Category Archives: Teresa Solar

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Teresa Solar, among the 20 nominees to The Future Generation Art Prize, by The Victor Pinchuk Foundation (Ukraine).⁣

 

The Future Generation Art Prize is a biannual global contemporary art prize to discover, recognize and give long-term support to a future generation of artists, all under 35 years old. ⁣

 

An outstanding selection committee, appointed by a distinguished international jury, has chosen these artists who will display their works at the Pinchuk Art Centre in Kyiv. Subsequently, all of them will present their works in the Future Generation Art Prize exhibition at the Venice Biennale.⁣

 

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A Storm in a Teacup & Sideshow of a sideshow, 2012

EXPOSURES #02  

fins el 30 de maig, 2020

 

exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

 

Exposures és una sèrie d’exposicions online que pretén reflexionar sobre temàtiques relacionades amb el context actual, i al voltant de la idea general de ‘El cos i l’altre’.

 

Exposures #02
. La paraula

 

La segona proposta reuneix pràctiques conceptuals al voltant de la paraula i el llenguatge, eines bàsiques en la nostra relació amb el món i amb els altres.

Les obres d’Erick Beltrán, Joan Brossa, Pauline Bastard, Muntadas, Javier Peñafiel, Perejaume, Teresa Solar Anna Dot (artista convidada) proposen textos, frases, missatges, enunciacions, que es converteixen en recursos d’anàlisi de la realitat caracteritzant-se pel seu caràcter crític i transformador del sistema de l’art i de la societat.

 

Els treballs presentats reflexionen sobre la relació entre paraula i imatge i utilitzant diverses estratègies lingüístiques. En el cas de l’obra de Teresa Solar, juga amb l’estètica de la fonètica i els cartells d’aprenentatge d’idiomes. En altres casos s’utilitza el llenguatge des d’una dimensió sonora -com en l’obra de Perejaume, sígnica –Javier Peñafiel– o poètica –Joan Brossa.

 

En l’obra de Muntadas de 2018 s’analitzen els mecanismes de la comunicació, el llenguatge i la problemàtica relació entre la producció de coneixement i el poder econòmic. També en el cas d’Erick Beltrán, mitjançant el llenguatge, dissecciona el món per classificar-lo, categoritzar-ne, diferenciar-ne cadascun dels seus elements per així intentar comprendre´l.

 

En una línia més narrativa, l’obra de Pauline Bastard parteix d’objectes trobats casualment que li permeten encarregar a desconeguts l’escriptura de ficcions creatives.

 

Finalment, hem volgut introduir una acció que va realitzar Anna Dot a la Fundació Brossa el 2019, evidentment per la seva connexió amb Joan Brossa, però també per la reflexió poètica al voltant de la construcció de les paraules.

 

Aquesta exposició es podrà veure fins al 30 de maig.

 

Accés a l’exposició

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EXPOSURES #01

09-23, abril 2020

exposure:the fact of experiencing something or being affected by it because of being in a particular situation or place (Cambridge Dictionary)

 

Exposures és una sèrie de exposicions online que pretén reflexionar sobre temàtiques relacionades amb el context actual, i al voltant de la idea general de ‘El cos i l’altre’.

 

Exposures #01
. La primera proposta és una adaptació del projecte que vam presentar fa uns mesos per a Loop’19, que es titula 26 mil anys llum. A les obres d’ANNIKA KAHRSALICIA KOPF i TERESA SOLAR, se suma en aquesta ocasió una obra de PEDRO TORRES. Aquesta exposició es podrà veure durant 15 dies.

 

26 mil anys llum reuneix una selecció de videos que vinculen històries o reflexions personals amb l’exploració espacial, la tecnologia i la ciència.

 

El títol de l’exposició, 26 mil anys llum, fa referència a la distància que ens separa de Sagittarius A* (Sgr A*), un forat negre supermassiu situat al centre de la Via Làctia, l’observació del qual sembla confirmar que els forats negres creixen absorbint-ne d’altres menors i estrelles. L’especulació científica entorn a l’espai exterior sovint s’acosta a la ciència ficció, tal com apareix en les obres que presentem.

 

Accés a l’exposició

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Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla

Inauguración: 3.3.2020 – 20 h.

