de la exposición, Deixeu-me tancar la finestra, es una referencia a una serie de obras anteriores del artista, realizadas durante la década de los noventa.

La selección de obras de la exposición tiene como característica el uso de la reiteración y el ritmo. De este trabajo pictórico surgen las formas zigzagueantes que protagonizan las composiciones. El artista se deja llevar por los sistemas de equilibrio que rigen el mundo, creando un diálogo intenso con la geometría, y centrándose en la superficie del cuadro como pura abstracción. Los paralelismos, las repeticiones, los cambios de ritmo remiten al ejercicio de la poesía y dan forma a una nueva métrica. El protagonismo cromático y su interrelación alejan estas pinturas de la severidad y conforman un riguroso lenguaje pictórico.

Joaquim Chancho (Riudoms, Tarragona, 1943) vive y trabaja en Barcelona y El Pla de Santa Maria, Tarragona. Joaquim Chancho es profesor emérito de la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en el MACBA, Barcelona; National Museum of Contemporary Art of Korea, Seúl; Fundació Suñol, Barcelona; Foundation Maeght, Saint Paul de Vence, Francia; Art Center Berlin Friedrichstrasse, Berlín; Fundació Joan Miró, Barcelona; Casal Solleric, Palma de Mallorca; Museo Rufino Tamayo, México.

Nos complace anunciar la exposición de Hannah Collins, Begin Anywhere (John Cage), en la que presentamos obra reciente, fotografía y vídeo.

La selección de fotografías que configuran la exposición refleja el interés de la artista por la modernidad y su viaje a través del siglo XX, centradas en el atelier de Brancusi, el cual se cedió a París con la condición de que la disposición interna siguiese igual que cuando él vivía. El viaje de Brancusi a París, las propias imágenes de su trabajo y sus objetos, y sus obras inconclusas están colocadas como si hubiese abandonado el espacio momentáneamente y sin embargo, el contexto es el espacio de un arquitecto en cuya trayectoria destacan edificios todavía en funcionamiento.

Estas imágenes se presentan junto a una película en time-lapse grabada en una fábrica textil abandonada del norte de Francia, cerca de París, que alcanzó su apogeo de producción durante el siglo XX. Con el telón de fondo del lapso de 24 horas en el interior de la fábrica de La Tossée, rodado durante dos noches y dos días, los residentes de Roubaix reviven sus sueños. Todos los soñadores tienen alguna conexión con Argelia y en sus sueños a menudo viajan a lugares inalcanzables en la vida cotidiana –mientras un hombre se ve a sí mismo volando sobre su casa en Argelia, otro soñador se convierte en el Presidente de Francia, capaz de alterar y cambiar el país a voluntad. Los sueños nos son revelados desde la intimidad nocturna mientras vemos la fábrica descuidada y abandonada. A medida que la noche deja paso al día, el sonido, que es la única acción, nos guía a través de nuestras reacciones sobre el cambio lento del tiempo.

Hannah Collins (Londres, 1956) vive y trabaja en Londres y Barcelona. Entre otros museos y centros de arte, ha expuesto en Centre Pompidou París; Museo UNAL, Bogotá; Kunsthalle Exnergasse, Viena; MUDAM Luxembourg; Fundación La Caixa, Madrid; Tate Modern, Londres; Seoul Museum of Art; La Laboral, Gijón; Artium, Vitoria; VOX image contemporaine, Montreal; CAC, Málaga. En la actualidad, presenta su proyecto ‘The Fragile Feast’ simultáneamente en Deutsche Bank 60 Wall Gallery, Nueva York; y Fundación Valentin Madariaga, Sevilla. Además, participa en diversas exposiciones como ‘Singulier (s)/Pluriel’, LaM, Lille; ‘Midnight Party’, Walker Art Center Minneapolis; y ‘Le Grand Atelier’, Musée des arts contemporaines – Site du Grand-Hornu, Bélgica. Hannah Collins expone en Galería Joan Prats desde el año 1992.

Nos complace anunciar la primera exposición en Barcelona de Enrique Martínez Celaya, El cielo de invierno, en la que presentamos obra reciente del artista, pinturas de gran formato y acuarelas.

La selección de obras que configuran la exposición trata un imaginario vinculado a la naturaleza y los elementos; frío, hielo, nieve y también el fuego conviven con la presencia humana, que hace su aparición en el paisaje. Imágenes de calma y pureza, o bien paisajes quemados que rebelan la inestabilidad subyacente, figuras de un niño recorren las obras, a través de su mirada consigue reconstruir la representación de los fenómenos y misterios de la naturaleza.

Enrique Martínez Celaya se define como pintor, aún habiendo trabajado la escultura, la fotografía, la escritura y también el vídeo. Su aproximación a la pintura pretende restaurar, desde la práctica científica, su vínculo con la observación, la experiencia, la conciencia y los procesos cognitivos. La pintura de Enrique Martínez Celaya no es figurativa en el sentido convencional, pues de ella surge un diálogo entre lo que la pintura representa y la realidad física de la pintura en sí.

Enrique Martínez Celaya (Palos, Cuba, 1964) vive y trabaja en Delray Beach, Florida y Los Ángeles, California. Ha expuesto en museos y centros internacionales, Museum der bildenden Künste Leipzig, Berliner Philharmonie Berlín, Museum of Biblical Art New York, Fundación Canal Madrid, Yerba Buena Center for the Arts San Francisco, Emory Visual Arts Gallery Atlanta, The Rubin Museum of Art New York, Loyola University Museum of Art Chicago, Fowler Museum at UCLA Los Angeles, Miami Art Museum, Boca Raton Museum of Art Florida, Oakland Museum of California, Brauer Museum of Art Valparaiso University, Indiana. Entre sus proyectos destaca The Master, Hermitage, San Petersburgo, Rusia (2012).

Exposición organizada por Jorge Satorre y Erick Beltrán

Participan también, Christoph Keller, Raphaël Zarka, Paloma Polo, Bernardo Ortiz, Efrén Álvarez, Meris Angioletti, Jose Antonio Vega Macotela, Vilayanur Ramachandran, Jorge Aviña y Florian Göttke

Modelling Standard es un proyecto de largo recorrido que parte de un interés mutuo por los métodos de investigación historiográfica propios de la Microhistoria, planteados en Italia a principios de los años setenta por un grupo de científicos sociales. El texto Huellas. Raíces de un paradigma indiciario escrito por Carlo Ginzburg y publicado por primera vez en 1978, ha funcionado como pilar para esta investigación. En él, Ginzburg desglosa 3 elementos fundamentales para escribir la historia atendiendo, de la manera más directa posible, las versiones de las clases subalternas:

– La búsqueda de pistas, síntomas y testimonios fragmentarios.

– La reducción de escala.

– El análisis exhaustivo de las fuentes.

