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Caixaforum, Madrid

30.11.2023 – 31.03.2024

 

El germen de la exposición es una selección de obras de paisajes de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, cuya visión sobre el paisaje queda ampliada con préstamos procedentes de artistas y colecciones de distintas instituciones.

 

En la cultura europea, el paisaje empezó a valorarse como un género pictórico a partir del siglo XVII y alcanzó su máxima expresión en el siglo XIX, desde el Romanticismo hasta el Impresionismo. Actualmente, el paisaje natural ha vuelto a la palestra debido a las posibilidades de fabulación que permite la tecnología digital, así como por la inquietud que genera el deterioro de la naturaleza y la amenaza medioambiental del cambio climático. Si en un principio el paisaje permitió soñar con la idea de paraíso y dio forma a lugares desconocidos o remotos, hoy cobra de nuevo relevancia en el arte con la hibridación de imágenes y la posibilidad de crear nuevas ficciones.

 

El título, “Horizonte y límite”, quiere enfatizar la manera cómo percibimos el territorio. Ante la inmensidad del mundo, el ser humano solo puede aprenderlo encuadrando la mirada y representando lo que, en definitiva, es una ilusión. La muestra está dividida en secciones temáticas que abordan la ficción del paisaje, la percepción y la vivencia del paisaje, así como el impacto humano en la naturaleza.

 

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Sala Alcalá 31, Madrid

27.09.2023 – 10.03.2024

 

La Sala Alcalá 31 presenta “dime quién eres Yo”, una exposición que reúne una extensa selección de obras de Luis Gordillo de los últimos veinte años y analiza en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este último periodo. Dos décadas en la que Gordillo ha puesto la pintura en el centro, con especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre esta y la fotografía, el collage y el dibujo, un territorio muy característico del artista en el que la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen la obra.

 

Un campo, el de la pintura, que en este siglo XXI, se ha liberado de las autodefiniciones estrechas y piensa la imagen como algo acuático, como cosas que se van y se pierden, a semejanza del agua se va entre las manos. En ese sentido, las obras de esta exposición se entienden como contenedores cuya función es dar una forma externa a lo que fluye, a lo que se acaba. Aunque todo en su pintura última está a punto de empezar.

 

Esta exposición enlaza con la muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó en 2007, año en el que el artista fue galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas. Por ello, “dime quién eres Yo” comienza con la pieza que cerraba aquella muestra para adentrarnos después en el corpus artístico que ha ido configurando desde entonces. Con el pulso agitado y activo que transmite la energía de un artista que a los 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones, la Sala Alcalá 31 organiza la mayor retrospectiva de su obra en Madrid desde entonces.

 

En las últimas dos décadas, su modo de pintar sigue siendo el mismo: el artista siempre está en la pintura pero no siempre está pintando. Luis Gordillo ha tenido cierta aversión a situarse dentro de un cauce único, no sólo en relación a una cuestión teórica o de concepto, sino más bien a una cuestión de carácter, de manera de ser y, sobre todo, de manera de sentir. De esa reflexión constante nace la experimentación, palabra clave de este proyecto. El objetivo es implicar al visitante, mostrarle las tensiones y energías que desprende el trabajo del artista desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros y temas recurrentes de su carrera y, por otra, una observación detenida de las convulsiones, exploraciones y derivas de su proceso creativo. Aunque, por encima de todo, esta exposición lo que propone es una celebración de una capacidad creativa única, la de un artista que a sus 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones.

 

Comisariada por Bea Espejo

 

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ARCOmadrid 2023

Galeria Joan Prats

Booth 9C06

 

 

For our booth at ARCOmadrid 2023, we present a selection of pieces by our artists, Erick Beltrán, Alfons Borrell, Cabello/Carceller, Victoria Civera, Luis Gordillo, Alicia Kopf, Lola Lasurt, Perejaume, Pablo del Pozo, Fernando Prats, Caio Reisewitz, José María Sicilia, Juan Uslé.

 

 

For the first time, we will present a canvas and drawings by Brazilian artist Tadáskía.

 

 

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Madrid, 1986. Live and works in Barcelona.

 

Julia Varela is an artist who works on the medium and materiality of images in the age of digital technology. Her research focuses on the states adopted by the irrepressible who resist representation.

The physical form of her work analyses the globalization of industries, technological matter and the concept of visuality. Her work intensifies our physical interaction with devices and their mechanisms, providing an alternative understanding of notions such as context and desire.

