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Agata como Brad Pitt, 2008

Centro Botín, Santander

20/5 – 15/10/2023

 

Enredos: Eva Fàbregas propone una relación intuitiva y visceral entre las esculturas y dibujos de Eva y una selección de obras de la colección de arte de la Fundación Botín. Los vínculos entre las obras crean un diálogo complejo, a menudo inesperado, en torno al deseo, lo corporal y lo lúdico, pero también lo amorfo, lo atrevido y lo perturbador. Este entrelazado de obras se ha concebido como un organismo vivo, a gran escala, que se adueña del espacio arquitectónico.

 

Esta exposición es el primer capítulo del nuevo programa expositivo Enredos cuyo objetivo es apoyar a los artistas que han disfrutado de una Beca de Arte de la Fundación Botín y vincularles de nuevo con la colección, el edificio y los públicos.

 

En esta ocasión, Eva ha seleccionado obras de artistas que, como ella, fueron becarios de la Fundación: Leonor Antunes, Nora Aurrekoetxea, David Bestué, Cabello/Carceller, Asier Mendizabal y Sara Ramo, así como del artista mexicano Gabriel Orozco.

 

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La Casa Encendida, Madrid

19/05/2023 – 07/01/2024

 

La Casa Encendida presenta la exposición Picasso: Sin Título, un proyecto de La Casa Encendida y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA), comisariado por Eva Franch i Gilabert, dentro del marco de la Celebración Picasso 1973-2023, la conmemoración de los cincuenta años de la muerte de Pablo Picasso.

 

Como dice Bernard Ruiz-Picasso “Picasso casi nunca puso nombre a sus obras; sus amigos, agentes y comisarios lo hicieron por él”. Partiendo de esta premisa, las cincuenta obras presentadas en la exposición, con un título y una descripción nueva propuesta por cada uno de los artistas invitados, se transforma, interroga y resignifica a través de historias paralelas que nos ofrecen una perspectiva radicalmente contemporánea sobre el trabajo de Picasso. Los nuevos títulos y cartelas, algunos producidos a través de procesos especulativos y otros a través de interpretaciones poéticas o políticas, construyen colectivamente un retrato compuesto de nuestras percepciones actuales y del legado y la influencia de Picasso.

 

A diferencia de las primeras cinco décadas, la obra tardía de Pablo Picasso no ofrece lecturas políticas o formales inmediatas. Condenada académicamente por críticos occidentales – quizás por cuestiones más ideológicas que estéticas- y celebrada por artistas en busca de nuevas libertades, la obra del último Picasso está abierta a múltiples interpretaciones. Siendo la más próxima a nosotros y sin embargo la más desconocida, esta etapa es sometida en esta exposición a un proceso de diálogo con artistas contemporáneos que han sido invitados a renombrar sus obras como forma de reivindicar este periodo para situarlo en un espacio presente y también futuro.

 

Como diría el filósofo Jacques Derrida, renombrar es un acto de amor. Renombrar es también un acto político. La exposición Picasso: Sin Título, nos invita a ver -que también es pensar- la obra de Picasso más allá de títulos conocidos y lecturas representacionales. El proyecto nos invita a jugar con Picasso abriendo espacios a cuestiones latentes en su trabajo y presentes en nuestra mirada como ideas sobre raza, clase, género, identidad, antropocentrismo o empoderamiento.

 

La exposición invita al visitante a desarrollar una actitud activa, a interrogar aspectos de nuestra percepción de la obra de Picasso y, al mismo tiempo, de nosotros mismos, de nuestros valores y de nuestra contemporaneidad.

