Prats Nogueras Blanchard presentaremos un stand (9C06) con obras de:
Mercedes Azpilicueta, Juliana Cerqueira Leite, Victoria Civera, Luis Gordillo, Lola Lasurt, Ana Mendieta, Muntadas, Ester Partegàs, Perejaume, Wilfredo Prieto, José María Sicilia, Nancy Spero, Antoni Tàpies, Ignacio Uriarte y Juan Uslé.
También tendremos un Solo Project de Josep Ponsatí (Banyoles, 1974) en un stand compartido con la galería Bombon (9A01).
6-10 marzo | IFEMA Madrid
Estamos felices de anunciar que Galeria Joan Prats y NoguerasBlanchard nos unimos para ser más fuertes, más relevantes y abrir nuevos horizontes. En 2024 empezaremos a operar como una misma galería: Prats Nogueras Blanchard.
Programaremos en dos espacios de exposición, uno en Barcelona y otro en Madrid.
Nuestra primera presentación como galería Prats Nogueras Blanchard tendrá lugar en ARCOmadrid. Y nuestra primera exposición, inaugurando la sede en Barcelona, será en abril con una muestra individual de Muntadas.
La nueva galería Prats Nogueras Blanchard es una alianza que encarna un compromiso colectivo para avanzar en el discurso del arte contemporáneo, abrazando nuestro pasado y afrontando los desafíos del futuro.
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Ens fa molta il·lusió anunciar que la Galeria Joan Prats i NoguerasBlanchard ens unim per a ser més fortes, més rellevants i arribar a nous horitzons. El 2024 començarem a operar com una mateixa galeria: Prats Nogueras Blanchard.
Programarem en dos espais d’exposició, un a Barcelona i altre a Madrid.
La nostra primera presentació com a galeria Prats Nogueras Blanchard tindrà lloc a ARCOmadrid. I la nostra primera exposició, inaugurant la seu a Barcelona, serà a l’abril amb una mostra individual de Muntadas.
La nova galeria Prats Nogueras Blanchard és una aliança que encarna un compromís col·lectiu per avançar en el discurs de l’art contemporani, abraçant el nostre passat i afrontant els desafiaments del futur.
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We are thrilled to announce that Galeria Joan Prats and NoguerasBlanchard are joining forces in a spirit of collaboration to become stronger and open new horizons. In 2024 we will start operating as one gallery: Prats Nogueras Blanchard.
We will programme in two exhibition spaces, one in Barcelona and another in Madrid.
Prats Nogueras Blanchard will see the light for the first time at ARCOmadrid. Our first exhibition, inaugurating the Barcelona headquarters, will be in April with a solo show of Muntadas.
Prats Nogueras Blanchard is a joint venture that embodies a collective commitment to advance the discourse of contemporary art, by embracing our past and facing future challenges.
Documentary film: ‘The magic carpet. Voices to remember Joan de Muga’
The exhibition ‘The Magic Carpet. For Joan de Muga’ is a tribute to Joan de Muga, founder and director of Joan Prats Gallery since 1976, when it opened, until 2020. The exhibition will bring together the work of artists who have been part of the gallery since the beginning to the present, together with photographs, letters, videos and documentation, to explain the history of the gallery and also Ediciones Polígrafa and other projects by Joan de Muga such as Fundació Espai Poblenou.
We will show works by Juan Araujo, Francis Bacon, Alfons Borrell, Joan Brossa, Cabrita, Alexander Calder, Anthony Caro, Chillida, Christo & Jeanne-Claude, Victoria Civera, Hannah Collins, Helen Frankenthaler, Luis Gordillo, Guinovart, Hernández Pijuan, Wifredo Lam, Louise Lawler, Miralda, Joan Miró, Henry Moore, Muntadas, Pablo Palazuelo, Perejaume, Joan Ponç, Fernando Prats, Ràfols Casamada, Caio Reisewitz, Julião Sarmento, George Segal, José María Sicilia, Antoni Tàpies, Juan Uslé, Eulàlia Valldosera, Sue Williams
The title of the exhibition is inspired by a drawing by Joan Ponç dedicated to Joan de Muga, in which he portrayed him on a flying carpet. This sketch refers to his enterprising and visionary character, his passion for traveling and for imagining new projects.
We are organizing the exhibition with the complicity of Carles Guerra, who will write the text of the publication that we will publish later.
Diseños habitados
Helena Almeida – Chema Madoz
Foto Colectania. Del 22 de junio al 18 de septiembre, 2022
‘Diseños habitados’ propone una resonancia entre los trabajos de dos de los primeros autores que formaron parte de la colección de Foto Colectania, mostrando algunas claves de sus procesos creativos.
El título de la muestra rinde homenaje a Helena Almeida, que se toma prestado de la primera serie en la que utilizó la fotografía (Desenho habitado). También se recupera el concepto de diseño en su acepción renacentista, que se refiere tanto al dibujo como al proyecto y al proceso mental de trasladar lo imaginado por el artista a la obra. Un ejercicio que define con precisión el fascinante trabajo de estos creadores.
La coincidencia de que tanto Almeida como Madoz realicen bocetos posiblemente guarda relación con su interés por lo íntimo y vivencial. Los dos autores realizan infinidad de esbozos -que no siempre se convierten en obras finales- como primer paso para materializar sus ideas a través del lápiz y el papel. En esta exposición se ha querido resaltar el valor intrínseco de estos dibujos como meros y bellos bocetos, cuyo resultado expresan por medio de la fotografía.
