Cabrita

Lisboa, 1956

Viu i treballa a Lisboa

 

El complex treball de Cabrita es pot caracteritzar per un discurs filosòfic i poètic idiosincràtic que abasta una gran varietat de mitjans: pintura, fotografia, dibuix i escultures compostes de materials industrials i objectes trobats.

 

El seu treball ha rebut un reconeixement internacional esdevenint crucial per a la comprensió de l’escultura des de mitjan anys vuitanta. Mitjançant l’ús de materials senzills que es sotmeten a processos constructius, Cabrita recicla reminiscències gairebé anònimes de gestos primordials i accions repetides de la vida quotidiana. Centrades en qüestions relacionades amb l’espai i la memòria, les seves obres obtenen un suggeridor poder d’associacions que pot arribar a una dimensió metafòrica, més enllà del visual.

 

La complexa diversitat teòrica i formal del treball de Cabrita parteix d’una reflexió antropològica, contrària al reduccionisme del discurs sociològic. De fet, silencis i reflexions són la base del treball de Cabrita.

Compositions. Flotation line

27.09.18 – 30.09.18

Industrial Akroll

27.9 / 28.9 / 29.9, 11 am-8 pm + 30.9, 11 am-3 pm

 

The former “Industrial Akroll” factory in L’Hospitalet de Llobregat started out as a house-workshop. In the 60’s of the 20th century it grew up to a 2.000 m2 surface dedicated to the production of small metallic pieces for footwear, such as buckles and other ornaments. The machines made such a noise that there was a system of codes with coloured lights to communicate inside the whole factory. Calera Studio is currently promoting a new project to transform the building to artistic and cultural uses and to dynamise the surroundings of Can Trinxet in Santa Eulalia and the Cultural District of L’Hospitalet de Llobregat.

 

With Flotation Line, Teresa Solar Abboud presents a sculptural set that evokes a marine landscape intervened by humanity. Through different elements inspired by marine flora and fauna, as well as objects and instruments that suggest man’s relationship with the sea, the artist offers us a “sculptural ecosystem” – as she defines it – with the desire to fictionally transform the exhibition space into an aquatic environment. In the installation we distinguish elements such as the ladder of a boat, the hand of a diver or a hoisted whale, as well as other objects and figures that are related to stories from classical mythology related to the marine environment. The work starts from a formal and conceptual investigation around the waterline understood as an unstable horizon that becomes a border, an axis that separates two realms and generates a distinction between everything that remains below and above the surface of the water. This floating line is represented in the space by a long arched blue tube that articulates the space horizontally and in relation to which the rest of the elements are arranged at different heights. Other smaller pieces, such as glazed ceramics, bronze eyes or an arched shape rubber bone, also form part of the set. Flotation Line is a Solar Abboud production that results from the curatorial commission Chus Martínez gave to the artist for her monographic exhibition at Der Tank (the exhibition space of the Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW, in Basel), which was inaugurated at the beginning of last summer. For her participation in BGW’s programme Compositions, the artist has adapted this sculptural set to the characteristics of this old factory space.

Centre Cultural La Nau, Sala Acadèmia, València

20.9 – 25.11.2018

 

 

Organitza i produeix: Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid i  MNAC, Museo Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona

Projecte: Pedro G. Romero

Comissariat: Ángel Calvo Ulloa i Nuria Enguita Mayo

Col·laboren: Álvaro Perdices (Madrid), Lola Lasurt (Barcelona), Patricia Gómez i Mª Jesús González (València)

 

 

Habitació. Pedro G. Romero. L’Arxiu F.X., les txeques psicotècniques de Laurencic i la funció de l’art és una mostra creada a partir de l’Arxiu F. X., que des del final dels anys noranta treballa sobre les txeques psicotècniques que Alfonso Laurencic va construir per al convent de Santa Úrsula de València i les esglésies dels carrers de Vallmajor i Saragossa de Barcelona entre 1937 i 1939. El projecte explora els desenganys de l’ampliació psicotròpica de la percepció, las necessàries crisis de la visió utòpica i els límits mateixos de l’art.

 

Per a HABITACIÓ s’ha convidat, a més, les artistes Patricia Gómez i María Jesús González, Lola Lasurt i Álvaro Perdices, a que treballaren al voltant de les txeques amb els mateixos materials i categories del mateix Arxiu FX.

 

Aquesta exposició proposa una revisió de les avantguardes a partir de la radicalització estètica que van suposaren, vinculada a la radicalització política a través de les imatges recopilades en l’Arxiu FX o de la reconstrucció de les txeques psicotècniques d’Alphonse Laurencic. Imatges i obres que, en definitiva, constitueixen un testimoni i incentiven un debat crític sobre la iconoclàstia política esdevinguda a l’Estat Espanyol. Es reclama, a través de l’exposició, una nova mirada conscient de les contradiccions i paradoxes que han acompanyat la utopia política i l’estètica artística radical

 

 

 + info

Espai Joan Brossa, Barcelona

25.9.2018 – 20h

 

Enrique Baeza aterra a l’Espai Joan Brossa per convertir l’entrevista en una expressió artística. Amb “Retrats de paraula”, un projecte que ja ha estat presentat a ciutats com Nova York, Miami, Buenos Aires o Madrid, la nova seu de la Fundació comença a caminar i a omplir-se de poesia, de creació i de vida.