 

Los 50 artistas invitados que participan en la exposición son: Adrián Villar Rojas, Agnieszka Kurant, Ahmet Öğüt, Albert Serra, Alejandro Cesarco, Antoni Muntadas, Asunción Molinos Gordo, Black Quantum Futurism, Cabello/Carceller, Camille Henrot, Christine Sun Kim, Christopher Kulendran Thomas, DIS, El Conde de Torrefiel, Emilie Baltz, Erwin Wurm, Esther Ferrer, Frida Orupabo, Holly Herndon, Isabel Coixet, Iván Argote, Janaina Tschäpe, Jill Magid, Joy Harjo, Johanna Hedva, Jumana Manna, Klára Hosnedlová, Leonor Serrano-Rivas, Lydia Ourahmane, Maria Hassabi, Mercedes Azpilicueta, Niño de Elche, OMSK Social Club, ORLAN, Pauline Curnier Jardin, Pedro Neves Marques, Pol Taburet, Revital Cohen & Tuur Van Balen, Roméo Mivekannin, Ryan Gander, Sara Ramo, Simon Denny, Simon Fujiwara, Sissel Tolaas, Tala Madani, Taryn Simon, The Otolith Group, Trevor Paglen, Tuan Andrew Nguyen y Tyra Tingleff.

 

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Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, Comunidad de Madrid

14/04- 16/07/2023

 

Los museos de la Comunidad de Madrid abordan “Las tácticas barrocas”, XXX edición del programa “Mutaciones”, comisariado en esta ocasión por Sergio Rubira.

 

El programa es una reinterpretación en clave contemporánea de estos lugares históricos y sus colecciones con el fin de facilitar el acercamiento del público a nuevas formas creativas.

 

Los artistas seleccionados para intervenir en la Casa Museo Lope de Vega son Elena Alonso, Cabello/Carceller, Paula García-Masedo, Alicia Martín, Asunción Molinos Gordo, Víctor Santamarina, Adrian Schindler/Aisha Trinidad y weecolors.

 

Todos ellos tienen en común el haber reflexionado sobre lo barroco o el haber asumido en su producción estrategias (el artificio, la sustitución, la proliferación, la condensación, la parodia, la intertextualidad, el palíndromo, la intratextualidad, la tautología), que pueden asociarse al concepto de barroco.

 

Parte, por tanto, este proyecto de exposición de la idea de unir el barroco como época y la idea de lo barroco.

 

Las intervenciones que componen “Mutaciones” están concebidas expresamente para cada uno de los espacios participantes: el Museo Casa Natal de Cervantes, la Casa Museo Lope de Vega, el Museo Picasso–Colección Eugenio Arias y el Centro de Interpretación de Nuevo Baztán.

 

 

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Cabello/Carceller

Artium Museoa, Vitoria-Gasteiz

Inauguración 31 de marzo

 

Hau ‘este/esta/esto’ es, en euskera, el demostrativo que indica proximidad. Los demostrativos se utilizan para indicar la distancia entre quien habla y aquello de lo que se habla. En muchos idiomas, existen tres grados: esto que está aquí, eso que queda ahí y aquello que está allí. Esta distancia hace referencia no solo al espacio, sino también al tiempo. Cuando se usa para indicar una temporalidad, se refiere al momento en el que se lleva a cabo el discurso: ahora, hace un rato o ayer. Resulta fundamental hacer evidente desde dónde y cuándo se emite el mensaje, quién propone el punto de vista. Los demostrativos, en ese sentido, ayudan a situarse, ya que desvelan una posición.

 

Pero hau también tiene significados distintos en otros contextos, allí, lejos. Siguiendo el relato que el antropólogo francés Marcel Mauss recoge en su libro más conocido, Ensayo sobre el don. Forma y razón del intercambio en las sociedades arcaicas (1925), el hau es, en la cultura polinesia de los maoríes, el valor espiritual que se otorga a los objetos donados. Este hau es el alma de las cosas que se regalan, aquello que las anima y que es parte de una misma o uno mismo, y cuando se realiza un intercambio es lo que obliga al retorno o a la reproducción del don. La definición de un museo viene dada, históricamente, desde su colección, desde el carácter público de un fondo de obras —un don— que pertenece a todas y todos, y que contribuye a la producción de conocimiento, al tiempo que permite imaginar una comunidad.