Exposición: 4.3 5.7.2020

Comisariado: Juan Antonio Álvarez Reyes

Coordinadores: Alberto Figueroa y Roxana Gazdzinski

Espacio: Claustrón Sur

 

OBRAS DE

Amina Agueznay · Kamrooz Aram · Ariella Aïsha Azoulay · Asli Çavusoglu · Gülsün Karamustafa · Jumana Manna · Asunción Molinos Gordo · Teresa Solar

 

 

La exposición Desorientalismos forma parte de una línea de investigación de este museo sobre la producción artística en el Norte de África y Oriente Próximo y está basada en Orientalismo, el conocido ensayo de Edward W. Said publicado por primera vez en 1978. En ella se procura indagar en una geografía producida por el colonialismo y caracterizada por la intención de “orientalizar lo oriental” en las representaciones culturales. En este sentido, el título de la muestra hace alusión tanto a esa herencia, como al sentido de desorientar (o perder la orientación), que puede, a su vez, propiciar el dibujar otras cartografías diferentes a las proyectadas por la historia occidental. Andalucía, por su pasado, participó de la visión orientalizante como bien atestiguan numerosos viajeros románticos y, por geografía, es un espacio tangente y fronterizo. Además, como bien señala Said en el prólogo a su libro en la edición en español, “Andalucía es un gran símbolo”, puesto que no sólo el Islam formó parte de su cultura durante varios siglos, sino que también puede ser un modelo en el que “las culturas comparten”, frente al viejo modelo de dominación imperial.

 

En el recorrido de la exposición unas obras se van relacionando con otras, pudiéndose, a su vez, producir otros encadenamientos, puesto que Desorientalismos sólo es el inicio de otras que vendrán en próximos años para continuar investigando en el proceso iniciado con muestras individuales como las de Ala Younis o Bouchra Khalili. Así, la migración de las formas, y como estas se transmutan y resignifican en el tiempo y en el espacio, inician un recorrido marcado por lo formal, con especial relevancia de la yuxtaposición y el camino de ida y vuelta que va del arte tradicional no occidental al movimiento moderno, simbolizado quizás por el término arabesco y su cuestionamiento por Kamrooz Aram y Amina Agueznay. Las cuatro obras de los años 70 de Gülsün Karamustafa, situadas en un espacio de transición, sirven de comentario y nexo con los anteriores, así como con la visión de Ariella Aïsha Azoulay sobre el conflicto fruto de la herencia colonial y sus derivas en el presente. Avanzando en el recorrido, tanto Teresa Solar como Asunción Molinos Gordo, dos artistas españolas con una fuerte vinculación con Egipto, cuestionan con sus trabajos la visión orientalizante de lo oriental. Por último, Asli Çavusoglu y Jumana Manna investigan en tradiciones culturales -la música y el color, respectivamente- para hablar sobre comunidades enfrentadas: la turca y la armenia, por un lado y por otro la israelí y la palestina.

 

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26.10.2019 – 26.01.2020

Index (Stockholm)

 

Teresa Solar works with objects and the space in between them, with narratives and broken information. Solar experiments with textures and physicality understanding art as a situation to discover, feel and think. Her exhibited objects can be sculpture and also set material, can be produced or found but is in the conjunction that the whole group becomes a para-linguistic structure with internal dialogues in several timelines.

 

In her exhibition, Teresa Solar is mixing classic Egyptian mythology, details of contemporary history and linguistic theory: A sculpture of Nut – the goddess of the night in pharaonic Egypt – becomes the axis of the space at Index Foundation and a partner in a dialogue with plenty of references. Curro, the mascot of the universal exhibition in Sevilla 1992, with its bright colors and cartoonish design, is divided in fragments of memory and disappearance. A killer whale becoming a children’s game and a stretched tiger show the porosity and elasticity of objects, nodding the capacity of art to define other ways of relating to them and modifying its signification. A canoe with a new layer of paint is now an eye, a body, an openness. And still a canoe. Gestures become objects and games, objects become unwritten words and sensual connections, lapses of time offering the next experience to be discovered.

 

André Malraux had with his imaginary museum a collection of images to construct meaning: many possible museum narratives where waiting to be built from the selected photographs collected at Malraux’s archive. What happens when instead of possible images what we have is real objects? Can objects become the museum and not just the idea of the museum? Is the museum a physical experience? Can objects disappear while becoming a museum experience? Can objects become a trigger for memory? To visit an exhibition is a confrontation with hidden languages and bits of information and, still, a visual and performative contact with colors and surfaces.

 

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Casa Encendida

11.10 – 05.01.2020

 

Esta muestra colectiva se centra en un arte que hace grande lo más pequeño, sin establecer categorías grandilocuentes para poner énfasis en elementos que forman parte de la estética de nuestro día a día. Se asumen los diferentes ritmos y el ametrallamiento de imágenes de nuestra contemporaneidad desde la política de la alegría y el propio discurrir de la existencia.