Julia has been part of the Critical Images research program in Kungl Konsthögskolan Royal Institute of Art, Stockholm. She holds a bachelor’s degree in Fine Arts and a master’s degree in Art Sculpture from the Royal College of Art London. Her latest exhibitions have taken place at: Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque, Madrid; Fundació Suñol, Barcelona; Somerset House, London; Belgrade Cultural Centre BCC, Belgrade; Listost Gallery, Prague; Decad, Berlin; Yamakiwa Gallery, Japan; KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki; Galleri Mejan, Stockholm; Resartis, Melbourne; La Casa Encendida, Madrid; Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin; CUL DE SAC Gallery, London.

ARCOmadrid 2022

Galeria Joan Prats

Booth 9C06 & booth 7B19 (ARCO 40+1)

 

For our booth at ARCOmadrid 2022, we present a selection of pieces by our artists, with a leading role for painting -Luis Gordillo, Lola Lasurt, Alfons Borrell and Juan Uslé- and others located at the limit of pictorial language -José María Sicilia , Fernando Prats-, or that reflect on the genre, such as Perejaume. Dialoguing with these works, a piece by Muntadas with a more conceptual vision of painting will occupy a special place.

 

We also present for the first time works by Alicia Framis, beginning our collaboration with the artist.

 

The Joan Prats Gallery has been selected for the special program 40+1, a section curated by María Inés Rodríguez, Francesco Stocchi and Sergio Rubira that celebrates the fair’s 40th anniversary. In this section we will present emblematic works by three artists who have been very important in the history of our gallery, such as Hernández Pijuan, Ràfols Casamada and Perejaume.

 

SEE PREVIEW

 

 

Teresa Solar

3D Virtual Tour

October 27 at 7:00 p.m. Guided visit by Olivier COLLET

Limited capacity. RSVP at galeria@galeriajoanprats.com

 

 

During the Barcelona Gallery Weekend, we present Teresa Solar’s second solo exhibition at Galeria Joan Prats, in which we will show recent sculptures and drawings.

 

 

Teresa Solar. Time of worms, or the infinite powers of the subsoil

 

Close your eyes. Imagine how these, like two marbles, turn inwards, and fall. They fall down inside your body like two rubber balls, bouncing off the walls of your entrails, your organs, your orifices. Sometimes they slide fast, others are slowed down by the viscosity or some cavity they find; But they are falling, falling, falling. Submerged in that inner darkness, your eyes begin to update their perceptual form, expanding their visual sensorium, that is, seeing-touching, seeing-feeling, seeing-falling.

 

They fall even beyond your body, crossing the ground you step on, entering the thousand layers of earth, stones, remains, of constructions, structures, and times that crowd the subsoil. They move agile through these strata, at times stopping in gaps here and there, seeing without seeing in the blackness that reigns. The deeper they go, and the more they get muddy in that telluric density, the operative divisions of the objective world dissolve to give way to an undifferentiated materiality, full of powers. A sort of dry sea, where they rest in a stagnant, almost rotten time, the fossils of many possible futures.

 

How is this haptic image perceived by your eyes? How is this chronic time that they reveal? Perhaps the pieces that Teresa Solar presents in this exhibition, El tiempo de las lombrices (Time of Worms), seek precisely this: to show us an experiential image of what is unknown and hidden that we step on, that we walk through, and that inhabits us. It is not a pristine and objective image, like the cut of an engineer or surgeon, but rather a dense and nocturnal object, which tries to embrace all the dimensions that compose her and that escape our capacity for representation. For this, the artist displays a practice similar to a dowser’s practice, activating an imagination that runs through tunnels, passageways, galleries and cavernous systems buried in the bowels of both the earth and the body. The daily use of the Madrid metro, as a transit place “that allows us an exogenous relationship with the earth’s mantle”; the analysis of its own vocal cords; or the speculation about the underground life of worms in the title, are all important references for Solar in this project.