 

Per tal d’assistir-hi, cal confirmar assistència a través del correu fundacio@fundaciojoanbrossa.cat o del telèfon 934589984. L’acció té un aforament màxim de 80 persones i un cop començada no es podrà accedir al recinte.

 

+ info

Kunstverein in Hamburg, Hamburg

Performance 13.9.2018, 19h

 

Helga Maria Klosterfelde Edition, Berlin

Performance 28.9.2018, 19.30 h

 

 

Annika Kahrs’ new performance THIS IS A LOVE SONG negotiates the field of tension between the musical notion of romantic love and the actually lived communication in a partnership. Singing about love has been passed on since antiquity, with the idea of what love is repeatedly undergoing changes. Our present-day understanding of love as it is addressed in movies, pop songs or romantic novels has existed in its popular form only since the 19th century. Especially in pop music, love lyrics are the most widespread, often consisting in the simplified longing for and idealization of partner relationships, which Kahrs contrasts with the mundane and complex issues that a relationship involves.

 

For THIS IS A LOVE SONG, Kahrs stages a song recital, with the presentation of the songs shifting more and more to a discussion on the existing conditions between the performers.

 

 

+ info

 

+ info

Artium, Vitoria-Gasteiz

21.9.2018 – 25.8.2019

 

La exposición Queda mucho pasado por delante. Oroi nos enfrenta a la Colección de Artium como una imagen de la memoria, múltiple y compleja del presente. Memoria que nos constituye como personas, que da cuerpo al lenguaje y a la representación, al tiempo y al documento, al enigma y la sospecha. La exposición incluye 102 obras de la Colección, herramientas de análisis que abordan la memoria desde diferentes implicaciones sociales y culturales en su relación con la historia, la economía o el poder.

 

Artistas: Ignasi Aballí, Elena Aitzkoa, Vicente Ameztoy, José Ramón Amondarain, Guido Anderloni, Cecilia Andersson, Ibon Aranberri, Judas Arrieta, Txomin Badiola, Jordi Bernadó, Ramón Bilbao, Elena Blasco, Bleda y Rosa, Jacobo Castellano, Colectivo Cambalache, José Dávila, Jiri Georg Dokoupil, Pep Durán, Mirari Echávarri, Joan Fontcuberta, Susy Gómez, Abian González Francés, Eduardo Hurtado, Aldo Iacobelli, Carlos Irijalba, Iñaki Larrimbe, Abigail Lazkoz, Miki Leal, Mateo López, Isidro López Aparicio, Rogelio López Cuenca, Cristina Lucas, Mateo Maté, Asier Mendizabal, Elena Mendizabal, Haroon Mirza, Pedro Mora, Juan Luis Moraza, Moris, Antoni Muntadas, Jorge Oteiza, Benjamín Palencia, Alberto Peral, Javier Pérez, Txuspo Poyo, Concha Prada, Sergio Prego, Gonzalo Puch, Miguel Ángel Ríos, Pedro G. Romero, Francisco Ruiz de Infante, Ixone Sádaba, Ignacio Sáez, Avelino Sala, Fernando Sánchez Castillo, Olve Sande, Richard Serra, Adolfo Schlosser, José María Sicilia, Fernando Sinaga, Antoni Tàpies, Francesc Torres, Darío Urzay, Javier Vallhonrat, Joana Vasconcelos, Azucena Vieites, Darío Villalba, Robert Waters, B. Wurtz.

 

+ info

Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg

8.9.2018 – 6.1.2019

 

In the course of the past decades the coexistence of the visual arts and music on an equal footing has resulted in a large number of artists whose work cannot be clearly allocated to only one of the two disciplines. Kunstmuseum Magdeburg presents these different themes concerning art and music by way of numerous examples from the fields of sculpture, installation and video in a major survey exhibition.

 

The title Ambitus means in music the vocal range of a voice or an instrument and stands for the range or the distance between the highest and the lowest note. In the exhibition AMBITUS. Art and music today. the range shows the diversity and variety of the participative artists and works of art.

 

Artists:

Werner Amann, Cory Arcangel, Eberhard Blum, Candice Breitz, Robbie Cornelissen and Kees Went, William Engelen, Jonas Englert, Douglas Henderson and David Henderson, Annika Kahrs, Rainer Kohlberger, Christina Kubisch, Kaffe Matthews, Bjørn Melhus, Michaela Melián, Haroon Mirza, People Like Us (Vicki Bennett), Ute Pleuger, Anri Sala, Marc Sabat and Mareike Yin-Yee Lee,  Yehudit Sasportas, Per Olaf Schmidt and Sebastian Neubauer, Richard T. Walker.

 

+ info