 

Tender unas sábanas al sol; escribir una receta de cocina; peinarse en un salón de belleza; escribir anotaciones en un diario o recibir masajes en nuestro cuerpo son algunas de las actividades que realizamos habitualmente en nuestra gesta diaria. Algunas de ellas se convierten en placeres sencillos, que diría Janes Bowles, y que satisfacen nuestra vida, y adornan de una gran dosis de estética lo más primario. Dignificando así lo infraordinario que de tan común parece insignificante.

 

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Artistas: Pilar Albarracín, Elena Blasco, Sol Calero, Esther Gatón, Daiga Grantina, Camille Henrot, Dorothy Iannone, Engel Leonardo, Jonathan Monk, Niki de Saint Phalle, Mika Rottemberg, Samara Scott y Teresa Solar.

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12.10 – 01.01.2019

Centro Botín

 

En 2019 el Centro Botín celebra el 25 aniversario de Itinerarios, la exposición anual que muestra los trabajos de los artistas que cada año resultan beneficiarios de la Beca de Artes Plásticas de la Fundación Botín, que se otorga desde el año 1993.

Con el objetivo de conmemorar el respaldo continuo de la Fundación Botín a la práctica artística más contemporánea, la exposición 25 años de Itinerarios: coleccionando procesos incluye una selección del trabajo de 25 artistas becados a lo largo de estos años.

Las obras de Lara Almárcegui, Basma Alsharif, Leonor Antunes,  Javier Arce, Erick Beltrán, David Bestué, Bleda y Rosa, Nuno Cera, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Karlos Gil, Carlos Irijalba, Adria Julia, Juan López, Rogelio López Cuenca, Renata Lucas, Mateo Maté, Jorge Méndez Blake, Regina de Miguel, Leticia Ramos, Fernando Sánchez Castillo, Teresa Solar Abboud, Leonor Serrano Rivas, Jorge Yeregui, David Zink-Yi, reflejan el compromiso de la institución con el arte más reciente y revelan una estrecha relación con sus 220 becarios, la mayoría de los cuales son artistas reconocidos en la actualidad.

 

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28.09.2019, 11-19h

The Current II, Convening #2 led by Chus Martínez
Featuring Ocean Archive Launch

 

Can what is necessary be as well pleasurable? Can a radical transformation, following the principles of feminism, anti-racism, and anti-fascism be easier than we think and closer than we expect?

 

A day on ideas that contribute to the invention of a new language about the Ocean, one that includes pedagogy, structural changes, science, and hopefully some joy.

 

Ocean Space has as its primordial aim to enhance—through a dialogue between art, science, advocacy, and activism—the process and the demands of becoming Earth.

 

To this process belongs not only action and a sense of urgency, but also philosophy, art, and defining culture, so that it encompasses scientific thinking and analysis, political thought, community concerns, and justice in all its complex forms.

(…)

 

Julieta Aranda

Amanda Coulson

DIS

Elena Mazzi

Skye Morét

Francesca Mussi

Katrin Niedermeier

Ingo Niermann

Alexander Tarakhovsky

Lena Maria Thüring

Tabita Rezaire

Marzia Rover

Teresa Solar

Khadija von Zinnenburg Carroll

 

with a special contribution by

Niño de Elche

 

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Dijous 19.09.19, a les 19h, al Centre Cultural Terrassa.

 

Closing de les exposicions de la Col·lecció Josep Maria Civit.

 

Civit ens convida a entendre diferents formes de pensar i de dialogar amb el present. El compromís cultural, l’experimentació amb la imatge i la pràctica d’una aventura mental són els trets distintius de la col·lecció. Tot això en l’intent de compartir una mirada més enllà de la retiniana.

 

Obres de Jordi Alcaraz, Joan Brossa, Hannah Collins, Muntadas, Pablo del Pozo, Fernando Prats, Teresa Solar, entre d’altres.

 

 

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08.06-13.10.2019

Patio Herreriano, Valladolid

 

Con poco más de un año de vida, el Museo Patio Herreriano organizó una muestra titulada Cuatro dimensiones, una exposición que proponía un recorrido por el desarrollo de la escultura en España a partir de un número importante de obras de la Colección Arte Contemporáneo.