Almeida interviene a veces la obra con estudiadas pinceladas o trazos de lápiz, y siempre fascina con sus ejercicios de reflexión y teatralidad. Madoz dibuja en los cuadernos personales que ha ido guardando a lo largo de los años, que se muestran por primera vez en esta exposición junto con algunos de los objetos que ensambla artesanalmente. Así, sus bocetos se convierten en objetos y sus objetos en imágenes, con su característico estilo y golpes de magia.
La colección de Foto Colectania reúne más de 3.000 fotografías, y quiere reflejar la diversidad de la fotografía española y portuguesa -desde 1950 hasta la actualidad- a través de un extenso conjunto de obras de cada uno de los fotógrafos representados.
Future Generation Art Prize 2021
September 25, 2021 – February 27, 2022
PinchukArtCentre (Kyiv, Ukraine)
On September 25, 2021 the PinchukArtCentre (Kyiv, Ukraine) will present an exhibition of the 21 shortlisted artists for the 6th edition of the Future Generation Art Prize. The show will focus on the presentation of newly produced works giving a remarkable view on the most actual artistic positions of a next generation of artists. Established by the Victor Pinchuk Foundation in 2009, the Future Generation Art Prize is a biannual global contemporary art prize to discover, recognize and give long-term support to a future generation of artists all over the world.
The shortlist of the Future Generation Art Prize 2017 includes: Alex Baczynski-Jenkins (33, UK), Wendimagegn Belete (34, Ethiopia), Minia Biabiany (32, Guadeloupe), Aziz Hazara (28, Afghanistan), Ho Rui An (29, Singapore), Agata Ingarden (26, Poland), Rindon Johnson (30, United States), Bronwyn Katz (26, South Africa), Lap-See Lam (30, Sweden), Mire Lee (32, South Korea), Paul Maheke (35, France), Lindsey Mendick (32, United Kingdom), Henrike Naumann (35, Germany), Pedro Neves Marques (35, Portugal), Frida Orupabo (34, Norway), Andres Pereira Paz (33, Bolivia), Teresa Solar (35, Spain), Trevor Yeung (32, China), and artist collectives Calla Henkel & Max Pitegoff (USA), Yarema Malashchuk and Roman Himey (Ukraine), and Hannah Quinlan & Rosie Hastings (UK).
The collective Yarema Malashchuk and Roman Himey was included to the shortlist as the winner of the PinchukArtCentre Prize 2020 – a national contemporary art prize awarded to young Ukrainian artists up to the age of 35.
All other artists were chosen by an international selection committee, which includes: Justine Ludwig, curator at Creative Time in NY; Julia Morandeira Arrizabalaga, researcher and curator; Daniel Muzyczuk, head of the Modern Art Department at Museum Sztuki in Lodz; Iheanyi Onwuegbucha, curator CCA Lagos; Jeppe Ugelvig, critic and curator; Zoe Whitley, director Chiesenhalе; June Yap, Director curatorial, programmes and publications Singapore Art Museum.
ARCO E-xhibitions 3. HANNAH COLLINS
Para la tercera E-xhibition presentamos una selección de obras de la artista Hannah Collins.
‘Family’ (1988), una obra de primera época de la artista, es una imagen en blanco y negro de un grupo de altavoces que permanecen en silencio y que se utilizaban habitualmente para la música de calle, sobre todo reggae, creada por antillanos de Londres, pero que se fotografiaron en el estudio de la artista.
‘Grapes’ (1989) forma parte de una serie de obras realizadas por Hannah Collins a partir de 1989, en las que aparece la exploración de la cuestión del lienzo y de su contenido de un modo lúdico, con motivos cuyo artificio es a la vez evidente y oculto. ‘Grapes’ es un “trompe-l’œil” que contesta la objetividad fotográfica y cualquier otra noción constitutiva de una historia oficial de la fotografía: no hay nada menos verdadero que esas uvas, que de hecho son globos de goma, nada más construido que esas imágenes imponentemente iluminadas, de formas engañosas, “asentadas” y expuestas durante mucho tiempo.
‘In the Course of Time (19)’ (1996) pertenece a una serie de obras resultado de los Viajes a Polonia y Bielorussia que la artista Hannah Collins realizó desde 1994 a 1996. Ambos países fueron ocupados por los nazis y formaron parte de la Unión Soviética. Estas obras son una meditación sobre el tiempo, la identidad y los efectos en las vides de las persones y en los paisajes de las circunstancias históricas, sociales y políticas.
La obra de Hannah Collins destaca por la poesía de sus inquietantes imágenes, por la evocadora e infinita asociación de ideas y conceptos en torno a la que se construye, y por la delicadeza de una visión del mundo entendida como una reflexión sobre el paso del tiempo y las huellas de la historia sobre los paisajes, las personas y los objetos.
Su obra se desarrolla principalmente en torno a la fotografía y al uso de un formato vinculado a la pantalla cinematográfica, tanto por las panorámicas a las que a menudo recurre, como por la textura de sus imágenes transferidas a lino, tratando la relación entre el imaginario y las convenciones pictóricas, arquitecturales y cinematográficas, relación sobre la que constantemente se cuestiona.
Descubre nuestro stand en 2D y en 3D
Memorándum. Luis Gordillo.
3 de febrero, 2021, a las 19h.
Museo Universidad de Navarra, Planta -1
Calificada por el propio Gordillo como la muestra más ambiciosa sobre su obra, esta exposición, comisariada por Sema D’Acosta, nos acerca no solo a la obra del artista sevillano, sino a la reflexión en torno a su forma de enfrentarse al hecho creativo.