El título hace referencia al concepto de Modelo Estándar que en el campo de la física se utiliza para explicar las interacciones casi invisibles que ocurren a nivel subatómico en la materia. Con esta analogía, lejos de pretender establecer relaciones entre campos de conocimiento aparentemente disímiles, nuestra intención es la de detectar y entender esas frágiles conexiones que ya existen y siempre han existido.

El resultado de esta primera etapa de Modelling Standard consiste en una red de caricaturas y textos en donde una serie de personajes famosos se convierten en víctimas y victimarios de un gran crimen irresoluble. Entre ellos se encuentran: Sigmund Freud, Vilayanur Ramachandran, Carlo Ginzburg, Giovanni Morelli, Fantomas, Aby Warburg, Francis Galton, Arthur Conan Doyle, Raymond Roussel, y Joe Orton.

Para la presentación en la Galería Joan Prats, mostramos por primera vez el trabajo en conjunto, con la aportación de artistas, ilustradores e investigadores invitados, cuyas investigaciones personales funcionan como eslabones nuevos de ésta cadena que se alarga y se alarga… como baba de diablo.

Jorge Satorre y Erick Beltrán, 2011

Nos complace anunciaros la próxima inauguración de la exposición de Juan Uslé Landropo y Zebulón, con la que abriremos la temporada el próximo día 22 de Septiembre.

Diez años después de su anterior exposición en la Galería, presentamos una selección de sus pinturas más recientes de medio y gran formato.

Juan Uslé, en su obra reciente, al igual que durante los últimos veinte años, se ha caracterizado por el riguroso compromiso que constituye una teoría personal de la visión que evoluciona a través de sus propios códigos con un lenguaje formalmente abstracto.

Contaremos con la presencia del artista que vive y trabaja entre Saro (Cantabria) y Nueva York.

La exposición asocia diversas tentativas de cartografiar el territorio común en situaciones de cambio.

La muestra presenta por primera vez en la Galería una selección de obras de Aleksandra Mir, Knut Åsdam, Perejaume, Carla Zaccagnini y Alejandro Vidal.

La dinámica de las obras gira en torno a nuevos territorios desde donde se plantea de forma dispar a la vez que complementaria escenas realizadas desde una postura lúdica que puede manifestar a su vez un entramado de conflicto.

El territorio no identitario gira en torno al vídeo de Carla Zaccagnini.

En las fotografías de Knut Åsdam la imposibilidad de comunicación se evidencia a través de zonas de tensión.

En la obra de Aleksandra Mir, la dirección, la posición desde el no lugar manifiesta su propio proceso, el plano de representación digital altera la forma de percepción en la obra de Perejaume, y así también en lo oculto y fotosensible de las imágenes de Alejandro Vidal.

Aleksandra Mir, Lubin, Polonia, 1967. Actualmente vive y trabaja en Londres. Ha participado en la 53 Biennale di Venecia en 2009. Ha expuesto en centros internacionales como The New Museum of Contemporary Art de Nueva York, Kunstpalais de Erlangen, Alemania, Fundación Jumex de México, Kunsthaus Graz, Austria, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Badischer Kunstverein, Karlsruhe, The Vera List Center, Nueva York, Printed Matter Inc, Nueva York, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, ICA, Londres, Kunsthaus, Zurich.

Knut Åsdam, Trondheim, Noruega, 1968. Vive y trabaja en Oslo. En 2011 presentó Abyss y Trípoli, en Tate Modern Londres. Ha expuesto individualmente en Kunsthalle Bergen en 2010, en Manifesta 7 en 2008, en la 50 La Biennale di Venecia en 2004, y en 8 Bienal de Estambul en 2003. Ha expuesto, entre otros, en Sørlandets Art Museum de Kristiansand, Noruega, Kunsthalle Bern, Suiza, Moderna Museet de Estocolmo, National Gallery of Art de Washington, MOMA/PS1 de Nueva York, FRAC Bourgogne de Dijon.

En agua que cai, la segunda exposición de Caio Reisewitz en la Galería, presentamos su obra más reciente, fotografías en gran formato y una serie de fotomontajes.

Caio Reisewitz trata mediante la fotografía diferentes cuestiones como la representación de los espacios en zonas naturales, y la repercusión de agresiones y desastres en la naturaleza. Sus fotografías de gran formato abordan el paisaje redefiniendo la perspectiva aérea, invitando a la reflexión a través de una mirada crítica.

Las obras de Caio Reisewitz que presentamos buscan reflejar la grandeza de las reservas naturales a la vez que evidenciar el abismo inconmensurable entre el hombre y su objeto de percepción. Los espacios captados por Caio Reisewitz nos hacen ver el progresivo deterioro de la naturaleza, como resultado de la acción humana. Las imágenes de sus obras, en su sobriedad, pretenden generar complicidad e introducir al espectador en su espacio físico como sujeto contemplador.

Caio Reisewitz nació en São Paulo, en 1967. Vive y trabaja en São Paulo. Ha participado en la Bienal de Nankín, China (2010), en la Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina (2009 y 2007), en la 51 Bienal de Venecia (2005), en la 26 Bienal de São Paulo (2004). Ha expuesto su obra en centros de arte como MUSAC de León, Museu Nacional de Brasilia,  Museu de Arte Moderna de São Paulo, Fundación Pedro Barrié de la Maza de Vigo, Fundación Rac de Pontevedra, National Gallery de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, Pinacoteca de Bolonia, Italia, Martin Gropius Bau de Berlín, CAAC de Sevilla, Museo Patio Herreriano de Valladolid, MARCO de Vigo.

Presentamos la exposición Megan: Variant Paintants, obra reciente de Fabian Marcaccio.

A partir de una fotografía captada por un paparazzi de la actriz Megan Fox, Fabian Marcaccio ha realizado un trabajo que le lleva a tratar la pintura, el dibujo, la escultura e incluso la animación digital, dando como resultado las ocho Variants presentadas en la exposición. Cada obra supone una aproximación totalmente diferente a un único tema, aproximación que a veces es contraria a la imagen de partida.

Fabian Marcaccio reflexiona entorno a la pintura desde los límites tradicionales trabajando con medios diferentes, atreviéndose a incorporar, por ejemplo, técnicas digitales a su práctica pictórica. El contenido de sus obras puede parecer impropio de la pintura. Incluso algunas de ellas llegan a asumir una escala adecuada para la instalación o a convertirse en tridimensionales. Sus pinturas se enfrentan a lo unitario, usando multiplicidad de partes y detalles que nunca crean un conjunto fuerte. De esta manera, Fabian Marcaccio se plantea cómo componer con materiales y técnicas diversas una obra que propone una visión de lo pictórico contemporáneo.