Una dimensión ulterior, que puede verse en cinco salas de las plantas segunda y tercera del Museo, toma aquella exposición como punto de partida para realizar un ejercicio similar, y pulsar el modo en que ha evolucionado la escultura en España hasta nuestros días. Incluye muchas de las obras que integraron la muestra de 2003 y otras realizadas en fechas recientes por creadores españoles de generaciones sucesivas. Si Cuatro dimensiones eludía la vehemencia de los grandes relatos, Una dimensión ulterior refuerza también el valor de las historias pequeñas. No es baladí que el título de esta muestra haya optado por el indeterminado “una” en vez del determinado “la”, pues, como sabemos, no hay ya cabida para lecturas unívocas de las prácticas artísticas de nuestro tiempo, y la que aquí se ofrece es sólo una de tantas posibles, si bien, admitimos, pretende ser un recorrido que trate de explicar con cierta solvencia algunas de las claves de la escultura de hoy.

 

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ARCOmadrid2019 Galeria Joan Prats stand 9c09

ARCOmadrid 

27 febrero – 3 marzo, 2019

Stand 9C09

 

Con obras de : VICTORIA CIVERA, HANNAH COLLINS, HERNÁNDEZ PIJUAN, FABIAN MARCACCIO, MUNTADAS, PEREJAUME, PABLO DEL POZO, CAIO REISEWITZ, JULIÃO SARMENTO, JOSÉ MARÍA SICILIA, TERESA SOLAR, JUAN USLÉ

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CAIO REISEWITZ Encuentro con el artista y firma del libro Altamira

Jueves 28 de febrero a las 18h en nuestro stand de ARCOmadrid 2019

 

 

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“De aquellos barros estos lodos”, con Bea Espejo

La Casa Encendida, Madrid

23.1.2019 – 19.30 h

Presenta: Alicia Ventura, responsable de la Colección DKV.

Charla posterior entre Bea Espejo y Teresa Solar, artista.

 

 

“De aquellos barros estos lodos”, con Bea Espejo (crítica de arte y comisaria).

La cerámica se ha convertido en el gran borrador donde los artistas ensayan relecturas de lo popular tensando la tradición y buscando nuevas alternativas en el campo de la creación. Cada vez son más los artistas que indagan en las posibilidades del barro y su relación con el lenguaje y el pensamiento. Explorarlas exige contextualizar su significado y los roles históricos de su práctica formal. Esta conferencia hará un repaso por algunos referentes de este medio y el acercamiento, a veces directo y otras transversal, que muchos artistas tienen con la tradición y la artesanía.

 

Durante los meses de enero y febrero La Casa Encendida os invita, de la mano de Cervezas Alhambra y su Premio de Arte Emergente, a disfrutar de una serie de conferencias en las que artistas, artesanos, comisarios y expertos del mundo del arte, como David Barro, Teresa Lanceta, Bea Espejo, la Real Fábrica de Cristales de La Granja o el Centro Cerámica Talavera, se reúnen para hablar de los diferentes usos de la artesanía, la importancia de los procesos de creación artesanal y su inclusión en los lenguajes del arte contemporáneo.

 

Las charlas estarán dirigidas por la comisaria del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente, Alicia Ventura Bordes.

 

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CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles

10.10.2018 – 27.1.2019

Inauguración 10.10 – 20h

 

 

Comisariado por: Beatriz Alonso y Carlos Fernández-Pello

 

 

Querer parecer noche es una exposición que acoge diferentes formas de producción artística en Madrid para imaginar con ellas una oscuridad. En lugar de un análisis objetivo, levantamos un telón de anacronías y desfases; en lugar de un retrato de escena, nos abandonamos a las intuiciones e intrigas de palacio. Un delirio parcial, excéntrico, fruto quizá de la pasión o del secreto de alcoba, nos sirve para especular sobre aquello que hace singular a una ciudad que escapa continuamente a la continuidad. Sin una genealogía o escuela fuerte, todo lo que traza una línea temporal o narrativa es aquí, amor, ilusión o coincidencia.

 

La exposición forma parte de las diferentes celebraciones del 10º aniversario del Centro de Arte Dos de Mayo y pone en relación la obra de 58 artistas, de las cuales 20 son de nueva producción, con un peso mayoritario de la escena local.