 

Esta doble acepción funciona como preámbulo a una reordenación de los fondos de la colección del Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco que se inicia en la década de los cincuenta y llega hasta nuestros días, a partir de una serie de movimientos elementales que activan, del mismo modo que en la reordenación precedente, una narrativa siempre en construcción. Una presentación que reúne en las salas del museo más de un centenar de obras de arte, documentos y materiales de archivo, y provoca tensiones y encuentros entre manifestaciones artísticas surgidas en las cinco décadas que comprende la muestra.

 

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San Telmo Museoa, Donostia-San Sebastián

04/03 – 04/06/2023

 

Los nuevos 90, un ensayo expositivo de Nekane Aramburu, es una aproximación a los diversos colectivos artísticos que trabajaron en los años 90 (y unos años antes y después) y busca contribuir a la preservación y transmisión de aquel ecosistema cultural, recogiendo el espíritu de iniciativas y espacios.

 

La exposición Los nuevos 90 se podrá visitar en la sala de exposiciones temporales del museo, del 4 de marzo al 4 de junio de 2023.

 

Obras artísticas, video arte y vídeo documental, audios de diferentes entrevistas, documentos gráficos, ediciones alternativas, libros y revistas, fotografías de autor, fotografías-copias de exhibición, proyecciones y mobiliario componen el universo de este proyecto. En él se integran en torno a 140 creadores y colectivos. Se trata de una época crucial con el paso de lo analógico a lo digital, y la exposición recupera producciones que salen a la luz por primera vez, todas ellas desde la perspectiva de su sentido dentro de un engranaje coral donde lo participativo trasciende las individualidades.

 

La muestra, cuyo recorrido es cronológico, integra este devenir y apunta a los acontecimientos sociales paralelos. Comienza abordando la relevancia de la utilización de las entonces llamadas “Nuevas tecnologías”, que fundamentalmente se desarrollaron a partir de la investigación de las posibilidades del video-arte.

 

Se trata de la primera gran muestra sobre los años 90 en Europa que perfila algunas de las cuestiones esenciales a partir del contexto vasco, y abre nuevas historiografías futuras.

 

 

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Ulsan Art Museum, Ulsan, Republic of Korea

16.02 – 21.05.2023

 

Ulsan Museum of Art is concurrently holding three exhibitions under the theme of What is The Collection Now?, which examines the past, present and future of the collection itself. The screening exhibition of International Moving Image Collection: Art Fluidity is one of them.

 

As can be seen from the subtitle ‘Art Fluidity’, the exhibition presents a comprehensive overview of how the meaning of the collection has changed through the transition of the form and medium of the artwork, focusing on the fluidity of today’s immaterial digital works. Moreover, the exhibition shows the current state of contemporary (visual) art that vigorously engaged with other art genres or academic fields. This phenomenon informs us that today, the boundaries of ‘art’ are ambiguous and fluid.

 

Since Einstein, quantum physicists have come up with the theory that the ultimate factor defining existence is not the material but the immaterial. It is an overturning of the existing physics theory that the source of what we call reality is matter. In other words, objective figures and quantities do not define existence, but the relative spirituality beyond matter becomes the force that supports matter. Now, mankind is living in an era in which the smallest unit constituting the universe has been converted from atoms to bits, the so-called “digital transformation era.” The same is true for artistic creation. It has been a long time since the way of existence of the work has been converted from material to non-material form. Even in the distribution system of works, immaterial works floating online can be viewed transcending time and space.

This immaterial worldview and the way works exist also affect the meaning and institutions of the collection. Today, the collection goes beyond the meaning of private collectors and public museums purchasing works in material form and sharing them with the public in a finite space. In other words, the meaning of the collection is changing from ‘possessing’ to ‘sharing’, and from sharing to ‘disseminating’.