Fabian Marcaccio nació en Rosario, Argentina, en 1963.   Vive y trabaja en Nueva York. Ha expuesto su obra en centros de arte de todo el mundo, como MOMA PS1 Contemporary Art de Nueva York, Museum für Moderne Kunst de Frankfurt, FRAC Auvergne, MALBA Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Kunstmuseum Liechtenstein, Kunstraum Innsbruck, Miami Art Museum, Cologne Kunstverein, Neues Museum de Nuremberg. Ha participado también en la 11 Documenta de Kassel, 8 Bienal de de la Habana y 7 Bienal Internacional de Estambul.

Presentamos la exposición de Cabello/Carceller Archivo: Drag Modelos, un trabajo fotográfico surgido del análisis de la influencia que pueden tener los modelos cinematográficos en la génesis de nuevas estéticas en el imaginario colectivo, explorando la posibilidad de modificar los discursos principales, actuando desde las micropolíticas.

En el cine narrativo, que es también el de consumo mayoritario, la pantalla termina convirtiéndose en un espejo que alimenta la ilusión del sueño. La capacidad de inmersión virtual de los espectadores en historias ajenas, aquello que se ha venido denominando “la magia del cine” es, también, la llave que abre la caja de Pandora, pues impulsa procesos de identificación no siempre deseados, a menudo ajenos a las convenciones y leyes que rigen las relaciones sociales normativas.

Archivo: Drag Modelos se presenta como una galería de retratos realizados en diferentes países, a través de los cuales se rastrean las huellas de la influencia cinematográfica en la representación de masculinidades alternativas. Reasignar y deslocalizar la masculinidad permite ir más allá de la deconstrucción de las actuales estructuras de poder, ofreciendo posibilidades que alejen lo masculino del masculinismo dominante. Este proyecto aborda la elaboración de un retrato colectivo que muestre las preferencias en la selección de modelos estéticos y de comportamiento de una parte de la comunidad de mujeres que han optado por repensar y/o transgredir la limitada oferta de asignación de género. Estas historias secundarias nos permiten descubrir roles identitarios que han sido refutados durante demasiado tiempo y estigmatizados desde el punto de vista de las estéticas hegemónicas.

Las relaciones entre realidad y ficción ganan interés con el contraste que se produce entre las circunstancias reales que habitan las modelos y los espacios de ficción presentes en las narraciones cinematográficas. Los retratos se acompañan así con imágenes de las ciudades, de los lugares donde se encontraban o donde viven las protagonistas. Siendo éste un archivo que cuestiona la posibilidad misma del archivo como elemento de organización, clasificación y taxonomía; los escenarios y las personas se confunden con los personajes y los sets, y se enfatiza esta idea de catalogación caótica.

Helena Cabello nació en París en 1963; Ana Carceller en Madrid en 1964. Viven y trabajan en Madrid. Han expuesto sus obras en museos y centros de arte de todo el mundo, incluido el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, Le Magasin – CNAC de Grenoble, Francia, la Bucharest Biennale 4, Rumanía en 2010; el Stenersenmuseet de Oslo, el CGAC de Santiago de Compostela, el MNCARS de Madrid, la Fundación Marcelino Botín de Santander, en 2009; KulturHuset de Estocolmo, Haus der Kultur der Welt de Berlín, el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria-Gasteiz en 2008; el Casino Luxembourg de Luxemburgo,   el Centre d’art Santa Monica de Barcelona, Brooklyn Museum de Nueva York en 2007; Artium de Vitoria-Gasteiz, Halle für Kunst de Lüneburg, Alemania, Kunsthaus Basselland de Basilea en 2006; el Centre d’art la Panera de Lleida, el Museo del Barrio de Nueva York, Domus Artium 2 de Salamanca, el CaixaForum de Barcelona, en 2004, y en el Centro Cultural la Diputación de Málaga en 2002.

Presentamos la exposición de Eulàlia Valldosera Dependencia mutua en la que, a través de distintos soportes, vídeo, fotografías, documental, instalación lumínica, los actos de limpieza y borrado son el tema central, renovando una vez más su declaración sobre las relaciones de poder a través de objetos y nuestra dependencia de ellos.

En la performance que da lugar al vídeo Dependencia mutua y a una serie de fotografías, Eulàlia Valldosera no está en la acción, sino detrás de la cámara. A petición de la artista, una mujer de la limpieza de origen ucraniano se dispone a limpiar una estatua de un emperador romano. El video fue grabado en el Museo Arqueológico de Nápoles, donde la gran estatua de mármol del Emperador Claudio representa no sólo un tesoro del pasado, sino también una carga para el presente de la cultura italiana. A medida que ella toca y limpia la figura masculina en postura de dominio, la mujer desafía las dimensiones intangibles y oscuras de los símbolos de poder. A través de esta acción metafórica, la artista cuestiona la relación entre los roles hegemónicos y subordinados. Se pregunta si la contraposición entre poderosos y subordinados – entre masculino y femenino – está presente en las capas más profundas de nuestro inconsciente y reflexiona sobre la relación de dependencia recíproca de acuerdo con la cual cada rol requiere del otro para justificar su propia existencia.

Liuba, un documental en el que la protagonista es una mujer llamada Liuba, nacida en Chernobil, “nos cuenta quién es ella y cómo ha llegado a ocupar un lugar, como tantas mujeres, en un entramado laboral precario. ¿Quién lleva a cabo las tareas de limpieza en los espacios privados y públicos de cada país? ¿De dónde proceden?”*

En la última sala, un espejo, que gira sin cesar, “proyecta las imágenes de una mano limpiando, siguiendo el movimiento de un trapo; y de un libro, volando literalmente por las paredes”*. El espacio de exposición se convierte en pantalla y, a su vez, en contenedor; con este gesto irónico, la galería de arte se convierte en el objeto en exhibición. “Los objetos proyectados, por otra parte, resumen la tensión dual presente en el resto de obras de la exposición, a modo de epílogo”*.

Eulàlia Valldosera nació en 1963 en Vilafranca del Penedès, y vive y trabaja en Barcelona. Ha expuesto sus obras en importantes museos y centros de arte de todo el mundo, incluido el Reina Sofía de Madrid en 2009, el Musée d’Art Contemporain de Montreal, el PS1 MOMA en Nueva York, la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona en 2001 y el Center for Contemporany Art, Rotterdam en el 2000. Asimismo, en la Bienal de Sidney (1996), la Bienal de Johannesburgo, la Bienal de Estambul y el Projeckts Skulptur de Münster (1997), la Bienal de Venecia (2001), la Bienal de Sao Paulo (2004), la Bienal de Lyon (2009) y en el Casino Luxembourg (2010).