 

 

PARTICIPAN

 

Ana Laura Aláez, Elena Alonso, Beatriz Alonso, Lara Almarcegui, Helena Almeida, Tamara Arroyo, Elena Asins, Antonio Ballester Moreno, Nora Barón, David Bestué, Alexander Calder, Jacobo Castellano, Ignacio Castro Rey, Paloma Checa Gismero, Manel Clot, June Crespo, Javier Cruz, Julián Cruz, Ángela Cuadra, Diego Delas, José Díaz, Miren Doiz, Iñaki Domingo, Marta Echaves, Mario Espliego, Patricia Esquivias, Marta Fernández Calvo, Carlos Fernández-Pello, Aurora Fernández Polanco, Javier Fresneda, Nuria Fuster, Fernando Gandasegui, Fernando García, Paula García – Masedo, Marian Garrido, Cristina Garrido, Karlos Gil, Rubén Grilo, Hisae Ikenaga, María Jerez, Fermín Jiménez Landa, Kaoru Katayama, Dai K.S., Juan López, Rubén M. Riera, Maruja Mallo, Isabel Marcos, Chus Martínez, Mariano Mayer, Fran Meana, Antonio Menchen, Joan Miró, Fran MM Cabeza de Vaca, Momu & No Es, Guillermo Mora, Isabel de Naverán, Pablo Palazuelo, Kiko Pérez, Diego del Pozo, Gregorio Prieto, Alex Reynolds, Alfredo Rodríguez, Belén Rodríguez, Manuel Saiz, María Salgado, Fernando Sánchez Castillo, Víctor Santamarina, Manuel Segade, Leonor Serrano Rivas, Teresa Solar, Julia Spínola, Miguel Ángel Tornero, José Val del Omar, Luis Vassallo, Roberto Vidal y Belén Zahera.

 

 

PUBLICACIONES

 

La exposición estará acompañada por un libro en el que participan 20 autores, cuya fecha de publicación está prevista a finales de noviembre de 2018.

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Compositions. Flotation line

27.09.18 – 30.09.18

Industrial Akroll

27.9 / 28.9 / 29.9, 11 am-8 pm + 30.9, 11 am-3 pm

 

The former “Industrial Akroll” factory in L’Hospitalet de Llobregat started out as a house-workshop. In the 60’s of the 20th century it grew up to a 2.000 m2 surface dedicated to the production of small metallic pieces for footwear, such as buckles and other ornaments. The machines made such a noise that there was a system of codes with coloured lights to communicate inside the whole factory. Calera Studio is currently promoting a new project to transform the building to artistic and cultural uses and to dynamise the surroundings of Can Trinxet in Santa Eulalia and the Cultural District of L’Hospitalet de Llobregat.

 

With Flotation Line, Teresa Solar Abboud presents a sculptural set that evokes a marine landscape intervened by humanity. Through different elements inspired by marine flora and fauna, as well as objects and instruments that suggest man’s relationship with the sea, the artist offers us a “sculptural ecosystem” – as she defines it – with the desire to fictionally transform the exhibition space into an aquatic environment. In the installation we distinguish elements such as the ladder of a boat, the hand of a diver or a hoisted whale, as well as other objects and figures that are related to stories from classical mythology related to the marine environment. The work starts from a formal and conceptual investigation around the waterline understood as an unstable horizon that becomes a border, an axis that separates two realms and generates a distinction between everything that remains below and above the surface of the water. This floating line is represented in the space by a long arched blue tube that articulates the space horizontally and in relation to which the rest of the elements are arranged at different heights. Other smaller pieces, such as glazed ceramics, bronze eyes or an arched shape rubber bone, also form part of the set. Flotation Line is a Solar Abboud production that results from the curatorial commission Chus Martínez gave to the artist for her monographic exhibition at Der Tank (the exhibition space of the Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW, in Basel), which was inaugurated at the beginning of last summer. For her participation in BGW’s programme Compositions, the artist has adapted this sculptural set to the characteristics of this old factory space.

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Der Tank – Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW, Basel / Münchenstein

13.6 – 1.7.2018

Opening reception on 12.6, 7 pm

 

Curated by Chus Martínez

Curatorial Assistance: Simon Würsten

 

How many horizons are there? Imagine the surface of all the seas, oceans, rivers, and lakes of this world as a single horizon. The water line marks the boundary between everything that is above and all that lives below. In addition, water compels us to attain a balance, a lasting relationship between our bodies and all the materials we float on. In der TANK, Spanish artist Teresa Solar presents a new group of sculptures featuring animals, images, mythologies, and other elements that share a relationship with water and the sea. How does immersion alter our way of seeing? How does water — or the ether of an art space transformed into fictional water — challenge weight and volume, and colour and position? The work is conceived as a total environment that fills the entire exhibition space.