 

Hence, Ulsan Art Museum uses the video archives shared from the leading institutions’ collection (VDB, HAMACA, CASA ASIA and ZKM). On view are the selected works from moving image practices, from the late 1960s to the present: experimental videos with media, such as performances, electro-intermediate installations, and so on, as well as documentary videos on socio-political issues, and narrative videos. The exhibition will serve as an opportunity to understand the fluidity of art, presenting works from analog moving images of 1960s to digital moving images today.

 

 

Curator: Jeong Seon Huh

 

Artists: Sónia Vaz Borges/ Filipa César, Nam June Paik, Bill Viola, Bruce Nauman, Gary Hill, Hermine Freed, Videofreex, Max Almy, Han Breder, Vali Export & Peter weibel, Albert Merino, Marisa González, Iván Marino, Carles Congost, Cabello/Carceller, Aimar Gómez Gil, Ryo Hirano, Yuan Keru, etc.

 

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Cabello / Carceller solo exhibition at Regelbau 411. Kunsthal for international samtidskunst. Thyholm, Denmark.

 

Opening Dec. 14 at 2pm.

Exhibition: December 14 2019 – February 16 2020.

 

 

Helena Cabello and Ana Carceller have been working together for three decades to exploring how particular body ideals and particular notions dominate our visual culture, how these notions create special kinds of representation, and how to offer alternatives to these notions.

 

The two bunkers in Regelbau 411 each present a video work that has been transformed into two site-specific video and text installations. The artists visited the art centre on Thyholm this summer and have since developed this special exhibition design.

 

 

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19.07 – 01-12.2019

CCCB, Barcelona

 

¡FEMINISMOS! reúne las exposiciones «La Vanguardia Feminista de los años 70. Obras de la VERBUND COLLECTION, Viena» y «Coreografías del género» y un extenso programa de actividades para poner de manifiesto el diálogo, las continuidades y las rupturas entre el feminismo radical de los años setenta y los feminismos actuales.

 

Los años setenta marcaron un punto de inflexión en el movimiento feminista. Una nueva generación irrumpió en la vida pública para dar la vuelta al mundo y sacudir el orden simbólico establecido a través de múltiples prácticas y representaciones culturales. El arte que surgió entonces fue rompedor, tanto por el uso de los lenguajes y las formas como por su desafío de las construcciones de género, la reivindicación del derecho a decidir sobre el propio cuerpo y la denuncia de las violencias machistas, o el descubrimiento crucial de que lo personal también es político.

 

La explosión de libertad y creatividad del feminismo de los setenta ha sido una fuente de inspiración constante para los feminismos actuales, que han estallado en una riqueza y pluralidad sin precedentes, pero también para muchos otros movimientos de emancipación colectiva. En el contexto actual de auge del conservadurismo y de regresión de los derechos, el proyecto ¡FEMINISMOS! quiere reivindicar la aportación capital de las luchas por la igualdad y la diversidad de los feminismos que han cambiado definitivamente nuestra manera de entender el mundo.

 

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Cabello/Carceller

Helena Cabello (París, 1963) i Ana Carceller (Madrid, 1964)

Viuen i treballen a Madrid

 

 

L’obra de Cabello/Carceller se situa en un territori des del qual qüestionen, reflexionen i/o fracturen els rols i estereotips associats al gènere. Entenen la identitat com quelcom que es construeix en conflicte o d’acord amb un entorn social, cultural, polític i econòmic. Assenyalar un `jo´ que es troba sempre en relació als `altres´ és una idea que vertebra la seva producció.

 

En les seves obres es revisen els patrons que es vinculen de forma estàtica tan als rols masculins com femenins. D’aquesta manera, en les seves peces es subverteixen imatges, codis de comportament i actituds, associades a allò que es considera generalment com a masculí o femení.

 

La relectura que des del seu treball aquestes dues artistes exerceixen d’aquests models situa a l’espectador davant múltiples prejudicis, valors assumits i contradiccions que aconsegueixen desestabilitzar de forma efectiva una visió unívoca de la realitat.