 

A group of wall drawings welcomes the exhibition: Formas de Fuga (Forms of Escape) (2021), in which tongues, glottis, pharynx, genitals, jaws or other soft organs languidly open before our gaze in a salmon tonality. It is followed by Eco Chamber (2021) is composed of two diptychs made with a black marker, which show a clean cut of the fold, an indefinite flesh from a lens that allows us to appreciate its different layers and sections. In the next room rests the group of pieces Hermafrodita (Hermaphrodite) (2021): cavities of some body —geological or animal— that the claw of a bulldozer, or perhaps creature, has violently torn apart, like their tattered edges show. Its shapes are reminiscent of immemorial marine animals, or the shells of nameless specimens, while the saturated and strident colors that cover its interior walls are a reference to the colors that the operators of the subway and other underground infrastructures normally wear. Dazzling colors, whose brightness does not respond so much to the light that they are capable of reflecting, but to the conservation through the act of shining of that darkness in which they move; definitely, “the color of darkness itself” according to the artist. Finally, the series Nacimiento (Birth) (2021) shows a system of orange communicating vessels, in which various cellular patterns intersect and evolve symbiotically until culminating in the eruption of a tooth.

 

Solar reminds me of a quote from Slaughterhouse-Five by Kurt Vonnegut in which an alien from the planet Tralfamadore describes the poverty of time tunnel vision in Earthlings, only to conclude: “All time is time. It does not change. It does not lend itself to warnings or explanations. It simply is. Take moments for what they are, moments, and soon you will realize that we are all insects trapped in amber. ” The movements through tunnels in this exhibition are also a metaphor for a linear experience of time that, far from any promise of peaceful progress, is a vector of anxiety in the artist in front of the prospect of an irremediably univocal future. The use of ceramic, being a material with a great insulating capacity, underlines this closure, evoking qualities of the watertight, even the hermetic. But pulling the thread of that unearthed imagination, these isolated and insulating clay sculptures also enclose within themselves a deep subsoil time in the very matter from which they are made and the speculation from which they emerge. By tearing and opening these cavities-pieces, the artist seeks to spread in front of us this stagnant time that flees from linearity towards other material ontologies, towards other ostensible imperceptibilities, and perhaps, also, towards another more egalitarian and less violent temporal distribution. In them beats a congregation of temporary powers, without definition or direction because as their name Hermafroditas (Hermaphrodites) (2021) suggests, they are creatures in a state of undifferentiation, of pure (sexual) potency without actualizing or fixing on any denominator; and that, therefore, they contain within themselves all future forms and possibilities.

 

At the heart of this set of sculptures and drawings there is Tuneladora (2021): a sculpture in which a pair of resin fins grow powerful and slender from a muddy outgrowth. The fins (which could also be blades, or oars) are painted from their edge in a gradient from navy blue to white, reminiscent of baroque chromaticism in the way that it underlines the shadows and lights of the piece while emphasizing its speed and movement. They refer to the dolphin and its symbolism that Solar reads in the key of Minoan mythology, where these animals are attributed the ability to guide to a safe harbor; and at the same time, they are covered with the patina of a fair booth that we find in previous projects of the artist. Their polished and dynamic finish contrasts with the heavy and immobile presence of the mud from which they arise; a kind of stump of a missing joint, perhaps belonging to some deep-seated dweller. In fact, the piece invites us to imagine that when it is operated, it has unearthed the cavernous sculptures that surround it: while the group of Hermafroditas shows the emptying, Tuneladora (TBM) presents the positive body that excavates the tunnel gallery. This amalgamation of the geological and shapeless materiality of the mud with the plastic hyper-definition of the fin combines in an unprecedented way two registers present in the artist’s work, the one of the raw and abstract power of the material with the updating vector of fiction, which crystallizes in a language — both symbolic and aesthetic— sharp and precise. As if the speculative grammar of fiction, loaded with all its signs and forms, emerged from the torrent generated by these two helices in the wild and unknown substrate

 

 

Julia Morandeira Arrizabalaga

Curator, researcher and educator. She lives and works in Utrecht, where she is curator of the Post-Academic Program at BAK, basis voor actuele kunst

 

 

Teresa Solar (Madrid, 1985) studied Fine Arts at Universidad Complutense of Madrid.

 

Some of her most prominent solo shows include “Ride, ride,ride” in Matadero Madrid (2018) and Index Foundation in Stockholm (2019) and “Flotation Line” at DER TANK, Institut Kunst Basel, Switzerland (2018). She has also created solo exhibits in galleries such as “Time of worms” at Galeria Joan Prats, Barcelona (2021), “Forms of Fleeing” Travesía Cuatro Gallery, Madrid (2020), “Pumping Station” in Travesía Cuatro CDMX Gallery in Mexico City (2019) and “Ground Control” at Galeria Joan Prats, Barcelona (2017).