 

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Kunstverein Braunschweig

2.6 – 19.8.2018

Opening and summer party: 1.6.2018, 7 pm

 

The group exhibition DOING THINGS WITH WORDS presents, explores and questions current trends in language- and performance-based art works. The invited artists share a particular interest in embodied speech that is inseparably tied to the movements of the performer and visitor. Against the background of the much quoted speech act theory „How to Do Things with Words“ by J. L. Austin, published in 1962, the works in the show approach various themes relating to how words and the world affect each other: how what is said ends up forming society and its structures, in turn, influencing the ways that it is described? Where do we locate the boundary between theatrical and performative speech acts and their promise of authenticity? Which strategies do artists deploy when language reaches its limits as a commonplace medium of understanding? What can be heard in the margins of what is said and how might an idea that lies beyond the utterable be presented? Influences from spoken word poetry are as evident as sculptural encounters with various forms of communication. The exhibition will be accompanied by a performance program.

 

Artists: Feiko Beckers, Mike Bourscheid, Colonial Neighbours, Christian Falsnaes, Lina Hermsdorf, Hassan Khan, Hanne Lippard, Teresa Solar, Adrian Williams

 

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Más allá de mis pies. Colección Artium

Sala de exposiciones del Ayuntamiento de Logroño

25.5 – 2.7.2018

 

Comisariada por Enrique Martínez Goikoetxea.

Artistas: Francisco Leiro, Javier Pérez, Jorge Oteiza, Ibón Aranberri, Ana Laura Alaez, Susana Solano, Alberto Peral, Asier Mendizabal, José Ramón Amondarain, Jaume Plensa, Jacobo Castellano, Carlos Schwartz, Bene Bergado, Erick Beltrán, Ulrich Vogl, Elena Asins, Santiago Serra, Sergio Prego, Shilpa Gupta, Alicia Mihai Gazcue, Txuspo Poyo, Txaro Arrázola, Juan Luis Moraza y  Manuel Sáiz.

 

La exposición se enmarca dentro del Programa SCULTOmuseo y propone un recorrido a través de 22 obras de la colección Artium, seleccionadas bajo el signo de la escultura. 

 

 

Lenguajes contemporáneos de la escultura en la Colección DKV

Capilla de la Beneficencia, Logroño

31.5 – 22.7.2018

 

Comisariada por Alicia Ventura

 

Artistas: Elena Aitzkoa, Mar Arza, Karmelo Bermejo, David Bestué, Pablo Capitán del Río, Jacobo Castellano, June Crespo, Miren Doiz, Ana Esteve Llorens, Manuel Franquelo, Marco Godoy, Ana H. del Amo, Daniel Jacoy, Ignacio Llamas, Sonia Navarro,  Ximo Ortega, Pamen Pereira, José Miguel Pereñíguez, Rodríguez-Méndez y Teresa Solar Abboud.

 

Esta muestra está enmarcada en el programa SCULTOeduca que organiza la Feria nacional de Escultura Contemporánea SCULTO.

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Expedition #1: To Find The Vegan Lion: March 9–24, Participants: Julieta Aranda; Claudia Comte; Francesca von Habsburg; Eduardo Navarro; Ingo Niermann; Markus Reymann; Albert Serra; Teresa Solar. Cameraman: Roman Bayarri

North Islands, New Zealand

Convening #1: To Find The Vegan Lion: September 28–29

Venice, Italy

 

Curated by Chus Martínez

I decided to name this three-year cycle on artistic intelligence, philosophy, science and nature the Spheric Ocean. The Ocean is spherical because it is not beside the earth nor below it, but all around it. Its form is not what our eyes see, or not only. Its reality cannot be separated nor told apart from anything else on the lived earth, and therefore it poses a demand on us: the need for a philosophy to help us exercise the Ocean. It is difficult to describe what we are aiming for. I would say we are aiming for a philosophy more than anything else. It would be wrong to think that when one says “Ocean,” one is naming a “subject.” One could be as radical as stating that to say “Ocean” is, today, to say “art.” Art without the burden of institutional life, without the ideological twists of cultural politics, art as a practice that belongs and should belong to the artists, art facing the urgency of socializing with all those that care about life. Or, in other words, to say “Ocean” is to replace the historical notion of the avant-garde with a code that is not determined by form and the invention of new gestures, but by an investigation of the substance of life, identifying this as the mission of art.

At first sight there are “things” that can only be described in positive terms, like the Ocean. It is beautiful how some experiences of nature—of the Ocean—remind us that to live means first and foremost to feel the world around us. But sensibility is not just a faculty, sensibility is much more than that: it is an organ that both senses ourselves and others, and our life is through and through a sensible life. So, being at sea, I cannot but think of the many ways we need to—we must—rehabilitate sensible existence from its marginalization at the hands of modern philosophy, art, and politics and that the only way to do so is to create the conditions for philosophy, art, and politics by defining the ontological status of experience, of organic and inorganic intelligence.