Hans-Jörg Mayer, nacido en 1955, nos lleva en un viaje hacia payasos crueles y felices, blue bean babies, soldados blancos y negros de la RFA, vagas olas y tiernos horizontes – todas sus obras son odas agridulces a la vida, tratan sobre el desamparo, la histeria extrema, y sus gestos ponen en peligro todo al mismo tiempo – una y otra vez. Las más humildes maldiciones llevan a los más bellos dibujos de reconciliación. Es la vida, no es fácil ni cómodo, jamás, pero es siempre verdadera.

Carsten Fock, nacido en 1968, trata la temática de la religión, la trascendencia, incluso un ojo interior, o tal vez un tercer ojo. Se sitúa sin duda entre la iconografía cristiana y el arte outsider, dejando de lado los romanticismos y esperando extremar la expresividad y la cólera; la cólera cruda, con su hipnótica búsqueda aún atónita. Su diálogo se enfrenta a diario con la historia del arte, especialmente con las posturas alemanas. Fock es un mar de preguntas en busca de una bocanada de aire, Fock tiene una irritante calma, y evita las respuestas que no solucionan nada, no cuentan nada.

Tjorg Douglas Beer, nacido en 1973, anárquicamente su vocabulario es beligerante y delata las exageraciones de los medios de comunicación y las estructuras políticas y sociales. Nunca adoptará un tono moralista; debemos intentar concentrarnos en el silencio al contemplar su obra, pese a la cacofonía visual. Es atractivo y al mismo tiempo ofensivo. Parece deseo pero es dolor… sin embargo, hay que atreverse a entrar en este desagradable laberinto.

Marc Brandenburg, nacido en 1965, observa con atención el aspecto frívolo del mundo del arte, frivolidad que le sirve como metáfora sobre las tendencias racistas y sexistas de las clases altas occidentales. Su temática se inspira en la vida nocturna, ya que la noche borra las diferencias del color de la piel o de lo que algunos llaman la raza. Estas incursiones nocturnas le permiten respirar libremente, y dejar de pensar en las diferencias inventadas por los hombres. Estas incursiones nocturnas le han permitido encontrar sus protagonistas, personas al límite de la sociedad, cuyas ideas neo-humanistas les han hecho dejar atrás esquemas rígidos y conservadores. Ser diferente no significa ser víctima –y sus dibujos parecen decirlo muy claramente.

Tenemos el placer de anunciar la segunda exposición de Fernando Bryce en la Galería Joan Prats.

A finales de los años noventa, Fernando Bryce empezó a desarrollar un trabajo basado en la copia, tinta sobre papel, de series realizadas por medio de fotografías, recortes de prensa, anuncios, publicidad promocional…, en principio con intención de plantear un ejercicio sobre la historia del poder y las imágenes en su país de origen, Perú. Muy pronto, la investigación arqueológica documental se extendió a momentos y personajes históricos determinantes del siglo XX, con una doble intención: por un lado, rescatar del pasado documentos e imágenes expresamente olvidados de la historia oficial, y por otro, congelar en el presente aquellos hechos destinados a ser rápidamente olvidados por la estructura mediática del poder.

Para su segunda exposición en la galería presentamos la obra reciente L’Humanité, centrada en la década de los treinta. La serie L’Humanité está compuesta por 47 dibujos que reproducen imágenes de titulares de la prensa internacional de este periodo, caracterizado por el auge de regímenes autoritarios en Europa, una fuerte crisis económica internacional y la escalada de violencia que desembocaría en la Segunda Guerra Mundial. La serie incluye también imágenes procedentes de carteles de la cinematografía, con el énfasis sensacionalista característico. La exposición se cierra con la obra The World Over / 1929, compuesta por 4 dibujos de mapas del mundo procedentes de una revista americana. Su trabajo pone de manifiesto la construcción de la noticia, las representaciones del poder y el imaginario de una época, proponiendo una nueva mirada sobre la historia y descubriendo los discursos unívocos de los poderes imperantes.

Fernando Bryce (Lima, 1965) actualmente vive y trabaja en Gante. Entre sus proyectos y exposiciones recientes destacamos: An Approach to the Museo Hawai, Museum Het Domein, Sittard (Holanda, 2009), The Fear Society, Pabellón de la Urgencia en la 53 Bienal de Venecia (2009), 10 Bienal de La Habana (2009), 28 Bienal de Sao Paulo (2008), Brave New Worlds, Walker Art Center, Minneapolis (2007), Poetics of Handmade, MOCA, Los Angeles (2007), Taking Time/Tiempo al Tiempo, MARCO, Vigo (2007), Out of Time: A Contemporary View, MOMA, Nueva York (2006-07), Drawings, Kunstverein Stuttgart (2006), Whitney Biennale, Whitney Museum, Nueva York (2006), Monuments for the USA, White Columns, Nueva York (2005-06) y CCA Wattis Institute for Contemporary Art, San Francisco (2005), Fernando Bryce, Fundació Tàpies, Barcelona (2005), Tropical Abstraction, Stedelijk Museum Bureau, Amsterdam (2005), Alemania/Walter Benjamin, Raum für Aktuelle Kunst, Kunstmuseum Luzern (Suiza, 2003), Turismo/El Dorado – Alemania 98, Künstlerhaus Bethanien, Berlín (2002). Actualmente participa en la exposición Linie Line Linea en el Kunstmuseum de Bonn.

Adult Contemporary (Contemporáneo Adulto) es la primera exposición individual de Carles Congost en Barcelona desde 2005.

Adult Contemporary consta de un conjunto de obra reciente que combina diferentes soportes, tales como la fotografía, el objeto, el dibujo y la música con la intención de poner en escena una serie de reflexiones acerca de las relaciones humanas, que incluyen referencias a la familia, al entorno social y a nuestras creencias más íntimas. Para llevar a cabo algunas de las nuevas propuestas, el artista se sirve del formato fotonovela, reafirmando su interés por los aspectos narrativos en el uso de las imágenes. En estas obras, presentadas como páginas de cómic o de revista a gran escala, el artista reivindica la vigencia del formato, que deviene una herramienta de enorme potencial plástico y expresivo.

Carles Congost (Olot, Girona, 1970) vive y trabaja en Barcelona. Su obra se ha mostrado en múltiples exposiciones, como Say I’m your number one en el MUSAC de León (2007), Memorias de Arkaran en el CAC de Málaga (2006), Un mystique determinado en el CGAC de Santiago de Compostela (2005), That’s my impresión! en el CAAC de Sevilla (2002), Popcorn Love en el MNCARS de Madrid (2001) o Country Girls en la Fundació Joan Miró de Barcelona (2000). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en la Mücsarnok Kunsthalle de Budapest, la Haus der Kulturen der Welt de Berlín, el Centre Pompidou de París, el MIGROS de Zürich, el MAMBA de Buenos Aires, el Palais Tokyo de París, el PS1 Contemporary Art Center de Nueva York o el Museum für Gegenwart de Berlín. Actualmente participa en la exposición Yo Uso Perfume Para Ocupar Más Espacio, en el Museo de Arte Carrillo Gil de México DF.

Para su segunda exposición en la galería, Aleksandra Mir presenta una serie de collages que combinan la iconografía religiosa con la del viaje al espacio. ‘’Si los astronautas y los ángeles comparten el cielo,’’ pregunta, ‘’¿no es hora de que se conozcan?’’

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Espacio infinito dentro de un infinito vacío. Espíritu indefinible dentro de un pensamiento ilimitado. Iconos y búsqueda insaciable. La curiosidad humana necesita un contexto en el que existir. La religión fue ciencia como ahora la ciencia es religión. La justificación de nuestra lujuria y la confianza en el infinito, el cual está lejos de nuestro paraíso sensorial, comparable a la búsqueda de la más profunda suspensión mental, son las dos maneras de buscar respuestas a la creación, propósitos y desaparición. La religión, como sistema de control, se ha acercado a su gran rival a lo largo de la historia – las leyes de la física que gobiernan el universo. ‘¿Cuando cesarán los milagros?’- los medios tecnológicos que producimos resultan ingeniosos para los hijos de la tierra pero se quedan en adaptaciones lamentablemente poco adecuadas a nuestra imaginación ilimitada. ‘¿Por qué estamos aquí?’ Las respuestas espirituales son igualmente insatisfactorias comparadas con el poder de estas preguntas sencillas. Tal vez la respuesta resida en la convergencia. La tecnología tal vez debería esperar a que el poder del cerebro humano desarrolle plenamente sus habilidades (súper) naturales. ¿Se volverán milagrosas las tecnologías producidas cuando no requieran sustancia material para trabajar, sino una fe, una creencia en unas leyes de la física tan sutiles que la materia en si misma no pueda soportar su lógica? ¿Estarán basadas en tan discreta tecnología que será indistinguible del propio origen del universo y todo lo creado en él? ¿Cuando miramos la ciencia y la religión, estamos mirando a la misma tecnología en diferentes niveles de evolución? ¿Debe la humanidad siempre estar polarizada y asimismo paralizada?

Mark Baker

Aleksandra Mir nació en Lubin, Polonia, en 1967. Ha participado en múltiples exposiciones internacionales, entre ellas, actualmente en la 53 Bienal de Venecia; así como en la Schirn Kunsthalle de Frankfurt,   Kunsthaus de Zurich,   Institute of Contemporary Art de Londres,   SMAK de Gante,   PS1/MOMA, Nueva York,   Whitney Biennial Nueva York

La exposición the long gaze the short gaze es una mirada entorno a la política del espacio y a los límites de la subjetividad. A través de tres video-proyecciones y una serie de fotografías Åsdam hace un análisis de la relación de la persona y su entorno, cuestionando temas de disconformidad.

Cuatro categorías son esenciales en el trabajo de Åsdam: discurso, vida, sexualidad y lucha. Mediante el discurso, el artista muestra su interés en como la subjetividad se forma a través de actos lingüísticos tales como el uso de una vestimenta determinada, los distintos comportamientos y la rutina. El discurso es visto como algo representativo, se interesa especialmente en la repetición de las cosas, y como este efecto hace parecer a un cuerpo o al espacio público algo estable. La categoría de vida hace referencia a la arquitectura, al lugar y a las dinámicas sociales, no tanto como aspecto formal si no más bien como un medio habitual. Åsdam también se interesa en lo representativo, en la interacción de fantasía y narrativa, en las experiencias vividas, en lo económico y lo político. La pluralidad de lo referente a la sexualidad y las experiencias engendradas está principalmente presentes en la forma en que Åsdam construye los personajes. Los temas en su trabajo se asumen siempre como cuestiones sexuales o de género- como es la relación que tenemos con nuestro cuerpo o con el espacio urbano. Por otro lado, observa como una cuestión de deseo es la base de la creación. El aspecto de lucha es el que une los puntos anteriores, el conflicto es importante en un aspecto político y como una forma de entender el ‘discurso’ (tema formativo), la ‘vida’ (el sentido del cada día) y la ‘sexualidad’ (el significado de nuestros cuerpos) son cosas que tenemos que afirmar o combatir en nuestra vida diaria y eso requiere progreso psicológico y social.

Knut Åsdam nació en Trondheim, Noruega en 1968. Vive y trabaja en Oslo. Ha participado en múltiples exposiciones internacionales durante los últimos diez años. Representó a Noruega en la 50ª Bienal de Venecia, participó en la 8ª Bienal de Estambul, en la 1st Melbourne Internacional Bienal y en Manifesta 7, Italia. Ha expuesto, entre otros, en la Tate Britain, el Kunsthalle Bern, el Museum of Contemporary Art en Oslo, el Moderna Museet, la National Gallery of Art de Washigton, el MOMA/PS1, el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris y el FRAC Bourgogne, Dijon. Artículos relacionados con su obra han sido publicados en Artforum, Grey Room, Le Monde Diplomatique, Untitled Magazine, entre otros.

Próximos proyectos y exposiciones 2009

Walter & Mc Bean Galleries, San Francisco Art Institute, EEUU

Tate Modern, GB

Sant Pol de Mar, Barcelona, 1957

Vive y trabaja en Sant Pol de Mar,Barcelona.

Nos complace anunciaros la exposición de Perejaume “Màquina d’alè”.

La exposición reúne sus últimas obras a través de las que Perejaume explora zonas que vinculan aspectos poco visibles, relacionados con la percepción y con diferentes registros de contenido literario.

Articulada para el espacio de la galería la exposición incluye video proyección, video instalación y obra sobre papel.

Para esta ocasión hemos editado un desplegable que incluye un texto del propio artista.

Galeria Joan Prats presenta la exposición “1992 – 2008”, de Albert Ràfols Casamada, con una selección de obras que dan testimonio de la actividad constante de este pintor en los últimos 16 años y que lo sitúan como uno de los artistas más representativos de la contemporaneidad española con su forma personal de poetizar desde la abstracción.

A lo largo de su trayectoria, Ràfols Casamada ha sido reconocido con el Premio Nacional de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España, en 1980, y el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya, en 2003, entre otros galardones; mientras que el MACBA en 2001 organizó una extensa retrospectiva de su obra.

La exposición “Serie Calculum. Calculum Series” es un ensayo entorno a la concentración, la densidad y la creación de valor en la sociedad contemporánea a través de un grupo de objetos y una serie de mapas y diagramas.

Es una colección de piezas de pequeño formato que como indicios, señalan y condensan un problema social, político o económico y al mismo tiempo se presentan como nodos de un entramado o circuito que revelan un sistema o un mecanismo de construcción del concepto o idea de “valor”.

Este proyecto se relaciona con los “wunderkammern” o gabinete de curiosidades, donde los hallazgos particulares, las piezas artísticas, las pistas de investigaciones científicas eran recibidas bajo una única categoría: la de la maravilla y la sorpresa.

Estas colecciones eran a un mismo tiempo el grupo de objetos y su sistematización. Eran las evidencias y las micro comprobaciones de las teorías acerca del funcionamiento del mundo que estas mismas generaban.

¿Cómo es que un objeto adquiere un valor especial frente a otro y este valor modifica otros objetos? ¿Cómo es que este valor implica una especulación y una plusvalía y esta maniobra para ser el significado y el objeto su significante? ¿Cómo es que la producción construye este valor y que el transporte de objetos y su reinserción modifican esta categorización de objetos? ¿Cómo se sistematiza una colección y cómo se forma un conjunto de objetos? ¿Cómo seleccionamos cosas del mundo?

“Calculus” se traduce como piedra en latín y un “calculum” se interpreta como una piedra en el zapato. Los cálculos son especulaciones o proyecciones en función a una tendencia pero al mismo tiempo confluencia de fuerzas y sedimentación epistemológica. Así la exposición muestra una serie de dibujos, fotografías, mapas, objetos, recortes de periódico, como pequeños problemas que se encontraron de manera fortuita al pasar por distintos lugares como Brasil, Corea, China, México, Colombia y España que son evidencias de problemas de categorías o valor en cada contexto y al mismo tiempo entradas a una definición mucho más compleja de lo que es la selección y la concentración.

Durante su trayectoria artística, Bienal de São Paulo, Bienal de Lyón, Site Santa Fe, entre otras, se ha destacado por trabajar con formatos poco ortodoxos tales como el múltiple, el libro-obra y experimentos que intentan vincular el arte público con los lenguajes gráficos.

En su obra analiza y disecciona el poder que comunican los diferentes medios gráficos en su distribución de información, y también de conductas y valores.

El artista explora “mundos, islas, ecosistemas, contrastes que colisionan violentamente, es decir la vida misma”. Esto lo refleja con una gran radicalidad, combinando estilos y técnicas donde enfrenta modelos de representación visual. Bernhard Martin abarca muchos registros, entre figurativo y abstracto, dando un enfoque audaz y espontáneo a su obra. En esta exposición, el artista enfatiza la libertad en tratar diferentes temas y formas buscando sin cesar el significado de la pintura y su ser, queriendo plasmar ese concepto de totalidad.

Selección de las últimas exposiciones: 2009 Kunsthalle Lingen, Lingen / 2008 Team Gallery, New York / Städtische Galerie Wolfsburg / 2007 Union Gallery, Londres / Galerie Thaddaeus Ropac, París / 2006   Arario Museum, Corea / 2005   Museum für Neue Kunst & Medienmuseum, Karlsruhe, Alemania / Museum der Moderne, Salzburgo, Austria / Kunsthalle Mannheim, Alemania / 2004   Media Art Institute Time Based Arts, Amsterdam / Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich / 2003   Frankfurter Kunstverein, Frankfurt/Main / 2002   Mamco, Ginebra / 2001   Mannheimer Kunstverein, Mannheim / 1st Tirana Biennale / “P.S.1” MOMA, New York / 2000   Kunsthalle Hamburg, Hamburgo, Alemania / Kunstverein Kassel , Kassel.

“El trabajo de Javier Peñafiel puede definirse como un ejercicio personal, una batalla interna entre la razón crítica y la autoridad poética. El denominador común de su trabajo es el esfuerzo permanente por descubrir, y descubrirnos, que los mitos modernos no son sino una proyección de los afectos humanos, de sus ansias y de sus miserias. Y, para afrontar tan valerosa hazaña, Peñafiel da vida a uno de sus personajes más logrados: el Egolactante. Se trata de una curiosa reinvención del doble romántico, el artista desacralizado al que el autor lanza al mundo. Su mano está poco menos que detrás de toda la obra, sea un diario o un vídeo. Lenguaje, proto-lenguaje poético, improvisación, tecnología, ciencia y una misteriosa forma de mirar lo que está sucediendo a su alrededor constituyen las claves de esta nueva mitología personal que se halla representada en el conjunto de las obras de Javier Peñafiel.”

Estamos a vuestra disposición para facilitaros más información.

2008   28ª Bienal de São Paulo, Brasil (Octubre – Diciembre) / Expo Zaragoza 2008 / 2007   Centre d’Art La Panera, Lleida. / CGAC – Centro Galego de Art Contemporáneo, Santiago de Compostela. / 2006   CAB, Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos. / 5ª Biennal d’Art Leandre Cristòfol, Centre d’Art La Panera, Lleida. / Museo Esteban Vicente, Segovia. / Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Brasil. / 2005   Sala Rekalde, Bilbao. / Colección Nouveau Médias del Centre Pompidou con la participación de la Colección de Arte Contemporáneo Fundació La Caixa, CaixaForum, Barcelona. / Museo Pablo Serrano, Zaragoza. / 2004   CaixaForum, Barcelona. / Centro Atlántico de Arte Contemporáneo, Las Palmas de Gran Canaria / Fundación Serralves, Oporto. / Fundación ICO, Madrid./ Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla. / CaixaForum, Barcelona. / 2003   Sala de la Comunidad de Madrid. / Palacio de Sástago, Zaragoza. / Laboratorio de Arte Alameda, Ciudad de México.

José María Sicilia presenta su obra más reciente, 12 telas realizadas en cera, material esencial de su reflexión, elemento que se convierte en componente imprescindible en el diálogo pictórico con la luz, a través del grado de intensidad que esta materia luminosa reserva, de la manera en que recibe la pintura y refleja la luz para crear un espacio vacío en su interior.

Selección de exposiciones individuales: Albion Gallery, Londres (2008); Edward Tyler Nahem, Nueva York (2008); Galerie Chantal Crousel, Paris (2007); Museo Mahmoud Khalil, El Cairo (2006); Galería Nacional Jordana de Bellas Artes, Amman (2006); CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno. Las Palmas de Gran Canaria (2005); Fundación Caja Navarra, Pamplona (2003); Centre de la Gravure et de l’image imprimée, La Louvière (2002); Frans Hals Museum, De Hallen Haarlem, Holanda (2002); MNCARS — Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2000); Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José de Costa Rica (1998); Palacio de Velázquez, Madrid (1997); Palais des Beaux-Arts, Chaleroi (1997); Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (1997); Fundación Pilar y Joan Miró, Palma de Mallorca (1993).

Su obra está representada en importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: Centro Georges Pompidou, París; MOMA, Nueva York; Fundación ‘la Caixa’, Barcelona, Colección Banco de España, Madrid; Collection Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Galleria d’Arte Moderna, Turín, MNCARS, Madrid; Museum of Modern Art, Gunma, Japón; National Gallery of Australia, Canberra; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, The New York Public Library, Nueva York.

La obra muestra una doble cualidad introspectiva y perceptiva que la diferencia de la exposición anterior. Manchas, trazos y fragmentos, un despliegue de energía que solo puede percibirse ahondando en su estructura y diseccionando sus partes.

La exposición incluye obras en las que el artista utiliza diferentes técnicas y soportes: acrílico sobre lienzo, lienzo y lona, mixta sobre papel, impresión y fotografía digital.

Luis Gordillo ( Sevilla 1934), recibió el Premio Velázquez a las Artes Plásticas el año 2007, sumándose así a otros galardones, entre ellos, el Premio Nacional de las Artes Plásticas en 1981, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 1996 o la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2004. Así mismo, ha sido distinguido este año con la orden de Caballero de las Artes y las Letras en Francia por el ministerio de Cultura.

Entre sus últimas exposiciones podríamos destacar Iceberg Tropical, retrospectiva de su obra que dedicó en el 2007 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, en la que el mismo Gordillo se hizo cargo del diseño de la exposición, y la de este mismo año, en el Kunst Museum de Bonn, Alemania.

Durante la inauguración contaremos con la presencia del artista.

Con motivo de esta exposición hemos editado un catálogo.

Para facilitar más información, contactar con la galería.

Es cierto que Alejandro Vidal hace explícita cierta estetización de la violencia, que ahí, en el primer plano, evoca las caras no victimistas de la fragilidad. Pero a partir de las claves que nos da la conciencia de la condición humana, descubrimos unos personajes míticos y auráticos, los guerreros de una épica límite que se arrojan a las profundidades de la experiencia, enseñándole los dientes al miedo.

Por eso podemos concluir, que en la forma violenta y sensual de las imágenes que componen la presente selección de trabajos, se eleva una gran representación sobre la intensidad. Verdad de la buena, éxtasis chamánicos y placeres ocultos. Alejandro Vidal nos presenta un conjunto de relatos epifánicos, de encuentros con nuestro yo feroz. La sublimación alegórica de un rotundo ejercicio de autoafirmación.

Alejandro Vidal ha realizado exposiciones individuales recientes en  Kling&Bang Gallerie, Reykjavik, Galerie Adler en Nueva York y Frankfurt, MOT en Londres, Play Platform for film & video en Berlin, Fundació La Caixa, Caixaforum en Barcelona (Espai Montcada), Galleria Artra en Milan, Salon of the Museum of Contemporary Art en Belgrado. Su obra ha sido también incluida en exposiciones colectivas como Time Code en el Mambo Museo di Arte Moderno di Bologna, Agression en la Kunsthalle Winterthur in Switzerland,  System Error en el Palazzo delle Papesse de Siena, Italia , Repeat All en Matucana 100 de Santiago de Chile, Busan Biennale en Corea, Youth of Today en la Schirn Kunsthalle de Frankfurt, Crime and punishment en la Tallinn Kunstihoone, Estonia,  Naked life en el  Museum of Contemporary Art  de Taipei, Taiwan o  Personne n’est innocent en  Le Confort Moderne de Poitiers, Francia.

La exposición de Caio Reisewitz plantea una reflexión sobre el deterioro del espacio natural y la disonancia existente entre la evolución de la sociedad y la presencia de la naturaleza en ese proceso. A través de la fotografía, en su mayoría de grandes dimensiones y diversos registros nos invita a interpretar e interactuar relacionándonos con el espacio físico de las obras.

Caio Reisewitz ( São Paulo, Brasil 1967 ). Realizó sus estudios de Arte en Brasil y Alemania, donde se pone de manifiesto su formación, especialmente en la resolución de los grandes formatos, para abordar temáticas muy próximas a la realidad de su país de origen.

Ha participado recientemente en las bienales de São Paulo y Buenos Aires y representó a su país en la 51ª Bienal de Venecia,   su obra se ha expuesto principalmente en América Latina y Centroeuropa.

Esta es la primera exposición individual del artista que se celebra en Barcelona desde el año 2003. La muestra recoge 45 piezas de técnicas mixtas, plagadas de los habituales ciudadanos de EVRUGO MENTAL STATE. Para los que ya conocían a Zush, la oportunidad de reencontrar una plástica renovada tras la sostenida experiencia del artista en los últimos años bajo el heterónimo Evru. Para los que por primera vez se acerquen a EVRU, la ocasión de descubrir un mundo psico-visual preciosista, íntimo y acogedor, acaso más radiante y energético que nunca.

Evru, el artista antes conocido como Zush, tiene ya casi siete años; es solo un niño. Felicitémosle. ¡Misdro-Mosdro-Musdro!

Realizado en impresión digital y configurado para el espacio de la galería, este trabajo se articula alrededor de una serie de interrogaciones, las ochos preguntas que se ciernen sobre cualquier objeto de consumo: ¿Qué?, ¿Quién?, ¿Para quién?, ¿Dónde?, ¿Cuándo?, ¿Cómo? y ¿Por qué? Esta es la operación más visible del Proyecto de Muntadas: tejer una red de dudas metódicas sobre la idea misma de arte y sobre cualquiera de sus productos.

Estas preguntas están vinculadas al significado, proceso y realización de un proyecto, tras las cuales se superponen los diferentes niveles de lectura del mismo.

2007  Muntadas/BS. AS. Centro Cultural  Recoleta, Sala Cronopios, Buenos Aires, Argentina / Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires, Argentina. / Centro Cultural de España en Buenos Aires, Argentina.2006 Protokolle, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, Alemania. 2005  Muntadas   On Translation: I Giardini, Pabellón de España , 51ª Bienal de Venecia – On Translation: Fear/miedo.  InSite.  Tijuana (MX),San Diego (USA). 2004   Muntadas Projekte (1974- 2004) .On Translation: Erinnerungräume / On Translation : Museum Neue Museum Weserburg Bremen, Bremen. Alemania. 2003  Das Museum Museum am Ostwall, Dortmund.    2002 On translation: Museum Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona.  2000   Warning , Attitudes Musée d’Art et d’Histoire / Centre pour l’Image Contemporaine, Ginebra, Suiza. 1999   On Translation :The Audience Witte de With Center for Contemporary Art, Rótterdam. 1998  On Translation: Proyectos, Fundación Telefónica de Arte y Tecnología Madrid.-  The Monuments, Museum of Contemporary Art, Ludwing Museum, Budapest.  Documenta X, Kassel.

En la exposición “Dense-Paintants” de obra reciente de Fabian Marcaccio, se presentan pinturas sobre tela de gran formato, donde refleja una gran complejidad plástica con un lenguaje trasgresor en los límites de la pintura.

El artista nació en Rosario de Santa Fe, Argentina 1963, actualmente vive y trabaja en Nueva York. Ha participado en innumerables exposiciones y Bienales, entre ellas la Bienal de Shangai (2004), BIACS, Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla (2006), Documenta de Kassel (2002), Domus Artium de Salamanca, Kunstmuseum de Liechtenstein, Miami Art Museum, Art Unlimited ,Basel (2006).

Galería Joan Prats se complace en presentar la primera exposición individual de la artista sueca Johanna Billing en Barcelona.

Las obras de Johanna Billing se pueden ver como intentos de visualizar procesos universales de cambio social y de relacionarlos con las experiencias concretas del sujeto. A menudo evocan sensaciones de melancolía y pérdida, radicalizadas por el uso inteligente de irritantes rupturas narrativas. Los cambios sociales continuos y en qué modo afectan al individuo constituyen las preocupaciones centrales de la artista, aunque esto no significa que la fuerza provocativa de sus proyectos fílmicos se vea atenuada en favor de elementos puramente documentales. En términos generales, las películas evitan las estructuras narrativas rigurosas y presentan acciones y situaciones reducidas, en las que los protagonistas operan como testigos mudos y concentrados en contextos limitados. La pérdida de rigor narrativo en estas obras abre las puertas a cuestiones complejas sobre la identidad individual, las estructuras de poder en la sociedad contemporánea y los desafíos planteados por los cambios sociales y personales que se producen en el mundo en que vivimos.

Los vídeos de Johanna Billing alcanzan un alto grado de complejidad gracias a la repetida mención de películas y música pop de las últimas décadas, por medio de la cual el sentido original de las canciones y las películas recontextualizadas es trasladado al contenido de las piezas y el poder evocativo de la música se convierte en el vehículo de preocupaciones temáticas. El resultado es una tupida red de referencias—culturales, sociales e históricas—a rupturas apenas discernibles en los procesos contemporáneos de cambio social.

Nacida en 1973 en Jöngköping, Suecia, Johanna Billing vive y trabaja en Estocolmo. En los últimos años sus trabajos han sido presentados en numerosas exposiciones colectivas, como por ejemplo la 9ª Bienal de Estambul (2005), la 1ª Bienal de Moscú (2005), el Witte de With Center for Contemporary Art de Rótterdam, P. S. 1 en Nueva York, el Knoxville Museum of Art, la Bienal de Singapur (2006) y Momentum, el Festival Nórdico de Arte Contemporáneo de Moss, Noruega (2006).

Palma de Mallorca 1949. Vive y trabaja en Barcelona.

Presentaremos obra reciente, una selección de pinturas (acrílico sobre tela de gran formato) que exploran su campo de color, una constelación espacial desde la abstracción y con un lenguaje obsesivo de fuerza y tensión entre fondo y superficie.

Con motivo de la exposición, hemos editado un catálogo con textos de Juan Antonio Álvarez Reyes y Lluís Garcia Sevilla. Durante la inauguración, contaremos con la presencia del artista.

Chicago 1960, vive y trabaja en Barcelona.

La obra central de esta exposición es un gran biombo, un desplegable que muestra un collage de imágenes, una acumulación de fragmentos de relatos inspirados en la Historia de Lituania, y una serie de dibujos.

Con motivo de esta exposición, hemos editado un desplegable. Durante la inauguración, contaremos con la presencia del artista.

Nos complace presentar la primera exposición en España de Lydia Dona, nacida en Rumanía (1955), vive y trabaja en Nueva York.          

The Engulfments of Change muestra sus últimas pinturas sobre tela y sobre papel. Influenciada por el cine negro, sus composiciones muestran el análisis y síntesis del laberinto urbano; el enfrentamiento entre el mundo y la abstracción, donde el espectador se presenta junto a las complejidades tecnológicas y las relaciones con lo físico.

Contornos perfilados absorben literalmente el entorno que los rodea. Dona objetualiza el entorno como espacio visual. Con palabras del crítico Raphael Rubinstein «Uno se pregunta cómo es capaz de contemplar tantos y tan diversos elementos, tantos hilos históricos, tantos modos diferentes de abstracción en una única composición. Lo que los une, en última instancia, es la luz que invade y emana de las pinturas. Se trata de una iluminación claramente artificial e inquietante ».

Su trabajo ha sido expuesto en la Corcoran Bienal de Washington D.C., y en la Neue Nationalgalerie de Berlín. Ha participado en las exposiciones Officina America, Galleria d’Arte Moderna de Bologna (2002), About Painting, Tang Museum de Nueva York (2004). A finales de los años noventa, una exposición retrospectiva de su obra (1989 – 1995) itineró por Estados Unidos y Canadá.

Su trabajo es una reflexión sobre el paso del tiempo y sobre la presencia de la huella humana en diferentes entornos.

En sus fotografías de espacios exteriores, paisajes y distintas naturalezas, hay una intención de búsqueda de sentido y asimismo delatan grandes ausencias.

En las fotografías de espacios interiores, se delata una historia social explícita, muy próxima a la noticia. Para la artista, las fugaces visiones de las ciudades no proporcionan una comprensión total de su existencia. Lejos del carácter documental, sus escenas mezclan conscientemente esa realidad con una ficción que las dota de un nuevo sentido.

En esta exposición presentamos la serie última de fotografías sobre lino en gran y medio formato.

2005 MARCO, Vigo; 2004 Vox, Centre de l’Image Contemporaine, Montreal, Canadá; Nederlands Fotomuseum, Rótterdam, Países Bajos; 2003 CaC de Málaga, 2002 Irish Museum of Modern Art, Dublín; 2001 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; 2000 Tate Modern, Londres; 1998 The Contemporary Museum, Baltimore, EEUU; 1997 Tel Aviv Museum of Art, Israel; 1996 Koldo Mitxelena, San Sebastián.

Presentamos la exposición ‘The Players’ de Julião Sarmento, que reune su trabajo más reciente, obras sobre tela y dos esculturas que manifiestan la continua fascinación del artista por la trasgresión de los límites y las dicotomías, espiritualidad y erotismo, sexualidad y moralidad, discurso y diálogo.

Ha participado en las VII y VIII Documentas de Kassel y en las XXXIX, XLVII y IL Bienales de Venecia. Su trabajo forma parte de las colecciones públicas y privadas más internacionales: The Guggenheim Museum, Nueva York; MoMA, Nueva York; Musée Nationale d’Art Moderne Centre Georges Pompidou, París; Van Abbemuseum, Eindhoven; Hara Museum of Contemporary Art, Tokio.

Entre sus exposiciones más recientes: Echo, Van Abbemuseum, Eindhoven, Holanda, Julião Sarmento, Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle, Bélgica, Julião Sarmento. Numbered Editions 1972-2006 (a retrospective) MEIAC – Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz, y en el Museu Serralves, Oporto.