 

Solar’s work has been recently shown at the Liverpool Biennial 2021 curated by Manuela Moscoso, at the VII international Biennial of Young Art of Moscow (2020) and at the Köln Skulptur Park  #9 curated by Chus Martinez  (2017-2020) . Solar’s projects have been present at groups shows in Haus der Kunst, Munich; Kunstverein Munich, Kunstverein Braunschweig, Maxxi Roma, CA2M Madrid, Patio Herreriano Museum Valladolid and Marcelino Botín Foundation Santander, among others. She is currently a finalist of the Future Generation Prize 2021-2022 at Pinchuk Foundation in Kiev.

Julia Varela

Visit with the artist on September 2, 18h30. By appointment at galeria@galeriajoanprats.com 

 

As part of artnou, Galeria Joan Prats presents the exhibiion Duress by Julia Varela (Madrid, 1986).

 

In the digital contemporary landscape mediated by technological devices, the perception of images is promoted through their visible condition. This visibility is what gives an image its performative status, the possibility of being and its social and legal recognition. The series of works presented in the exhibition and their historical context will address several issues surrounding this and other topics.

 

Julia Varela is an artist who works on the medium and materiality of images in the age of digital technology. Her research focuses on the states adopted by the irrepressible who resist representation.

The physical form of her work analyses the globalization of industries, technological matter and the concept of visuality. Her work intensifies our physical interaction with devices and their mechanisms, providing an alternative understanding of notions such as context and desire.

Julia has been part of the Critical Images research program in Kungl Konsthögskolan Royal Institute of Art, Stockholm. She holds a bachelor’s degree in Fine Arts and a master’s degree in Art Sculpture from the Royal College of Art London. Her latest exhibitions have taken place at: Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque, Madrid; Fundació Suñol, Barcelona; Somerset House, London; Belgrade Cultural Centre BCC, Belgrade; Listost Gallery, Prague; Decad, Berlin; Yamakiwa Gallery, Japan; KIASMA Museum of Contemporary Art, Helsinki; Galleri Mejan, Stockholm; Resartis, Melbourne; La Casa Encendida, Madrid; Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin; CUL DE SAC Gallery, London.

She is currently a resident artist at HANGAR, Centre de producció i recerca d’arts visuals, Barcelona.

 

Victoria Civera

Victoria Civera es artista invitada de la edición especial de la feria de arte Estampa, que se celebrará del 8 al 11 de abril en el Pabellón 6 de Ifema Madrid.

 

Con una amplia trayectoria internacional, el trabajo de Civera se centra en la construcción de objetos e instalaciones, convirtiéndose en una de las primeras artistas españolas que se aleja de la noción de estilo.

 

Para esta ocasión, la artista instalará en un espacio de la feria la obra ‘Aviador Sibila’, una escultura de gran formato.

 

 

 

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Hassan Fathy

CASA ÁRABE MADRID. Hassan Fathy: a contracorriente

 

28/01 – 16/05/2021

 

 

 

A partir del 28 de enero, Casa Árabe ofrece en Madrid la exposición Hassan Fathy: a contracorriente, comisariada por José Tono Martínez, en la que se recogen planos, maquetas, fotografías y libros del conocido como “el arquitecto de los pobres”. En este marco, se presentarán algunas obras de Hannah Collins y su visión personal del arquitecto, incluyendo el video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head.

 

 

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As of January 28, Casa Árabe offers in Madrid the exhibition Hassan Fathy: a contracorriente (against the current), curated by José Tono Martínez, in which plans, models, photographs and books by the “architect of the poor” are collected. In this context, some works by Hannah Collins will be presented, along with her personal vision of the architect, including the video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head

 

 

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bajo la superficie

Bajo la superficie (Miedos, Monstruos, Sombras)

Centro de Cultura Contemporánea Condeduque. Sala Bóvedas

11.12.2020 – 11.04.2021

 

Exposición colectiva, comisariada por Javier Martín-Jiménez, con obras de Teresa Solar entre otros.

 

 

La crisis sanitaria mundial ha derivado en una crisis existencial generalizada que obliga a reflexionar y a dudar sobre nuestra propia posición en el mundo y particularmente en la sociedad en la que vivimos. Cualquier pensamiento crítico genera dudas y preguntas necesarias para avanzar como individuos en la búsqueda de respuestas. Pero ese cuestionamiento puede derivar en conflictos internos. Mirar la realidad de frente no siempre es plato de gusto, es más cómodo mirarla por el rabillo del ojo para desviar la mirada rápidamente si algo nos perturba. Enfrentarse a ella es lo complicado porque hace aflorar a su vez muchas emociones normalmente escondidas.

 

Miedos, monstruos y sombras que se esconden bajo la superficie, que curiosamente no desaparecen nunca aunque se miren de soslayo. Por mucho que se tapen siempre están ahí, y se pueden convertir en una carga pesada.

 

La culpa, el miedo a nosotros mismos, el miedo a tener miedo.

 

Igual es momento de plantar cara al presente escenario y tratar de visibilizar esos sentimientos ocultos, invisibles o falsamente olvidados, mucho más comunes de lo que sospechamos.

 

 

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Opening 16.01, 19h

Exhibition 17.01 – 30.05.2020

 

 

On Thursday January 16, we will open the seventh exhibition of Chema Madoz at the Galeria Joan Prats. We will present recent works made between 2012 and 2018.

 

The black and white photographs by Chema Madoz are characterized by their sharpness and fineness. Simple objects of everyday life appear in his pictures. The photographer has manipulated them, often combining two objects, looking for associations or paradoxes. These sculptures created by the artist are born only to be photographed, always with natural light. The change of scale and the absence of color allow us to establish a distance and at the same time distort reality, questioning ideas such as the true and the possible.

 

In the images of Chema Madoz, therefore, two points of view converge, the one from the photographer himself and the one from the viewer, who faces photography from the same place from where he faced the object. In the words of Chema Madoz, he is interested in “the idea of finding, discovering and perceiving the mystery in everyday life.” At the same time, the artist conceives reality as an exercise of reading, and with a cold look, he documents the destruction of its rules through photography.

 

All the photographs are printed on baryta paper and sulfide toned.

ARCO Madrid

 

26/02/2020 – 01/03/2020

 

Booth 9C09

 

LUIS GORDILLO . CHEMA MADOZ . MUNTADAS . FERNANDO PRATS . JULIAO SARMENTO . JOSÉ MARÍA SICILIA . PEREJAUME . ALICIA KOPF . TERESA SOLAR . JUAN USLÉ . PABLO DEL POZO . VICTORIA CIVERA . HERNÁNDEZ PIJUAN

 

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Pabellón Villanueva. Real Jardín Botánico, Madrid

14.12.2019 – 30.8.2020

 

El Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico acogerá, entre el 14 de diciembre y el 30 de agosto de 2020, la exposición La naturaleza de las cosas, del Premio Nacional de Fotografía Chema Madoz.

 

La muestra, comisariada por Oliva María Rubio, reúne una selección de 62 fotografías producidas entre 1982 y 2018 en diálogo con la naturaleza.

 

Chema Madoz opera con los elementos de la naturaleza de la misma manera en que lo hace con los objetos, buscando asociaciones, desplazamientos, metamorfosis, parentescos, combinaciones, yuxtaposiciones, encuentros fortuitos. Ajeno a las clasificaciones habituales, trastoca las reglas y despliega su fantasía, cambiando la naturaleza de las cosas.

 

Funde los reinos animal, vegetal y mineral dando lugar a un reino propio en el que transforma hojas, ramas, agua, nubes, maderas, plantas, flores, piedras… ofreciendo las combinaciones más inesperadas.

 

Junto con la exposición se ha editado un libro homónimo con más de 40 fotografías y los textos El arte de trastocar las reglas de la naturaleza, de la comisaria Oliva María Rubio, y Chema Madoz y el ensimismamiento de las cosas, del escritor vasco Bernardo Atxaga.

 

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El hecho alegre, Casa Encendida

Casa Encendida

11.10 – 05.01.2020

 

Esta muestra colectiva se centra en un arte que hace grande lo más pequeño, sin establecer categorías grandilocuentes para poner énfasis en elementos que forman parte de la estética de nuestro día a día. Se asumen los diferentes ritmos y el ametrallamiento de imágenes de nuestra contemporaneidad desde la política de la alegría y el propio discurrir de la existencia.

 

Tender unas sábanas al sol; escribir una receta de cocina; peinarse en un salón de belleza; escribir anotaciones en un diario o recibir masajes en nuestro cuerpo son algunas de las actividades que realizamos habitualmente en nuestra gesta diaria. Algunas de ellas se convierten en placeres sencillos, que diría Janes Bowles, y que satisfacen nuestra vida, y adornan de una gran dosis de estética lo más primario. Dignificando así lo infraordinario que de tan común parece insignificante.

 

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Artistas: Pilar Albarracín, Elena Blasco, Sol Calero, Esther Gatón, Daiga Grantina, Camille Henrot, Dorothy Iannone, Engel Leonardo, Jonathan Monk, Niki de Saint Phalle, Mika Rottemberg, Samara Scott y Teresa Solar.

Matadero Madrid

Inauguración 16.2.2018, 19h

Exposición 16.2 – 29.7.2018

 

 

Cabalga, cabalga, cabalga es una intervención site specific que ha realizado Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) para el programa Abierto x Obras, que tiene lugar en la antigua cámara frigorífica del que fue el matadero de Legazpi.

 

Solar presenta aquí una gran cabalgata de formas escultóricas similares, arcos continuos que varían en tamaño y simbología y que dejan entrever la geografía creativa de la artista. El significado de la instalación emerge no tanto de la individualidad de cada objeto como de su relación con el conjunto.

 

La artista reflexiona así acerca de la idea de tránsito y crecimiento, con una pieza que se sitúa entre la disposición morfológica razonada de los museos de anatomía y el almacén accidental y caótico de un parque de atracciones: “un paisaje vacilante que crece más como las ramificaciones caóticas de un arbusto que como las ramas definidas de un árbol genealógico”, según sus palabras.

 

El trabajo de Teresa Solar se materializa en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan. Muchos de los elementos que utiliza, como decorados y atrezzo para sus películas, funcionan posteriormente como esculturas y viceversa. Teresa Solar explora por tanto la doble naturaleza de estas formas, a través de la mirada parcial de la cámara y, posteriormente, con una nueva entidad en la sala.

 

Abierto x Obras, en Matadero Madrid, es un programa de intervenciones site specific que invita a artistas a realizar una pieza de nueva producción incentivando el carácter experimental de la creación contemporánea a través de planteamientos que exploran la relación entre el arte y el lugar que lo acoge, la antigua cámara frigorífica del Matadero.

 

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Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

7.11.2017 – 28.1.2018

 

El museo cierra el programa expositivo de su 25 aniversario invitando a sus públicos a reflexionar sobre el papel educativo de los museos en nuestra sociedad. ‘Lección de Arte’ estará formada por diversas propuestas que se sucederán en el tiempo y en el espacio.

 

La exposición incluye obras de artistas contemporáneos como Muntadas, Cinthia Marcelle, Dennis Adams, Dora García, Pavel Kogan, Erwin Wurm o Rineke Djikstra, en las que se cuestiona dónde reside el conocimiento, se habla del museo como experiencia personal y se busca la transformación del papel del espectador y su lugar dentro del museo.

 

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Fundación BBVA, Sala Multiverso, Madrid

08.09 – 08.10.2017

Inauguración 7 de septiembre 20:00 h previa invitación

 

‘The Wolf Motives’, de Carles Congost, propone una reflexión sobre la falsa libertad inducida por las dinámicas consumistas en un formato que combina el género documental sobre temas de naturaleza con el lenguaje publicitario más incisivo.

 

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CentroCentro, Madrid

23.06 – 01.10.2017

 

Nuestro deseo es una revolución muestra cómo diversas prácticas artísticas y discursivas gays, lésbicas y queer han combinado los lenguajes de las vanguardias artísticas y la iconografía y modos de hacer de las subculturas de la calle para politizar la representación del cuerpo y la sexualidad, para cuestionar el funcionamiento de las esferas pública y privada y para releer la historia hegemónica que invisibiliza a los sujetos marginales.

 

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Teresa Solar

 

Through ceramic sculptures, videos and photographs, the artist outlines a discontinuous narration, starting from her own body and linked to space exploration. Precisely, the works of the exhibition revolve around the relationship of the artist’s body with her work materials, essentially the ceramics. Through the performative link and the double meaning between subject and material, between structure and mass, Teresa Solar reflects on concepts such as control, resistance, a definitely precarious balance of sense and accident.

 

The title of the exhibition, Ground Control, has a double meaning. On one hand it is a direct reference to the material, ground or clay, and the pressure exerted on it when working on the potter’s wheel. The body of the artist adopts a position of resistance to control the material, which is plastic and dynamic, this effort makes the body operate as a static structure, as an object, as matter. Through the title, this minimal experience of communication and conflicting balance between subject and matter increases in scale, linking with space travel: “Ground Control” is the center of operations from which the operation of the flight of a spacecraft is monitored. Serving the two for the purpose of a successful expedition, one cannot exist without the other and vice versa, they are part of the same mechanism, a single subject divided into two bodies.

 

The idea of tense balance between oneself and the world is present in the videos of the exhibition. In Being a person you did not know you were, we see a puppet that adopts the role of the divided adult, of an unknown entity who is born in us and who looks at us from the outside, who turns us in foreigners inside our body. Continuing with the idea of the divided subject, in the video Ground control, the artist is transformed into the clay ball that turns on the potter’s wheel. The image of the turning body is accompanied with fragmented stories that connect the accident of the space shuttle Columbia, exploding into pieces due to a failure in its protective shield, with the personal injuries suffered by the artist herself.

 

This double relationship is also present in the sculptures of the series Crushed by pressure. The pressure of the metal bars and cords repeats the process of creation of the ceramics, remembering the pile of rubble of an accident, in which the ceramic becomes the body of the subject, controlled and stabilized through structures that deform it. Ceramics allow us to emphasize the contrast between the primitivism of a material and a millenary technique, with the technological sophistication of the ceramic skins that cover the rockets.

 

In the pieces Pie de foto: Masa and Chamber, Breath, the artist in the potter’s Wheel sign language on White clay balls, creating words that are then compacted and deformed by their own weight, forming a language that exists in the phisical space. In Pie de foto: Masa, ceramic columns hold the photograph of a bone while the engraved stretch marks themselves mean “mass”; the missing body is completed trough the text that supports it.

 

 

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) lives and works in Madrid. She has been a resident and visiting professor at Staatliche Akademie der Bildenden Künste, Stuttgart (2016), she was a finalist of the Rolex Mentorship Program (2016), she received the production grant Fundación Botín (2014), the production grant CAM (2011) and the prize Generaciones (2012). She has individually exhibited at La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) & CA2M Móstoles (2012). Recently she has been selected as finalist for the Prize Cervezas Alhambra of Emergent Art during ARCOmadrid 2017. She will show soon at Haus der Kunst and at Kunstverein München.

 

Luis Gordillo

Museo Reina Sofia. Edificio Nouvel

Colección 3.

La obra de Luis Gordillo (1934) nace de una compleja síntesis de elementos diversos, provenientes del informalismo, el arte pop y las corrientes geométricas, fuentes que alimentan su obra de manera simultánea e intencionalmente contradictoria. Su síntesis pictórica se presenta como la constante deconstrucción y reelaboración de una imagen que se reblandece, desinforma y confunde en su apariencia incompleta.

 

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José María Sicilia / La locura del ver

Museo Casa de la Moneda

Del 20 de Enero al 16 de Abril de 2017

 

La locura del ver

“Ver, ver más, ver siempre más. Ver es no ser. Lo importante del ver no es la suma de conocimientos que derivan del ver, sino la fisura, el sinsentido en el interior del ver, el accidente extraño.” José María Sicilia

 

En el marco del premio Tomás Francisco Prieto, el Museo Casa de la Moneda presenta la obra del artista español José María Sicilia (nacido en 1954) que reúne un conjunto de creaciones importantes, representativas de los tres últimos años e inspiradas en sus frecuentes viajes, sobre todo a Oriente Próximo y Japón.

José María Sicilia ha dedicado gran parte de su indagación pictórica a interrogar el espacio inmaterial que existe entre el arte y la vida, Eros y Tánatos. Más allá de su belleza inmediata, las obras de José María Sicilia nos llevan a territorios fronterizos, donde la memoria se pone en abismo.

Entre sus últimas exposiciones se incluyen las realizadas en el Musée Delacroix, París; Palacete del Embarcadero, Santander; Centre Pompidou Metz; Matadero Madrid; Fukushima Prefectural Museum of Art, Fukushima; Santa Caridad de Sevilla, Sevilla; Amos Anderson Art Museum, Helsinki; Prefectural Art Museum, Nagasaki; Musée du Louvre, París; Albright-Knox Art Gallery, Búfalo.

Las obras de José María Sicilia están presentes en importantes colecciones tanto públicas como privadas en Europa y Estados Unidos y Asia, incluyendo: Museum of Modern Art, Nueva York; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; M+ Museum, Hong Kong; Musée National d’Art Moderne / Centre Pompidou, París; CAPC Musée d’Art Contemporain, Burdeos; Fundació Museu d’Art Contemporani, Barcelona; Colección Arte Contemporáneo, Fundación La Caixa, Barcelona; CAAM, Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Colección Banco de España, Madrid; Colección Comunidad de Madrid, Madrid, entre otras.

 

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Bryce, colección Hochschild

Sala Alcalá 31.

Del 21 de febrero al 16 de abril de 2017.

La exposición presenta una amplia selección de la colección Hochschild, una de las principales de Perú y la única que, hasta el momento, se ha dedicado casi en exclusiva a la producción artística moderna y contemporánea del país andino.

“Próxima parada: artistas peruanos en la colección Hochschild” reúne obra de un conjunto de alrededor de cuarenta artistas y ofrece una visión representativa de los fondos de esta colección privada, así como de las creaciones de los artistas peruanos contemporáneos.

Esta muestra sobre la colección Hochschild representa una oportunidad inmejorable para comprender el arte de las últimas décadas de Perú, un país cuya cultura incaica o barroca es bien conocida internacionalmente, pero no así su arte más contemporáneo.

La exposición está compuesta por obras realizadas sobre distintos soportes, desde pinturas, esculturas, dibujos y fotografías hasta videoproyecciones, instalaciones y proyectos multidisciplinarios de diferentes corrientes artísticas; desde el surrealismo hasta la abstracción geométrica, pasando por el arte popular o el informalismo. Entre los artistas que conforman la muestra se encuentran algunas figuras reconocidas internacionalmente como Milagros de la Torre, Martín Chambi, Fernando Bryce, Sandra Gamarra o Mario Testino junto a nombres más desconocidos para el público español como José Carlos Martinat, Maya Watanabe, Eduardo Moll o Giancarlo Scaglia.

Sin duda, la colección Hochschild representa un empeño personal por ser parte del esfuerzo de conservadores de museos, curadores, galerías, críticos, académicos y artistas peruanos que están contribuyendo a hacer del arte del Perú nuestra “próxima parada”.

 

Comisario: Octavio Zaya
Organiza: Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid

 

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Teresa Solar

Madrid, 1985

Lives and works in Madrid

 

 

Teresa Solar’s work focus on heterogeneous practices that materialize in audiovisual and sculptural works, in which the languages ​​of the two disciplines connect and interact. However, in recent years, her artistic practice has opted more for drawing and sculpture, with materials such as ceramics or clay, which have been used, since the beginning of humanity and until today, for their insulation properties, resistance and hardness.

 

Based on these elements, Teresa Solar’s work delves into the autobiography, alluding to the daily trips through the subsoil in the Madrid metro or injuries to her own body, to the concern for speech and the organs of phonation, and, at the same time, she reflects on wide-ranging themes, for example related to zoology, geology or space exploration.

 

Along with her interest in the materiality of clay and earth, another figurative language appears in Teresa Solar’s work that moves between the detail of scientific illustrations and the pedagogical representations of Natural History museums, and the brilliant coloring of the fairground attractions, which have resulted in works such as Cabalga, Cabalga, Cabalga or Flotation Line. These are large sculpture installations, which form families with pieces of different sizes, some of them monumental. At the same time, Teresa Solar is an avid sketcher who works with this technique to express her emotions more directly.

 

Cabello/Carceller

Helena Cabello (Paris, 1963) and Ana Carceller (Madrid, 1964)

Live and work in Madrid

 

 

Cabello/Carceller’s work is set in a territory from which they question, reflect and/or fracture the roles or stereotypes associated to gender. They understand identity as something built in conflict or in consonance with a social, cultural, political and economic environment. They point at an `I´ that is always found according to the `others´, this idea vertebrates their production.

 

In their works the patterns, which are linked in a static way to either masculine or feminine roles, are revised. In this way, images are subverted in their works along with behavioral codes and attitudes, associated to that which is commonly considered as masculine or feminine.

 

The rereading that Cabello/Carceller’s work forms in the mentioned models, position the spectator facing multiple prejudice, assumed values and contradictions that manage to effectively destabilize a univocal vision of reality.

José María Sicilia

Madrid, 1954

 

 

José María Sicilia was one of the most significant representatives of Spanish painting in the eighties who identified himself with the young generation of artists that at the beginning of that decade, took up the practice of a `material´ perspective in painting

 

From 1985, Sicilia initiates a new series of works on the subject of flowers, by which he is specially recognized in Spain. This new thematic development would take him deeper in an investigation focused in the analysis of the shape, the construction of space and the structure of light.

 

In the abstract painting that this artist has developed lately, the use of wax acquires a main role for its possibilities of dialogue with light and the creation of spaces in the pictorial surface.