The Ocean is making me aware of its philosophical status. Being at sea is being in an atmosphere, and being in an atmosphere is a very powerful image of thought, one that immediately calls for a challenge of the distribution of disciplines in the human sciences and humanities. I imagine a philosophy of the Ocean, a philosophy of plants, a philosophy of animals, as part of a philosophy of life that will, then, be entangled with all the developments in the philosophy of consciousness. I know that many think action is first, but how can we act differently if we are unable to deeply think/sense differently? Logically speaking, no real difference can emerge from a doing that only perpetuates or corrects and reforms past doing. Also, how can doing be separated from Modernity’s stubborn pretension to see the human spirit as achieved only through the material production of objects and their exchange, that is, material culture? So, doing cannot survive without an Ocean of conditions for biological existence… I see all this water and feel a monstrous urge to reunite all thinkers and artists to meet here and start this new school of sensing intelligence.

And the next question arises: is the Ocean an art space? Or a future space within the arts? We will be addressing this paradoxical question at The Current Convening and Summer School we are organizing in Venice, in the last week of September.

–Chus Martínez

 

TBA21–Academy, founded by Francesca von Habsburg in 2011, and drawing on her experience as a producer of cross-disciplinary art installations and socially engaged cultural programming, leads artists, scientists, and thought-leaders on expeditions of collaborative discovery. TBA21A–Academy under the directorship of Markus Reymann is guided by its mission to foster a deeper understanding of the ocean through the lens of art and a belief in the power of exchange between disciplines to engender solutions for the ocean’s most pressing issues. Chus Martinez will envision three expeditions of The Current ’s second cycle. The Current is TBA21–Academy’s three-year field study programme for artists, cultural agents and scientists. Its aim is to value the crucial role artistic intelligence plays in understanding the radical reality of our climate, as well as to help us engage emotionally and cognitively with the ocean and all who inhabit it.

 

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Haus der Kunst, Munich

2.3 – 19.8.2018

Opening 1.3.2018 7pm

 

Geopolitical tensions as well as unsettling ecological, social, and economic developments are challenging the current world order. Faced with such growing uncertainty, trust in the pillars of our society is continually waning. Although it is certainly not the first time in history that the world appears to be a precarious place, there is a crucial and unprecedented difference which has fundamentally changed the way we perceive and cope with current conflicts: the world is now digitally mediated.

The artists in the exhibition Blind Faith share a growing doubt about this means of viewing the world. Consequently, they question the current conventional methods of measuring and evaluating our existence and respond by taking recourse to the human body and mind as a source of knowledge and a resonance chamber for political and social realities. Blind Faith: Between the Visceral and the Cognitive in Contemporary Art brings together 28 international artists who view the body not just as a metaphor, a site for examination or a source of information, but also as their material in the most literal sense. In the search of reality and truth in the world, sensual perception as well as alternative psychological states are investigated with a view to their potential for expanding consciousness. The informative value of body parts and organs is examined, and both the functionality and the vulnerability of the body are put on display. Adopting a wide range of media such as drawing, sculpture, video, installation, robotics, animation, sound and performance, the artists explore our understanding of the present. They probe the limits of language and knowledge production, reconsider models of historiography and fiction, and plunge into the origins of life itself. They suggest new systems of learning, establish alternative narratives, or show rituals in a new light. While the expression “blind faith” seems, at first glance, to address the methodological dangers associated with a pathology of the contemporary moment, the artistic visions in the exhibition demonstrate a new and critical, yet holistic means of seeing and understanding that encompasses both the physical and spiritual.

 

The exhibition catalog will be published in May 2018.

 

Participants include Ed Atkins, Kader Attia, Olga Balema, Melanie Bonajo with Théo Demans and Carolin Gießner, Mariechen Danz, Cécile B. Evans, Andrea Éva Győri, Benedikt Hipp, Nicholas Hlobo, Marguerite Humeau, KAYA (Kerstin Brätsch and Debo Eilers), Hanne Lippard, Wangechi Mutu, Otobong Nkanga, Jon Rafman, Naufus Ramírez-Figueroa, Mary Reid Kelley with Patrick Kelley, Lili Reynaud-Dewar, Raphael Sbrzesny, Jeremy Shaw, Teresa Solar Abboud, Jol Thomson, and David Zink Yi with Angie Keefer.

 

The exhibition is curated by Julienne Lorz, Daniel Milnes and Anna Schneider.

 

 

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Matadero Madrid

Inauguración 16.2.2018, 19h

Exposición 16.2 – 29.7.2018

 

 

Cabalga, cabalga, cabalga es una intervención site specific que ha realizado Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) para el programa Abierto x Obras, que tiene lugar en la antigua cámara frigorífica del que fue el matadero de Legazpi.