El proyecto que Luis Gordillo (Sevilla, 1934) presenta en el Museo de la Universidad de Navarra se plantea como una revisión en la que se pueden contemplar sus trabajos principales del siglo XXI en diálogo con algunas otras piezas y series emblemáticas de su trayectoria anterior. Al mismo tiempo, en esta exposición se abordan en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este último periodo, dando especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre pintura y fotografía, un territorio característico del autor donde la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen la obra. Memorándum está pensada como un espacio vivo que huye del cubo blanco y tiende a lo escenográfico. Su objetivo es implicar al visitante, mostrarle las tensiones y energías que desprende el trabajo de Luis Gordillo desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros o temas recurrentes de su carrera; por otra, una observación detenida de las combustiones, exploraciones y derivas que se generan en el estudio.
ConversasComSerralves.
PALAVRA DE ARTISTA – JULIÃO SARMENTO
On January 29th, at 6:00 pm (7:00 pm Spain), watch the WORD OF ARTIST – JULIÃO SARMENTO conversation, online.
In this conversation between the artist Julião Sarmento and Joana Valsassina, curator of the Serralves Museum’s national itinerary program, the core of works by the artist, belonging to the Serralves Collection, will be the starting point for touching on themes that cover his work, revisiting individual exhibitions organized by the Museum and revealing some peculiarities of an important recent acquisition.
In dialogue with one of the most outstanding personalities in the contemporary artistic panorama, we will approach the different aspects of his career, seeking to know how he sees the future of art in the face of today’s challenges.
Join the talk, through free prior registration to the email d.cruz@serralves.pt, until 12:00 on January 29th.
CASA ÁRABE MADRID. Hassan Fathy: a contracorriente
28/01 – 16/05/2021
A partir del 28 de enero, Casa Árabe ofrece en Madrid la exposición Hassan Fathy: a contracorriente, comisariada por José Tono Martínez, en la que se recogen planos, maquetas, fotografías y libros del conocido como “el arquitecto de los pobres”. En este marco, se presentarán algunas obras de Hannah Collins y su visión personal del arquitecto, incluyendo el video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head.
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As of January 28, Casa Árabe offers in Madrid the exhibition Hassan Fathy: a contracorriente (against the current), curated by José Tono Martínez, in which plans, models, photographs and books by the “architect of the poor” are collected. In this context, some works by Hannah Collins will be presented, along with her personal vision of the architect, including the video I will make up a song and sing it in a theatre with night air above my head
Chema Madoz. La naturaleza de las cosas y su eco en la colección.
Museo Patio Herreriano, Valladolid
Del 16 de enero al 2 de mayo de 2021
Exposición comisariada por Oliva María Rubio
La exposición de Chema Madoz que ahora acoge el Museo Patio Herreriano es una buena oportunidad para conocer el trabajo del artista madrileño y de situarlo en una suerte de genealogía. Se establece un diálogo con artistas de la colección del Museo, con los que comparte una sensibilidad semántica y estética. Así, a las fotografías de Madoz se suman las imágenes de los objetos deconstruidos y recompuestos de Ángel Ferrant o el material escultórico de Joan Brossa y Perejaume. Cobran especial significación en este contexto las fotografías de Ángel Ferrant que documentan los objetos que mostró en las Galerías Syras de Barcelona a principios de los años treinta y que más tarde, no contento con su resultado, destruyó. Estas fotografías delatan un interés por el comportamiento de elementos heterogéneos que se encuentra en una esfera próxima a la de Chema Madoz. No es menos conocida la relación del fotógrafo con Joan Brossa, a través de la tensión entre los objetos y las ideas que también cultiva, con similar aliento poético, Perejaume.
Julião Sarmento participa en la exposición ‘Arte y arquitectura: un diálogo’ en el Centro Botín, Santander.
‘Arte y arquitectura: un diálogo’ explora la influencia de la arquitectura en el arte y ofrece reflexiones sobre cómo la arquitectura conforma nuestras propias vidas y articula la interacción social.
Esta exposición reúne una selección de obras de artistas que en su día dirigieron un taller de artes plásticas de la Fundación Botín y expusieron sus trabajos en Santander, junto con piezas creadas por antiguos beneficiarios de la beca de artes plásticas que concede la fundación.
Comisario: Benjamin Weil
Hasta el 14 de marzo de 2021
The artist Julião Sarmento participates in the group exhibition ‘RED LIGHT: Sexuality and representation in the Norlinda and José Lima Collection’ at Centro de Arte Oliva, João da Madeira, Portugal, until March 14, 2021.
RED LIGHT presents a selection of works from the Norlinda and José Lima art collection, having in common the approach to sexuality, declined in multiple themes, both presented in a complement of counterpoint and in a discordant confrontation: the representation of the body, male and female nudity, eroticism, fantasy, desire and pain, object and subject, pleasure and domination, places of female representation, male gaze, voyeurism, exhibitionism and self-representation in art.
Cuarated by Sandra Vieira Jürgens.
Speculative Intimacy – Culturgest, Porto.
Adaptación de la exposición de Fidelidade, Lisboa. Del 18 de diciembre, 2020 hasta el 28 de febrero de 2021, se puede visitar Speculative Intimacy, en Culturgest Porto.
A partir de las leyes de atracción de los cuerpos celestes y su posible analogía en el campo de las relaciones humanas, la exposición que aporta Alicia Kopf al ciclo ‘Chain Reaction’ traza un diagnóstico de las nuevas formas de intimidad en la era de las tecnologías digitales y la inteligencia artificial.
Más concretamente, los vídeos, dibujos y textos recogidos en esta exposición construyen un doble movimiento entre ellos. Por un lado, buscan en los desarrollos más recientes en cosmología y física cuántica vislumbres de una ley rigurosa del comportamiento de los cuerpos: una ley tan completa que explica la mecánica de lo que nos impulsa a un Otro, que finalmente revela la naturaleza de esa energía peculiar que llamamos amor. Por otro lado, estas obras nos colocan frente a la virtualización que las nuevas tecnologías prometen imponer a las formas y vivencias de ese mismo amor: la pantalla del móvil como baluarte sensual de contactos interpersonales, el espejismo del placer a la distancia de un clic, el aislamiento paradoja de la ultraconectividad, seducción transcrita en forma de algoritmo.
Diàlegs intrusos. Tot és present.
13.11.2020 – 7.11.2021.
Museu Nacional d’Art de Catalunya.
Comissariat: Sergi Aguilar i Àlex Mitrani.
La irrupció l’art de la segona avantguarda sorgit amb posterioritat a la Guerra Civil espanyola i a la Segona Guerra Mundial, representa no només una ampliació lògica de la cronologia del museu sinó que també l’aparició d’una sèrie d’obres que, pel seu esperit de modernitat i la seva transgressió de categories culturals i formats tècnics tradicionals, posa en qüestió les maneres de mirar i la mateixa concepció d’obra d’art.
Artistes: José María Sicilia, Joan Hernández Pijuan, Joan Brossa, Eduardo Chillida, Juli González, Lucio Fontana, entre d’altres.
Ara mateix: tot està per fer i tot és possible.
Arts Santa Monica. Nivell 2
Exposició: 10.11.2020 – 17.01.2021
Comissariat: Rosa Lleó i Chus Martínez
“Tot està per fer i tot és possible”
Aquestes paraules no són meves, sinó del poeta Miquel Martí i Pol. Sintetitzen els meus sentiments i l’exigència de no cessar en l’exercici d’acompanyar els artistes, de tenir cura de l’art. En les obres resideix un sentiment de llibertat fonamental per a una societat justa; en els fets hi habita una mena d’amor crucial per poder abraçar el món amb tota la seva duresa. Aquesta exposició és una petitíssima part d’un tresor —la comunitat artística que ens envolta— i espero que serveixi per alimentar el desig d’estar junts, de sentir, d’escoltar, de veure el món amb ells.
Chus Martínez i Rosa Lleó
Artistes: Javier Peñafiel, Pedro Torres, Fito Conesa, Núria Güell, Irene Solà, Tere Recarens, Gema Polanco, Anna Malagarida, Mercedes Azpilicueta, Blanca Casas Brullet, Patricia Dauder, Eulàlia Rovira i Adrian Schindler, Bernat Daviu i Regina Giménez
Political Advertisement X: 1952-2020. Un projecte de Muntadas i Marshall Reese.
Projecció Zumzeig Online: Coincidint amb les eleccions nord-americanes, la pel·lícula estarà disponible online durant 24 hores, el 3 de novembre.
La projecció també inclou una presentació d’Albert Alcoz i un epíleg de Marcelo Expósito.
Des de 1984, els artistes Muntadas i Marshall Reese han creat una antologia d’anuncis televisius de campanyes presidencials que s’actualitza cada 4 anys per a incloure anuncis de cada elecció presidencial, des de la campanya Eisenhower-Stevenson de 1952 fins a l’actual convocatòria electoral Trump-Biden.
La seva última versió, Political Advertisement X: 1952-2020, és una visió personal de com es presenten la política i els polítics a través de la imatge en moviment.
sesin melodim, seslerin yankım benim (tu voz es mi sonido es tu ruido es mi eco)
MIND the GAP, Hamburgo
21.10 – 13.12.2020
Instalación sonora de Annika Kahrs en colaboración con el músico Derya Yildirim.
La base de la instalación de sonido de 7 canales son las entrevistas que Kahrs y Yıldırım realizaron con los miembros de la familia de Yıldırım, sus padres, hermanos y primos, en Hamburgo. En las respectivas conversaciones se intercambiaron historias personales, específicamente preguntado sobre recuerdos sonoros y personalidad acústica. Estos se tradujeron luego en una compleja instalación de sonido en el estudio de sonido. La música se entiende aquí como una puesta en escena portadora de la memoria y un vínculo intergeneracional: qué canciones juegan un papel importante dentro de la familia, se transmiten a las siguientes generaciones y se reinterpretan, qué sonidos recuerdan los padres de su infancia en Sivas (Turquía), o los hermanos en Hamburgo.
sesin melodim, seslerin yankım benim (tu voz es mi sonido es tu ruido es mi eco) invita a los visitantes a acercarse a estos pensamientos y a escuchar el retrato de la familia de una manera temporalmente lineal y espacialmente vertical: cada piso representa a un miembro de la familia.
Del 11 de septiembre al 20 de noviembre de 2020, Fidelidade, Lisboa, acoge la exposición ‘Alicia Kopf: Speculative Intimacy’.
A partir de las leyes de atracción de los cuerpos celestes y su posible analogía en el campo de las relaciones humanas, la exposición que aporta Alicia Kopf al ciclo ‘Chain Reaction’ traza un diagnóstico de las nuevas formas de intimidad en la era de las tecnologías digitales y la inteligencia artificial.
Más concretamente, los vídeos, dibujos y textos recogidos en esta exposición construyen un doble movimiento entre ellos. Por un lado, buscan en los desarrollos más recientes en cosmología y física cuántica vislumbres de una ley rigurosa del comportamiento de los cuerpos: una ley tan completa que explica la mecánica de lo que nos impulsa a un Otro, que finalmente revela la naturaleza de esa energía peculiar que llamamos amor. Por otro lado, estas obras nos colocan frente a la virtualización que las nuevas tecnologías prometen imponer a las formas y vivencias de ese mismo amor: la pantalla del móvil como baluarte sensual de contactos interpersonales, el espejismo del placer a la distancia de un clic, el aislamiento paradoja de la ultraconectividad, seducción transcrita en forma de algoritmo.
‘Speculative Intimacy’ es la quinta exposición del ciclo ‘Chain Reaction’, una colaboración entre Fidelidade Arte y Culturgest, que invita a los artistas participantes a proponer al artista que los suceda en ambos espacios. El ciclo siempre implica una estrecha adaptación del proyecto que ha pasado por galería, en ambas localizaciones: Lisboa y Oporto.
Esta exposición está comisariada por Bruno Marchand, programador de artes visuales en Culturgest desde marzo de 2020.
exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)
Exposures is a series of online exhibitions that aims to reflect on topics related to the current context, and around the general idea of ‘The body and the other’.
Exposures #03. The hands
The third proposal revolves around the hand, the part of the human body most linked to the artistic creation along with the eyes and which at the same time helps us to communicate and relate, just like the word.
It brings together works by Erick Beltrán, Cabello/Carceller, Victoria Civera, Hannah Collins, Enzo Cucchi, Chema Madoz, Enrique Martínez Celaya, Muntadas, Perejaume, Marcel Rubio Juliana and Julião Sarmento.
Our hands are taking an unusual role in the last months due to their role in the transmission of viruses. Touching things, touching our faces, touching other hands has become dangerous, hands are now forced to cover themselves with gloves, to wash constantly, not to touch, not even to say hello.
But we have seen how its presence has been a constant in many artistic works, from prehistoric art to the present day, due to its formal and symbolic variety.
The non-verbal language of gestures reveals the relationship between hand and mind. In the works we show, the hand gestures express different moods, feelings, attitudes or emotions from fear or sorrow to sensuality or complicity. Sometimes, as happens for example in Julião Sarmento’s works, its representation alludes to the totality of the human body.
Hand gestures also refer to social conventions, thus becoming a representation of the human condition in close relationship with culture and expression. As evidenced in some of Muntadas‘ works, this rhetorical figure can define ambition, agreement, imposition, authority or power.
This exhibition will be on view until September 30th.
Fernando Prats, ganador de la tercera edición de la convocatoria para realizar intervenciones artísticas en ‘Fragmentos, Espacio de Arte y Memoria, Museo Nacional de Colombia’ en la categoría de artistas con larga trayectoria, con el proyecto ‘Aún tendría que haber luciérnagas’.
Teresa Solar, among the 20 nominees to The Future Generation Art Prize, by The Victor Pinchuk Foundation (Ukraine).
The Future Generation Art Prize is a biannual global contemporary art prize to discover, recognize and give long-term support to a future generation of artists, all under 35 years old.
An outstanding selection committee, appointed by a distinguished international jury, has chosen these artists who will display their works at the Pinchuk Art Centre in Kyiv. Subsequently, all of them will present their works in the Future Generation Art Prize exhibition at the Venice Biennale.
Acció. Una història provisional dels 90.
MACBA. Exposició col·lectiva. Del 10 de juliol de 2020 al 7 de febrer de 2021
Si la dècada de 1980 va representar a Europa un retorn a l’ordre, a la reivindicació d’una certa formalitat en l’art, als formats convencionals de la pintura i l’escultura àmpliament acceptats pel mercat, la de 1990 va reprendre bona part de les experiències conceptuals de dècades anteriors. D’aquesta manera, es van recuperar pràctiques relacionades amb el cos humà que conjuntament anomenem art d’acció. A l’Estat espanyol, aquestes pràctiques encara van tenir més rellevància, amb iniciatives múltiples que han exercit un immens impacte en l’art fins avui dia. Sovint aquest art d’acció s’expressava en forma de performances ‒que acostumaven a circular en àmbits molt restringits, en festivals o trobades‒ i la seva expressió més heterogènia, el que anomenem performativitat.
A través de diversos nodes, Acció recorrerà aquesta època i en rastrejarà algunes de les obres fonamentals. A més, inclourà documentació i material audiovisual majoritàriament inèdit que recupera aquelles experiències. El resultat és una exposició densa, amb múltiples extensions històriques i contemporànies, que ajudarà a interpretar d’una manera molt més precisa l’art del nostre temps.
Exposició comissariada per Ferran Barenblit, amb obres de Cabello/Carceller, entre d’altres.
No brilho da pele, exhibition by Julião Sarmento at Museu de Aveiro / Santa Joana, Portugal.
July 15 – September 27, 2020
Exhibition organized by the Museums of Aveiro in partnership with the Serralves Foundation – Museum of Contemporary Art and curated by Joana Valsassina.
Selection of works by Julião Sarmento (Lisbon, 1948) that illustrate different approaches to themes such as desire, voyeurism and violence, central to the artist’s practice.
The exhibition includes works from the 1970s to the present, covering different supports worked by the artist throughout his career, such as painting, sculpture, drawing, photography and installation. Exploring ambiguous territories associated with gestures of seduction and transgression, Julião Sarmento’s work create a network of references to cinema, literature, popular culture, everyday episodes and his own work.
Alrededores exentos de adultocentrismo. Javier Peñafiel.
Casal Solleric, Palma. 26 de juny – 25 de setembre de 2020
“Alrededores exentos de adultocentrismo” és un projecte de Javier Peñafiel que planteja un tema estructural dins la nostra societat, encara que fins ara massa ocultat, massa menystingut per tot tipus de poders que ens gestionen. L’adultcentrisme és un estat de les coses que naturalitza, de manera intencionada i egoista, que els adults decidim per les persones joves, deixant-les fora de les decisions sobre el seu propi context present i, allò més greu, el seu futur.
Adultcentrisme és entendre que les persones joves estan en construcció i no són aptes per a l’esfera pública. Els adults es reserven el dret de prendre totes les decisions que afecten el conjunt de la població. Es tracta d’una deriva del mateix concepte de patriarcat. Per extensió, també afecta les persones majors, que sofreixen la marginació de l’espai públic i de la presa de decisió.
Javier Peñafiel realitza una particular crítica de l’adultcentrisme en l’actual societat i proposa un subjecte que no obeeix, obsessionat amb polítiques de mobilitat radicals. Vol posar en valor la capacitat d’acció i decisió dels menors de 18 anys, sempre subordinats i considerats fora de la societat adulta.
Totes les obres de l’exposició són de nova creació, i es formalitzen en diversos dispositius:
1. Llibre d’artista
2. Animacions. Un conjunt de 20 videoanimacions de personatges (10) i escenes (10)
3. 20 OPIs desplegats per la ciutat de Palma, espais publicitaris que ha envaït i que durant 3 mesos funcionaran com hàbitats de vint personatges diferents
4. Taller. Un taller per a joves
5. Adulto Zen. Confedrama, autoentrevista dramatitzada
“Alrededores exentos de adultocentrismo” és una exposició híbrida: una part analògica i una part en línia. La part analògica la formen el llibre d’artista, el taller amb joves i els 20 personatges dels OPIs. La part digital està composta per les animacions i la confedrama, i s’allotja en diverses plataformes d’Internet.
exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)
Exposures is a series of online exhibitions that aims to reflect on topics related to the current context, and around the general idea of ‘The body and the other’.
Exposures #02. The word
The second proposal brings together conceptual practices around the word and the language, basic tools in our relationship with the world and with others.
The works of Erick Beltrán, Joan Brossa, Pauline Bastard, Muntadas, Javier Peñafiel, Perejaume, Teresa Solar and Anna Dot (guest artist) propose texts, phrases, messages, statements, which become resources for the analysis of reality, characterized by their critical and transforming character of the art system and society.
The works presented reflect the relationship between word and image and use various linguistic strategies. In the case of Teresa Solar‘s work, she plays with the aesthetics of phonetics and language learning posters. In other cases, language is used from a sound dimension -as in the work of Perejaume-, a sign –Javier Peñafiel– or poetic –Joan Brossa.
In the 2018 Muntadas work, the mechanisms of communication, language and the problematic relationship between the production of knowledge and economic power are analyzed. Also in the case of Erick Beltrán, through language, he dissects the world to classify it, categorize it, differentiate each of its elements in order to try to understand it.
In a more narrative line, Pauline Bastard‘s work starts from objects found casually that allow her to entrust strangers with the writing of creative fictions.
Lastly, we wanted to introduce an action carried out by Anna Dot at the Fundació Brossa in 2019, evidently for her connection with Joan Brossa, but also for her poetic reflection on the construction of words.
This exhibition will be on view until 10 of June.
ARCO Madrid
26/02/2020 – 01/03/2020
Booth 9C09
LUIS GORDILLO . CHEMA MADOZ . MUNTADAS . FERNANDO PRATS . JULIAO SARMENTO . JOSÉ MARÍA SICILIA . PEREJAUME . ALICIA KOPF . TERESA SOLAR . JUAN USLÉ . PABLO DEL POZO . VICTORIA CIVERA . HERNÁNDEZ PIJUAN
Cabello / Carceller solo exhibition at Regelbau 411. Kunsthal for international samtidskunst. Thyholm, Denmark.
Opening Dec. 14 at 2pm.
Exhibition: December 14 2019 – February 16 2020.
Helena Cabello and Ana Carceller have been working together for three decades to exploring how particular body ideals and particular notions dominate our visual culture, how these notions create special kinds of representation, and how to offer alternatives to these notions.
The two bunkers in Regelbau 411 each present a video work that has been transformed into two site-specific video and text installations. The artists visited the art centre on Thyholm this summer and have since developed this special exhibition design.
Opening: 10.10.2019, 7pm
Friday October 11, 6.30pm, talk between Juan Uslé and curator Javier Sánchez Martínez
The title of the new exhibition by Juan Uslé in Galeria Joan Prats, ‘Unsettled’ alludes metaphorically to painting, the central subject of his entire work.
“Unsettled” means unstable, but also variable, restless, something that includes opposites, or a paradox. In Uslé’s paintings, the stripes of color fluctuate, they do not have a definite beginning and end, and refer to the passage of time, the hours, the seasons, the changing landscapes, such as Bernia, a mountain range located in the southeast of the Iberian Peninsula, a place of inspiration for Uslé, among many others.
Juan Uslé’s work reflects on the possibilities of painting. In his words: “Speaking of painting, I would also talk about his tremor, his ‘no fixation’, his journey or, even better, what we understand as displacement.”
Formed by repeated strokes, although never identical, his work is characterized by movement and rhythm, and invoke the surrounding environment, and, at the same time, the energy of the body’s drives. Uslé creates a pictorial language where formal or metalinguistic aspects are mixed with his life experience, in addition to allusions to time and the creation process itself. According to Juan Uslé: “Time is what we have left. I conceive it as a horizontal surface where past and future moments are deposited and transfigured. Many of my small works seem to go on, spread in space. They suggest a “landscape” –let’s call it this way- or space of multiple juxtaposed horizons.”
In the exhibition, Uslé presents small formats, which create a close and intimate relationship together with large-scale works, the largest dimension he has worked with and which he started in 2017. Small works are organized into families, and speak of repetition, but also individually contain their own identity.
The exhibition is completed with two large format photographs. They make allusions to the painting and invoke the recollection and emotion of the discovery.
Like his paintings, they question our ability to see, think, perceive and feel.
CAT
En el marc de FIAC, Cinéphémère es presenta un vídeo de Perejaume, programa comissariat per Carolina Ciuti.
CAST
En el marco de FIAC, Cinéphémère se presenta un video de Perejaume, programa comisariado por Carolina
ENG
In the framework of FIAC, Cinéphémère presents a video of Perejaume, a program curated by Carolina Ciuti.
Perejaume
Surar, 2009, 9 min 50
27.09.18 – 30.09.18
27.9 / 28.9 / 29.9, 11 am-8 pm + 30.9, 11 am-3 pm
The former “Industrial Akroll” factory in L’Hospitalet de Llobregat started out as a house-workshop. In the 60’s of the 20th century it grew up to a 2.000 m2 surface dedicated to the production of small metallic pieces for footwear, such as buckles and other ornaments. The machines made such a noise that there was a system of codes with coloured lights to communicate inside the whole factory. Calera Studio is currently promoting a new project to transform the building to artistic and cultural uses and to dynamise the surroundings of Can Trinxet in Santa Eulalia and the Cultural District of L’Hospitalet de Llobregat.
With Flotation Line, Teresa Solar Abboud presents a sculptural set that evokes a marine landscape intervened by humanity. Through different elements inspired by marine flora and fauna, as well as objects and instruments that suggest man’s relationship with the sea, the artist offers us a “sculptural ecosystem” – as she defines it – with the desire to fictionally transform the exhibition space into an aquatic environment. In the installation we distinguish elements such as the ladder of a boat, the hand of a diver or a hoisted whale, as well as other objects and figures that are related to stories from classical mythology related to the marine environment. The work starts from a formal and conceptual investigation around the waterline understood as an unstable horizon that becomes a border, an axis that separates two realms and generates a distinction between everything that remains below and above the surface of the water. This floating line is represented in the space by a long arched blue tube that articulates the space horizontally and in relation to which the rest of the elements are arranged at different heights. Other smaller pieces, such as glazed ceramics, bronze eyes or an arched shape rubber bone, also form part of the set. Flotation Line is a Solar Abboud production that results from the curatorial commission Chus Martínez gave to the artist for her monographic exhibition at Der Tank (the exhibition space of the Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW, in Basel), which was inaugurated at the beginning of last summer. For her participation in BGW’s programme Compositions, the artist has adapted this sculptural set to the characteristics of this old factory space.
La galería Joan Prats participa en ARCO 2017 con los artistas Erick Beltrán, Fernando Bryce, Victoria Civera, Hernández Pijuan, Perejaume, Juan Uslé, Julião Sarmento, José Maria Sicilia, Teresa Solar Abboud.
Fechas:
del 22 al 26 de febrero de 2017
Visita profesional:
miércoles 22 | de 12.00 a 20.00 horas
Jueves 23: de 12.00 a 20.00 horas
Inauguración oficial: de 10.00 a 12.00h.
Abierto al público:
viernes 24, sábado 25 y domingo 26 : de 12.00 a 20.00 horas
Lugar:
pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid
A sense of wonder
Comisario: David Santaeulària
Del 27 de enero al 30 de abril de 2017
Bòlit La Rambla, Sala Fidel Aguilar y Bòlit St Nicolau
A sense of wonder (un sentido de la maravilla o la capacidad de maravillarse) es una propuesta expositiva que reúne los trabajos más recientes del artista Carles Congost. Se trata de una coproducción entre el Bòlit, Centro de Arte Contemporáneo. Girona y el Centro de Arte La Panera, Lleida, donde se podrá ver del 18 de mayo al 15 de octubre de 2017. Se presentan cuatro trabajos en vídeo que se pueden interpretar individualmente pero que mantienen muchas conexiones temáticas habituales en la su práctica artística (la música, el mundo del arte, la cultura pop…) o en el modo de formalizarlo (la cuidada puesta en escena y el sentido del humor). En relación con su trayectoria, se constata una sensible evolución en la articulación de los elementos que utiliza y una mayor atención al propio lenguaje cinematográfico. Pervive, por encima de todo, la capacidad de utilizar aspectos cercanos, cotidianos y a menudo asociados a subgéneros, para hacerlos servir de punto de partida y abordar -sin grandilocuencia ni subrayados- aspectos más centrales y genéricos de la condición humana. El autor utiliza una serie de referentes que nos pertenecen para trascenderlos y ver hasta qué punto nos representan o nos explican mejor de lo que imaginábamos. Nos propone, en definitiva, una capacidad de maravillarnos.
Museo Casa de la Moneda
Del 20 de Enero al 16 de Abril de 2017
La locura del ver
“Ver, ver más, ver siempre más. Ver es no ser. Lo importante del ver no es la suma de conocimientos que derivan del ver, sino la fisura, el sinsentido en el interior del ver, el accidente extraño.” José María Sicilia
En el marco del premio Tomás Francisco Prieto, el Museo Casa de la Moneda presenta la obra del artista español José María Sicilia (nacido en 1954) que reúne un conjunto de creaciones importantes, representativas de los tres últimos años e inspiradas en sus frecuentes viajes, sobre todo a Oriente Próximo y Japón.
José María Sicilia ha dedicado gran parte de su indagación pictórica a interrogar el espacio inmaterial que existe entre el arte y la vida, Eros y Tánatos. Más allá de su belleza inmediata, las obras de José María Sicilia nos llevan a territorios fronterizos, donde la memoria se pone en abismo.
Entre sus últimas exposiciones se incluyen las realizadas en el Musée Delacroix, París; Palacete del Embarcadero, Santander; Centre Pompidou Metz; Matadero Madrid; Fukushima Prefectural Museum of Art, Fukushima; Santa Caridad de Sevilla, Sevilla; Amos Anderson Art Museum, Helsinki; Prefectural Art Museum, Nagasaki; Musée du Louvre, París; Albright-Knox Art Gallery, Búfalo.
Las obras de José María Sicilia están presentes en importantes colecciones tanto públicas como privadas en Europa y Estados Unidos y Asia, incluyendo: Museum of Modern Art, Nueva York; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; M+ Museum, Hong Kong; Musée National d’Art Moderne / Centre Pompidou, París; CAPC Musée d’Art Contemporain, Burdeos; Fundació Museu d’Art Contemporani, Barcelona; Colección Arte Contemporáneo, Fundación La Caixa, Barcelona; CAAM, Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Colección Banco de España, Madrid; Colección Comunidad de Madrid, Madrid, entre otras.
Barcelona, 1983
Lives and works in Barcelona
Lola Lasurt’s artistic activity focuses on painting and video and many times also on collaborative processes that confer a universal projection, to her works of a more personal character.
The project about the ‘des-time’ can be understood as the analysis and the questioning of a time period, previous to hers. This is one of the main axis of her work, that frequently uses as a starting point elements from the material and aesthetic culture, that reveal behavioral patterns and ideological parameters of a determined era.
Her pieces revolve around the themes of the memory and the oblivion, the nostalgia and the amnesiac need. Lola Lasurt is interested in the historical individual time and its relationship with the guidelines of the hegemonic culture and the construction of collective symbols.
Girona, 1982
Lives and works in Barcelona
From the exercise of drawing and writing, Alicia Kopf reflects on apparently individual issues that have become generational concerns.
The expressive dimension of her work is related to her studies in Fine Arts and Comparative Literature, studies that allow her to get closer to subjects as diverse as poor housing or the epic of polar exploration from a position that combines both awe and ironic distance.
Alicia Kopf’s work arises from a metaphor, which allows her to perform an analytic exercise that will finally lead to different associations. Thus, in her project Articantàrtic, from the appropriation and the reshaping of graphical and narrative documents, Alicia Kopf turns a historical account into a first person narrative concerning resistance, obsession and the idea of conquest.
Achim, Germany, 1984
Lives and works in Berlin
Annika Kahrs is a Hamburg-based artist who primarily works with film, performance and photography.
In her work Annika Kahrs examines representation and interpretation; she is interested in both social and scientific constructs, as well as evolved organic relations such as those between humans and animals. Her films oscillate between obvious staging and documentary-like observation; a distinctive implication in Kahrs’ videos is that she never hides herself in the film, even if her presence is only unveiled in a short glance from an actor to the director, it reveals a singular approach to her environment almost guided by a mathematical process.
Kahrs’ videos are like composed choreographies. Music often plays a role in her films, not only presented pictorially or on the audio track, but converted into image; through her selection and the ensuing adjustments during the process of editing partitur turns to film, and, subsequently, this film as partitur can turn into another film in the viewer’s mind.
Barcelona, 1931-2005
Joan Hernández Pijuan started painting during the sixties with a style related to expressionism. Nevertheless, during the seventies the empty space started gaining prominence in his paintings such as the geometrical figures. As he mentioned himself, `the space´ became the objective of his work; `I’d say that a constant preoccupation is, and has been finding a space as total protagonist of the canvass. (…) A space as a living element and not as a surface upon which one draws or places himself.´
The landscape of his childhood in the town of Folquer have become a pictorial motive in his adult age: Hernández Pijuan resorts to a memory exercise to recreate it synthetically in his painting.
The objective of this painter was never to achieve a descriptive or narrative painting, but to emphasize through the monochrome the pictorial technique itself.
Seville, 1934
Lives and works in Madrid
Luis Gordillo started his career during the fifties when he travelled to Paris and got acquainted with the European art of the time, in particular with artists such as Wols, Dubuffet, Michaux and Fautrier. In his first works the influence of surrealism and Tàpies can be appreciated to which an early seventies Pop art associated iconography would be incorporated in later years.
Gordillo becomes one of the permanently renovating painters of the pictorial language and one of the artists that during the early seventies reincorporate figuration. It’s likewise in that moment, when he starts to work with photographic images, that this, in some way or another, is introduced in the process of creation in his paintings.
Both ideas, that of the process and the continuous construction as resource of accumulation, are elements that are permanently present in his work.
Barcelona, 2001 (from 1946, Alberto Porta, and from 1968, Zush)
Lives and works in Barcelona
Alberto Porta adopts the name Zush in 1968 when he consciously initiates the creation of his own world parallel to reality. This world constituted by his artistic work is named “Evrugo Mental State”, which is a State such as a bubble territory.
In this state there even exists an alphabet called “asura”, a passport, a flag, ambassadors… His iconography is nourished by images that Evru/Zush has been elaborating from biographic elements: eyes, vital organs, fire, water, etc.
From the eighties, Zush incorporates new digital means to his work which boost the interactivity and the relevant role that the spectator assumes. His work aims –according to what he himself has commented in some occasions- to achieve harmony in art, science and mysticism, which would make possible to recover the balance present in childhood.
Olot, 1970
Lives and works in Barcelona
Carles Congost’s work revolves around the construction of personality and the behaviour codes and it is noted by the redevelopment of cinematographic, photographic and musical stereotypes. His work is developed in a harmonic way along with different disciplines –photographs, videos, sound and drawing- incorporating at the same time a classical and ironical treatment to the image.
The art world constitutes one of the themes that Congost has incorporated to his recent work, from the theatrical stagings that question the mechanisms, to the dynamics and stereotypes of the art world itself.