 

Solar presenta aquí una gran cabalgata de formas escultóricas similares, arcos continuos que varían en tamaño y simbología y que dejan entrever la geografía creativa de la artista. El significado de la instalación emerge no tanto de la individualidad de cada objeto como de su relación con el conjunto.

 

La artista reflexiona así acerca de la idea de tránsito y crecimiento, con una pieza que se sitúa entre la disposición morfológica razonada de los museos de anatomía y el almacén accidental y caótico de un parque de atracciones: “un paisaje vacilante que crece más como las ramificaciones caóticas de un arbusto que como las ramas definidas de un árbol genealógico”, según sus palabras.

 

El trabajo de Teresa Solar se materializa en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan. Muchos de los elementos que utiliza, como decorados y atrezzo para sus películas, funcionan posteriormente como esculturas y viceversa. Teresa Solar explora por tanto la doble naturaleza de estas formas, a través de la mirada parcial de la cámara y, posteriormente, con una nueva entidad en la sala.

 

Abierto x Obras, en Matadero Madrid, es un programa de intervenciones site specific que invita a artistas a realizar una pieza de nueva producción incentivando el carácter experimental de la creación contemporánea a través de planteamientos que exploran la relación entre el arte y el lugar que lo acoge, la antigua cámara frigorífica del Matadero.

 

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La Madraza Centro de Cultura Contemporánea UGR, Granada

22.11 – 18.12.2017

 

En ARCOmadrid 2017, en el mes de febrero, ya se presentó esta primera edición del Premio, así como las obras de los artistas escogidos, que ahora son exhibidas por primera vez después de la feria de arte contemporáneo.

 

Sólo se seleccionó a cinco artistas, que comenzaron a trabajar en sus obras inspirándose en la Alhambra. “Los artistas encuentran en recursos artesanales una nueva forma de lenguaje y lo vuelven contemporáneo”, ha señalado Alicia Ventura.

 

Más tarde, un jurado internacional de prestigio eligió la pieza ganadora, titulada Señas y sonidos del Palacio Rojo (leones/reyes/abencerrajes), de José Miguel Pereñíguez. Los visitantes podrán disfrutar de esta obra y de las otras cuatro escogidas: Lipogramas de Alegría y Piñero; Aljibe de Jacobo Castellano; Pétalo, hueso, aguja, huso de Miren Doiz; y Masa de infinita enormidad de Teresa Solar Abboud.

 

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Skulpturenpark Köln, Cologne

October 2017 – June 2019

Opening 15 October, 2017

 

Under the exhibition title “La Fin de Babylone. Mich wundert, dass ich so fröhlich bin!” the curator Chus Martínez invites you to listen to the stories that the park has to tell.

The focus is on eight new works by artists Andrea Büttner, Claudia Comte, Jan Kiefer, Eduardo Navarro, Solange Pessoa, Lin May Saeed, Teresa Solar, and Pedro Wirz. The artworks are not magic, though they all share the idea that sensation is what fuels a new imagination of the world we are living in. They all animate the nonhuman – nature, metal, wood, stone, Earth – and bear witness to a common territory between us and animals, between plants and geological life.

 

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Kunstverein München e.V., Munich
4 February – 20 December 2017

 

From 4 February until 20 December 2017, Kunstverein München presents Theatre of Measurement – an ongoing group exhibition in (and out of) the Schaufenster am Hofgarten. The curators have invited Munich-based artist Jonas von Ostrowski to operate as the exhibition’s scenographer to accentuate the physical structure of the Schaufenster and to responsively frame and support a selection of objects by international artists. These will be presented at specific intervals throughout the year within the Schaufenster, but also within the Kunstverein’s Kino, its Foyer, or in other off-site locations and times.

 

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La galería Joan Prats participa en ARCO 2017 con los artistas Erick Beltrán, Fernando Bryce, Victoria Civera, Hernández Pijuan, Perejaume, Juan Uslé, Julião Sarmento, José Maria Sicilia, Teresa Solar Abboud.

 

 

STAND 9C09 – ARCO 2017

 

Fechas:
del 22 al 26 de febrero de 2017

Visita profesional:
miércoles 22 | de 12.00 a 20.00 horas

Jueves 23:  de 12.00 a 20.00 horas
Inauguración oficial: de 10.00 a 12.00h.

Abierto al público:
viernes  24, sábado 25 y domingo 26 : de 12.00 a 20.00 horas

Lugar:
pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid